Η διαδικτυακή μας γκαλερί τέχνης διαθέτει τη μεγαλύτερη συλλογή πρωτότυπων έργων τέχνης στο διαδίκτυο, συμπεριλαμβανομένης μιας αποκλειστικής συλλογής έργων τέχνης angels από αναδυόμενους και διάσημους καλλιτέχνες από όλο τον κόσμο. Το Artmajeur προσφέρει όντως εκατομμύρια έργα τέχνης όπως πίνακες, γλυπτά και φωτογραφίες από τους σημερινούς μεγαλύτερους σύγχρονους καλλιτέχνες!
Αγοράστε με ασφάλεια όλη την τέχνη που αγαπάτε στο Artmajeur
Youάχνετε για angels έργα τέχνης προς πώληση ; Μπορείτε να αγοράσετε με ασφάλεια πίνακες για το angels , καθώς και γλυπτά, φωτογραφίες ή σχέδια: όλες οι αγορές σας καλύπτονται από την πολιτική επιστροφής 14 ημερών, χωρίς ερωτήσεις! Τα έργα τέχνης που παρουσιάζονται στη γκαλερί πωλούνται σε εγγυημένη τιμή, με δωρεάν μεταφορικά.
Βρείτε πίνακες και έργα τέχνης "angels" κοντά σας
Η γεωγραφική μηχανή αναζήτησης στο Artmajeur σάς επιτρέπει επίσης να βρείτε έργα τέχνης κοντά σας, με αυτόν τον τρόπο μπορείτε εύκολα να βρείτε πρωτότυπη τέχνη στην πόλη, την περιοχή ή οποιαδήποτε τοποθεσία επιλέξετε. Ορισμένοι πωλητές μπορούν επίσης να παραδώσουν δέματα μόνοι τους εάν το στούντιο τους βρίσκεται κοντά στην τοποθεσία σας.
Αποκτήστε μια προσαρμοσμένη επιλογή ζωγραφικής και έργων τέχνης
Ένας τέλειος τρόπος για να κάνετε το σπίτι σας όσο το δυνατόν πιο εξατομικευμένο είναι με μια προσαρμοσμένη επιλογή έργων τέχνης. Τα έργα τέχνης διατίθενται σε επιλογή θεμάτων, μεγεθών, ειδών, σχημάτων, στυλ, θεμάτων, χρωμάτων και θεμάτων. Εάν έχετε μια συλλογή έργων τέχνης που αποτελείται από εκατοντάδες πίνακες ζωγραφισμένους στο χέρι ή με άλλο τρόπο, μπορείτε να επιλέξετε αυτούς που εκφράζουν καλύτερα τα ενδιαφέροντά σας.
Για να επιλέξετε πίνακες για τη συλλογή σας που ταιριάζουν με τα γούστα και το στυλ σας, μπορείτε να χρησιμοποιήσετε τις επιλογές του μενού στο πλάι. Απλώς επιλέγοντας επιλογές όπως χρώμα, θέμα, τιμή, θέμα, η επιλογή σας θα ενημερωθεί αυτόματα. Μπορείτε επίσης να αποθηκεύσετε οποιαδήποτε έργα τέχνης που σας αρέσουν ως αγαπημένα: αυτό θα σας επιτρέψει να διατηρήσετε τα προσωπικά σας αγαπημένα για μελλοντική χρήση. Εάν πρέπει να μοιραστείτε τα έργα τέχνης σας με άλλους, μπορείτε επίσης να δημοσιοποιήσετε τις συλλογές σας, είναι ένας δημιουργικός τρόπος για να μοιραστείτε την τέχνη που προτιμάτε με άλλους λάτρεις της τέχνης, φίλους ή ακόμα και πελάτες.
Μπορεί να υπάρχει ένας μεγάλος αριθμός έργων τέχνης που σχετίζονται με το angels : Wether που αγοράζετε για πρώτη φορά στο διαδίκτυο ή ήδη είστε συχνός αγοραστής, μπορεί να είναι τόσο εκφοβιστικό όσο και χρονοβόρο να βρείτε το σωστό έργο τέχνης στο διαδίκτυο:
Η ομάδα μας συμβούλων τέχνης είναι εδώ για να σας βοηθήσει: Η Artmajeur θέλει να κάνει την αγορά τέχνης στο διαδίκτυο εύκολη και ασφαλή. Όλα τα έργα τέχνης μας συνοδεύονται από 100 % εγγύηση επιστροφής χρημάτων, ώστε να αισθάνεστε απόλυτα ασφαλείς για την online απόκτησή σας μαζί μας.
Δημιουργήσαμε μια πλατφόρμα για τους καλλιτέχνες να ανεβάζουν τα έργα τους απευθείας στον ιστότοπό μας, προκειμένου να σας βοηθήσουν να βρείτε το τέλειο κομμάτι. Περιηγηθείτε σε χιλιάδες εκτυπώσεις, γλυπτά και πίνακες ζωγραφικής από τους σημερινούς κορυφαίους καλλιτέχνες. Οι τιμές κυμαίνονται από πολύ προσιτά έργα τέχνης, μέχρι πολύτιμα κομμάτια για επένδυση, ανάλογα με τον τύπο και το μέγεθος του έργου τέχνης που ψάχνετε και τις απαιτήσεις του χώρου σας. Είναι εκπληκτικό να βλέπεις την ποικιλία των πρωτότυπων έργων τέχνης που διατίθενται στο διαδίκτυο. Η Artmajeur τα έχει όλα, είτε ψάχνετε μια όμορφη και ακριβή ελαιογραφία είτε ένα έπιπλο για το σπίτι σας.
Υπάρχει μια μεγάλη ποικιλία καλλιτεχνικών παραδόσεων από όλη την Ασία που συνθέτουν την ιστορία της ασιατικής τέχνης. Η Κεντρική Ασία, η Ανατολική Ασία, η Νότια Ασία, η Νοτιοανατολική Ασία και η Δυτική Ασία είναι τα πιο εξέχοντα μέρη της ασιατικής ηπείρου.
Η τέχνη της Ανατολικής Ασίας περιλαμβάνει τους πολιτισμούς της Κίνας, της Ιαπωνίας και της Κορέας, ενώ η τέχνη της Κεντρικής Ασίας κυριαρχείται από δημιουργίες από τους Τούρκους λαούς της ευρασιατικής στέπας. Η τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας αποτελείται από τις τέχνες της Ταϊλάνδης, του Λάος, του Βιετνάμ, της Σιγκαπούρης, της Ινδονησίας και των Φιλιππίνων, ενώ η νοτιοασιατική τέχνη αναφέρεται στις τέχνες της ινδικής υποηπείρου. Η τέχνη από την Εγγύς Ανατολή ή τη Δυτική Ασία περιλαμβάνει την τέχνη της Μεσοποταμίας από την αρχαιότητα και την ισλαμική τέχνη από τη σύγχρονη εποχή.
Η εξέλιξη της ασιατικής τέχνης είναι παρόμοια με αυτή της δυτικής τέχνης από πολλές απόψεις. Οι πολιτισμοί αναμειγνύονταν με μέσα όπως η μεταφορά της τέχνης του Δρόμου του Μεταξιού, η πολιτιστική ανταλλαγή κατά την Εποχή της Ανακάλυψης και του αποικισμού, και μέσω του Διαδικτύου και της τρέχουσας παγκοσμιοποίησης. Αν εξαιρέσουμε την τέχνη της Λίθινης Εποχής, η τέχνη της Μεσοποταμίας είναι η αρχαιότερη τέχνη στην Ασία.
Το σύγχρονο Κιργιστάν, Καζακστάν, Ουζμπεκιστάν, Τουρκμενιστάν, Αζερμπαϊτζάν, Τατζικιστάν, Αφγανιστάν, Πακιστάν και ορισμένες περιοχές της σύγχρονης Μογγολίας, Κίνας και Ρωσίας θεωρούνται όλα μέρος της περιοχής της Κεντρικής Ασίας, η οποία φιλοξενεί πλούσια ιστορία και μια μεγάλη ποικιλία καλλιτεχνικών παραδόσεων. Η τέχνη της Κεντρικής Ασίας από την αρχαιότητα έως τον Μεσαίωνα απεικονίζει τον ποικίλο πληθυσμό και την πολιτιστική κληρονομιά της περιοχής. Η πολιτιστική κληρονομιά της Κεντρικής Ασίας αντικατοπτρίζει την πολυπολιτισμική σύνθεση της περιοχής με εκπληκτικούς τρόπους, όπως αποδεικνύεται από τα καλλιτεχνικά αντικείμενα της περιοχής. Η σκυθική τέχνη, η ελληνοβουδιστική τέχνη, η σερινδική τέχνη, ακόμη και ο σύγχρονος περσικός πολιτισμός είναι όλα μέρος αυτής της περίπλοκης ιστορίας, η οποία περιλαμβάνει επίσης τη μετάδοση της τέχνης μέσω του Δρόμου του Μεταξιού.
Οι μετανάστες βοσκοί που ασκούσαν μικτές οικονομίες στην περιφέρεια καθιστικών κοινοτήτων αποκαλούσαν τα λιβάδια της Κεντρικής Ασίας (από την Κασπία Θάλασσα στην κεντρική Κίνα και από τη νότια Ρωσία έως τη βόρεια Ινδία) πατρίδα από τα τέλη της 2ης χιλιετίας π.Χ. μέχρι σχετικά πρόσφατα. Η προϊστορική τέχνη του «ζωικού στυλ» αυτών των ποιμενικών νομάδων αποκαλύπτει όχι μόνο τους ζωόμορφους μύθους και τις σαμανικές τελετουργίες τους, αλλά και τη διάθεσή τους να ενσωματώσουν τα σύμβολα της εγκατεστημένης κουλτούρας στις δικές τους πρακτικές.
Πολιτισμοί από όλο τον κόσμο συναντήθηκαν και συγχωνεύτηκαν στην Κεντρική Ασία, καθιστώντας την το νευρικό κέντρο του αρχαίου Δρόμου του Μεταξιού που συνέδεε την Κίνα με τη Μεσόγειο. Οι αναπτυσσόμενες κοινότητες την τρίτη και δεύτερη χιλιετία π.Χ. αποτελούσαν μέρος ενός τεράστιου εμπορικού δικτύου που συνέδεε την Κεντρική Ασία με την κοιλάδα του Ινδού, τη Μεσοποταμία και την Αίγυπτο.
Η ισλαμική τέχνη είχε μεγάλη επιρροή στη δυτική τέχνη τους τελευταίους αιώνες, αλλά οι παλαιότεροι πολιτισμοί άντλησαν έμπνευση από ένα ευρύ φάσμα πηγών, συμπεριλαμβανομένων των τεχνών της Κίνας, της Περσίας και της Ελλάδας, καθώς και το στυλ των ζώων, που εμφανίστηκε μεταξύ των νομάδων οι στέπες.
Οι πολιτιστικές πρακτικές από την Ανατολική Ασία περιλαμβάνουν τις εικαστικές τέχνες, τη λογοτεχνία και τις τέχνες του θεάματος της Κίνας, της Κορέας και της Ιαπωνίας. Δεδομένου ότι δεν έχουν πρακτικό σκοπό και δεν περιλαμβάνουν χειρωνακτική εργασία, μόνο η ζωγραφική και η καλλιγραφία έχουν το καθεστώς των «πραγματικών καλών τεχνών» στην Κίνα. Η γλυπτική, μαζί με τη χύτευση και τη γλυπτική χαλκού, καθώς και την παραγωγή κεραμικών, υφασμάτων, μεταλλουργίας και βερνικιού, θεωρούνται όλα χειροτεχνία. Τα παραδοσιακά κινεζικά κτίρια είναι σχεδόν συχνά κατασκευασμένα από ξύλο και έχουν μια πλατφόρμα, πλαίσιο μετά και υπέρθυρο, βραχίονες στήριξης οροφής και βαριά, κεκλιμένη οροφή.
Τρεις παράγοντες, συμπεριλαμβανομένης της βουδιστικής εικονογραφίας, των αυτόχθονων ιαπωνικών θεμάτων και παραδόσεων και των κινεζικών εικαστικών τεχνών, είχαν σημαντικές επιπτώσεις στην ιαπωνική οπτική κουλτούρα. Ο Ναός Hry, που χτίστηκε τον έβδομο αιώνα, ήταν η πρώτη κατασκευή που χρησιμοποίησε τις ασύμμετρες διατάξεις που θα χαρακτηρίσουν την ιαπωνική αρχιτεκτονική. Η πολύχρωμη ξυλογραφία, που εξελίχθηκε στην εμβληματική εκτύπωση ukiyo-e, και οι πίνακες ζωγραφικής του 16ου έως του 18ου αιώνα είναι χαρακτηριστικά παραδείγματα της ενασχόλησης των Ιαπώνων ζωγράφων με την αφαίρεση από τη φύση. Η χρήση της πέτρας στην οικοδόμηση και τη γλυπτική και η ανάπτυξη ενός εξαίσιου λούστρου από Celadon είναι δύο από τις πιο χαρακτηριστικές συνεισφορές της Κορέας στις τέχνες.
Μεταξύ των παγκόσμιων λογοτεχνιών, η Κίνα έχει τη μεγαλύτερη αδιάσπαστη ιστορία (πάνω από 3.000 χρόνια). Η ιστορία του είναι περίπλοκα συνυφασμένη με αυτή της γραπτής γλώσσας που μοιράζεται με την Κορέα και την Ιαπωνία. Μπαλάντες, θρύλοι, δράματα με μάσκες, κείμενα κουκλοθεάτρου και κείμενα p'ansori ("ιστορίες") αποτελούν μέρος της πλούσιας προφορικής ιστορίας της Κορέας και η χώρα έχει επίσης μια ισχυρή γραπτή παράδοση ποίησης (κυρίως μορφές hyangga και sijo) . Δεδομένου ότι ούτε η Ιαπωνία ούτε η Κορέα είχαν τη δική τους γραπτή γλώσσα, οι λογοτεχνικές παραδόσεις και των δύο χωρών δανείστηκαν σε μεγάλο βαθμό από την Κίνα (αν και τα ιαπωνικά συλλαβικά συστήματα εμφανίστηκαν περίπου το 1000 και το κορεατικό Χανγκούλ αναπτύχθηκε τον 15ο αιώνα). Η ποίηση από την Ιαπωνία, ειδικά στη μορφή χαϊκού, είναι γνωστή παγκοσμίως για τη λεπτή ευαισθησία της και χρονολογείται από τον 7ο αιώνα μαζί με τους πολλούς λογοτεχνικούς θησαυρούς της χώρας, όπως το The Tale of Genji.
Η μουσική της Ανατολικής Ασίας, όπως και η δυτική μουσική, δημιούργησε μια πεντατονική κλίμακα βασισμένη σε λεξιλόγιο 12 τόνων, αλλά η βάση της είναι ευδιάκριτη. Τα σύνολα της Ανατολικής Ασίας τείνουν να είναι σχετικά μικρά και οι συνθέτες στην περιοχή συνήθως δίνουν προτεραιότητα στη μελωδία και τον ρυθμό πάνω από την αρμονική πολυπλοκότητα. Αξίζει να σημειωθεί ότι στις χώρες της Ανατολικής Ασίας, η μουσική, ο χορός και το δράμα συνδέονται συχνά και δεν υπάρχουν στοιχεία για διακριτή εξέλιξη της φόρμας στις σχετικές κατηγορίες του χορού και του θεάτρου της Ανατολικής Ασίας. Χορευμένες πομπές, χορευτική όπερα (τζινγκσι ή «Πεκίνο» και άλλα είδη κινεζικής όπερας), θέατρο σκιών, κουκλοθέατρο και παιχνίδια διαλόγου με μουσική και χορό είναι μόνο λίγες από τις πολλές ποικιλίες παραστατικών τεχνών της Ανατολικής Ασίας (π.χ. Ιαπωνικά καμπούκι). Τα έργα των Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun και Murasaki Shikibu αξίζει επίσης να διερευνηθούν, όπως και η ikebana, το δίπλωμα χαρτιού σε στυλ Jgan, η ζωγραφική με κύλιση, το shinden-zukuri, το shoin-zukuri, το sukiya-style, Αρχιτεκτονική σε στιλ Tempyu και σε στιλ Tori.
Οι τέχνες της Ινδίας, του Πακιστάν, του Μπαγκλαντές και της Σρι Λάνκα είναι συχνά γνωστές ως Νότια Ασία. Μια πληθώρα αρχαίας κειμενικής λογοτεχνίας στα σανσκριτικά, τα πρκριτικά και τις τοπικές γλώσσες βοήθησε να έρθουν κοντά οι άνθρωποι της ινδικής υποηπείρου, όπως και μια κοινή πολιτιστική και ηθική προοπτική. Παρά τη διαίρεση της περιοχής σε ένα καλειδοσκόπιο πολιτικών προτύπων κατά τη διάρκεια των αιώνων, η υποήπειρος στο σύνολό της έχει κοινές μουσικές και χορευτικές παραδόσεις, τελετουργικά τελετουργικά, θρησκευτικές πρακτικές και λογοτεχνικές ιδέες.
Τα έπη της Νότιας Ασίας, όπως το Rmyaa και το Mahbhrata, παρέχουν μια εικόνα του πολύπλοκου ιστού των σχέσεων μεταξύ των πολλών λαών της περιοχής. Υπάρχουν σαφείς ενδείξεις για μια οικογενειακή σχέση μεταξύ των θεών και των ηρώων ευρέως διαχωρισμένων τοποθεσιών, και πολλά από τα ίδια τα τοπωνύμια παραπέμπουν σε κοινά προηγούμενα. Υπήρξαν επίσης επίμονες προσπάθειες για τη δημιουργία ενιαίας πολιτικής τάξης στην περιοχή. Τον τρίτο αιώνα π.Χ., για παράδειγμα, ο αυτοκράτορας Aoka έλεγχε το μεγαλύτερο μέρος αυτής της περιοχής. Τον ενδέκατο αιώνα μ.Χ., ο Rajendra I του Chai κατέλαβε μεγάλο μέρος της Ινδίας και της Νοτιοανατολικής Ασίας. και τον δέκατο έκτο αιώνα μ.Χ., ο μεγάλος Mughal Akbar έκανε το ίδιο. Τα σύνορα έχουν αυξηθεί και συρρικνωθεί σε όλη την ιστορία της Νότιας Ασίας, ενώ ενώνονται και χωρίζονται επίσημα ως ολοκληρωμένες περιοχές, αλλά η κουλτούρα παρέμεινε συνεπής σε όλη τη διάρκεια.
Υπήρχε μια ευρέως διαδεδομένη εκτίμηση για την ομορφιά των βουνών και των ποταμών της περιοχής λόγω του κοινού φυσικού της περιβάλλοντος. Τα Ιμαλάια, που εκτείνονται κατά μήκος των βόρειων συνόρων, είναι τα ψηλότερα βουνά του κόσμου και αντιπροσωπεύουν ένα πολιτιστικό ιδανικό μεγαλείου, αγνότητας και παρθένου χιονιού. Ποτάμια όπως ο Βραχμαπούτρα και ο Ινδός τιμούνται ως «μητέρες» στις αντίστοιχες περιοχές τους λόγω της αφθονίας του νερού που παρέχουν.
Υπάρχει μια ευρέως διαδεδομένη πεποίθηση ότι στις λίμνες και τις πηγές της περιοχής κατοικούν υδάτινες νεράιδες και νεράιδες, γνωστές αντίστοιχα ως ngas και yakas. Το όνομα μιας πρώιμης δυναστείας στο Κασμίρ, το Karkoa, είναι από μόνο του συμβολικό της λατρείας nga. Αρχαία θρησκευτικά αντικείμενα, όπως αγάλματα ngas και yakas που έχουν ανακαλυφθεί σε διάφορες τοποθεσίες, υποδηλώνουν ένα κοινό λατρευτικό ήθος, όπως και τα θρησκευτικά κείμενα που μεταδίδονται προφορικά για αιώνες χωρίς να χάσουν τον παρθένο τόνο τους. Γλυπτά που απεικονίζουν έναν παρόμοιο κλασικό χορό μπορούν να βρεθούν στις πακιστανικές πόλεις Gandra, Bhrhut και Amarvat.
Στη Νότια Ασία, είναι απαραίτητο να είστε καλά γνώστες μιας σειράς διαφορετικών τεχνών πριν μπορέσετε να ειδικευτείτε μόνο σε μία. Δεδομένου ότι η γλυπτική, όπως η ζωγραφική και ο χορός, απεικονίζουν ολόκληρο τον κόσμο, είναι λογικό ότι δεν μπορεί κανείς να γίνει ικανός σε κάθε μορφή τέχνης χωρίς πρώτα να κυριαρχήσει στην άλλη. Ο χορός είναι μια μορφή έκφρασης μέσω της κίνησης και του ρυθμού. Ως εκ τούτου, η κατανόηση του μουσικού ρυθμού είναι ζωτικής σημασίας. Η γνώση της λογοτεχνίας και της ρητορικής θεωρείται σημαντική για την ανάδευση των συναισθημάτων στη μουσική και το χορό. η γεύση (rasa) που πρέπει να εκφραστεί στη μουσική, το χορό, τη γλυπτική ή τη ζωγραφική απαιτεί κάποια εξοικείωση με τον γραπτό λόγο. Οι τέχνες είναι έτσι αλληλένδετες σε πολλά επίπεδα.
Οι τέχνες στη Νότια Ασία δεν ασκούνταν μόνο για χάρη τους ως αξιοσέβαστος ελεύθερος χρόνος, αλλά και ως πράξη αφοσίωσης και λατρείας σε μια ανώτερη δύναμη. Υπάρχουν λογοτεχνικές αναφορές σε πρίγκιπες που επιθεωρούν τα έργα τέχνης για ελαττώματα. Τα επιτεύγματα και οι φιλοδοξίες, τόσο στη θεωρία όσο και στην πράξη, του καλλιτέχνη αποδεικνύονται από μια ενιαία επιγραφή που αναφέρει το όνομα της stra-dhra («αρχιτέκτονας») του ναού Mallikrjuna στο Pattadakal, που χτίστηκε τον όγδοο αιώνα.
Οι πολιτισμοί της Νότιας Ασίας έχουν από καιρό αποδώσει στους καλλιτέχνες μια προνομιακή θέση. Η αυλή ήταν γεμάτη ποιητές, μουσικούς και χορευτές. Ένας λαμπρός χορευτής έλαβε επαίνους από τον Rjendra Ca και ο αρχιτέκτονας του ναού στο Tiruvoiyr, ο οποίος υποστηρίχθηκε επίσης από τον Rjendra, επαινέστηκε για την εκτεταμένη κατανόηση της αρχιτεκτονικής και της τέχνης σε μια επιγραφή. Ωστόσο, υπήρχε μια ισχυρή σύνδεση μεταξύ των λαϊκών και των υψηλών τεχνών. Ομοιότητες υπήρχαν, για παράδειγμα, μεταξύ των φυλετικών ομαδικών χορών και της δυτικής κλασικής τέχνης, του χορού και της μουσικής. Η ινδική υποήπειρος έχει πλούσια καλλιτεχνική ιστορία, με τη γλυπτική στο στρογγυλό (citra) και τη γλυπτική σε ανάγλυφο (ardhacitra) να κατέχουν σημαντικές θέσεις.
Το Citrbhsa, που μεταφράζεται σε «εμφάνιση γλυπτικής», είναι η τρίτη υψηλότερη μορφή τέχνης. Ένας στίχος από ένα δράμα του ποιητή του 5ου αιώνα Κλίδα εξηγεί πώς το μάτι πέφτει πάνω από τα ύψη και τα βάθη που απεικονίζονται στη μοντελοποίηση ενός πίνακα, δείχνοντας πόσο ουσιαστική ήταν η επιρροή του chiaroscuro (δηλ. η χρήση του φωτός και της σκιάς για να εκφράσει τη μοντελοποίηση) . Οι μάστορες δίνουν τη μεγαλύτερη σημασία στο σκίτσο γραμμής ενός πίνακα, το οποίο πρέπει να σχεδιάζεται σταθερά και με χάρη, ακολουθούμενο από σκίαση και απεικόνιση μοντελισμού, που εκτιμώνται από άλλους, το διακοσμητικό στοιχείο, που προσελκύει τη γυναικεία γεύση και τη λαμπρότητα του χρώματος , που αρέσει στο κοινό γούστο. Είναι πολύ εντυπωσιακό που μπόρεσες να υποδείξεις τόση φόρμα με τόσο μικρό σχέδιο. Υπάρχουν πολυάριθμα λογοτεχνικά παραδείγματα επιτυχημένης προσωπογραφίας στη ζωγραφική και γλυπτική της Νότιας Ασίας, αποδεικνύοντας την κεντρική θέση της προσωπογραφίας στις εικαστικές τέχνες της περιοχής. Η Viudharmottara, που γράφτηκε τον έκτο αιώνα, χωρίζει την προσωπογραφία σε τέσσερις κατηγορίες: φυσική, λυρική, εκλεπτυσμένη και μικτή. Επίσης, κατηγοριοποιεί διαφορετικούς τύπους ανθρώπων με βάση τα σχήματα και τα χρώματα των μαλλιών και των ματιών τους. Περιλαμβάνει μια σύνοψη των πολλών καλλιτεχνικών προοπτικών, καθώς και μια εξήγηση των βασικών στοιχείων της προκοπής. Όπως ένα ποίημα καθρεφτίζει τον ποιητή, πιστευόταν ότι οι πίνακες και τα γλυπτά θα έπαιρναν τα χαρακτηριστικά των δημιουργών τους.
Παρά τη μακρά ιστορία έκθεσης της Νότιας Ασίας σε ξένες επιρροές, η περιοχή έβρισκε πάντα τρόπους για να συνδυάσει αυτά τα στοιχεία σε αυτόχθονες πρακτικές, παράγοντας μια μοναδική σύνθεση και όχι ένα απλό αντίγραφο. Αυτό αντανακλάται επίσης στα έργα τέχνης της περιοχής Gandra του Πακιστάν, η οποία εκείνη την εποχή (4ος αιώνας π.Χ.) ήταν βουτηγμένη στον ελληνορωμαϊκό πολιτισμό. Η ενσωμάτωση ινδικών μοτίβων και στυλ στο κυρίαρχο δυτικό στυλ είναι χαρακτηριστικό γνώρισμα της γλυπτικής αυτής της εποχής.
Μετά την εισβολή των Κουσάνων τον 1ο αιώνα μ.Χ., υπήρξε μια σαφής εισροή εξωτερικής επιρροής, αλλά τελικά ο ιθαγενής πολιτισμός θριάμβευσε. Η Αυτοκρατορία των Mughal, η οποία κυβέρνησε τη Νότια Ασία από τον 16ο αιώνα και αποτελούνταν από μουσουλμάνους από την Κεντρική Ασία, ενοποίησε την περιοχή πολιτιστικά επιβάλλοντας μια κυρίαρχα ινδική εκπαίδευση στους υπηκόους της. Η μουσουλμανική τέχνη άκμασε υπό τη βασιλεία του δεύτερου αυτοκράτορα Μογγάλ, Χουμάιν, ο οποίος έφερε καλλιτέχνες από την αυλή του Πέρση Σάχη και δημιούργησε μια ιστορία συγχώνευσης ινδικού και περσικού στυλ.
Η τέχνη κάθε περιοχής αντανακλά τη δική της πολιτική δομή, ηθικούς και ηθικούς κανόνες και κοινωνικές δομές. Ήδη από τον τρίτο αιώνα π.Χ., οι ηγεμόνες έδειχναν προθυμία να υπηρετήσουν τους ανθρώπους και να τους συμπεριφέρονται σχεδόν σαν απογόνους. Υπέροχα νομίσματα από την Αυτοκρατορία Γκούπτα της Βόρειας Ινδίας τον 4ο-6ο αιώνα απεικονίζουν το ιδανικό του μονάρχη ως τον ασυναγώνιστο τοξότη, τον ενοποιητή, το ψηλό και επιβλητικό ευγενές πνεύμα, τον θυσιαστή για την ευημερία των υπηκόων και τον ήρωά του. άνθρωποι (που τον οραματίζονται πάνω σε έναν αρχοντικό ελέφαντα). Έργα τέχνης που απεικονίζουν τη δίκαιη κατάκτηση και τον δίκαιο πόλεμο. Πόλεμος και κατακτήσεις, συμβολικές θυσίες αλόγων, συμβούλιο του βασιλιά, διπλωματικές δεξιώσεις, ειρηνευτικές διαπραγματεύσεις, κατασκευή ναών, εκτίμηση των καλών τεχνών (συμπεριλαμβανομένου του χορού και της μουσικής) και η στέψη των βασιλιάδων είναι μερικές μόνο από τις πολλές κυβερνητικές δραστηριότητες που απεικονίζονται στην εκτενή σειρά γλυπτών που απεικονίζουν την ιστορία της δυναστείας Pallava της Νότιας Ινδίας του 4ου-9ου αιώνα.
Παρόμοια με το πώς τα γλυπτά που δίνουν έμφαση στο ντάρμα, οι συμβάσεις ή οι νόμοι που καθοδηγούν την υποχρέωση, αντανακλούν ηθικές στάσεις, το ίδιο συμβαίνει και με τα γλυπτά που απεικονίζουν ηθικές πράξεις. Ένας κοινός τρόπος με τον οποίο οπτικοποιείται η αρχή της ahimsa, ή της μη βίας προς τους άλλους, είναι μέσω της εικόνας ενός ελαφιού και το ιδανικό ενός ιερού τόπου απεικονίζεται συνήθως ως μια τοποθεσία όπου το ελάφι μπορεί να περιπλανηθεί ελεύθερα. Τα έργα τέχνης συχνά απεικονίζουν σκηνές όπου τα υποκείμενα διασκεδάζουν με τις δικές τους θυσίες ή τις θυσίες άλλων. Ιστορίες από την Paca-tantra, μια από τις πρώτες συλλογές μύθων στον κόσμο, απεικονίζονται σε γλυπτά με απλό αλλά αποτελεσματικό τρόπο. Η τέχνη της Νότιας Ασίας απεικονίζει με συνέπεια την ευσέβεια, την πίστη και τον σεβασμό για την ηθική που έχει διαποτίσει την κοινωνική δομή της υποηπείρου για γενιές.
Οι τέχνες της Νοτιοανατολικής Ασίας περιλαμβάνουν τις γραπτές, προφορικές και οπτικές μορφές της. Αν και ο ινδικός πολιτισμός είχε σημαντικό αντίκτυπο στην ανάπτυξη της περιοχής, υπάρχουν ορισμένα κοινά χαρακτηριστικά που προϋπήρχαν αυτής της εποχής. Τα στυλ τέχνης που δεν προέρχονται από την Ινδία, όπως τα υφάσματα μπατίκ, οι ορχήστρες gamelan και το κουκλοθέατρο wayang, παραμένουν δημοφιλή. Η γηγενής καλλιέργεια υγρού ρυζιού (ή padi), η μεταλλουργία, η ναυσιπλοΐα, οι λατρείες των προγόνων και η λατρεία του βουνού ήταν όλα κοινά.
Η Νοτιοανατολική Ασία περιλαμβάνει την τεράστια χερσόνησο της Ινδοκίνας καθώς και τα άλλα νησιά της περιοχής που είναι συχνά γνωστά ως Ανατολικές Ινδίες. Η Νοτιοανατολική Ασία μπορεί να χωριστεί σε δύο διακριτά μέρη: την ηπειρωτική χώρα και τα νησιά. Η Μιανμάρ (Βιρμανία), η Ταϊλάνδη, το Λάος, η Καμπότζη, το Βιετνάμ, η Μαλαισία, η Σιγκαπούρη, η Ινδονησία και οι Φιλιππίνες είναι οι κυβερνητικές οντότητες που απαρτίζουν αυτήν την περιοχή. Αν και οι Φιλιππίνες δεν θεωρούνταν αρχικά μέρος της Νοτιοανατολικής Ασίας, τώρα γενικά θεωρούνται μέρος της περιοχής λόγω της γειτνίασής τους με την Κίνα και την Ιαπωνία και τις στενές πολιτιστικές ομοιότητες που έχει με τους πολιτισμούς της Νοτιοανατολικής Ασίας.
Όλη η Νοτιοανατολική Ασία έχει παρόμοιο κλίμα και τοπογραφία, η οποία έχει διαμορφώσει την ιστορία και τον πολιτισμό της περιοχής. Πολιτιστικά, όσοι ζουν στα βουνά τείνουν να αποκλίνουν από εκείνους που ζουν στις κοιλάδες.
Αρχικά πιστευόταν ότι οι κάτοικοι της Νοτιοανατολικής Ασίας είχαν μια έλλειψη πρωτοτυπίας που χρονολογείται από την προϊστορική εποχή και ότι ήταν περισσότερο «δεκτικοί» παρά «δημιουργικοί» στις αλληλεπιδράσεις τους με άλλους πολιτισμούς. Μεταγενέστερες ανασκαφές και ανακαλύψεις στη Μιανμάρ και την Ταϊλάνδη ώθησαν ορισμένους μελετητές να αντιταχθούν στην αποδεκτή θεωρία ότι ο πολιτισμός μετακινήθηκε στη Νοτιοανατολική Ασία από την Κίνα κατά τους προϊστορικούς χρόνους. Αντίθετα, υποστήριξαν, οι κάτοικοι της ηπειρωτικής Νοτιοανατολικής Ασίας καλλιεργούσαν φυτά, έφτιαχναν αγγεία και δούλευαν στον μπρούντζο περίπου την ίδια εποχή με τους ανθρώπους της αρχαίας Μέσης Ανατολής, και έτσι ο πολιτισμός εξαπλώθηκε από την ηπειρωτική Νοτιοανατολική Ασία στην Κίνα μια χιλιετία νωρίτερα. Επειδή τους ενδιαφέρει πάντα περισσότερο η πρακτική δουλειά της δημιουργίας όμορφων πραγμάτων, οι Νοτιοανατολικοί Ασιάτες δεν έχουν πλούσια κληρονομιά θεωρίας τέχνης, λογοτεχνικής ή δραματικής κριτικής.
Δεν είναι δυνατό να εντοπιστεί η δημιουργία και η εξέλιξη των μορφών τέχνης στη Νοτιοανατολική Ασία βήμα-βήμα, καθώς οι άνθρωποι, ειδικά στο δυτικό μισό της ηπειρωτικής χώρας, δούλευαν σε μη ανθεκτικά υλικά. Δεδομένης της ιστορίας της περιοχής με πυκνά δάση, είναι λογικό ότι το ξύλο θα ήταν το πρώτο υλικό που χρησιμοποιήθηκε για αισθητικούς λόγους. Παρά τη νέα τους επάρκεια στο μέταλλο και την πέτρα, δεν εγκατέλειψαν ποτέ την παραδοσιακή πρακτική της ξυλογλυπτικής, η οποία συνέχισε να ευδοκιμεί ακόμη και μετά την παρέλευση της μεγάλης εποχής της λιθογλυπτικής και της λιθοδομής (περίπου τον 13ο αιώνα). Στη δυτική πολιτεία Shan της Μιανμάρ, κατά μήκος του ποταμού Salween, οι αρχαιολόγοι ανακάλυψαν σχέδια προϊστορικών σπηλαίων που έμοιαζαν εντυπωσιακά με τα μεταγενέστερα γλυπτά Naga σε στύλους σπιτιών. Παρόμοια με το πώς το σύμβολο του ήλιου μπορεί να βρεθεί ως μοτίβο τέχνης σε όλη τη Νοτιοανατολική Ασία και πώς τα σκαλίσματα κάτω από τις μαρκίζες των σπιτιών Naga παραπέμπουν σε δέος, θρίαμβο και χαρά για την απόκτηση ανθρώπινου κεφαλιού, η μεταγενέστερη αισθητική παράδοση της Νοτιοανατολικής Ασίας απηχεί το σπηλαιογραφίες ενός ζευγαριού ανθρώπινων χεριών με ανοιχτές παλάμες που κρατούν τον ήλιο και ένα ανθρώπινο κρανίο. Η ζωγραφική του σπηλαίου είναι απόδειξη ότι οι τέχνες της περιοχής ήταν πάντα συνυφασμένες με το μαγικό-θρησκευτικό παρελθόν της.
Παλαιότερα πίστευαν ότι η τεχνική χύτευσης τυμπάνου μπρούτζου που χρησιμοποιήθηκε στο Dong Son, κοντά στο Ανόι, προήλθε από την Κίνα. Ωστόσο, νέες ανασκαφές στην Ταϊλάνδη έδειξαν ότι τόσο τα τύμπανα όσο και ο λεγόμενος πολιτισμός Dong Son είναι ιθαγενείς στην ηπειρωτική Νοτιοανατολική Ασία. Ανεξάρτητα από αυτό, τα χάλκινα τύμπανα που χύτευαν οι Κάρεν για χιλιετίες μέχρι τα πρώτα χρόνια του 20ού αιώνα δείχνουν τη συνέχεια της αισθητικής κληρονομιάς της Νοτιοανατολικής Ασίας. Η μεταλλουργία έπρεπε να είχε αναπτυχθεί νωρίς, καθώς τα βουνά της ηπειρωτικής Νοτιοανατολικής Ασίας παρείχαν χρυσό, ασήμι και άλλα μέταλλα. Οι λαοί των λόφων της Νοτιοανατολικής Ασίας έχουν μακρά ιστορία στην κατασκευή και χρήση εξαιρετικών ασημένιων κουμπιών, ζωνών και κοσμημάτων. Τα κλωστοϋφαντουργικά σχέδια ακολουθούν την ίδια αισθητική γραμμή. Τραγούδια, χοροί και άλλες μορφές μουσικής έκφρασης χρησιμοποιούνταν παραδοσιακά σε φυλετικές τελετές.
Υπό την υποστήριξη των ηγεμόνων σε όλη τη Νοτιοανατολική Ασία, οι τέχνες άκμασαν. Γύρω στην εποχή της γέννησης του Χριστού, οι φυλετικές φυλές άρχισαν να οργανώνονται επίσημα σε πόλεις-βασίλεια ή συνοικίες χωριών μετά από χρόνια εγκατεστημένης διαβίωσης ως παραγωγοί ρυζιού. Σύμφωνα με αυτή την άποψη, ένας βασιλιάς δεν ήταν τίποτα περισσότερο από έναν ανώτατο αρχηγό φυλής. Δεδομένου ότι οι φυλές είχαν ήδη παράδοση στη λατρεία των πνευμάτων, οι μονάρχες αναζήτησαν μια νέα θεότητα που θα γινόταν αντικείμενο αφοσίωσης για όλους. Αυτή η λαχτάρα για νέους εθνικούς θεούς συνέβαλε στο άνοιγμα της Νοτιοανατολικής Ασίας στους θεούς του Ινδουισμού και του Βουδισμού. Οι βασιλιάδες στη Νοτιοανατολική Ασία ήταν υπεύθυνοι για τη διάδοση των νέων θρησκειών, ως εκ τούτου οι ναοί της περιοχής γνώρισαν μια χρυσή εποχή από τον πρώτο έως τον δέκατο τρίτο αιώνα.
Οι ναοί έγιναν κέντρα πολιτιστικής δραστηριότητας και οι τοίχοι τους έγιναν καμβάδες για αρχιτεκτονική, γλυπτική και θρησκευτικές τοιχογραφίες. Οι μελετητές της σανσκριτικής, της γλώσσας των ιερών κειμένων του Ινδουισμού, ήταν αυλικοί στις αρχαίες αυτοκρατορίες της ανατολικής Ινδοκίνας και των νησιών, όπου δημιούργησαν μια τοπική σανσκριτική λογοτεχνία. Μόνο μέσα από τα μεγάλα ινδουιστικά έπη Mahabharata και Ramayana έφτασε αυτή η λογοτεχνική προσπάθεια στους απλούς ανθρώπους. Ιστορίες για ινδουιστές θεούς, διαβόλους και ισχυρούς άνδρες ήταν απαραίτητες για την εξήγηση του Ινδουισμού στους γενικούς ανθρώπους όταν οι σανσκριτικές γραφές ήταν απρόσιτες. Σε όλη τη χερσόνησο της πυου-βιρμανικής αυτοκρατορίας Prome, η οποία άκμασε πριν από τον 8ο αιώνα, δεν σημειώθηκε τέτοια εξέλιξη για δύο λόγους: πρώτον, ο Ινδουισμός δεν έγινε ποτέ ευρέως αποδεκτός στη Βιρμανία και δεύτερον, η πιο ανοιχτή βιρμανική κοινωνία δεν ανέπτυξε ούτε τον θεσμό ένας θεός-βασιλιάς ούτε αυτός μιας κληρονομικής ευγενείας.
Αργότερα οι ειδωλολάτρες βασιλιάδες περικυκλώθηκαν από ειδικούς του Pali, αλλά η μελέτη του Pali δεν διεξήχθη στο παλάτι αλλά σε μοναστήρια σε όλο το βασίλειο, μεταφέροντας τις διδασκαλίες του Βούδα ακόμη και στα πιο απομακρυσμένα χωριά. Βουδιστές μοναχοί και ακαδημαϊκοί από όλο τον κόσμο ταξίδεψαν στο Pagan για να μελετήσουν το Pali, ενώ οι αυλές των βασιλέων στην Καμπότζη και την Ιάβα παρέμειναν απλώς περιφερειακά κέντρα της σανσκριτικής έρευνας. Οι ιστορίες Jataka (η γέννηση του Βούδα) χρησιμοποιήθηκαν για να εξηγήσουν τον Βουδισμό στους απλούς ανθρώπους που δεν μπορούσαν να διαβάσουν τις γραφές του Pali, όπως ακριβώς τα ινδικά έπη χρησιμοποιήθηκαν για να εξηγήσουν τον Ινδουισμό στις μάζες. Οι ναοί στην Καμπότζη και την Ιάβα ήταν διακοσμημένοι με γλυπτά και τοιχογραφίες που απεικόνιζαν σκηνές από τα Jatakas, όπως και εκείνα που απεικονίζουν γεγονότα από τα μεγάλα έπη.
Η άφιξη του Ισλάμ στο νησί της Νοτιοανατολικής Ασίας μετά τη δυναστεία των Ματζαπαχίτ δημιούργησε ένα τρίτο πολιτιστικό στρώμα πάνω από τα ήδη υπάρχοντα αυτόχθονα και ινδουϊστικά βουδιστικά. Μια νέα βιρμανική αυτοκρατορία αναπτύχθηκε από τις στάχτες της παλιάς και συνέχισε την αποστολή της διάδοσης του Βουδισμού στην ηπειρωτική Νοτιοανατολική Ασία. Η εισβολή των Βιρμανών στο Σιάμ τον 18ο αιώνα έφερε μαζί της τον ινδουιστικό πολιτισμό, ο οποίος βοήθησε στην ανάπτυξη του βιρμανικού παιχνιδιού. Ανακατακτημένο από την Κίνα, το Βιετνάμ στην άλλη πλευρά της χερσονήσου επηρεάστηκε όλο και περισσότερο από την κινεζική κουλτούρα. Μετά από μια σύντομη ισλαμική πολιτιστική ακμή, οι ιθαγενείς των νησιωτικών εθνών της Νοτιοανατολικής Ασίας αναγκάστηκαν να υποταχθούν στην ξένη κυριαρχία. Μόνο στη Βιρμανία και στο Σιάμ, δύο από τις κυβερνήσεις της Νοτιοανατολικής Ασίας που προέκυψαν από χρόνια μάχης ως ισχυρά βασίλεια, οι γηγενείς τέχνες συνέχισαν να ακμάζουν.
Η θρησκεία και η εθνική ιστορία ήταν από καιρό κεντρικά στην τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας. Πέρα από τη ζωή και τον χαρακτήρα του Βούδα και των θεών του Ινδουισμού, το θρησκευτικό δόγμα δεν ήταν σημαντικό σημείο ενδιαφέροντος. Μετά την πτώση των μεγάλων αυτοκρατοριών, αλλά η μνήμη τους για τη δόξα και τη δύναμή τους παρέμεινε, ένα νέο θέμα εμφανίστηκε στην εθνική ιστορία: ο σεβασμός των θρυλικών ηρώων από το παρελθόν.
Ενώ η εικόνα του Βούδα εξελίχθηκε με την πάροδο του χρόνου, συνέχισε να είναι ένα δημοφιλές θέμα για τους καλλιτέχνες. Εκτός από την εισαγωγή του τοπικού χρώματος χρησιμοποιώντας, ως φόντο, σκηνές από τη σύγχρονη εποχή του καλλιτέχνη, που απεικονίζει σκηνές από τις προηγούμενες ζωές του σε νωπογραφίες και ανάγλυφα, εξυπηρετούσε το σκοπό της διδασκαλίας της βουδιστικής ηθικής στους ανθρώπους, καθώς οι Jatakas τόνιζαν ορισμένες ηθικές αρετές του Ο Βούδας στις προηγούμενες ζωές του.
Το ίδιο ίσχυε με τις απεικονίσεις γεγονότων από τα ινδουιστικά έπη, που πρόσφεραν στον καλλιτέχνη μια παρόμοια ευκαιρία και εξυπηρετούσαν παρόμοια λειτουργία. Καθώς περνούσε ο καιρός, χαρακτήρες βουδιστικών και ινδουιστικών γραφών όπως θεοί και θεές, ήρωες και πριγκίπισσες, ερημίτες και μάγοι, δαίμονες και δράκοι, ιπτάμενα άλογα και φτερωτές κόρες κ.λπ. γενικά θρησκευτικά θέματα.
Διαφορετικές αναπαραστάσεις του νάγκα, ενός είδους υπερανθρώπινου πνεύματος, εμφανίστηκαν σε διάφορα μέρη του κόσμου όταν το νάγκα οικειοποιήθηκε από βουδιστικές και ινδουιστικές γραφές και συγχωνεύθηκε με εθνικά ανάλογα. Το νάγκα της Βιρμανίας έχει μια χαρακτηριστική κορυφή στο κεφάλι του. Για τους Μον, το νάγκα ήταν κροκόδειλος, αλλά για τους Χμερ και τους Ινδονήσιους, ήταν ένα φίδι με εννέα κεφάλια.
Αν και οι δαίμονες της Νοτιοανατολικής Ασίας έχουν ομαδοποιηθεί κάτω από τον παλι-σανσκριτικό όρο yakkha ή yaksha, οι διακριτές ταυτότητές τους έχουν διατηρηθεί στη γλυπτική και τη ζωγραφική κάθε χώρας. Μη εξοικειωμένο με το δάσος των μουσώνων, το λιοντάρι ωστόσο έγινε δημοφιλές έμβλημα και θέμα της περιοχής λόγω της συσχέτισής του με τους θεούς της ινδουιστικής και βουδιστικής μυθολογίας. Ακόμη και αφότου η Αυτοκρατορία των Χμερ είχε εγκαταλείψει την πρακτική της λατρείας του φιδιού-δράκου ως θεού της γονιμότητας, η εννιακέφαλη νάγκα είχε γίνει σύμβολο προστασίας και βασιλικής δύναμης και τα πέτρινα νάγκα αγρυπνούσαν πάνω από τα βασιλικά ανάκτορα και τους ιερούς ναούς. Η λατρεία Naga αποδοκιμάστηκε από τους Βουδιστές.
Σε όλη την ιστορία της τέχνης της Βιρμανίας και της Μονής, ο νάγκα απεικονιζόταν πάντα σε ρόλο υποτελή στον Βούδα, φτιάχνοντας συχνά ένα κάθισμα από τις σπείρες του για τον Βούδα ή σηκώνοντας την τεράστια κουκούλα του για να τον προστατεύσει από τα στοιχεία. Η φιγούρα του φύλακα ενός ναού του Μον παραδοσιακά απεικονιζόταν ως λιοντάρι με δύο σώματα και ένα ανθρώπινο κεφάλι, ενώ η φιγούρα φύλακα ενός ναού της Βιρμανίας απεικονιζόταν παραδοσιακά ως λιοντάρι με λοφίο. Παρά τον ισχυρισμό του Τάι ότι κληρονόμησε τις παραδόσεις τέχνης των Χμερ και Μον νάγκα, ο καλός δαίμονας χρησίμευε ως φύλακας του ναού σε αυτούς τους πολιτισμούς.
Τα ινδικά ζώα έγιναν μέρος του αρχαίου συμβολισμού και της ζωικής απεικόνισης που μπήκε στις τέχνες. Για παράδειγμα, οι Mons επέλεξαν ως έμβλημά τους το κόκκινο ρέμα, οι Βιρμανοί αναδιατύπωσαν τον ήλιο ως το αγαπημένο τους πουλί, το παγώνι, με το σκεπτικό ότι στη βουδιστική μυθολογία το παγώνι συνδέεται με τον ήλιο και στην Ινδονησία το μυθικό πουλί που ονομάζεται Garuda, το όχημα του Βισνού, συγχωνεύτηκε με τον τοπικό αετό. Οι απεικονίσεις αυτών των πουλιών έχουν βρει χρήση ως διακοσμητικό. Στυλιζαρισμένες εκδοχές των ζώων που κάποτε διακοσμούσαν τις αχυρένιες στέγες και τους ξύλινους τοίχους των σπιτιών της Νοτιοανατολικής Ασίας έφτασαν στα πιο πολυτελή παλάτια και ναούς. Σχέδια δέντρων, φρούτων και λουλουδιών από τα δάση των μουσώνων συνδυάστηκαν με ινδικά φυτικά μοτίβα και αρχαία γεωμετρικά μοτίβα.
Η τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας είναι εντελώς διαφορετική από την τέχνη οποιασδήποτε άλλης περιοχής, με εξαίρεση την Ινδία. Αν και η Βιρμανία υπήρξε ιστορικά ένας ζωτικής σημασίας εμπορικός σύνδεσμος με την Κίνα, οι κινεζικές επιρροές απουσιάζουν εκπληκτικά από την παραδοσιακή βιρμανική τέχνη. Οι Τάι έφτασαν αργά στη Νοτιοανατολική Ασία, φέρνοντας μαζί τους κάποιες κινεζικές καλλιτεχνικές παραδόσεις, αλλά εγκατέλειψαν γρήγορα αυτές τις πρακτικές υπέρ αυτών των Χμερ και του Μον. Σήμερα, τα μόνα ίχνη αυτών των προηγούμενων επαφών φαίνονται στα αρχιτεκτονικά χαρακτηριστικά των ναών, ιδιαίτερα στην κωνική οροφή και στα βερνίκια.
Δεδομένου ότι το Βιετνάμ ήταν αποικία της Κίνας για μια χιλιετία, ο κινεζικός πολιτισμός επηρέασε τη βιετναμέζικη τέχνη. Τα αρχαιολογικά στοιχεία του Ινδουισμού στο σύγχρονο νότιο Βιετνάμ χρονολογούνται από την εποχή της αρχαίας μοναρχίας Champa, η οποία καταλήφθηκε από το Βιετνάμ τον 15ο αιώνα. Οι κινεζικές επιρροές μπορούν να φανούν στα βουδιστικά αγάλματα του βόρειου Βιετνάμ. Η σύγκριση των ναών-τάφων της Καμπότζης και της Ινδονησίας με αυτούς των αυτοκρατόρων του Βιετνάμ ή των πολυτελών και αξιοπρεπών εικόνων του Βούδα του Βιετνάμ με εκείνες της Καμπότζης και της Βιρμανίας των ασκητικών και χαριτωμένων εικόνων του Βούδα αποκαλύπτει τις θεμελιώδεις διαφορές στον αισθητικό στόχο και το στυλ μεταξύ των τεχνών της Ανατολικής Ασίας και αυτές της Νοτιοανατολικής Ασίας. Η ισλαμική τέχνη, η οποία απορρίπτει ζωικές και ανθρώπινες μορφές και επιδιώκει να αποκαλύψει την πραγματικότητα πίσω από την απατηλή ομορφιά του καθημερινού κόσμου, επίσης ελάχιστα μοιράζεται με την τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας. Η τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας αγνόησε τις διδασκαλίες του Ινδουισμού και του Βουδισμού ότι ο αισθησιακός κόσμος ήταν απατηλός και μόνιμος.
Στην τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας, η πραγματικότητα και η φαντασία συνυπάρχουν και μια θετική άποψη για τη ζωή διαπερνά κάθε κομμάτι. Κάποιοι έχουν σημειώσει ότι η κλασική τέχνη των Χμερ και της Ινδονησίας επικεντρωνόταν στην αναπαράσταση της καθημερινής ζωής των θεών, αλλά σε μια προοπτική της Νοτιοανατολικής Ασίας, η καθημερινή ζωή των θεών ήταν ίδια με τη δική τους: χαρούμενη, γήινη και θεϊκή. Η τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας όχι μόνο δεν αντανακλούσε την ευρωπαϊκή αντίληψη της «τέχνη για την τέχνη», αλλά ούτε και τον ευρωπαϊκό διαχωρισμό της τέχνης σε κοσμικές και θρησκευτικές κατηγορίες. Τα ίδια μοτίβα που κοσμούσαν έναν υπέροχο ναό και μια πιατέλα από λάκα ήταν τατουάζ στους μηρούς ενός Βιρμανού. Ο καλλιτέχνης από τη Νοτιοανατολική Ασία δεν χρειαζόταν να χρησιμοποιεί μοντέλα αφού, σε αντίθεση με τους Ευρωπαίους ομολόγους του, δεν τον ένοιαζε η ακρίβεια σε κάθε ανατομική πτυχή. Η χρήση φανταστικών στοιχείων και το άγχος για τον εορτασμό του καλού στην ανθρώπινη ζωή είναι αυτά που ξεχωρίζουν την τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας.
Υπάρχει μια μεγάλη ποικιλία μορφών τέχνης και μέσων που σχετίζονται με την ιαπωνική τέχνη, από αρχαία κεραμικά και γλυπτά μέχρι ζωγραφική με μελάνι και καλλιγραφία σε μετάξι και χαρτί, πίνακες ukiyo-e και ξυλογραφίες, κεραμικά και origami. σύγχρονα manga και anime. Από τα πρώτα σημάδια της ανθρώπινης ύπαρξης στην Ιαπωνία τη 10η χιλιετία π.Χ. μέχρι σήμερα, η Ιαπωνία έχει μια πλούσια και ποικίλη ιστορία.
Η Ιαπωνία έχει βιώσει τόσο γρήγορες εισροές ξένων ιδεών όσο και μακρά απομόνωση από τον υπόλοιπο κόσμο. Οι Ιάπωνες έχουν μακρά ιστορία αφομοίωσης και προσαρμογής πτυχών άλλων πολιτισμών που βρίσκουν αισθητικά ευχάριστες. Τον έβδομο και τον όγδοο αιώνα, η εκλεπτυσμένη τέχνη στην Ιαπωνία δημιουργήθηκε ως απάντηση στη διάδοση του Βουδισμού. Καθώς οι Ιάπωνες απομακρύνθηκαν από την Κίνα και ανέπτυξαν τα δικά τους μοναδικά στυλ έκφρασης τον 9ο αιώνα, οι κοσμικές τέχνες απέκτησαν εξέχουσα θέση. από τότε μέχρι τα τέλη του 15ου αιώνα, τόσο οι θρησκευτικές όσο και οι κοσμικές τέχνες άκμασαν. Όταν ξέσπασε ο πόλεμος των Νιν στην Ιαπωνία (1467–1477), εγκαινίασε πάνω από έναν αιώνα πολιτικής, κοινωνικής και οικονομικής αναταραχής. Τα έργα τέχνης που επέζησαν από τις εκκαθαρίσεις του σογκουνάτου Τοκουγκάουα ήταν σε μεγάλο βαθμό κοσμικά και η θρησκεία έπαιζε πολύ μικρότερο ρόλο στην καθημερινή ζωή. Η ξαφνική εισαγωγή των δυτικών στυλ ήταν ένα σημαντικό γεγονός κατά την περίοδο Meiji (1868-1912).
Στην Ιαπωνία, τόσο οι ερασιτέχνες όσο και οι ειδικοί ασχολούνται με τη ζωγραφική ως την κύρια μορφή καλλιτεχνικής τους έκφρασης. Οι Ιάπωνες είναι ιδιαίτερα συντονισμένοι με τις αξίες και την αισθητική της ζωγραφικής γιατί, μέχρι τη σύγχρονη εποχή, χρησιμοποιούσαν πινέλο αντί για στυλό. Κατά τη διάρκεια της περιόδου Έντο, η τυπογραφία σε ξύλο έγινε μια σημαντική μορφή τέχνης και οι μέθοδοι που χρησιμοποιήθηκαν για τη δημιουργία των ζωντανών εκτυπώσεων της βελτιώθηκαν για να καλύψουν την ανάγκη μιας αυξανόμενης λαϊκής κουλτούρας. Καθώς η θρησκευτική σημασία του παραδοσιακού ιαπωνικού βουδισμού εξασθενούσε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι Ιάπωνες βρήκαν τη γλυπτική ως ένα λιγότερο ελκυστικό μέσο για την έκφραση του δημιουργικού τους οράματος.
Είναι γενικά αποδεκτό ότι η ιαπωνική κεραμική είναι της υψηλότερης καλλιτεχνικής ποιότητας και περιλαμβάνει μερικά από τα παλαιότερα τεχνουργήματα από την Ιαπωνία. Η εξαγωγή πορσελάνης από την Ιαπωνία υπήρξε σημαντική οικονομική δραστηριότητα σε διάφορες εποχές. Τα ιαπωνικά βερνίκια, εξαιρετικά διακοσμημένα με maki-e, ήταν από καιρό δημοφιλής εξαγωγή στην Ευρώπη και την Κίνα, και αυτή η τάση συνεχίστηκε καθ' όλη τη διάρκεια του δέκατου ένατου αιώνα. Η παραδοσιακή ιαπωνική αρχιτεκτονική διαθέτει περίοπτα φυσικά υλικά και την ενσωμάτωση της εσωτερικής και της υπαίθριας διαβίωσης.
Το Ukiyo-e, ή ιαπωνικά μοτίβα ξύλου, αυξάνεται σε δημοτικότητα στη Δύση. Το όνομά τους προέρχεται από τη φράση «εικόνες του πλωτού κόσμου», που περιγράφει το θέμα τους. Η βουδιστική πεποίθηση ότι η ευτυχία είναι φευγαλέα και ότι μόνο η απουσία επιθυμίας μπορεί να οδηγήσει στη φώτιση παρείχε την έμπνευση για την ανεβασμένη, αβαρή εικόνα τους.
Οι σογκούν της φεουδαρχικής Ιαπωνίας συνέβαλαν καθοριστικά στην ανάπτυξη της ιαπωνικής χαρακτικής, που ξεκίνησε στην περιοχή Έντο (σημερινό Τόκιο). Σύμφωνα με την πολιτική Sakoku, που κυριολεκτικά σημαίνει «απομονωμένη ή κλειστή χώρα», η Ιαπωνία αποκόπηκε από τον υπόλοιπο κόσμο. Ο Πέρι, ένας Αμερικανός στρατηγός, επισκέφτηκε την Ιαπωνία το 1853 για να διαπραγματευτεί με τη διοίκηση του Μέιτζι. Πολλές εκτυπώσεις του Ukiyo-e, μιας σύγχρονης μορφής τέχνης που άκμαζε όταν ο Perry επισκέφθηκε το Edo, μπορούσαν να βρεθούν προς πώληση στα πεζοδρόμια της πόλης.
Σκηνές από την Ιαπωνική ιστορία και θρύλο απεικονίζονταν συχνά στο ukiyo-e, όπως και πορτρέτα καλλιτεχνών kabuki, σκηνές από το θέατρο, ερωτευμένα ζευγάρια, διάσημες εταίρες και τοπία. Οι ταξιδιώτες από τη Δύση λάτρεψαν αμέσως τις εκτυπώσεις Ukiyo-e, επομένως δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι τις έφεραν πίσω στο σπίτι μαζί τους, μυώντας στον κόσμο το μοναδικό στυλ τέχνης της Ιαπωνίας.
Οι εκτυπώσεις τέχνης Ukiyo-e έγιναν με συμπίεση μελανωμένων ξύλινων τεμαχίων σε χαρτί αφού οι εικόνες είχαν χαραχτεί προς τα πίσω στους ογκόλιθους. Όταν ξεκίνησε αρχικά η εκτύπωση, όλα γίνονταν ασπρόμαυρα. Η Okomura Masanobu και η Suzuki Harunobu ήταν πρωτοπόροι στον τομέα της έγχρωμης εκτύπωσης ξυλομπλόκ, που απαιτούσε ξεχωριστό μπλοκ για κάθε χρώμα.
Απαιτήθηκαν ένα κλειδί-μπλοκ για τα περιγράμματα και μεμονωμένα μπλοκ για κάθε απόχρωση. Επιπλέον, δεδομένου ότι ένας μικρός αριθμός εκτυπώσεων μπορεί να γίνει από ένα μόνο μπλοκ, ένας σημαντικός αριθμός μπλοκ θα πρέπει να σκαλιστεί για να εκτυπωθεί ένας σημαντικός αριθμός αντιγράφων. Ο καλλιτέχνης ήταν μόνο ένας από τους πολλούς επαγγελματίες που ασχολούνταν με την παραγωγή ιαπωνικών εκτυπώσεων τέχνης. Άλλα περιελάμβαναν σχεδιαστές, σχεδιαστές καλουπιών, κοπτήρες καλουπιών και πρέσες καλουπιών.
Γύρω στο 1912, το κίνημα της χαρακτικής, γνωστό ως Παραφυάδες του Ukio-e, άρχισε να εξαφανίζεται, αλλά σύντομα σχηματίστηκαν δύο άλλες σχολές χαρακτικής για να καλύψουν το κενό. Sosaku Hanga και Shin Hanga είναι τα δύο ονόματα για αυτούς. Υπάρχουν δύο σχολές σκέψης όσον αφορά τη διαδικασία εκτύπωσης: ο Sosaku Hanga, που υποστηρίζει ότι ο καλλιτέχνης πρέπει να παίζει κεντρικό ρόλο σε κάθε βήμα, και ο Shin Hanga, που είναι πιο παραδοσιακός και υποστηρίζει ότι ο εκδότης είναι πιο κεντρικός, τόσο διαφορετικός Οι καλλιτέχνες μπορούν να είναι υπεύθυνοι για το σχεδιασμό, το μπλοκάρισμα και την εκτύπωση.
Προκειμένου να αγοράσετε και να πουλήσετε εκτυπώσεις Ukiyo-e, είναι σημαντικό να γνωρίζετε μερικές ιαπωνικές ορολογίες, προκειμένου να εκτιμήσετε και να εκτιμήσετε σωστά αυτή τη συναρπαστική μορφή τέχνης. Όταν αναφέρεται σε μια ιαπωνική εκτύπωση, ο όρος "atozuri" υποδηλώνει ότι τυπώθηκε μετά το τέλος της αρχικής σειράς, αλλά εξακολουθούσε να χρησιμοποιεί τα αυθεντικά ξύλινα μπλοκ. Οι εκτυπώσεις του Shozuri είναι οι πρώτες εκδόσεις, ενώ οι εκτυπώσεις του fukkoku είναι αντίγραφα. Οι υπογραφές καλλιτεχνών και οι αριθμοί έντυπων εκδόσεων δεν περιλαμβάνονταν συνήθως στα τελικά βήματα της ιαπωνικής διαδικασίας χαρακτικής μέχρι το δεύτερο μέρος του εικοστού αιώνα. Αντίθετα, κάθε εκτύπωση είχε μια σφραγίδα που ονομαζόταν ο δημιουργός της καθώς και ο εκδότης και ο γλύπτης της.
Ωστόσο, καθώς οι Ευρωπαίοι έμαθαν για τη μοναδική κουλτούρα της Ιαπωνίας, εμφανίστηκε μια μόδα για όλα τα πράγματα γιαπωνέζικα, και τεράστιες αποστολές ιαπωνικών εκτυπώσεων τέχνης στάλθηκαν στην ήπειρο στα τέλη της δεκαετίας του 1860. Οι εκδοτικοί οίκοι στην Ιαπωνία συνειδητοποίησαν γρήγορα ότι θα χρειαζόταν να παράγουν αναπαραγωγές των πιο διάσημων εκτυπώσεων ξύλου για να καλύψουν την αυξανόμενη ζήτηση.
Είναι εύκολο να διακρίνει κανείς ποιες εκτυπώσεις είναι αυθεντικές και ποιες είναι διπλότυπες λόγω γραμματοσήμων και άλλων περιθωρίων. Η πρωτοτυπία ενός εγγράφου μπορεί συχνά να προσδιοριστεί από την κατάσταση χαρτιού και χρώματος. Δεδομένου ότι ο μέσος συλλέκτης έργων τέχνης πιθανότατα δεν μπορεί να διαβάσει ιαπωνικούς χαρακτήρες, θα πρέπει να ζητήσει τη συμβουλή ενός ειδικού πριν αγοράσει μια αυθεντική ιαπωνική εκτύπωση τέχνης.
Από τη νεολιθική περίοδο και μετά, οι καλλιτέχνες στην Κίνα έχουν απεικονίσει φυτά στα έργα τέχνης τους. Τα λουλούδια, τα πουλιά και τα έντομα χρησιμοποιούνται για στολισμό και όχι μόνο επειδή είναι όμορφα. φέρουν επίσης ένα πλούτο νοημάτων. Κατά τη διάρκεια της δυναστείας των Σονγκ (960-1279), ένα κύμα στον αριθμό των έργων ζωγραφικής με τίτλο «Πουλί και λουλούδι» ενίσχυσε το καθεστώς των εικόνων λουλουδιών ως εξέχον θέμα στην κινεζική τέχνη. Εκτός από πίνακες ζωγραφικής με κύλιση, αυτό το θέμα μπορεί να δει κανείς σε μια μεγάλη ποικιλία τρισδιάστατων έργων τέχνης, όπως πορσελάνες, βερνίκια, γλυπτά από νεφρίτη, υφάσματα, έπιπλα και άλλα.
Καθώς ετοιμαζόμαστε να υποδεχτούμε την Άνοιξη, θα εξετάσουμε τον συμβολισμό των λουλουδιών στην κινεζική τέχνη κοιτάζοντας μια επιλογή από πίνακες από τη συλλογή Ασιατικής Τέχνης της AGGV από τον 19ο αιώνα. Τα έργα τέχνης αυτού του άλμπουμ είναι όλα επί τόπου αναπαραστάσεις λουλουδιών και πεταλούδων με βάση την πραγματική τους χλωρίδα και πανίδα. Είναι πιθανό ότι ο συνδυασμός εμφανίστηκε για πρώτη φορά τον 18ο αιώνα σε προϊόντα που είχαν ανατεθεί ειδικά για να δοθούν ως δώρα γενεθλίων. Τα rebuses Butterfly μπορούν να χρησιμοποιηθούν για να εκφράσουν πολλές καλές επιθυμίες ταυτόχρονα. Αυτά τα αντικείμενα, τα οποία συνδέονται επίσης με τη μεγάλη διάρκεια ζωής, είναι υπέροχα σύμβολα γενεθλίων. Οι πεταλούδες, στον Ταοϊσμό, αντιπροσώπευαν την απελευθέρωση του πνεύματος. Τα λουλούδια αντιπροσωπεύουν πολλά θετικά πράγματα και η συμπερίληψή τους σε αυτά τα έργα τέχνης απλώς προσθέτει στη θετική τους σημασία.
Σύμφωνα με ένα κινέζικο παραμύθι για δύο εραστές που διαλύθηκαν τραγικά από τον πόλεμο, η παπαρούνα αντιπροσωπεύει την πίστη και την πίστη μεταξύ των συντρόφων σε μια ρομαντική σχέση. Η ιστορία περιστρέφεται γύρω από τις παπαρούνες, οι οποίες φύτρωσαν στο σημείο όπου η σύζυγος είχε αφοσιωθεί μετά τον θάνατο του στρατιώτη συζύγου της.
Η έκφραση huakaifugui υποδηλώνει ότι οι καμέλιες, που ανθίζουν κατά τη διάρκεια της Κινεζικής Πρωτοχρονιάς (τέλη Ιανουαρίου έως μέσα Φεβρουαρίου), πρέπει να χρησιμοποιηθούν για να ομορφύνουν το σπίτι κάποιου για να καλωσορίσουν την καλή τύχη το επόμενο έτος. Λόγω της μακροχρόνιας αγάπης της Ευρώπης για το τριαντάφυλλο, το λουλούδι απεικονίζεται συχνά σε αντικείμενα που προορίζονται για πώληση αλλού. Δεδομένου ότι το κινέζικο τριαντάφυλλο ανθίζει συχνά καθ 'όλη τη διάρκεια του έτους, το όνομα "μόνιμο ανοιξιάτικο λουλούδι" χρησιμοποιείται σε αυτό.
Πρωινή δόξα. Τα σωληνοειδή άνθη του Morning Glory, τα οποία ανθίζουν σε έντονο μοβ χρώμα, χρησιμοποιήθηκαν αρχικά ως διακοσμητικό στοιχείο στα μπλε και λευκά προϊόντα της δυναστείας Μινγκ τον 15ο αιώνα. Το λουλούδι λέγεται ότι συμβολίζει την ευτυχία στο γάμο. Η Κίνα φιλοξενεί πολλά είδη αζαλέας, το καθένα με μοναδική εποχή ανθοφορίας. Σε συνδυασμό με τις πεταλούδες, η αζαλέα αποκτά την έννοια του "δημιουργικού ταλέντου στην τέχνη", αντιπροσωπεύοντας τη γυναικεία ομορφιά που είναι τόσο διαδεδομένη στις τέχνες.
Ο Οριενταλισμός αναφέρεται στην πρακτική μίμησης ή στερεοτύπων στοιχείων από την Ανατολή και βρίσκεται στους τομείς της ιστορίας της τέχνης, της λογοτεχνίας και των πολιτιστικών σπουδών. Οι δυτικοί συγγραφείς, σχεδιαστές και ζωγράφοι είναι πιο συχνά υπεύθυνοι για αυτές τις απεικονίσεις. Από τα διάφορα υποείδη της ακαδημαϊκής τέχνης που ήταν δημοφιλή τον 19ο αιώνα, η οριενταλιστική ζωγραφική —η οποία επικεντρώθηκε στην προβολή της Μέσης Ανατολής— ήταν ένα από τα πιο εξέχοντα. Ομοίως, η δυτική λογοτεχνία της εποχής έδειξε έντονο ενδιαφέρον για τον εξωτισμό της Ανατολής.
Στους ακαδημαϊκούς κύκλους, ο όρος «Οριενταλισμός» έχει γίνει κοινός τόπος από τη δημοσίευση του Orientalism του Edward Said το 1978. Αυτός ο όρος χρησιμοποιείται για να περιγράψει μια συγκαταβατική δυτική προοπτική για τους ασιατικούς και αφρικανικούς πολιτισμούς. Σύμφωνα με τον Said, η Δύση ουσιαστικά θεωρεί αυτούς τους πολιτισμούς ως στάσιμους και υπανάπτυκτους, δημιουργώντας μια εικόνα του ανατολικού πολιτισμού που μπορεί να ερευνηθεί, να απεικονιστεί και να αναπαραχθεί στην υπηρεσία της αυτοκρατορικής εξουσίας. Όπως επισημαίνει ο Said, αυτό το ψέμα βασίζεται στην υπόθεση ότι η δυτική κοινωνία είναι προοδευτική, ευφυής, προσαρμόσιμη και ανώτερη. Αυτό δίνει στους Δυτικούς την ελευθερία να φαντάζονται τους «ανατολικούς» πολιτισμούς και τους ανθρώπους ως εξωτικούς και επικίνδυνους.
Ο όρος «Οριενταλισμός» χρησιμοποιείται στην ιστορία της τέχνης για να περιγράψει το σύνολο των έργων που δημιουργήθηκαν από δυτικούς καλλιτέχνες κατά τη διάρκεια του 19ου αιώνα, οι οποίοι επικεντρώθηκαν σε ανατολικά θέματα και μοτίβα ως αποτέλεσμα των εξερευνήσεων τους στη Δυτική Ασία. Εκείνη την εποχή, οι καλλιτέχνες και οι ακαδημαϊκοί ονομάζονταν συχνά χλευαστικά «Οριενταλιστές», ένας όρος που διαδόθηκε από τον Γάλλο κριτικό τέχνης Jules-Antoine Castagnary. Η Γαλλική Εταιρεία Οριενταλιστών Ζωγράφων, με επίτιμο πρόεδρο τον Jean-Léon Gérôme, ιδρύθηκε το 1893, παρά την ευρεία κοινωνική αποδοκιμασία του είδους. Αντίθετα, στη Βρετανία, «Orientalist» σήμαινε απλώς «καλλιτέχνης».
Οι απόψεις των καλλιτεχνών άλλαξαν γύρω στα τέλη του 19ου αιώνα με την ίδρυση της Γαλλικής Εταιρείας Ανατολίστων Ζωγράφων, η οποία επέτρεψε στα μέλη να αναγνωρίσουν τον εαυτό τους ως μέρος ενός ευρύτερου καλλιτεχνικού κινήματος. Παρόλο που εμφανίστηκαν πολυάριθμα διαφορετικά στυλ ζωγραφικής της Οριενταλιστικής κατά τη διάρκεια της ακμής του κινήματος τον 19ο αιώνα, ο όρος "Οριενταλιστική ζωγραφική" χρησιμοποιείται συνήθως για να αναφέρεται σε ένα μόνο υποείδος της ακαδημαϊκής τέχνης. Πολλοί ιστορικοί τέχνης κατατάσσουν τους οριενταλιστές ζωγράφους σε δύο κατηγορίες: αυτούς που ζωγράφιζαν με άμεση παρατήρηση και αυτούς που δημιούργησαν φανταστικά σκηνικά στα στούντιο τους. Είναι γενικά αποδεκτό ότι οι πιο εξέχουσες προσωπικότητες του οριενταλιστικού κινήματος ήταν Γάλλοι καλλιτέχνες όπως ο Eugène Delacroix (1798-1863) και ο Jean-Léon Gérôme (1824-1904).
Η καταστροφική εισβολή του Ναπολέοντα στην Αίγυπτο και τη Συρία το 1798-1801 επηρέασε τη γαλλική οριενταλιστική ζωγραφική και τεκμηριώθηκε από τους ζωγράφους της αυλής του Ναπολέοντα, ιδιαίτερα τον Antoine-Jean Gros, στα χρόνια που ακολούθησαν, παρά το γεγονός ότι ο Γκρος δεν ταξίδεψε στη Μέση Ανατολή με τον στρατό. . Ο Βοναπάρτης επισκέπτεται τα θύματα της πανούκλας της Γιάφα (1804) και τη μάχη του Αμπουκίρ (1806) και οι δύο επικεντρώνονται στον Αυτοκράτορα, όπως ήταν εκείνη την εποχή, αλλά παρουσιάζουν επίσης πολλά Αιγύπτια άτομα. Ο λιγότερο επιτυχημένος Ναπολέων στη Μάχη των Πυραμίδων έχει επίσης πολλούς Αιγύπτιους (1810). Σημαντικό ήταν επίσης το La Révolte du Caire (1810) της Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Η γαλλική κυβέρνηση παρήγαγε είκοσι τόμους μιας εικονογραφημένης περιγραφής των αρχαιοτήτων της Αιγύπτου μεταξύ 1809 και 1828 υπό τον τίτλο Description de l'Égypte.
Πριν πατήσει ποτέ το πόδι του στην Ελλάδα ή την Ανατολή, ο Eugène Delacroix είχε την πρώτη του μεγάλη επιτυχία με το The Massacre at Chios (1824), το οποίο, όπως και το The Raft of the Medusa του φίλου του Théodore Géricault, απεικόνιζε μια πρόσφατη τραγωδία σε ένα μακρινό μέρος που είχε εγείρει κοινή γνώμη. Ενώ οι Έλληνες εξακολουθούσαν να αγωνίζονται για την ελευθερία από τους Οθωμανούς, η χώρα ήταν εξίσου εξωτική με τα πιο Άπω Ανατολή τμήματα της αυτοκρατορίας. Στη συνέχεια, ο Ντελακρουά ζωγράφισε την Ελλάδα στα ερείπια του Μεσολογγίου (1827) για να τιμήσει την πολιορκία που είχε γίνει τον προηγούμενο χρόνο, και τον θάνατο του Σαρδανάπαλου (1828), που εμπνεύστηκε από τον Λόρδο Βύρωνα και λέγεται ότι ήταν το πρώτο έργο τέχνης να συνδυάσει το σεξ, τη βία, την τεμπελιά και τον εξωτισμό. Το 1832, ως μέρος μιας διπλωματικής αποστολής στον Σουλτάνο του Μαρόκου, ο Ντελακρουά ταξίδεψε τελικά στη σημερινή Αλγερία, μια περιοχή που πρόσφατα κατέλαβαν οι Γάλλοι. Συγκινήθηκε βαθιά από αυτό που είδε, κάνοντας παραλληλισμούς μεταξύ του βορειοαφρικανικού τρόπου ζωής και του τρόπου ζωής των Αρχαίων Ρωμαίων, και συνέχισε να ζωγραφίζει θέματα από το ταξίδι του μετά την επιστροφή του στη Γαλλία. Πολλές από τις εικόνες του παρουσίαζαν Εβραίους ή πολεμιστές πάνω σε άλογα, επειδή, όπως πολλοί επόμενοι ανατολίτες ζωγράφοι, δυσκολευόταν να απεικονίσει γυναίκες. Λίγες σκηνές από χαρέμι που ακολουθούσαν θα μπορούσαν να κάνουν τον ίδιο ισχυρισμό ρεαλισμού, αλλά προφανώς κατάφερε να αποκτήσει πρόσβαση στις γυναικείες συνοικίες (ή στο χαρέμι) ενός σπιτιού για να σκιαγραφήσει αυτό που έγινε Γυναίκες του Αλγερίου.
Ήταν ο Ingres, διευθυντής της Γαλλικής Académie de Peinture, που έκανε δημοφιλή μια ερωτική Ανατολή μέσω της νεφελώδους γενίκευσης των γυναικείων μορφών στην ζωηρά χρωματιστή απεικόνισή του ενός χαμάμ (που μπορεί να ήταν όλοι το ίδιο μοντέλο). Στη μυστηριώδη Ανατολή, ήταν ανεκτές πιο φανερές εκδηλώσεις σεξουαλικότητας. Οι ημι-γυμνοί πίνακες της περιόδου της Νίκαιας του Henri Matisse και η χρήση ανατολίτικων κοστουμιών και σχεδίων είναι παραδείγματα αυτής της συνεχούς χρήσης αυτού του μοτίβου στις αρχές του 20ου αιώνα. Το ατμόπλοιο έκανε τα ταξίδια πολύ πιο εύκολα και πολλοί καλλιτέχνες επισκέφθηκαν τη Μέση Ανατολή και πέραν αυτής για να ζωγραφίσουν ένα ευρύ φάσμα ανατολίτικων σκηνών. Πριν επισκεφτεί την Ανατολή, ο Théodore Chassériau (1819-1856), μαθητής του Ingres, είχε ήδη πετύχει με το γυμνό του The Toilette of Esther (1841, Λούβρο) και το ιππικό πορτρέτο του Ali-Ben-Hamet, Χαλίφη του Κωνσταντίνου και Αρχηγού ο Χαρακτάς, ακολουθούμενος από τη συνοδό του
Πολλά από αυτά τα έργα διαιώνισαν μια στερεότυπη, εξωτική και σεξουαλική απεικόνιση της Ανατολής. Έργα τέχνης αυτού του τύπου συχνά επικεντρώνονταν στους αραβικούς, εβραϊκούς και άλλους σημιτικούς πολιτισμούς, επειδή εκεί ταξίδεψαν Γάλλοι ζωγράφοι για να μάθουν για την ιστορία και την ανάπτυξη της περιοχής καθώς η αυτοκρατορική Γαλλία επέκτεινε την επιρροή της στη Βόρεια Αφρική. Αρκετοί Γάλλοι καλλιτέχνες, όπως ο Eugène Delacroix, ο Jean-Léon Gérôme και ο Jean-Auguste-Dominique Ingres, απεικόνισαν odalisques στους πίνακές τους του ισλαμικού πολιτισμού. Έδωσαν έμφαση στη νωθρότητα και στα εντυπωσιακά οπτικά. Οι πίνακες ζωγραφικής του είδους, ειδικότερα, έχουν επικριθεί επειδή είναι πολύ όμοιοι με ευρωπαϊκά παραδείγματα του ίδιου θέματος ή επειδή εκφράζουν μια οριενταλιστική κοσμοθεωρία με την έννοια του Saidian. Ο Gérôme ήταν ο γενάρχης και συχνά ο κύριος μιας ομάδας Γάλλων ζωγράφων του τέλους του αιώνα γνωστών για τις κραυγαλέα σεξουαλικές απεικονίσεις χαρεμιών, δημόσιων λουτρών και δημοπρασιών σκλάβων (οι δύο τελευταίοι διατίθενται επίσης με κλασική διακόσμηση) και για τη συμβολή τους στο εξίσωση του οριενταλισμού με το γυμνό σε πορνογραφικό τρόπο».
Ξεκινώντας από τα τέλη του 15ου αιώνα, το μορεσκικό στυλ του αναγεννησιακού στολισμού ήταν μια ευρωπαϊκή προσαρμογή του ισλαμικού αραβουργήματος που συνέχισε να χρησιμοποιείται σε ορισμένους τομείς, όπως ως βιβλιοδεσία, σχεδόν μέχρι σήμερα. Ο όρος «Ινδοσαρακηνική Αναβίωση» περιγράφει την πρώιμη δυτική χρήση των ινδικών αρχιτεκτονικών θεμάτων. Η πρόσοψη του Guildhall του Λονδίνου χρονολογείται από αυτή τη χρονική περίοδο (1788–1789). Από το 1795 περίπου, όταν δημοσιεύτηκαν απόψεις για την Ινδία από τους William Hodges και William and Thomas Daniell, το στυλ απέκτησε δημοτικότητα στη Δύση. Μεταξύ των πιο γνωστών παραδειγμάτων αρχιτεκτονικής "Hindoo" είναι το Sezincote House (περίπου 1805) στο Gloucestershire, το οποίο κατασκευάστηκε για έναν nabob που είχε επιστρέψει πρόσφατα από τη Βεγγάλη, και το Royal Pavilion στο Brighton.
Η χρήση «τουρκικών» στυλ στις διακοσμητικές τέχνες, η περιστασιακή υιοθέτηση της τουρκικής ενδυμασίας και το ενδιαφέρον για την τέχνη που απεικονίζει την Οθωμανική Αυτοκρατορία ήταν όλα μέρος του κινήματος Turquerie, το οποίο ξεκίνησε στα τέλη του 15ου αιώνα και διήρκεσε τουλάχιστον μέχρι τον 18ο. Ακόμα κι αν η Γαλλία έγινε πιο σημαντική μετά τον 18ο αιώνα, ο αρχικός κόμβος ήταν η Βενετία, η μακροχρόνια εμπορική σχέση των Οθωμανών.
Το όνομα "Chinoiserie" αναφέρεται στο γενικό στυλ διακόσμησης με στοιχεία εμπνευσμένα από την Κίνα που ήταν δημοφιλές στη Δυτική Ευρώπη από τον 17ο αιώνα και έφτασε στο ζενίθ της σε πολλά κύματα, κυρίως κατά την περίοδο του Ροκοκό (περίπου 1740-1770). Η τεχνική πολυπλοκότητα της κινεζικής κεραμικής επιχειρήθηκε και μόνο μερικώς επιτυχής από δυτικούς σχεδιαστές από την Αναγέννηση έως τον 18ο αιώνα. Ήταν τον 17ο αιώνα που χώρες όπως η Αγγλία (με την Εταιρεία της Ανατολικής Ινδίας), η Δανία (με την Εταιρεία της Ανατολικής Ινδίας), η Ολλανδία (με την Εταιρεία της Ανατολικής Ινδίας) και η Γαλλία (με την Εταιρεία της Ανατολικής Ινδίας) άρχισαν να δείχνουν σημάδια της Chinoiserie (της Γαλλικής Εταιρείας Ανατολικών Ινδιών). Στις αρχές του 17ου αιώνα, οι αγγειοπλάστες στο Ντελφτ και σε άλλες ολλανδικές πόλεις άρχισαν να χρησιμοποιούν την ίδια αυθεντική μπλε και λευκή πορσελάνη που είχε παραχθεί στην Κίνα κατά τη διάρκεια της δυναστείας των Μινγκ. Πιάτα, βάζα και είδη τσαγιού από τις πρώτες τοποθεσίες παραγωγής πραγματικής πορσελάνης, όπως το Meissen, μιμούνταν τις παραδοσιακές κινεζικές μορφές (βλ. κινεζική πορσελάνη εξαγωγής).
Τα επίσημα παρτέρια των γερμανικών ανακτόρων του ύστερου μπαρόκ και του ροκοκό είχαν περίπτερα αναψυχής σε «κινέζικη γεύση» και τα πάνελ με πλακάκια στο Aranjuez κοντά στη Μαδρίτη απεικόνιζαν παρόμοιες κατασκευές. Τα τραπέζια τσαγιού και τα πορτοκαλί ντουλάπια, ειδικότερα, διακοσμήθηκαν από τον Thomas Chippendale με υαλοπίνακες και κιγκλιδώματα το 1753-1770. Η πολιτογράφηση συνέβη επίσης στα θλιβερά αφιερώματα στα έπιπλα των πρώιμων μελετητών του Xing, όπως το τανγκ, το οποίο έγινε ένα μεσαίο γεωργιανό τραπεζάκι και τετράγωνες πολυθρόνες με ράχη κατάλληλες για Άγγλους κυρίους καθώς και για Κινέζους μελετητές.
Δεν θεωρούνται «chinoiserie» όλες οι δυτικές ερμηνείες της παραδοσιακής κινεζικής αισθητικής. Παραδείγματα μέσων Chinoiserie περιλαμβάνουν κεραμικές φιγούρες και επιτραπέζια στολίδια, πρώιμες ζωγραφισμένες ταπετσαρίες σε μορφή φύλλου και απομιμήσεις πιάτων από λάκα και βαμμένα τσίγκινα (tôle) που παραμύθιζαν την Ιαπωνία. Σε κήπους τοποθετήθηκαν παγόδες πλήρους μεγέθους, ενώ σε μανδύες τοποθετήθηκαν μινιατούρες. Η Μεγάλη Παγόδα, που δημιουργήθηκε από τον William Chambers, είναι μια εκπληκτική κατασκευή στο Kew. Βρίσκεται στη Στουτγάρδη, το Wilhelma (1846) είναι ένα κτήριο που αποτελεί παράδειγμα του μαυριτανικού στιλ της αναγέννησης. Χτισμένο για τον καλλιτέχνη Frederic Leighton, το Leighton House διαθέτει παραδοσιακούς εξωτερικούς αλλά περίτεχνους εσωτερικούς χώρους αραβικού στιλ με γνήσια ισλαμικά πλακάκια και άλλα εξαρτήματα και βικτοριανή ανατολίτικη δουλειά.
Λόγω σε μεγάλο βαθμό της εισαγωγής των εκτυπώσεων ukiyo-e στη Δύση, το αισθητικό κίνημα γνωστό ως Ιαπωνισμός άκμασε μετά το 1860. Ιδιαίτερη επιρροή στους σύγχρονους Γάλλους καλλιτέχνες όπως ο Claude Monet και ο Edgar Degas ήταν η ιαπωνική αισθητική. Οι ιαπωνικές εκτυπώσεις ενέπνευσαν την Αμερικανίδα καλλιτέχνη Mary Cassatt, η οποία έζησε και εργάστηκε στη Γαλλία. Ενσωμάτωσε τη χρήση πολυεπίπεδων μοτίβων, επίπεδων επιπέδων και δυναμικής προοπτικής στη δουλειά της. Μερικά από τα καλύτερα παραδείγματα τέχνης εμπνευσμένης από την Ιαπωνία βρίσκονται στο The Peacock Room, μια συλλογή από πίνακες του James Abbott McNeill Whistler. Το Gamble House και άλλα κτίρια από τους Greene και Greene της Καλιφόρνια επηρεάστηκαν από την ιαπωνική αρχιτεκτονική.
Η αρχιτεκτονική της Αιγυπτιακής Αναγέννησης ήταν ένα δημοφιλές στυλ στις αρχές και τα μέσα του 19ου αιώνα και παρέμεινε ως μικρό στυλ στις αρχές του 20ού αιώνα. Στις αρχές του 19ου αιώνα, οι συναγωγές ήταν από τους κύριους δικαιούχους του στυλ της Μαυριτανικής Αναγέννησης που προήλθε από τα γερμανικά κρατίδια. Ένα αρχιτεκτονικό στυλ γνωστό ως Ινδοσαρακηνική Αναγέννηση εμφανίστηκε στο βρετανικό Raj γύρω στα τέλη του 19ου αιώνα.
Η αισθητική της ανατολίτικης διακόσμησης είναι από τις πιο δελεαστικές στον κόσμο. Δημοφιλή στις βιομηχανίες επίπλων και εσωτερικής διακόσμησης, η χρήση ανατολίτικων διακοσμητικών στοιχείων βρίσκεται σε άνοδο. Αυτή η συλλογή ασιατικών μορφών τέχνης ήταν περιζήτητη εδώ και χιλιετίες και περιλαμβάνει έργα από μια μεγάλη ποικιλία ασιατικών χωρών.
Ο όρος «Ανατολίτικη τέχνη» δημιουργεί συχνά εικόνες κοριτσιών γκέισας στην Ιαπωνία ή κινεζικές ακουαρέλες, αλλά αυτά δεν είναι τα μόνα παραδείγματα. Με τα ζωηρά τους χρώματα και την προσοχή στη λεπτομέρεια, οι ανατολίτικοι κύλινδροι, τα βάζα και οι πίνακες έχουν αντέξει για αιώνες. Ομπρέλες, ανεμιστήρες και λάμπες είναι περαιτέρω παραδείγματα άλλων μορφών ανατολίτικης τέχνης.
Ένας από τους λόγους για τους οποίους η ανατολίτικη τέχνη είναι τόσο δημοφιλής είναι οι καθαρές γραμμές και τα ζωηρά χρώματά της. Το ανατολικό και το δυτικό ημισφαίριο έχουν ενσωματώσει στοιχεία ανατολίτικης διακόσμησης στο εσωτερικό τους. Λόγω της κομψότητας και της λειτουργικότητάς του, μπορεί να χρησιμοποιηθεί σε ρυθμίσεις που κατά τα άλλα είναι ασυνήθιστες. Η προσθήκη ενός έργου ανατολίτικης τέχνης στο σπίτι σας είναι ένας πολύ καλός τρόπος για να του δώσετε μια μοναδική εμφάνιση και αίσθηση. Ο ανεμιστήρας τοίχου είναι ένα εμβληματικό παράδειγμα ανατολίτικης τέχνης. Η διακόσμηση με αντικείμενα από την Ανατολή είναι μια υπέροχη ιδέα γιατί είναι και κομψά και φθηνά.
Όπως προτείνουν πολλοί ειδικοί στον τομέα, οι δημοπρασίες είναι ένας από τους καλύτερους τρόπους για την προμήθεια έργων ανατολίτικης τέχνης. Ως εκ τούτου, μπορείτε απλά να περιηγηθείτε σε καταλόγους δημοπρασιών και να αρχίσετε να διακοσμείτε το σπίτι σας με κομμάτια ανατολίτικης γεύσης. Σχετικά με την ιαπωνική τέχνη, ωστόσο, συχνά δημοπρασίες περιλαμβάνουν εκτυπώσεις, κεραμικά, πανοπλίες και άλλα.
Τα διάσημα έργα του Κινέζου καλλιτέχνη Gu Kaizhi περιλαμβάνουν τις νουθεσίες της κυβερνήτη προς τις κυρίες της αυλής και τις οδηγίες για επιφανείς γυναίκες. Ήταν επίσης ποιητής και θεωρητικός της τέχνης. Ήταν ένας Ταοϊστής φιλόσοφος που είχε μια πολύχρωμη ζωή και μερικές φορές επέδειξε μεγάλο κυνισμό. Ένας κυβερνητικός αξιωματούχος που ξεκίνησε το 366, ο Gu Kaizhi (περίπου 344-406) γεννήθηκε στο Wuxi της επαρχίας Jiangsu, αλλά τα ταλέντα του εκτείνονται πολύ πέρα από την πολιτική. Ήταν επίσης ένας καταξιωμένος ποιητής, δοκιμιογράφος, ζωγράφος και επαγγελματίας της κινεζικής καλλιγραφίας. Τρία έργα, Περί Ζωγραφικής, Εισαγωγή στους Διάσημους Πίνακες των Δυναστειών Γουέι και Τζιν, και Ζωγραφική του Όρους Γιουντάι, περικλείουν τις πολυάριθμες θεωρίες του Γκου για το μέσο. Το έργο της ζωής του τεκμηριώνεται σε περισσότερους από 70 πίνακες που εστιάζουν σε ανθρώπινες και θεϊκές φιγούρες, ζώα, τοπία και πλωτές οδούς. Ο Βούδας του Ναού του Ναντζίνγκ (που δημιουργήθηκε για να δημιουργήσει χρήματα για την κατασκευή του ναού), οι νουθεσίες της Κυβερνήτη προς τις Κυρίες της Αυλής και η Νύμφη του ποταμού Λούο είναι όλα έργα που του αποδίδονται συνήθως. Έργα του Gu Kaizhi βρίσκονται πλέον σε συλλογές σε όλο τον κόσμο. Μεταξύ 220 μ.Χ. και 581 μ.Χ., υπήρξε μια χρυσή εποχή της κινεζικής ζωγραφικής. Παρά τους πολέμους και τις δυναστικές αλλαγές που συνέβησαν στην Κίνα κατά τη διάρκεια των 300 ετών, η πολιτιστική ζωή της χώρας παρέμεινε ζωντανή. Αυτό οφειλόταν σε μεγάλο βαθμό στις πολλές διαφορετικές σχολές που έδωσαν σημαντική ώθηση στην καλλιτεχνική ανάπτυξη της χώρας. Υπάρχουν πολλά παραδείγματα δεξιοτεχνίας στην κινεζική καλλιγραφία και την τέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της χρονικής περιόδου, όπως πίνακες τάφων, γλυπτά από πέτρα και τούβλα και πίνακες ζωγραφικής με λάκα. Επίσης θεωρητικοποιούνται οι εικονογραφικοί κανόνες που βλέπουμε κάτω από τη σύγχρονη κινεζική ζωγραφική, κανόνες όπως η Γραφική Θεωρία και η Θεωρία των Έξι Κανόνων. Ένας από τους πιο σημαντικούς και γνωστούς από αυτούς τους καλλιτέχνες είναι ο Gu Kaizhi, που συχνά θεωρείται ως ο εμπνευστής της παραδοσιακής κινεζικής ζωγραφικής. Τα έργα του αποτελούν την επιτομή της εποχής που έζησε.
Από τα έτη 990 έως 1020, ο Fan Kuan ήταν ένας εξέχων Ταοϊστής ζωγράφος «βορείου στυλ» στην Κίνα. Σε αυτόν αποδίδονται μεταξύ άλλων ο εκλεκτότερος δάσκαλος του 10ου και 11ου αιώνα. Ένας κατακόρυφος κύλινδρος με τίτλο Travelers amid Mountains and Streams, του Fan Kuan, θεωρείται ευρέως ως το θεμελιώδες έργο τέχνης για τη Σχολή Τραγουδιού του Βορρά. Θέτει ένα πρότυπο για τη γιγάντια ζωγραφική τοπίων που πολλοί καλλιτέχνες θα αναζητούσαν στη συνέχεια για καθοδήγηση. Είναι ξεκάθαρο ότι η παλιά κινεζική ιδέα των τριών διαστάσεων, κοντά, μέση (που αντιπροσωπεύεται από νερό και ομίχλη) και απόσταση, λειτουργεί εδώ. Σε αντίθεση με τα παλαιότερα παραδείγματα κινεζικής ζωγραφικής τοπίου, η λαμπρότητα του φυσικού κόσμου είναι το επίκεντρο και όχι μια εκ των υστέρων σκέψη. Στη βάση του μονόλιθου, φαίνεται μια σειρά από άλογα που αναδύονται από τους θάμνους. Οι συμβάσεις από την παλαιότερη δυναστεία των Τανγκ μπορούν να φανούν στο οπτικό στυλ του έργου τέχνης.
Είναι το ύφος ukiyo-e που ο Katsushika Hokusai διαδόθηκε ως ζωγράφος και χαράκτης στην Ιαπωνία. Ήταν ένας ακριβής και εκκεντρικός ζωγράφος που είναι περισσότερο γνωστός για τα χαρακτικά του. Ωστόσο, συνέχισε να εργάζεται και στα δύο μέσα σε όλη του τη ζωή. Περισσότερα από εξήντα χρόνια στην καριέρα του, είχε ήδη πειραματιστεί με ξυλογραφίες που απεικόνιζαν θεατρικά θέματα, χαιρετισμούς για ιδιωτική κυκλοφορία (surimono) και, ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1830, σε σειρές τοπίων, όπως αποδεικνύεται από έργα όπως Views of Famous Bridges και Famous Waterfalls στο Διάφορες επαρχίες και Τριάντα έξι όψεις του όρους Φούτζι, που εν μέρει αντανακλά μια προσωπική προσκόλληση στο διάσημο ηφαίστειο. Το Great Kanagawa Wave, επίσης μέρος αυτού του κανόνα, είναι ένα σχετικό έργο. Μετά από μια περίοδο μεγάλων δυσκολιών που προκλήθηκαν από μια σειρά οικογενειακών ζητημάτων, μεταξύ των οποίων το λιγότερο ήταν η τάση του ανιψιού του για τυχερά παιχνίδια, δημοσίευσε έναν αριθμό οδηγών ζωγραφικής και manga που απευθύνονταν τόσο σε ερασιτέχνες όσο και σε επαγγελματίες. Η συγγραφή και η ζωγραφική ενός ευρέος φάσματος βιβλίων μυστηρίου και διηγημάτων για γυναίκες και παιδιά, καθώς και η εργασία για την εικονογράφηση μεγάλων λογοτεχνικών αριστουργημάτων, εμπνεύστηκε από τη δια βίου αγάπη του για τη λογοτεχνία, η οποία πιθανότατα ξεκίνησε κατά τα εφηβικά του χρόνια ως αγόρι για ένα ταξίδι. βιβλιοθήκη. Τα χαϊκού που έγραψε ήταν επίσης αρκετά καλά. Λόγω της ευρείας επιρροής της τέχνης του στους Ευρωπαίους ιμπρεσιονιστές όπως ο Claude Monet και μετα-ιμπρεσιονιστές όπως ο Vincent van Gogh και ο Γάλλος ζωγράφος Paul Gauguin, τρεις βιογραφίες για τον Hokusai δημοσιεύτηκαν στα γαλλικά μεταξύ 1896 και 1914 από τους σημαντικότερους κριτικούς της εποχής, μεταξύ των οποίων Edmond de Goncourt. Σύμφωνα με τις ιστορίες που διηγήθηκαν για αυτόν, μετακόμισε περισσότερες από ενενήντα φορές και χρησιμοποίησε πολλά διαφορετικά καλλιτεχνικά ονόματα σε όλη την καριέρα του.
Ιάπωνας ζωγράφος και τυπογράφος Hiroshi Yoshida. Οι εκτυπώσεις του στο Ταζ Μαχάλ, τις Ελβετικές Άλπεις και το Γκραν Κάνυον είναι από τα πιο διάσημα παραδείγματα τέχνης shin-hanga και προκαλούν έντονα συναισθήματα στους θεατές. Στις 19 Σεπτεμβρίου 1876, στην πόλη Kurume, στην επαρχία Fukuoka στο νησί Kysh, ξεκίνησε η ζωή του Hiroshi Yoshida, γεννημένος Hiroshi Ueda. Ο θετός πατέρας του, καθηγητής τέχνης σε δημόσιο σχολείο, ενθάρρυνε το πρώιμο καλλιτεχνικό του ταλέντο. Αφού πέρασε τρία χρόνια στο Τόκιο μαθαίνοντας υπό τον Koyama Shotaro, μεταφέρθηκε στο Κιότο για να σπουδάσει κοντά στον διάσημο δυτικό δεξιοτέχνη Tamura Shoryu όταν ήταν 19 ετών. Το 1899, ο Yoshida παρουσίασε την πρώτη του έκθεση σε αυτό που τότε ονομαζόταν Μουσείο Τέχνης του Ντιτρόιτ αλλά τώρα ονομάζεται Ινστιτούτο Τεχνών του Ντιτρόιτ. Ο Hiroshi Yoshida ήταν ένας καταξιωμένος ελαιοχρωματιστής που χρησιμοποιούσε το μέσο από την εισαγωγή του στην Ιαπωνία την εποχή του Meiji. Η σειρά Sailing Boats από το 1921 και οι εκτυπώσεις του Ταζ Μαχάλ (εκ των οποίων υπάρχουν έξι) είναι και οι δύο περιπτώσεις της συνήθειας του Yoshida να αναπαράγει την ίδια εικόνα σε διαφορετικά χρώματα για να αλλάξει τη διάθεση.
Η διαδικτυακή μας γκαλερί τέχνης διαθέτει τη μεγαλύτερη συλλογή πρωτότυπων έργων τέχνης στο διαδίκτυο, συμπεριλαμβανομένης μιας αποκλειστικής συλλογής έργων τέχνης angels από αναδυόμενους και διάσημους καλλιτέχνες από όλο τον κόσμο. Το Artmajeur προσφέρει όντως εκατομμύρια έργα τέχνης όπως πίνακες, γλυπτά και φωτογραφίες από τους σημερινούς μεγαλύτερους σύγχρονους καλλιτέχνες!
Αγοράστε με ασφάλεια όλη την τέχνη που αγαπάτε στο Artmajeur
Youάχνετε για angels έργα τέχνης προς πώληση ; Μπορείτε να αγοράσετε με ασφάλεια πίνακες για το angels , καθώς και γλυπτά, φωτογραφίες ή σχέδια: όλες οι αγορές σας καλύπτονται από την πολιτική επιστροφής 14 ημερών, χωρίς ερωτήσεις! Τα έργα τέχνης που παρουσιάζονται στη γκαλερί πωλούνται σε εγγυημένη τιμή, με δωρεάν μεταφορικά.
Βρείτε πίνακες και έργα τέχνης "angels" κοντά σας
Η γεωγραφική μηχανή αναζήτησης στο Artmajeur σάς επιτρέπει επίσης να βρείτε έργα τέχνης κοντά σας, με αυτόν τον τρόπο μπορείτε εύκολα να βρείτε πρωτότυπη τέχνη στην πόλη, την περιοχή ή οποιαδήποτε τοποθεσία επιλέξετε. Ορισμένοι πωλητές μπορούν επίσης να παραδώσουν δέματα μόνοι τους εάν το στούντιο τους βρίσκεται κοντά στην τοποθεσία σας.
Αποκτήστε μια προσαρμοσμένη επιλογή ζωγραφικής και έργων τέχνης
Ένας τέλειος τρόπος για να κάνετε το σπίτι σας όσο το δυνατόν πιο εξατομικευμένο είναι με μια προσαρμοσμένη επιλογή έργων τέχνης. Τα έργα τέχνης διατίθενται σε επιλογή θεμάτων, μεγεθών, ειδών, σχημάτων, στυλ, θεμάτων, χρωμάτων και θεμάτων. Εάν έχετε μια συλλογή έργων τέχνης που αποτελείται από εκατοντάδες πίνακες ζωγραφισμένους στο χέρι ή με άλλο τρόπο, μπορείτε να επιλέξετε αυτούς που εκφράζουν καλύτερα τα ενδιαφέροντά σας.
Για να επιλέξετε πίνακες για τη συλλογή σας που ταιριάζουν με τα γούστα και το στυλ σας, μπορείτε να χρησιμοποιήσετε τις επιλογές του μενού στο πλάι. Απλώς επιλέγοντας επιλογές όπως χρώμα, θέμα, τιμή, θέμα, η επιλογή σας θα ενημερωθεί αυτόματα. Μπορείτε επίσης να αποθηκεύσετε οποιαδήποτε έργα τέχνης που σας αρέσουν ως αγαπημένα: αυτό θα σας επιτρέψει να διατηρήσετε τα προσωπικά σας αγαπημένα για μελλοντική χρήση. Εάν πρέπει να μοιραστείτε τα έργα τέχνης σας με άλλους, μπορείτε επίσης να δημοσιοποιήσετε τις συλλογές σας, είναι ένας δημιουργικός τρόπος για να μοιραστείτε την τέχνη που προτιμάτε με άλλους λάτρεις της τέχνης, φίλους ή ακόμα και πελάτες.
Μπορεί να υπάρχει ένας μεγάλος αριθμός έργων τέχνης που σχετίζονται με το angels : Wether που αγοράζετε για πρώτη φορά στο διαδίκτυο ή ήδη είστε συχνός αγοραστής, μπορεί να είναι τόσο εκφοβιστικό όσο και χρονοβόρο να βρείτε το σωστό έργο τέχνης στο διαδίκτυο:
Η ομάδα μας συμβούλων τέχνης είναι εδώ για να σας βοηθήσει: Η Artmajeur θέλει να κάνει την αγορά τέχνης στο διαδίκτυο εύκολη και ασφαλή. Όλα τα έργα τέχνης μας συνοδεύονται από 100 % εγγύηση επιστροφής χρημάτων, ώστε να αισθάνεστε απόλυτα ασφαλείς για την online απόκτησή σας μαζί μας.
Δημιουργήσαμε μια πλατφόρμα για τους καλλιτέχνες να ανεβάζουν τα έργα τους απευθείας στον ιστότοπό μας, προκειμένου να σας βοηθήσουν να βρείτε το τέλειο κομμάτι. Περιηγηθείτε σε χιλιάδες εκτυπώσεις, γλυπτά και πίνακες ζωγραφικής από τους σημερινούς κορυφαίους καλλιτέχνες. Οι τιμές κυμαίνονται από πολύ προσιτά έργα τέχνης, μέχρι πολύτιμα κομμάτια για επένδυση, ανάλογα με τον τύπο και το μέγεθος του έργου τέχνης που ψάχνετε και τις απαιτήσεις του χώρου σας. Είναι εκπληκτικό να βλέπεις την ποικιλία των πρωτότυπων έργων τέχνης που διατίθενται στο διαδίκτυο. Η Artmajeur τα έχει όλα, είτε ψάχνετε μια όμορφη και ακριβή ελαιογραφία είτε ένα έπιπλο για το σπίτι σας.
Υπάρχει μια μεγάλη ποικιλία καλλιτεχνικών παραδόσεων από όλη την Ασία που συνθέτουν την ιστορία της ασιατικής τέχνης. Η Κεντρική Ασία, η Ανατολική Ασία, η Νότια Ασία, η Νοτιοανατολική Ασία και η Δυτική Ασία είναι τα πιο εξέχοντα μέρη της ασιατικής ηπείρου.
Η τέχνη της Ανατολικής Ασίας περιλαμβάνει τους πολιτισμούς της Κίνας, της Ιαπωνίας και της Κορέας, ενώ η τέχνη της Κεντρικής Ασίας κυριαρχείται από δημιουργίες από τους Τούρκους λαούς της ευρασιατικής στέπας. Η τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας αποτελείται από τις τέχνες της Ταϊλάνδης, του Λάος, του Βιετνάμ, της Σιγκαπούρης, της Ινδονησίας και των Φιλιππίνων, ενώ η νοτιοασιατική τέχνη αναφέρεται στις τέχνες της ινδικής υποηπείρου. Η τέχνη από την Εγγύς Ανατολή ή τη Δυτική Ασία περιλαμβάνει την τέχνη της Μεσοποταμίας από την αρχαιότητα και την ισλαμική τέχνη από τη σύγχρονη εποχή.
Η εξέλιξη της ασιατικής τέχνης είναι παρόμοια με αυτή της δυτικής τέχνης από πολλές απόψεις. Οι πολιτισμοί αναμειγνύονταν με μέσα όπως η μεταφορά της τέχνης του Δρόμου του Μεταξιού, η πολιτιστική ανταλλαγή κατά την Εποχή της Ανακάλυψης και του αποικισμού, και μέσω του Διαδικτύου και της τρέχουσας παγκοσμιοποίησης. Αν εξαιρέσουμε την τέχνη της Λίθινης Εποχής, η τέχνη της Μεσοποταμίας είναι η αρχαιότερη τέχνη στην Ασία.
Το σύγχρονο Κιργιστάν, Καζακστάν, Ουζμπεκιστάν, Τουρκμενιστάν, Αζερμπαϊτζάν, Τατζικιστάν, Αφγανιστάν, Πακιστάν και ορισμένες περιοχές της σύγχρονης Μογγολίας, Κίνας και Ρωσίας θεωρούνται όλα μέρος της περιοχής της Κεντρικής Ασίας, η οποία φιλοξενεί πλούσια ιστορία και μια μεγάλη ποικιλία καλλιτεχνικών παραδόσεων. Η τέχνη της Κεντρικής Ασίας από την αρχαιότητα έως τον Μεσαίωνα απεικονίζει τον ποικίλο πληθυσμό και την πολιτιστική κληρονομιά της περιοχής. Η πολιτιστική κληρονομιά της Κεντρικής Ασίας αντικατοπτρίζει την πολυπολιτισμική σύνθεση της περιοχής με εκπληκτικούς τρόπους, όπως αποδεικνύεται από τα καλλιτεχνικά αντικείμενα της περιοχής. Η σκυθική τέχνη, η ελληνοβουδιστική τέχνη, η σερινδική τέχνη, ακόμη και ο σύγχρονος περσικός πολιτισμός είναι όλα μέρος αυτής της περίπλοκης ιστορίας, η οποία περιλαμβάνει επίσης τη μετάδοση της τέχνης μέσω του Δρόμου του Μεταξιού.
Οι μετανάστες βοσκοί που ασκούσαν μικτές οικονομίες στην περιφέρεια καθιστικών κοινοτήτων αποκαλούσαν τα λιβάδια της Κεντρικής Ασίας (από την Κασπία Θάλασσα στην κεντρική Κίνα και από τη νότια Ρωσία έως τη βόρεια Ινδία) πατρίδα από τα τέλη της 2ης χιλιετίας π.Χ. μέχρι σχετικά πρόσφατα. Η προϊστορική τέχνη του «ζωικού στυλ» αυτών των ποιμενικών νομάδων αποκαλύπτει όχι μόνο τους ζωόμορφους μύθους και τις σαμανικές τελετουργίες τους, αλλά και τη διάθεσή τους να ενσωματώσουν τα σύμβολα της εγκατεστημένης κουλτούρας στις δικές τους πρακτικές.
Πολιτισμοί από όλο τον κόσμο συναντήθηκαν και συγχωνεύτηκαν στην Κεντρική Ασία, καθιστώντας την το νευρικό κέντρο του αρχαίου Δρόμου του Μεταξιού που συνέδεε την Κίνα με τη Μεσόγειο. Οι αναπτυσσόμενες κοινότητες την τρίτη και δεύτερη χιλιετία π.Χ. αποτελούσαν μέρος ενός τεράστιου εμπορικού δικτύου που συνέδεε την Κεντρική Ασία με την κοιλάδα του Ινδού, τη Μεσοποταμία και την Αίγυπτο.
Η ισλαμική τέχνη είχε μεγάλη επιρροή στη δυτική τέχνη τους τελευταίους αιώνες, αλλά οι παλαιότεροι πολιτισμοί άντλησαν έμπνευση από ένα ευρύ φάσμα πηγών, συμπεριλαμβανομένων των τεχνών της Κίνας, της Περσίας και της Ελλάδας, καθώς και το στυλ των ζώων, που εμφανίστηκε μεταξύ των νομάδων οι στέπες.
Οι πολιτιστικές πρακτικές από την Ανατολική Ασία περιλαμβάνουν τις εικαστικές τέχνες, τη λογοτεχνία και τις τέχνες του θεάματος της Κίνας, της Κορέας και της Ιαπωνίας. Δεδομένου ότι δεν έχουν πρακτικό σκοπό και δεν περιλαμβάνουν χειρωνακτική εργασία, μόνο η ζωγραφική και η καλλιγραφία έχουν το καθεστώς των «πραγματικών καλών τεχνών» στην Κίνα. Η γλυπτική, μαζί με τη χύτευση και τη γλυπτική χαλκού, καθώς και την παραγωγή κεραμικών, υφασμάτων, μεταλλουργίας και βερνικιού, θεωρούνται όλα χειροτεχνία. Τα παραδοσιακά κινεζικά κτίρια είναι σχεδόν συχνά κατασκευασμένα από ξύλο και έχουν μια πλατφόρμα, πλαίσιο μετά και υπέρθυρο, βραχίονες στήριξης οροφής και βαριά, κεκλιμένη οροφή.
Τρεις παράγοντες, συμπεριλαμβανομένης της βουδιστικής εικονογραφίας, των αυτόχθονων ιαπωνικών θεμάτων και παραδόσεων και των κινεζικών εικαστικών τεχνών, είχαν σημαντικές επιπτώσεις στην ιαπωνική οπτική κουλτούρα. Ο Ναός Hry, που χτίστηκε τον έβδομο αιώνα, ήταν η πρώτη κατασκευή που χρησιμοποίησε τις ασύμμετρες διατάξεις που θα χαρακτηρίσουν την ιαπωνική αρχιτεκτονική. Η πολύχρωμη ξυλογραφία, που εξελίχθηκε στην εμβληματική εκτύπωση ukiyo-e, και οι πίνακες ζωγραφικής του 16ου έως του 18ου αιώνα είναι χαρακτηριστικά παραδείγματα της ενασχόλησης των Ιαπώνων ζωγράφων με την αφαίρεση από τη φύση. Η χρήση της πέτρας στην οικοδόμηση και τη γλυπτική και η ανάπτυξη ενός εξαίσιου λούστρου από Celadon είναι δύο από τις πιο χαρακτηριστικές συνεισφορές της Κορέας στις τέχνες.
Μεταξύ των παγκόσμιων λογοτεχνιών, η Κίνα έχει τη μεγαλύτερη αδιάσπαστη ιστορία (πάνω από 3.000 χρόνια). Η ιστορία του είναι περίπλοκα συνυφασμένη με αυτή της γραπτής γλώσσας που μοιράζεται με την Κορέα και την Ιαπωνία. Μπαλάντες, θρύλοι, δράματα με μάσκες, κείμενα κουκλοθεάτρου και κείμενα p'ansori ("ιστορίες") αποτελούν μέρος της πλούσιας προφορικής ιστορίας της Κορέας και η χώρα έχει επίσης μια ισχυρή γραπτή παράδοση ποίησης (κυρίως μορφές hyangga και sijo) . Δεδομένου ότι ούτε η Ιαπωνία ούτε η Κορέα είχαν τη δική τους γραπτή γλώσσα, οι λογοτεχνικές παραδόσεις και των δύο χωρών δανείστηκαν σε μεγάλο βαθμό από την Κίνα (αν και τα ιαπωνικά συλλαβικά συστήματα εμφανίστηκαν περίπου το 1000 και το κορεατικό Χανγκούλ αναπτύχθηκε τον 15ο αιώνα). Η ποίηση από την Ιαπωνία, ειδικά στη μορφή χαϊκού, είναι γνωστή παγκοσμίως για τη λεπτή ευαισθησία της και χρονολογείται από τον 7ο αιώνα μαζί με τους πολλούς λογοτεχνικούς θησαυρούς της χώρας, όπως το The Tale of Genji.
Η μουσική της Ανατολικής Ασίας, όπως και η δυτική μουσική, δημιούργησε μια πεντατονική κλίμακα βασισμένη σε λεξιλόγιο 12 τόνων, αλλά η βάση της είναι ευδιάκριτη. Τα σύνολα της Ανατολικής Ασίας τείνουν να είναι σχετικά μικρά και οι συνθέτες στην περιοχή συνήθως δίνουν προτεραιότητα στη μελωδία και τον ρυθμό πάνω από την αρμονική πολυπλοκότητα. Αξίζει να σημειωθεί ότι στις χώρες της Ανατολικής Ασίας, η μουσική, ο χορός και το δράμα συνδέονται συχνά και δεν υπάρχουν στοιχεία για διακριτή εξέλιξη της φόρμας στις σχετικές κατηγορίες του χορού και του θεάτρου της Ανατολικής Ασίας. Χορευμένες πομπές, χορευτική όπερα (τζινγκσι ή «Πεκίνο» και άλλα είδη κινεζικής όπερας), θέατρο σκιών, κουκλοθέατρο και παιχνίδια διαλόγου με μουσική και χορό είναι μόνο λίγες από τις πολλές ποικιλίες παραστατικών τεχνών της Ανατολικής Ασίας (π.χ. Ιαπωνικά καμπούκι). Τα έργα των Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun και Murasaki Shikibu αξίζει επίσης να διερευνηθούν, όπως και η ikebana, το δίπλωμα χαρτιού σε στυλ Jgan, η ζωγραφική με κύλιση, το shinden-zukuri, το shoin-zukuri, το sukiya-style, Αρχιτεκτονική σε στιλ Tempyu και σε στιλ Tori.
Οι τέχνες της Ινδίας, του Πακιστάν, του Μπαγκλαντές και της Σρι Λάνκα είναι συχνά γνωστές ως Νότια Ασία. Μια πληθώρα αρχαίας κειμενικής λογοτεχνίας στα σανσκριτικά, τα πρκριτικά και τις τοπικές γλώσσες βοήθησε να έρθουν κοντά οι άνθρωποι της ινδικής υποηπείρου, όπως και μια κοινή πολιτιστική και ηθική προοπτική. Παρά τη διαίρεση της περιοχής σε ένα καλειδοσκόπιο πολιτικών προτύπων κατά τη διάρκεια των αιώνων, η υποήπειρος στο σύνολό της έχει κοινές μουσικές και χορευτικές παραδόσεις, τελετουργικά τελετουργικά, θρησκευτικές πρακτικές και λογοτεχνικές ιδέες.
Τα έπη της Νότιας Ασίας, όπως το Rmyaa και το Mahbhrata, παρέχουν μια εικόνα του πολύπλοκου ιστού των σχέσεων μεταξύ των πολλών λαών της περιοχής. Υπάρχουν σαφείς ενδείξεις για μια οικογενειακή σχέση μεταξύ των θεών και των ηρώων ευρέως διαχωρισμένων τοποθεσιών, και πολλά από τα ίδια τα τοπωνύμια παραπέμπουν σε κοινά προηγούμενα. Υπήρξαν επίσης επίμονες προσπάθειες για τη δημιουργία ενιαίας πολιτικής τάξης στην περιοχή. Τον τρίτο αιώνα π.Χ., για παράδειγμα, ο αυτοκράτορας Aoka έλεγχε το μεγαλύτερο μέρος αυτής της περιοχής. Τον ενδέκατο αιώνα μ.Χ., ο Rajendra I του Chai κατέλαβε μεγάλο μέρος της Ινδίας και της Νοτιοανατολικής Ασίας. και τον δέκατο έκτο αιώνα μ.Χ., ο μεγάλος Mughal Akbar έκανε το ίδιο. Τα σύνορα έχουν αυξηθεί και συρρικνωθεί σε όλη την ιστορία της Νότιας Ασίας, ενώ ενώνονται και χωρίζονται επίσημα ως ολοκληρωμένες περιοχές, αλλά η κουλτούρα παρέμεινε συνεπής σε όλη τη διάρκεια.
Υπήρχε μια ευρέως διαδεδομένη εκτίμηση για την ομορφιά των βουνών και των ποταμών της περιοχής λόγω του κοινού φυσικού της περιβάλλοντος. Τα Ιμαλάια, που εκτείνονται κατά μήκος των βόρειων συνόρων, είναι τα ψηλότερα βουνά του κόσμου και αντιπροσωπεύουν ένα πολιτιστικό ιδανικό μεγαλείου, αγνότητας και παρθένου χιονιού. Ποτάμια όπως ο Βραχμαπούτρα και ο Ινδός τιμούνται ως «μητέρες» στις αντίστοιχες περιοχές τους λόγω της αφθονίας του νερού που παρέχουν.
Υπάρχει μια ευρέως διαδεδομένη πεποίθηση ότι στις λίμνες και τις πηγές της περιοχής κατοικούν υδάτινες νεράιδες και νεράιδες, γνωστές αντίστοιχα ως ngas και yakas. Το όνομα μιας πρώιμης δυναστείας στο Κασμίρ, το Karkoa, είναι από μόνο του συμβολικό της λατρείας nga. Αρχαία θρησκευτικά αντικείμενα, όπως αγάλματα ngas και yakas που έχουν ανακαλυφθεί σε διάφορες τοποθεσίες, υποδηλώνουν ένα κοινό λατρευτικό ήθος, όπως και τα θρησκευτικά κείμενα που μεταδίδονται προφορικά για αιώνες χωρίς να χάσουν τον παρθένο τόνο τους. Γλυπτά που απεικονίζουν έναν παρόμοιο κλασικό χορό μπορούν να βρεθούν στις πακιστανικές πόλεις Gandra, Bhrhut και Amarvat.
Στη Νότια Ασία, είναι απαραίτητο να είστε καλά γνώστες μιας σειράς διαφορετικών τεχνών πριν μπορέσετε να ειδικευτείτε μόνο σε μία. Δεδομένου ότι η γλυπτική, όπως η ζωγραφική και ο χορός, απεικονίζουν ολόκληρο τον κόσμο, είναι λογικό ότι δεν μπορεί κανείς να γίνει ικανός σε κάθε μορφή τέχνης χωρίς πρώτα να κυριαρχήσει στην άλλη. Ο χορός είναι μια μορφή έκφρασης μέσω της κίνησης και του ρυθμού. Ως εκ τούτου, η κατανόηση του μουσικού ρυθμού είναι ζωτικής σημασίας. Η γνώση της λογοτεχνίας και της ρητορικής θεωρείται σημαντική για την ανάδευση των συναισθημάτων στη μουσική και το χορό. η γεύση (rasa) που πρέπει να εκφραστεί στη μουσική, το χορό, τη γλυπτική ή τη ζωγραφική απαιτεί κάποια εξοικείωση με τον γραπτό λόγο. Οι τέχνες είναι έτσι αλληλένδετες σε πολλά επίπεδα.
Οι τέχνες στη Νότια Ασία δεν ασκούνταν μόνο για χάρη τους ως αξιοσέβαστος ελεύθερος χρόνος, αλλά και ως πράξη αφοσίωσης και λατρείας σε μια ανώτερη δύναμη. Υπάρχουν λογοτεχνικές αναφορές σε πρίγκιπες που επιθεωρούν τα έργα τέχνης για ελαττώματα. Τα επιτεύγματα και οι φιλοδοξίες, τόσο στη θεωρία όσο και στην πράξη, του καλλιτέχνη αποδεικνύονται από μια ενιαία επιγραφή που αναφέρει το όνομα της stra-dhra («αρχιτέκτονας») του ναού Mallikrjuna στο Pattadakal, που χτίστηκε τον όγδοο αιώνα.
Οι πολιτισμοί της Νότιας Ασίας έχουν από καιρό αποδώσει στους καλλιτέχνες μια προνομιακή θέση. Η αυλή ήταν γεμάτη ποιητές, μουσικούς και χορευτές. Ένας λαμπρός χορευτής έλαβε επαίνους από τον Rjendra Ca και ο αρχιτέκτονας του ναού στο Tiruvoiyr, ο οποίος υποστηρίχθηκε επίσης από τον Rjendra, επαινέστηκε για την εκτεταμένη κατανόηση της αρχιτεκτονικής και της τέχνης σε μια επιγραφή. Ωστόσο, υπήρχε μια ισχυρή σύνδεση μεταξύ των λαϊκών και των υψηλών τεχνών. Ομοιότητες υπήρχαν, για παράδειγμα, μεταξύ των φυλετικών ομαδικών χορών και της δυτικής κλασικής τέχνης, του χορού και της μουσικής. Η ινδική υποήπειρος έχει πλούσια καλλιτεχνική ιστορία, με τη γλυπτική στο στρογγυλό (citra) και τη γλυπτική σε ανάγλυφο (ardhacitra) να κατέχουν σημαντικές θέσεις.
Το Citrbhsa, που μεταφράζεται σε «εμφάνιση γλυπτικής», είναι η τρίτη υψηλότερη μορφή τέχνης. Ένας στίχος από ένα δράμα του ποιητή του 5ου αιώνα Κλίδα εξηγεί πώς το μάτι πέφτει πάνω από τα ύψη και τα βάθη που απεικονίζονται στη μοντελοποίηση ενός πίνακα, δείχνοντας πόσο ουσιαστική ήταν η επιρροή του chiaroscuro (δηλ. η χρήση του φωτός και της σκιάς για να εκφράσει τη μοντελοποίηση) . Οι μάστορες δίνουν τη μεγαλύτερη σημασία στο σκίτσο γραμμής ενός πίνακα, το οποίο πρέπει να σχεδιάζεται σταθερά και με χάρη, ακολουθούμενο από σκίαση και απεικόνιση μοντελισμού, που εκτιμώνται από άλλους, το διακοσμητικό στοιχείο, που προσελκύει τη γυναικεία γεύση και τη λαμπρότητα του χρώματος , που αρέσει στο κοινό γούστο. Είναι πολύ εντυπωσιακό που μπόρεσες να υποδείξεις τόση φόρμα με τόσο μικρό σχέδιο. Υπάρχουν πολυάριθμα λογοτεχνικά παραδείγματα επιτυχημένης προσωπογραφίας στη ζωγραφική και γλυπτική της Νότιας Ασίας, αποδεικνύοντας την κεντρική θέση της προσωπογραφίας στις εικαστικές τέχνες της περιοχής. Η Viudharmottara, που γράφτηκε τον έκτο αιώνα, χωρίζει την προσωπογραφία σε τέσσερις κατηγορίες: φυσική, λυρική, εκλεπτυσμένη και μικτή. Επίσης, κατηγοριοποιεί διαφορετικούς τύπους ανθρώπων με βάση τα σχήματα και τα χρώματα των μαλλιών και των ματιών τους. Περιλαμβάνει μια σύνοψη των πολλών καλλιτεχνικών προοπτικών, καθώς και μια εξήγηση των βασικών στοιχείων της προκοπής. Όπως ένα ποίημα καθρεφτίζει τον ποιητή, πιστευόταν ότι οι πίνακες και τα γλυπτά θα έπαιρναν τα χαρακτηριστικά των δημιουργών τους.
Παρά τη μακρά ιστορία έκθεσης της Νότιας Ασίας σε ξένες επιρροές, η περιοχή έβρισκε πάντα τρόπους για να συνδυάσει αυτά τα στοιχεία σε αυτόχθονες πρακτικές, παράγοντας μια μοναδική σύνθεση και όχι ένα απλό αντίγραφο. Αυτό αντανακλάται επίσης στα έργα τέχνης της περιοχής Gandra του Πακιστάν, η οποία εκείνη την εποχή (4ος αιώνας π.Χ.) ήταν βουτηγμένη στον ελληνορωμαϊκό πολιτισμό. Η ενσωμάτωση ινδικών μοτίβων και στυλ στο κυρίαρχο δυτικό στυλ είναι χαρακτηριστικό γνώρισμα της γλυπτικής αυτής της εποχής.
Μετά την εισβολή των Κουσάνων τον 1ο αιώνα μ.Χ., υπήρξε μια σαφής εισροή εξωτερικής επιρροής, αλλά τελικά ο ιθαγενής πολιτισμός θριάμβευσε. Η Αυτοκρατορία των Mughal, η οποία κυβέρνησε τη Νότια Ασία από τον 16ο αιώνα και αποτελούνταν από μουσουλμάνους από την Κεντρική Ασία, ενοποίησε την περιοχή πολιτιστικά επιβάλλοντας μια κυρίαρχα ινδική εκπαίδευση στους υπηκόους της. Η μουσουλμανική τέχνη άκμασε υπό τη βασιλεία του δεύτερου αυτοκράτορα Μογγάλ, Χουμάιν, ο οποίος έφερε καλλιτέχνες από την αυλή του Πέρση Σάχη και δημιούργησε μια ιστορία συγχώνευσης ινδικού και περσικού στυλ.
Η τέχνη κάθε περιοχής αντανακλά τη δική της πολιτική δομή, ηθικούς και ηθικούς κανόνες και κοινωνικές δομές. Ήδη από τον τρίτο αιώνα π.Χ., οι ηγεμόνες έδειχναν προθυμία να υπηρετήσουν τους ανθρώπους και να τους συμπεριφέρονται σχεδόν σαν απογόνους. Υπέροχα νομίσματα από την Αυτοκρατορία Γκούπτα της Βόρειας Ινδίας τον 4ο-6ο αιώνα απεικονίζουν το ιδανικό του μονάρχη ως τον ασυναγώνιστο τοξότη, τον ενοποιητή, το ψηλό και επιβλητικό ευγενές πνεύμα, τον θυσιαστή για την ευημερία των υπηκόων και τον ήρωά του. άνθρωποι (που τον οραματίζονται πάνω σε έναν αρχοντικό ελέφαντα). Έργα τέχνης που απεικονίζουν τη δίκαιη κατάκτηση και τον δίκαιο πόλεμο. Πόλεμος και κατακτήσεις, συμβολικές θυσίες αλόγων, συμβούλιο του βασιλιά, διπλωματικές δεξιώσεις, ειρηνευτικές διαπραγματεύσεις, κατασκευή ναών, εκτίμηση των καλών τεχνών (συμπεριλαμβανομένου του χορού και της μουσικής) και η στέψη των βασιλιάδων είναι μερικές μόνο από τις πολλές κυβερνητικές δραστηριότητες που απεικονίζονται στην εκτενή σειρά γλυπτών που απεικονίζουν την ιστορία της δυναστείας Pallava της Νότιας Ινδίας του 4ου-9ου αιώνα.
Παρόμοια με το πώς τα γλυπτά που δίνουν έμφαση στο ντάρμα, οι συμβάσεις ή οι νόμοι που καθοδηγούν την υποχρέωση, αντανακλούν ηθικές στάσεις, το ίδιο συμβαίνει και με τα γλυπτά που απεικονίζουν ηθικές πράξεις. Ένας κοινός τρόπος με τον οποίο οπτικοποιείται η αρχή της ahimsa, ή της μη βίας προς τους άλλους, είναι μέσω της εικόνας ενός ελαφιού και το ιδανικό ενός ιερού τόπου απεικονίζεται συνήθως ως μια τοποθεσία όπου το ελάφι μπορεί να περιπλανηθεί ελεύθερα. Τα έργα τέχνης συχνά απεικονίζουν σκηνές όπου τα υποκείμενα διασκεδάζουν με τις δικές τους θυσίες ή τις θυσίες άλλων. Ιστορίες από την Paca-tantra, μια από τις πρώτες συλλογές μύθων στον κόσμο, απεικονίζονται σε γλυπτά με απλό αλλά αποτελεσματικό τρόπο. Η τέχνη της Νότιας Ασίας απεικονίζει με συνέπεια την ευσέβεια, την πίστη και τον σεβασμό για την ηθική που έχει διαποτίσει την κοινωνική δομή της υποηπείρου για γενιές.
Οι τέχνες της Νοτιοανατολικής Ασίας περιλαμβάνουν τις γραπτές, προφορικές και οπτικές μορφές της. Αν και ο ινδικός πολιτισμός είχε σημαντικό αντίκτυπο στην ανάπτυξη της περιοχής, υπάρχουν ορισμένα κοινά χαρακτηριστικά που προϋπήρχαν αυτής της εποχής. Τα στυλ τέχνης που δεν προέρχονται από την Ινδία, όπως τα υφάσματα μπατίκ, οι ορχήστρες gamelan και το κουκλοθέατρο wayang, παραμένουν δημοφιλή. Η γηγενής καλλιέργεια υγρού ρυζιού (ή padi), η μεταλλουργία, η ναυσιπλοΐα, οι λατρείες των προγόνων και η λατρεία του βουνού ήταν όλα κοινά.
Η Νοτιοανατολική Ασία περιλαμβάνει την τεράστια χερσόνησο της Ινδοκίνας καθώς και τα άλλα νησιά της περιοχής που είναι συχνά γνωστά ως Ανατολικές Ινδίες. Η Νοτιοανατολική Ασία μπορεί να χωριστεί σε δύο διακριτά μέρη: την ηπειρωτική χώρα και τα νησιά. Η Μιανμάρ (Βιρμανία), η Ταϊλάνδη, το Λάος, η Καμπότζη, το Βιετνάμ, η Μαλαισία, η Σιγκαπούρη, η Ινδονησία και οι Φιλιππίνες είναι οι κυβερνητικές οντότητες που απαρτίζουν αυτήν την περιοχή. Αν και οι Φιλιππίνες δεν θεωρούνταν αρχικά μέρος της Νοτιοανατολικής Ασίας, τώρα γενικά θεωρούνται μέρος της περιοχής λόγω της γειτνίασής τους με την Κίνα και την Ιαπωνία και τις στενές πολιτιστικές ομοιότητες που έχει με τους πολιτισμούς της Νοτιοανατολικής Ασίας.
Όλη η Νοτιοανατολική Ασία έχει παρόμοιο κλίμα και τοπογραφία, η οποία έχει διαμορφώσει την ιστορία και τον πολιτισμό της περιοχής. Πολιτιστικά, όσοι ζουν στα βουνά τείνουν να αποκλίνουν από εκείνους που ζουν στις κοιλάδες.
Αρχικά πιστευόταν ότι οι κάτοικοι της Νοτιοανατολικής Ασίας είχαν μια έλλειψη πρωτοτυπίας που χρονολογείται από την προϊστορική εποχή και ότι ήταν περισσότερο «δεκτικοί» παρά «δημιουργικοί» στις αλληλεπιδράσεις τους με άλλους πολιτισμούς. Μεταγενέστερες ανασκαφές και ανακαλύψεις στη Μιανμάρ και την Ταϊλάνδη ώθησαν ορισμένους μελετητές να αντιταχθούν στην αποδεκτή θεωρία ότι ο πολιτισμός μετακινήθηκε στη Νοτιοανατολική Ασία από την Κίνα κατά τους προϊστορικούς χρόνους. Αντίθετα, υποστήριξαν, οι κάτοικοι της ηπειρωτικής Νοτιοανατολικής Ασίας καλλιεργούσαν φυτά, έφτιαχναν αγγεία και δούλευαν στον μπρούντζο περίπου την ίδια εποχή με τους ανθρώπους της αρχαίας Μέσης Ανατολής, και έτσι ο πολιτισμός εξαπλώθηκε από την ηπειρωτική Νοτιοανατολική Ασία στην Κίνα μια χιλιετία νωρίτερα. Επειδή τους ενδιαφέρει πάντα περισσότερο η πρακτική δουλειά της δημιουργίας όμορφων πραγμάτων, οι Νοτιοανατολικοί Ασιάτες δεν έχουν πλούσια κληρονομιά θεωρίας τέχνης, λογοτεχνικής ή δραματικής κριτικής.
Δεν είναι δυνατό να εντοπιστεί η δημιουργία και η εξέλιξη των μορφών τέχνης στη Νοτιοανατολική Ασία βήμα-βήμα, καθώς οι άνθρωποι, ειδικά στο δυτικό μισό της ηπειρωτικής χώρας, δούλευαν σε μη ανθεκτικά υλικά. Δεδομένης της ιστορίας της περιοχής με πυκνά δάση, είναι λογικό ότι το ξύλο θα ήταν το πρώτο υλικό που χρησιμοποιήθηκε για αισθητικούς λόγους. Παρά τη νέα τους επάρκεια στο μέταλλο και την πέτρα, δεν εγκατέλειψαν ποτέ την παραδοσιακή πρακτική της ξυλογλυπτικής, η οποία συνέχισε να ευδοκιμεί ακόμη και μετά την παρέλευση της μεγάλης εποχής της λιθογλυπτικής και της λιθοδομής (περίπου τον 13ο αιώνα). Στη δυτική πολιτεία Shan της Μιανμάρ, κατά μήκος του ποταμού Salween, οι αρχαιολόγοι ανακάλυψαν σχέδια προϊστορικών σπηλαίων που έμοιαζαν εντυπωσιακά με τα μεταγενέστερα γλυπτά Naga σε στύλους σπιτιών. Παρόμοια με το πώς το σύμβολο του ήλιου μπορεί να βρεθεί ως μοτίβο τέχνης σε όλη τη Νοτιοανατολική Ασία και πώς τα σκαλίσματα κάτω από τις μαρκίζες των σπιτιών Naga παραπέμπουν σε δέος, θρίαμβο και χαρά για την απόκτηση ανθρώπινου κεφαλιού, η μεταγενέστερη αισθητική παράδοση της Νοτιοανατολικής Ασίας απηχεί το σπηλαιογραφίες ενός ζευγαριού ανθρώπινων χεριών με ανοιχτές παλάμες που κρατούν τον ήλιο και ένα ανθρώπινο κρανίο. Η ζωγραφική του σπηλαίου είναι απόδειξη ότι οι τέχνες της περιοχής ήταν πάντα συνυφασμένες με το μαγικό-θρησκευτικό παρελθόν της.
Παλαιότερα πίστευαν ότι η τεχνική χύτευσης τυμπάνου μπρούτζου που χρησιμοποιήθηκε στο Dong Son, κοντά στο Ανόι, προήλθε από την Κίνα. Ωστόσο, νέες ανασκαφές στην Ταϊλάνδη έδειξαν ότι τόσο τα τύμπανα όσο και ο λεγόμενος πολιτισμός Dong Son είναι ιθαγενείς στην ηπειρωτική Νοτιοανατολική Ασία. Ανεξάρτητα από αυτό, τα χάλκινα τύμπανα που χύτευαν οι Κάρεν για χιλιετίες μέχρι τα πρώτα χρόνια του 20ού αιώνα δείχνουν τη συνέχεια της αισθητικής κληρονομιάς της Νοτιοανατολικής Ασίας. Η μεταλλουργία έπρεπε να είχε αναπτυχθεί νωρίς, καθώς τα βουνά της ηπειρωτικής Νοτιοανατολικής Ασίας παρείχαν χρυσό, ασήμι και άλλα μέταλλα. Οι λαοί των λόφων της Νοτιοανατολικής Ασίας έχουν μακρά ιστορία στην κατασκευή και χρήση εξαιρετικών ασημένιων κουμπιών, ζωνών και κοσμημάτων. Τα κλωστοϋφαντουργικά σχέδια ακολουθούν την ίδια αισθητική γραμμή. Τραγούδια, χοροί και άλλες μορφές μουσικής έκφρασης χρησιμοποιούνταν παραδοσιακά σε φυλετικές τελετές.
Υπό την υποστήριξη των ηγεμόνων σε όλη τη Νοτιοανατολική Ασία, οι τέχνες άκμασαν. Γύρω στην εποχή της γέννησης του Χριστού, οι φυλετικές φυλές άρχισαν να οργανώνονται επίσημα σε πόλεις-βασίλεια ή συνοικίες χωριών μετά από χρόνια εγκατεστημένης διαβίωσης ως παραγωγοί ρυζιού. Σύμφωνα με αυτή την άποψη, ένας βασιλιάς δεν ήταν τίποτα περισσότερο από έναν ανώτατο αρχηγό φυλής. Δεδομένου ότι οι φυλές είχαν ήδη παράδοση στη λατρεία των πνευμάτων, οι μονάρχες αναζήτησαν μια νέα θεότητα που θα γινόταν αντικείμενο αφοσίωσης για όλους. Αυτή η λαχτάρα για νέους εθνικούς θεούς συνέβαλε στο άνοιγμα της Νοτιοανατολικής Ασίας στους θεούς του Ινδουισμού και του Βουδισμού. Οι βασιλιάδες στη Νοτιοανατολική Ασία ήταν υπεύθυνοι για τη διάδοση των νέων θρησκειών, ως εκ τούτου οι ναοί της περιοχής γνώρισαν μια χρυσή εποχή από τον πρώτο έως τον δέκατο τρίτο αιώνα.
Οι ναοί έγιναν κέντρα πολιτιστικής δραστηριότητας και οι τοίχοι τους έγιναν καμβάδες για αρχιτεκτονική, γλυπτική και θρησκευτικές τοιχογραφίες. Οι μελετητές της σανσκριτικής, της γλώσσας των ιερών κειμένων του Ινδουισμού, ήταν αυλικοί στις αρχαίες αυτοκρατορίες της ανατολικής Ινδοκίνας και των νησιών, όπου δημιούργησαν μια τοπική σανσκριτική λογοτεχνία. Μόνο μέσα από τα μεγάλα ινδουιστικά έπη Mahabharata και Ramayana έφτασε αυτή η λογοτεχνική προσπάθεια στους απλούς ανθρώπους. Ιστορίες για ινδουιστές θεούς, διαβόλους και ισχυρούς άνδρες ήταν απαραίτητες για την εξήγηση του Ινδουισμού στους γενικούς ανθρώπους όταν οι σανσκριτικές γραφές ήταν απρόσιτες. Σε όλη τη χερσόνησο της πυου-βιρμανικής αυτοκρατορίας Prome, η οποία άκμασε πριν από τον 8ο αιώνα, δεν σημειώθηκε τέτοια εξέλιξη για δύο λόγους: πρώτον, ο Ινδουισμός δεν έγινε ποτέ ευρέως αποδεκτός στη Βιρμανία και δεύτερον, η πιο ανοιχτή βιρμανική κοινωνία δεν ανέπτυξε ούτε τον θεσμό ένας θεός-βασιλιάς ούτε αυτός μιας κληρονομικής ευγενείας.
Αργότερα οι ειδωλολάτρες βασιλιάδες περικυκλώθηκαν από ειδικούς του Pali, αλλά η μελέτη του Pali δεν διεξήχθη στο παλάτι αλλά σε μοναστήρια σε όλο το βασίλειο, μεταφέροντας τις διδασκαλίες του Βούδα ακόμη και στα πιο απομακρυσμένα χωριά. Βουδιστές μοναχοί και ακαδημαϊκοί από όλο τον κόσμο ταξίδεψαν στο Pagan για να μελετήσουν το Pali, ενώ οι αυλές των βασιλέων στην Καμπότζη και την Ιάβα παρέμειναν απλώς περιφερειακά κέντρα της σανσκριτικής έρευνας. Οι ιστορίες Jataka (η γέννηση του Βούδα) χρησιμοποιήθηκαν για να εξηγήσουν τον Βουδισμό στους απλούς ανθρώπους που δεν μπορούσαν να διαβάσουν τις γραφές του Pali, όπως ακριβώς τα ινδικά έπη χρησιμοποιήθηκαν για να εξηγήσουν τον Ινδουισμό στις μάζες. Οι ναοί στην Καμπότζη και την Ιάβα ήταν διακοσμημένοι με γλυπτά και τοιχογραφίες που απεικόνιζαν σκηνές από τα Jatakas, όπως και εκείνα που απεικονίζουν γεγονότα από τα μεγάλα έπη.
Η άφιξη του Ισλάμ στο νησί της Νοτιοανατολικής Ασίας μετά τη δυναστεία των Ματζαπαχίτ δημιούργησε ένα τρίτο πολιτιστικό στρώμα πάνω από τα ήδη υπάρχοντα αυτόχθονα και ινδουϊστικά βουδιστικά. Μια νέα βιρμανική αυτοκρατορία αναπτύχθηκε από τις στάχτες της παλιάς και συνέχισε την αποστολή της διάδοσης του Βουδισμού στην ηπειρωτική Νοτιοανατολική Ασία. Η εισβολή των Βιρμανών στο Σιάμ τον 18ο αιώνα έφερε μαζί της τον ινδουιστικό πολιτισμό, ο οποίος βοήθησε στην ανάπτυξη του βιρμανικού παιχνιδιού. Ανακατακτημένο από την Κίνα, το Βιετνάμ στην άλλη πλευρά της χερσονήσου επηρεάστηκε όλο και περισσότερο από την κινεζική κουλτούρα. Μετά από μια σύντομη ισλαμική πολιτιστική ακμή, οι ιθαγενείς των νησιωτικών εθνών της Νοτιοανατολικής Ασίας αναγκάστηκαν να υποταχθούν στην ξένη κυριαρχία. Μόνο στη Βιρμανία και στο Σιάμ, δύο από τις κυβερνήσεις της Νοτιοανατολικής Ασίας που προέκυψαν από χρόνια μάχης ως ισχυρά βασίλεια, οι γηγενείς τέχνες συνέχισαν να ακμάζουν.
Η θρησκεία και η εθνική ιστορία ήταν από καιρό κεντρικά στην τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας. Πέρα από τη ζωή και τον χαρακτήρα του Βούδα και των θεών του Ινδουισμού, το θρησκευτικό δόγμα δεν ήταν σημαντικό σημείο ενδιαφέροντος. Μετά την πτώση των μεγάλων αυτοκρατοριών, αλλά η μνήμη τους για τη δόξα και τη δύναμή τους παρέμεινε, ένα νέο θέμα εμφανίστηκε στην εθνική ιστορία: ο σεβασμός των θρυλικών ηρώων από το παρελθόν.
Ενώ η εικόνα του Βούδα εξελίχθηκε με την πάροδο του χρόνου, συνέχισε να είναι ένα δημοφιλές θέμα για τους καλλιτέχνες. Εκτός από την εισαγωγή του τοπικού χρώματος χρησιμοποιώντας, ως φόντο, σκηνές από τη σύγχρονη εποχή του καλλιτέχνη, που απεικονίζει σκηνές από τις προηγούμενες ζωές του σε νωπογραφίες και ανάγλυφα, εξυπηρετούσε το σκοπό της διδασκαλίας της βουδιστικής ηθικής στους ανθρώπους, καθώς οι Jatakas τόνιζαν ορισμένες ηθικές αρετές του Ο Βούδας στις προηγούμενες ζωές του.
Το ίδιο ίσχυε με τις απεικονίσεις γεγονότων από τα ινδουιστικά έπη, που πρόσφεραν στον καλλιτέχνη μια παρόμοια ευκαιρία και εξυπηρετούσαν παρόμοια λειτουργία. Καθώς περνούσε ο καιρός, χαρακτήρες βουδιστικών και ινδουιστικών γραφών όπως θεοί και θεές, ήρωες και πριγκίπισσες, ερημίτες και μάγοι, δαίμονες και δράκοι, ιπτάμενα άλογα και φτερωτές κόρες κ.λπ. γενικά θρησκευτικά θέματα.
Διαφορετικές αναπαραστάσεις του νάγκα, ενός είδους υπερανθρώπινου πνεύματος, εμφανίστηκαν σε διάφορα μέρη του κόσμου όταν το νάγκα οικειοποιήθηκε από βουδιστικές και ινδουιστικές γραφές και συγχωνεύθηκε με εθνικά ανάλογα. Το νάγκα της Βιρμανίας έχει μια χαρακτηριστική κορυφή στο κεφάλι του. Για τους Μον, το νάγκα ήταν κροκόδειλος, αλλά για τους Χμερ και τους Ινδονήσιους, ήταν ένα φίδι με εννέα κεφάλια.
Αν και οι δαίμονες της Νοτιοανατολικής Ασίας έχουν ομαδοποιηθεί κάτω από τον παλι-σανσκριτικό όρο yakkha ή yaksha, οι διακριτές ταυτότητές τους έχουν διατηρηθεί στη γλυπτική και τη ζωγραφική κάθε χώρας. Μη εξοικειωμένο με το δάσος των μουσώνων, το λιοντάρι ωστόσο έγινε δημοφιλές έμβλημα και θέμα της περιοχής λόγω της συσχέτισής του με τους θεούς της ινδουιστικής και βουδιστικής μυθολογίας. Ακόμη και αφότου η Αυτοκρατορία των Χμερ είχε εγκαταλείψει την πρακτική της λατρείας του φιδιού-δράκου ως θεού της γονιμότητας, η εννιακέφαλη νάγκα είχε γίνει σύμβολο προστασίας και βασιλικής δύναμης και τα πέτρινα νάγκα αγρυπνούσαν πάνω από τα βασιλικά ανάκτορα και τους ιερούς ναούς. Η λατρεία Naga αποδοκιμάστηκε από τους Βουδιστές.
Σε όλη την ιστορία της τέχνης της Βιρμανίας και της Μονής, ο νάγκα απεικονιζόταν πάντα σε ρόλο υποτελή στον Βούδα, φτιάχνοντας συχνά ένα κάθισμα από τις σπείρες του για τον Βούδα ή σηκώνοντας την τεράστια κουκούλα του για να τον προστατεύσει από τα στοιχεία. Η φιγούρα του φύλακα ενός ναού του Μον παραδοσιακά απεικονιζόταν ως λιοντάρι με δύο σώματα και ένα ανθρώπινο κεφάλι, ενώ η φιγούρα φύλακα ενός ναού της Βιρμανίας απεικονιζόταν παραδοσιακά ως λιοντάρι με λοφίο. Παρά τον ισχυρισμό του Τάι ότι κληρονόμησε τις παραδόσεις τέχνης των Χμερ και Μον νάγκα, ο καλός δαίμονας χρησίμευε ως φύλακας του ναού σε αυτούς τους πολιτισμούς.
Τα ινδικά ζώα έγιναν μέρος του αρχαίου συμβολισμού και της ζωικής απεικόνισης που μπήκε στις τέχνες. Για παράδειγμα, οι Mons επέλεξαν ως έμβλημά τους το κόκκινο ρέμα, οι Βιρμανοί αναδιατύπωσαν τον ήλιο ως το αγαπημένο τους πουλί, το παγώνι, με το σκεπτικό ότι στη βουδιστική μυθολογία το παγώνι συνδέεται με τον ήλιο και στην Ινδονησία το μυθικό πουλί που ονομάζεται Garuda, το όχημα του Βισνού, συγχωνεύτηκε με τον τοπικό αετό. Οι απεικονίσεις αυτών των πουλιών έχουν βρει χρήση ως διακοσμητικό. Στυλιζαρισμένες εκδοχές των ζώων που κάποτε διακοσμούσαν τις αχυρένιες στέγες και τους ξύλινους τοίχους των σπιτιών της Νοτιοανατολικής Ασίας έφτασαν στα πιο πολυτελή παλάτια και ναούς. Σχέδια δέντρων, φρούτων και λουλουδιών από τα δάση των μουσώνων συνδυάστηκαν με ινδικά φυτικά μοτίβα και αρχαία γεωμετρικά μοτίβα.
Η τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας είναι εντελώς διαφορετική από την τέχνη οποιασδήποτε άλλης περιοχής, με εξαίρεση την Ινδία. Αν και η Βιρμανία υπήρξε ιστορικά ένας ζωτικής σημασίας εμπορικός σύνδεσμος με την Κίνα, οι κινεζικές επιρροές απουσιάζουν εκπληκτικά από την παραδοσιακή βιρμανική τέχνη. Οι Τάι έφτασαν αργά στη Νοτιοανατολική Ασία, φέρνοντας μαζί τους κάποιες κινεζικές καλλιτεχνικές παραδόσεις, αλλά εγκατέλειψαν γρήγορα αυτές τις πρακτικές υπέρ αυτών των Χμερ και του Μον. Σήμερα, τα μόνα ίχνη αυτών των προηγούμενων επαφών φαίνονται στα αρχιτεκτονικά χαρακτηριστικά των ναών, ιδιαίτερα στην κωνική οροφή και στα βερνίκια.
Δεδομένου ότι το Βιετνάμ ήταν αποικία της Κίνας για μια χιλιετία, ο κινεζικός πολιτισμός επηρέασε τη βιετναμέζικη τέχνη. Τα αρχαιολογικά στοιχεία του Ινδουισμού στο σύγχρονο νότιο Βιετνάμ χρονολογούνται από την εποχή της αρχαίας μοναρχίας Champa, η οποία καταλήφθηκε από το Βιετνάμ τον 15ο αιώνα. Οι κινεζικές επιρροές μπορούν να φανούν στα βουδιστικά αγάλματα του βόρειου Βιετνάμ. Η σύγκριση των ναών-τάφων της Καμπότζης και της Ινδονησίας με αυτούς των αυτοκρατόρων του Βιετνάμ ή των πολυτελών και αξιοπρεπών εικόνων του Βούδα του Βιετνάμ με εκείνες της Καμπότζης και της Βιρμανίας των ασκητικών και χαριτωμένων εικόνων του Βούδα αποκαλύπτει τις θεμελιώδεις διαφορές στον αισθητικό στόχο και το στυλ μεταξύ των τεχνών της Ανατολικής Ασίας και αυτές της Νοτιοανατολικής Ασίας. Η ισλαμική τέχνη, η οποία απορρίπτει ζωικές και ανθρώπινες μορφές και επιδιώκει να αποκαλύψει την πραγματικότητα πίσω από την απατηλή ομορφιά του καθημερινού κόσμου, επίσης ελάχιστα μοιράζεται με την τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας. Η τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας αγνόησε τις διδασκαλίες του Ινδουισμού και του Βουδισμού ότι ο αισθησιακός κόσμος ήταν απατηλός και μόνιμος.
Στην τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας, η πραγματικότητα και η φαντασία συνυπάρχουν και μια θετική άποψη για τη ζωή διαπερνά κάθε κομμάτι. Κάποιοι έχουν σημειώσει ότι η κλασική τέχνη των Χμερ και της Ινδονησίας επικεντρωνόταν στην αναπαράσταση της καθημερινής ζωής των θεών, αλλά σε μια προοπτική της Νοτιοανατολικής Ασίας, η καθημερινή ζωή των θεών ήταν ίδια με τη δική τους: χαρούμενη, γήινη και θεϊκή. Η τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας όχι μόνο δεν αντανακλούσε την ευρωπαϊκή αντίληψη της «τέχνη για την τέχνη», αλλά ούτε και τον ευρωπαϊκό διαχωρισμό της τέχνης σε κοσμικές και θρησκευτικές κατηγορίες. Τα ίδια μοτίβα που κοσμούσαν έναν υπέροχο ναό και μια πιατέλα από λάκα ήταν τατουάζ στους μηρούς ενός Βιρμανού. Ο καλλιτέχνης από τη Νοτιοανατολική Ασία δεν χρειαζόταν να χρησιμοποιεί μοντέλα αφού, σε αντίθεση με τους Ευρωπαίους ομολόγους του, δεν τον ένοιαζε η ακρίβεια σε κάθε ανατομική πτυχή. Η χρήση φανταστικών στοιχείων και το άγχος για τον εορτασμό του καλού στην ανθρώπινη ζωή είναι αυτά που ξεχωρίζουν την τέχνη της Νοτιοανατολικής Ασίας.
Υπάρχει μια μεγάλη ποικιλία μορφών τέχνης και μέσων που σχετίζονται με την ιαπωνική τέχνη, από αρχαία κεραμικά και γλυπτά μέχρι ζωγραφική με μελάνι και καλλιγραφία σε μετάξι και χαρτί, πίνακες ukiyo-e και ξυλογραφίες, κεραμικά και origami. σύγχρονα manga και anime. Από τα πρώτα σημάδια της ανθρώπινης ύπαρξης στην Ιαπωνία τη 10η χιλιετία π.Χ. μέχρι σήμερα, η Ιαπωνία έχει μια πλούσια και ποικίλη ιστορία.
Η Ιαπωνία έχει βιώσει τόσο γρήγορες εισροές ξένων ιδεών όσο και μακρά απομόνωση από τον υπόλοιπο κόσμο. Οι Ιάπωνες έχουν μακρά ιστορία αφομοίωσης και προσαρμογής πτυχών άλλων πολιτισμών που βρίσκουν αισθητικά ευχάριστες. Τον έβδομο και τον όγδοο αιώνα, η εκλεπτυσμένη τέχνη στην Ιαπωνία δημιουργήθηκε ως απάντηση στη διάδοση του Βουδισμού. Καθώς οι Ιάπωνες απομακρύνθηκαν από την Κίνα και ανέπτυξαν τα δικά τους μοναδικά στυλ έκφρασης τον 9ο αιώνα, οι κοσμικές τέχνες απέκτησαν εξέχουσα θέση. από τότε μέχρι τα τέλη του 15ου αιώνα, τόσο οι θρησκευτικές όσο και οι κοσμικές τέχνες άκμασαν. Όταν ξέσπασε ο πόλεμος των Νιν στην Ιαπωνία (1467–1477), εγκαινίασε πάνω από έναν αιώνα πολιτικής, κοινωνικής και οικονομικής αναταραχής. Τα έργα τέχνης που επέζησαν από τις εκκαθαρίσεις του σογκουνάτου Τοκουγκάουα ήταν σε μεγάλο βαθμό κοσμικά και η θρησκεία έπαιζε πολύ μικρότερο ρόλο στην καθημερινή ζωή. Η ξαφνική εισαγωγή των δυτικών στυλ ήταν ένα σημαντικό γεγονός κατά την περίοδο Meiji (1868-1912).
Στην Ιαπωνία, τόσο οι ερασιτέχνες όσο και οι ειδικοί ασχολούνται με τη ζωγραφική ως την κύρια μορφή καλλιτεχνικής τους έκφρασης. Οι Ιάπωνες είναι ιδιαίτερα συντονισμένοι με τις αξίες και την αισθητική της ζωγραφικής γιατί, μέχρι τη σύγχρονη εποχή, χρησιμοποιούσαν πινέλο αντί για στυλό. Κατά τη διάρκεια της περιόδου Έντο, η τυπογραφία σε ξύλο έγινε μια σημαντική μορφή τέχνης και οι μέθοδοι που χρησιμοποιήθηκαν για τη δημιουργία των ζωντανών εκτυπώσεων της βελτιώθηκαν για να καλύψουν την ανάγκη μιας αυξανόμενης λαϊκής κουλτούρας. Καθώς η θρησκευτική σημασία του παραδοσιακού ιαπωνικού βουδισμού εξασθενούσε κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, οι Ιάπωνες βρήκαν τη γλυπτική ως ένα λιγότερο ελκυστικό μέσο για την έκφραση του δημιουργικού τους οράματος.
Είναι γενικά αποδεκτό ότι η ιαπωνική κεραμική είναι της υψηλότερης καλλιτεχνικής ποιότητας και περιλαμβάνει μερικά από τα παλαιότερα τεχνουργήματα από την Ιαπωνία. Η εξαγωγή πορσελάνης από την Ιαπωνία υπήρξε σημαντική οικονομική δραστηριότητα σε διάφορες εποχές. Τα ιαπωνικά βερνίκια, εξαιρετικά διακοσμημένα με maki-e, ήταν από καιρό δημοφιλής εξαγωγή στην Ευρώπη και την Κίνα, και αυτή η τάση συνεχίστηκε καθ' όλη τη διάρκεια του δέκατου ένατου αιώνα. Η παραδοσιακή ιαπωνική αρχιτεκτονική διαθέτει περίοπτα φυσικά υλικά και την ενσωμάτωση της εσωτερικής και της υπαίθριας διαβίωσης.
Το Ukiyo-e, ή ιαπωνικά μοτίβα ξύλου, αυξάνεται σε δημοτικότητα στη Δύση. Το όνομά τους προέρχεται από τη φράση «εικόνες του πλωτού κόσμου», που περιγράφει το θέμα τους. Η βουδιστική πεποίθηση ότι η ευτυχία είναι φευγαλέα και ότι μόνο η απουσία επιθυμίας μπορεί να οδηγήσει στη φώτιση παρείχε την έμπνευση για την ανεβασμένη, αβαρή εικόνα τους.
Οι σογκούν της φεουδαρχικής Ιαπωνίας συνέβαλαν καθοριστικά στην ανάπτυξη της ιαπωνικής χαρακτικής, που ξεκίνησε στην περιοχή Έντο (σημερινό Τόκιο). Σύμφωνα με την πολιτική Sakoku, που κυριολεκτικά σημαίνει «απομονωμένη ή κλειστή χώρα», η Ιαπωνία αποκόπηκε από τον υπόλοιπο κόσμο. Ο Πέρι, ένας Αμερικανός στρατηγός, επισκέφτηκε την Ιαπωνία το 1853 για να διαπραγματευτεί με τη διοίκηση του Μέιτζι. Πολλές εκτυπώσεις του Ukiyo-e, μιας σύγχρονης μορφής τέχνης που άκμαζε όταν ο Perry επισκέφθηκε το Edo, μπορούσαν να βρεθούν προς πώληση στα πεζοδρόμια της πόλης.
Σκηνές από την Ιαπωνική ιστορία και θρύλο απεικονίζονταν συχνά στο ukiyo-e, όπως και πορτρέτα καλλιτεχνών kabuki, σκηνές από το θέατρο, ερωτευμένα ζευγάρια, διάσημες εταίρες και τοπία. Οι ταξιδιώτες από τη Δύση λάτρεψαν αμέσως τις εκτυπώσεις Ukiyo-e, επομένως δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι τις έφεραν πίσω στο σπίτι μαζί τους, μυώντας στον κόσμο το μοναδικό στυλ τέχνης της Ιαπωνίας.
Οι εκτυπώσεις τέχνης Ukiyo-e έγιναν με συμπίεση μελανωμένων ξύλινων τεμαχίων σε χαρτί αφού οι εικόνες είχαν χαραχτεί προς τα πίσω στους ογκόλιθους. Όταν ξεκίνησε αρχικά η εκτύπωση, όλα γίνονταν ασπρόμαυρα. Η Okomura Masanobu και η Suzuki Harunobu ήταν πρωτοπόροι στον τομέα της έγχρωμης εκτύπωσης ξυλομπλόκ, που απαιτούσε ξεχωριστό μπλοκ για κάθε χρώμα.
Απαιτήθηκαν ένα κλειδί-μπλοκ για τα περιγράμματα και μεμονωμένα μπλοκ για κάθε απόχρωση. Επιπλέον, δεδομένου ότι ένας μικρός αριθμός εκτυπώσεων μπορεί να γίνει από ένα μόνο μπλοκ, ένας σημαντικός αριθμός μπλοκ θα πρέπει να σκαλιστεί για να εκτυπωθεί ένας σημαντικός αριθμός αντιγράφων. Ο καλλιτέχνης ήταν μόνο ένας από τους πολλούς επαγγελματίες που ασχολούνταν με την παραγωγή ιαπωνικών εκτυπώσεων τέχνης. Άλλα περιελάμβαναν σχεδιαστές, σχεδιαστές καλουπιών, κοπτήρες καλουπιών και πρέσες καλουπιών.
Γύρω στο 1912, το κίνημα της χαρακτικής, γνωστό ως Παραφυάδες του Ukio-e, άρχισε να εξαφανίζεται, αλλά σύντομα σχηματίστηκαν δύο άλλες σχολές χαρακτικής για να καλύψουν το κενό. Sosaku Hanga και Shin Hanga είναι τα δύο ονόματα για αυτούς. Υπάρχουν δύο σχολές σκέψης όσον αφορά τη διαδικασία εκτύπωσης: ο Sosaku Hanga, που υποστηρίζει ότι ο καλλιτέχνης πρέπει να παίζει κεντρικό ρόλο σε κάθε βήμα, και ο Shin Hanga, που είναι πιο παραδοσιακός και υποστηρίζει ότι ο εκδότης είναι πιο κεντρικός, τόσο διαφορετικός Οι καλλιτέχνες μπορούν να είναι υπεύθυνοι για το σχεδιασμό, το μπλοκάρισμα και την εκτύπωση.
Προκειμένου να αγοράσετε και να πουλήσετε εκτυπώσεις Ukiyo-e, είναι σημαντικό να γνωρίζετε μερικές ιαπωνικές ορολογίες, προκειμένου να εκτιμήσετε και να εκτιμήσετε σωστά αυτή τη συναρπαστική μορφή τέχνης. Όταν αναφέρεται σε μια ιαπωνική εκτύπωση, ο όρος "atozuri" υποδηλώνει ότι τυπώθηκε μετά το τέλος της αρχικής σειράς, αλλά εξακολουθούσε να χρησιμοποιεί τα αυθεντικά ξύλινα μπλοκ. Οι εκτυπώσεις του Shozuri είναι οι πρώτες εκδόσεις, ενώ οι εκτυπώσεις του fukkoku είναι αντίγραφα. Οι υπογραφές καλλιτεχνών και οι αριθμοί έντυπων εκδόσεων δεν περιλαμβάνονταν συνήθως στα τελικά βήματα της ιαπωνικής διαδικασίας χαρακτικής μέχρι το δεύτερο μέρος του εικοστού αιώνα. Αντίθετα, κάθε εκτύπωση είχε μια σφραγίδα που ονομαζόταν ο δημιουργός της καθώς και ο εκδότης και ο γλύπτης της.
Ωστόσο, καθώς οι Ευρωπαίοι έμαθαν για τη μοναδική κουλτούρα της Ιαπωνίας, εμφανίστηκε μια μόδα για όλα τα πράγματα γιαπωνέζικα, και τεράστιες αποστολές ιαπωνικών εκτυπώσεων τέχνης στάλθηκαν στην ήπειρο στα τέλη της δεκαετίας του 1860. Οι εκδοτικοί οίκοι στην Ιαπωνία συνειδητοποίησαν γρήγορα ότι θα χρειαζόταν να παράγουν αναπαραγωγές των πιο διάσημων εκτυπώσεων ξύλου για να καλύψουν την αυξανόμενη ζήτηση.
Είναι εύκολο να διακρίνει κανείς ποιες εκτυπώσεις είναι αυθεντικές και ποιες είναι διπλότυπες λόγω γραμματοσήμων και άλλων περιθωρίων. Η πρωτοτυπία ενός εγγράφου μπορεί συχνά να προσδιοριστεί από την κατάσταση χαρτιού και χρώματος. Δεδομένου ότι ο μέσος συλλέκτης έργων τέχνης πιθανότατα δεν μπορεί να διαβάσει ιαπωνικούς χαρακτήρες, θα πρέπει να ζητήσει τη συμβουλή ενός ειδικού πριν αγοράσει μια αυθεντική ιαπωνική εκτύπωση τέχνης.
Από τη νεολιθική περίοδο και μετά, οι καλλιτέχνες στην Κίνα έχουν απεικονίσει φυτά στα έργα τέχνης τους. Τα λουλούδια, τα πουλιά και τα έντομα χρησιμοποιούνται για στολισμό και όχι μόνο επειδή είναι όμορφα. φέρουν επίσης ένα πλούτο νοημάτων. Κατά τη διάρκεια της δυναστείας των Σονγκ (960-1279), ένα κύμα στον αριθμό των έργων ζωγραφικής με τίτλο «Πουλί και λουλούδι» ενίσχυσε το καθεστώς των εικόνων λουλουδιών ως εξέχον θέμα στην κινεζική τέχνη. Εκτός από πίνακες ζωγραφικής με κύλιση, αυτό το θέμα μπορεί να δει κανείς σε μια μεγάλη ποικιλία τρισδιάστατων έργων τέχνης, όπως πορσελάνες, βερνίκια, γλυπτά από νεφρίτη, υφάσματα, έπιπλα και άλλα.
Καθώς ετοιμαζόμαστε να υποδεχτούμε την Άνοιξη, θα εξετάσουμε τον συμβολισμό των λουλουδιών στην κινεζική τέχνη κοιτάζοντας μια επιλογή από πίνακες από τη συλλογή Ασιατικής Τέχνης της AGGV από τον 19ο αιώνα. Τα έργα τέχνης αυτού του άλμπουμ είναι όλα επί τόπου αναπαραστάσεις λουλουδιών και πεταλούδων με βάση την πραγματική τους χλωρίδα και πανίδα. Είναι πιθανό ότι ο συνδυασμός εμφανίστηκε για πρώτη φορά τον 18ο αιώνα σε προϊόντα που είχαν ανατεθεί ειδικά για να δοθούν ως δώρα γενεθλίων. Τα rebuses Butterfly μπορούν να χρησιμοποιηθούν για να εκφράσουν πολλές καλές επιθυμίες ταυτόχρονα. Αυτά τα αντικείμενα, τα οποία συνδέονται επίσης με τη μεγάλη διάρκεια ζωής, είναι υπέροχα σύμβολα γενεθλίων. Οι πεταλούδες, στον Ταοϊσμό, αντιπροσώπευαν την απελευθέρωση του πνεύματος. Τα λουλούδια αντιπροσωπεύουν πολλά θετικά πράγματα και η συμπερίληψή τους σε αυτά τα έργα τέχνης απλώς προσθέτει στη θετική τους σημασία.
Σύμφωνα με ένα κινέζικο παραμύθι για δύο εραστές που διαλύθηκαν τραγικά από τον πόλεμο, η παπαρούνα αντιπροσωπεύει την πίστη και την πίστη μεταξύ των συντρόφων σε μια ρομαντική σχέση. Η ιστορία περιστρέφεται γύρω από τις παπαρούνες, οι οποίες φύτρωσαν στο σημείο όπου η σύζυγος είχε αφοσιωθεί μετά τον θάνατο του στρατιώτη συζύγου της.
Η έκφραση huakaifugui υποδηλώνει ότι οι καμέλιες, που ανθίζουν κατά τη διάρκεια της Κινεζικής Πρωτοχρονιάς (τέλη Ιανουαρίου έως μέσα Φεβρουαρίου), πρέπει να χρησιμοποιηθούν για να ομορφύνουν το σπίτι κάποιου για να καλωσορίσουν την καλή τύχη το επόμενο έτος. Λόγω της μακροχρόνιας αγάπης της Ευρώπης για το τριαντάφυλλο, το λουλούδι απεικονίζεται συχνά σε αντικείμενα που προορίζονται για πώληση αλλού. Δεδομένου ότι το κινέζικο τριαντάφυλλο ανθίζει συχνά καθ 'όλη τη διάρκεια του έτους, το όνομα "μόνιμο ανοιξιάτικο λουλούδι" χρησιμοποιείται σε αυτό.
Πρωινή δόξα. Τα σωληνοειδή άνθη του Morning Glory, τα οποία ανθίζουν σε έντονο μοβ χρώμα, χρησιμοποιήθηκαν αρχικά ως διακοσμητικό στοιχείο στα μπλε και λευκά προϊόντα της δυναστείας Μινγκ τον 15ο αιώνα. Το λουλούδι λέγεται ότι συμβολίζει την ευτυχία στο γάμο. Η Κίνα φιλοξενεί πολλά είδη αζαλέας, το καθένα με μοναδική εποχή ανθοφορίας. Σε συνδυασμό με τις πεταλούδες, η αζαλέα αποκτά την έννοια του "δημιουργικού ταλέντου στην τέχνη", αντιπροσωπεύοντας τη γυναικεία ομορφιά που είναι τόσο διαδεδομένη στις τέχνες.
Ο Οριενταλισμός αναφέρεται στην πρακτική μίμησης ή στερεοτύπων στοιχείων από την Ανατολή και βρίσκεται στους τομείς της ιστορίας της τέχνης, της λογοτεχνίας και των πολιτιστικών σπουδών. Οι δυτικοί συγγραφείς, σχεδιαστές και ζωγράφοι είναι πιο συχνά υπεύθυνοι για αυτές τις απεικονίσεις. Από τα διάφορα υποείδη της ακαδημαϊκής τέχνης που ήταν δημοφιλή τον 19ο αιώνα, η οριενταλιστική ζωγραφική —η οποία επικεντρώθηκε στην προβολή της Μέσης Ανατολής— ήταν ένα από τα πιο εξέχοντα. Ομοίως, η δυτική λογοτεχνία της εποχής έδειξε έντονο ενδιαφέρον για τον εξωτισμό της Ανατολής.
Στους ακαδημαϊκούς κύκλους, ο όρος «Οριενταλισμός» έχει γίνει κοινός τόπος από τη δημοσίευση του Orientalism του Edward Said το 1978. Αυτός ο όρος χρησιμοποιείται για να περιγράψει μια συγκαταβατική δυτική προοπτική για τους ασιατικούς και αφρικανικούς πολιτισμούς. Σύμφωνα με τον Said, η Δύση ουσιαστικά θεωρεί αυτούς τους πολιτισμούς ως στάσιμους και υπανάπτυκτους, δημιουργώντας μια εικόνα του ανατολικού πολιτισμού που μπορεί να ερευνηθεί, να απεικονιστεί και να αναπαραχθεί στην υπηρεσία της αυτοκρατορικής εξουσίας. Όπως επισημαίνει ο Said, αυτό το ψέμα βασίζεται στην υπόθεση ότι η δυτική κοινωνία είναι προοδευτική, ευφυής, προσαρμόσιμη και ανώτερη. Αυτό δίνει στους Δυτικούς την ελευθερία να φαντάζονται τους «ανατολικούς» πολιτισμούς και τους ανθρώπους ως εξωτικούς και επικίνδυνους.
Ο όρος «Οριενταλισμός» χρησιμοποιείται στην ιστορία της τέχνης για να περιγράψει το σύνολο των έργων που δημιουργήθηκαν από δυτικούς καλλιτέχνες κατά τη διάρκεια του 19ου αιώνα, οι οποίοι επικεντρώθηκαν σε ανατολικά θέματα και μοτίβα ως αποτέλεσμα των εξερευνήσεων τους στη Δυτική Ασία. Εκείνη την εποχή, οι καλλιτέχνες και οι ακαδημαϊκοί ονομάζονταν συχνά χλευαστικά «Οριενταλιστές», ένας όρος που διαδόθηκε από τον Γάλλο κριτικό τέχνης Jules-Antoine Castagnary. Η Γαλλική Εταιρεία Οριενταλιστών Ζωγράφων, με επίτιμο πρόεδρο τον Jean-Léon Gérôme, ιδρύθηκε το 1893, παρά την ευρεία κοινωνική αποδοκιμασία του είδους. Αντίθετα, στη Βρετανία, «Orientalist» σήμαινε απλώς «καλλιτέχνης».
Οι απόψεις των καλλιτεχνών άλλαξαν γύρω στα τέλη του 19ου αιώνα με την ίδρυση της Γαλλικής Εταιρείας Ανατολίστων Ζωγράφων, η οποία επέτρεψε στα μέλη να αναγνωρίσουν τον εαυτό τους ως μέρος ενός ευρύτερου καλλιτεχνικού κινήματος. Παρόλο που εμφανίστηκαν πολυάριθμα διαφορετικά στυλ ζωγραφικής της Οριενταλιστικής κατά τη διάρκεια της ακμής του κινήματος τον 19ο αιώνα, ο όρος "Οριενταλιστική ζωγραφική" χρησιμοποιείται συνήθως για να αναφέρεται σε ένα μόνο υποείδος της ακαδημαϊκής τέχνης. Πολλοί ιστορικοί τέχνης κατατάσσουν τους οριενταλιστές ζωγράφους σε δύο κατηγορίες: αυτούς που ζωγράφιζαν με άμεση παρατήρηση και αυτούς που δημιούργησαν φανταστικά σκηνικά στα στούντιο τους. Είναι γενικά αποδεκτό ότι οι πιο εξέχουσες προσωπικότητες του οριενταλιστικού κινήματος ήταν Γάλλοι καλλιτέχνες όπως ο Eugène Delacroix (1798-1863) και ο Jean-Léon Gérôme (1824-1904).
Η καταστροφική εισβολή του Ναπολέοντα στην Αίγυπτο και τη Συρία το 1798-1801 επηρέασε τη γαλλική οριενταλιστική ζωγραφική και τεκμηριώθηκε από τους ζωγράφους της αυλής του Ναπολέοντα, ιδιαίτερα τον Antoine-Jean Gros, στα χρόνια που ακολούθησαν, παρά το γεγονός ότι ο Γκρος δεν ταξίδεψε στη Μέση Ανατολή με τον στρατό. . Ο Βοναπάρτης επισκέπτεται τα θύματα της πανούκλας της Γιάφα (1804) και τη μάχη του Αμπουκίρ (1806) και οι δύο επικεντρώνονται στον Αυτοκράτορα, όπως ήταν εκείνη την εποχή, αλλά παρουσιάζουν επίσης πολλά Αιγύπτια άτομα. Ο λιγότερο επιτυχημένος Ναπολέων στη Μάχη των Πυραμίδων έχει επίσης πολλούς Αιγύπτιους (1810). Σημαντικό ήταν επίσης το La Révolte du Caire (1810) της Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Η γαλλική κυβέρνηση παρήγαγε είκοσι τόμους μιας εικονογραφημένης περιγραφής των αρχαιοτήτων της Αιγύπτου μεταξύ 1809 και 1828 υπό τον τίτλο Description de l'Égypte.
Πριν πατήσει ποτέ το πόδι του στην Ελλάδα ή την Ανατολή, ο Eugène Delacroix είχε την πρώτη του μεγάλη επιτυχία με το The Massacre at Chios (1824), το οποίο, όπως και το The Raft of the Medusa του φίλου του Théodore Géricault, απεικόνιζε μια πρόσφατη τραγωδία σε ένα μακρινό μέρος που είχε εγείρει κοινή γνώμη. Ενώ οι Έλληνες εξακολουθούσαν να αγωνίζονται για την ελευθερία από τους Οθωμανούς, η χώρα ήταν εξίσου εξωτική με τα πιο Άπω Ανατολή τμήματα της αυτοκρατορίας. Στη συνέχεια, ο Ντελακρουά ζωγράφισε την Ελλάδα στα ερείπια του Μεσολογγίου (1827) για να τιμήσει την πολιορκία που είχε γίνει τον προηγούμενο χρόνο, και τον θάνατο του Σαρδανάπαλου (1828), που εμπνεύστηκε από τον Λόρδο Βύρωνα και λέγεται ότι ήταν το πρώτο έργο τέχνης να συνδυάσει το σεξ, τη βία, την τεμπελιά και τον εξωτισμό. Το 1832, ως μέρος μιας διπλωματικής αποστολής στον Σουλτάνο του Μαρόκου, ο Ντελακρουά ταξίδεψε τελικά στη σημερινή Αλγερία, μια περιοχή που πρόσφατα κατέλαβαν οι Γάλλοι. Συγκινήθηκε βαθιά από αυτό που είδε, κάνοντας παραλληλισμούς μεταξύ του βορειοαφρικανικού τρόπου ζωής και του τρόπου ζωής των Αρχαίων Ρωμαίων, και συνέχισε να ζωγραφίζει θέματα από το ταξίδι του μετά την επιστροφή του στη Γαλλία. Πολλές από τις εικόνες του παρουσίαζαν Εβραίους ή πολεμιστές πάνω σε άλογα, επειδή, όπως πολλοί επόμενοι ανατολίτες ζωγράφοι, δυσκολευόταν να απεικονίσει γυναίκες. Λίγες σκηνές από χαρέμι που ακολουθούσαν θα μπορούσαν να κάνουν τον ίδιο ισχυρισμό ρεαλισμού, αλλά προφανώς κατάφερε να αποκτήσει πρόσβαση στις γυναικείες συνοικίες (ή στο χαρέμι) ενός σπιτιού για να σκιαγραφήσει αυτό που έγινε Γυναίκες του Αλγερίου.
Ήταν ο Ingres, διευθυντής της Γαλλικής Académie de Peinture, που έκανε δημοφιλή μια ερωτική Ανατολή μέσω της νεφελώδους γενίκευσης των γυναικείων μορφών στην ζωηρά χρωματιστή απεικόνισή του ενός χαμάμ (που μπορεί να ήταν όλοι το ίδιο μοντέλο). Στη μυστηριώδη Ανατολή, ήταν ανεκτές πιο φανερές εκδηλώσεις σεξουαλικότητας. Οι ημι-γυμνοί πίνακες της περιόδου της Νίκαιας του Henri Matisse και η χρήση ανατολίτικων κοστουμιών και σχεδίων είναι παραδείγματα αυτής της συνεχούς χρήσης αυτού του μοτίβου στις αρχές του 20ου αιώνα. Το ατμόπλοιο έκανε τα ταξίδια πολύ πιο εύκολα και πολλοί καλλιτέχνες επισκέφθηκαν τη Μέση Ανατολή και πέραν αυτής για να ζωγραφίσουν ένα ευρύ φάσμα ανατολίτικων σκηνών. Πριν επισκεφτεί την Ανατολή, ο Théodore Chassériau (1819-1856), μαθητής του Ingres, είχε ήδη πετύχει με το γυμνό του The Toilette of Esther (1841, Λούβρο) και το ιππικό πορτρέτο του Ali-Ben-Hamet, Χαλίφη του Κωνσταντίνου και Αρχηγού ο Χαρακτάς, ακολουθούμενος από τη συνοδό του
Πολλά από αυτά τα έργα διαιώνισαν μια στερεότυπη, εξωτική και σεξουαλική απεικόνιση της Ανατολής. Έργα τέχνης αυτού του τύπου συχνά επικεντρώνονταν στους αραβικούς, εβραϊκούς και άλλους σημιτικούς πολιτισμούς, επειδή εκεί ταξίδεψαν Γάλλοι ζωγράφοι για να μάθουν για την ιστορία και την ανάπτυξη της περιοχής καθώς η αυτοκρατορική Γαλλία επέκτεινε την επιρροή της στη Βόρεια Αφρική. Αρκετοί Γάλλοι καλλιτέχνες, όπως ο Eugène Delacroix, ο Jean-Léon Gérôme και ο Jean-Auguste-Dominique Ingres, απεικόνισαν odalisques στους πίνακές τους του ισλαμικού πολιτισμού. Έδωσαν έμφαση στη νωθρότητα και στα εντυπωσιακά οπτικά. Οι πίνακες ζωγραφικής του είδους, ειδικότερα, έχουν επικριθεί επειδή είναι πολύ όμοιοι με ευρωπαϊκά παραδείγματα του ίδιου θέματος ή επειδή εκφράζουν μια οριενταλιστική κοσμοθεωρία με την έννοια του Saidian. Ο Gérôme ήταν ο γενάρχης και συχνά ο κύριος μιας ομάδας Γάλλων ζωγράφων του τέλους του αιώνα γνωστών για τις κραυγαλέα σεξουαλικές απεικονίσεις χαρεμιών, δημόσιων λουτρών και δημοπρασιών σκλάβων (οι δύο τελευταίοι διατίθενται επίσης με κλασική διακόσμηση) και για τη συμβολή τους στο εξίσωση του οριενταλισμού με το γυμνό σε πορνογραφικό τρόπο».
Ξεκινώντας από τα τέλη του 15ου αιώνα, το μορεσκικό στυλ του αναγεννησιακού στολισμού ήταν μια ευρωπαϊκή προσαρμογή του ισλαμικού αραβουργήματος που συνέχισε να χρησιμοποιείται σε ορισμένους τομείς, όπως ως βιβλιοδεσία, σχεδόν μέχρι σήμερα. Ο όρος «Ινδοσαρακηνική Αναβίωση» περιγράφει την πρώιμη δυτική χρήση των ινδικών αρχιτεκτονικών θεμάτων. Η πρόσοψη του Guildhall του Λονδίνου χρονολογείται από αυτή τη χρονική περίοδο (1788–1789). Από το 1795 περίπου, όταν δημοσιεύτηκαν απόψεις για την Ινδία από τους William Hodges και William and Thomas Daniell, το στυλ απέκτησε δημοτικότητα στη Δύση. Μεταξύ των πιο γνωστών παραδειγμάτων αρχιτεκτονικής "Hindoo" είναι το Sezincote House (περίπου 1805) στο Gloucestershire, το οποίο κατασκευάστηκε για έναν nabob που είχε επιστρέψει πρόσφατα από τη Βεγγάλη, και το Royal Pavilion στο Brighton.
Η χρήση «τουρκικών» στυλ στις διακοσμητικές τέχνες, η περιστασιακή υιοθέτηση της τουρκικής ενδυμασίας και το ενδιαφέρον για την τέχνη που απεικονίζει την Οθωμανική Αυτοκρατορία ήταν όλα μέρος του κινήματος Turquerie, το οποίο ξεκίνησε στα τέλη του 15ου αιώνα και διήρκεσε τουλάχιστον μέχρι τον 18ο. Ακόμα κι αν η Γαλλία έγινε πιο σημαντική μετά τον 18ο αιώνα, ο αρχικός κόμβος ήταν η Βενετία, η μακροχρόνια εμπορική σχέση των Οθωμανών.
Το όνομα "Chinoiserie" αναφέρεται στο γενικό στυλ διακόσμησης με στοιχεία εμπνευσμένα από την Κίνα που ήταν δημοφιλές στη Δυτική Ευρώπη από τον 17ο αιώνα και έφτασε στο ζενίθ της σε πολλά κύματα, κυρίως κατά την περίοδο του Ροκοκό (περίπου 1740-1770). Η τεχνική πολυπλοκότητα της κινεζικής κεραμικής επιχειρήθηκε και μόνο μερικώς επιτυχής από δυτικούς σχεδιαστές από την Αναγέννηση έως τον 18ο αιώνα. Ήταν τον 17ο αιώνα που χώρες όπως η Αγγλία (με την Εταιρεία της Ανατολικής Ινδίας), η Δανία (με την Εταιρεία της Ανατολικής Ινδίας), η Ολλανδία (με την Εταιρεία της Ανατολικής Ινδίας) και η Γαλλία (με την Εταιρεία της Ανατολικής Ινδίας) άρχισαν να δείχνουν σημάδια της Chinoiserie (της Γαλλικής Εταιρείας Ανατολικών Ινδιών). Στις αρχές του 17ου αιώνα, οι αγγειοπλάστες στο Ντελφτ και σε άλλες ολλανδικές πόλεις άρχισαν να χρησιμοποιούν την ίδια αυθεντική μπλε και λευκή πορσελάνη που είχε παραχθεί στην Κίνα κατά τη διάρκεια της δυναστείας των Μινγκ. Πιάτα, βάζα και είδη τσαγιού από τις πρώτες τοποθεσίες παραγωγής πραγματικής πορσελάνης, όπως το Meissen, μιμούνταν τις παραδοσιακές κινεζικές μορφές (βλ. κινεζική πορσελάνη εξαγωγής).
Τα επίσημα παρτέρια των γερμανικών ανακτόρων του ύστερου μπαρόκ και του ροκοκό είχαν περίπτερα αναψυχής σε «κινέζικη γεύση» και τα πάνελ με πλακάκια στο Aranjuez κοντά στη Μαδρίτη απεικόνιζαν παρόμοιες κατασκευές. Τα τραπέζια τσαγιού και τα πορτοκαλί ντουλάπια, ειδικότερα, διακοσμήθηκαν από τον Thomas Chippendale με υαλοπίνακες και κιγκλιδώματα το 1753-1770. Η πολιτογράφηση συνέβη επίσης στα θλιβερά αφιερώματα στα έπιπλα των πρώιμων μελετητών του Xing, όπως το τανγκ, το οποίο έγινε ένα μεσαίο γεωργιανό τραπεζάκι και τετράγωνες πολυθρόνες με ράχη κατάλληλες για Άγγλους κυρίους καθώς και για Κινέζους μελετητές.
Δεν θεωρούνται «chinoiserie» όλες οι δυτικές ερμηνείες της παραδοσιακής κινεζικής αισθητικής. Παραδείγματα μέσων Chinoiserie περιλαμβάνουν κεραμικές φιγούρες και επιτραπέζια στολίδια, πρώιμες ζωγραφισμένες ταπετσαρίες σε μορφή φύλλου και απομιμήσεις πιάτων από λάκα και βαμμένα τσίγκινα (tôle) που παραμύθιζαν την Ιαπωνία. Σε κήπους τοποθετήθηκαν παγόδες πλήρους μεγέθους, ενώ σε μανδύες τοποθετήθηκαν μινιατούρες. Η Μεγάλη Παγόδα, που δημιουργήθηκε από τον William Chambers, είναι μια εκπληκτική κατασκευή στο Kew. Βρίσκεται στη Στουτγάρδη, το Wilhelma (1846) είναι ένα κτήριο που αποτελεί παράδειγμα του μαυριτανικού στιλ της αναγέννησης. Χτισμένο για τον καλλιτέχνη Frederic Leighton, το Leighton House διαθέτει παραδοσιακούς εξωτερικούς αλλά περίτεχνους εσωτερικούς χώρους αραβικού στιλ με γνήσια ισλαμικά πλακάκια και άλλα εξαρτήματα και βικτοριανή ανατολίτικη δουλειά.
Λόγω σε μεγάλο βαθμό της εισαγωγής των εκτυπώσεων ukiyo-e στη Δύση, το αισθητικό κίνημα γνωστό ως Ιαπωνισμός άκμασε μετά το 1860. Ιδιαίτερη επιρροή στους σύγχρονους Γάλλους καλλιτέχνες όπως ο Claude Monet και ο Edgar Degas ήταν η ιαπωνική αισθητική. Οι ιαπωνικές εκτυπώσεις ενέπνευσαν την Αμερικανίδα καλλιτέχνη Mary Cassatt, η οποία έζησε και εργάστηκε στη Γαλλία. Ενσωμάτωσε τη χρήση πολυεπίπεδων μοτίβων, επίπεδων επιπέδων και δυναμικής προοπτικής στη δουλειά της. Μερικά από τα καλύτερα παραδείγματα τέχνης εμπνευσμένης από την Ιαπωνία βρίσκονται στο The Peacock Room, μια συλλογή από πίνακες του James Abbott McNeill Whistler. Το Gamble House και άλλα κτίρια από τους Greene και Greene της Καλιφόρνια επηρεάστηκαν από την ιαπωνική αρχιτεκτονική.
Η αρχιτεκτονική της Αιγυπτιακής Αναγέννησης ήταν ένα δημοφιλές στυλ στις αρχές και τα μέσα του 19ου αιώνα και παρέμεινε ως μικρό στυλ στις αρχές του 20ού αιώνα. Στις αρχές του 19ου αιώνα, οι συναγωγές ήταν από τους κύριους δικαιούχους του στυλ της Μαυριτανικής Αναγέννησης που προήλθε από τα γερμανικά κρατίδια. Ένα αρχιτεκτονικό στυλ γνωστό ως Ινδοσαρακηνική Αναγέννηση εμφανίστηκε στο βρετανικό Raj γύρω στα τέλη του 19ου αιώνα.
Η αισθητική της ανατολίτικης διακόσμησης είναι από τις πιο δελεαστικές στον κόσμο. Δημοφιλή στις βιομηχανίες επίπλων και εσωτερικής διακόσμησης, η χρήση ανατολίτικων διακοσμητικών στοιχείων βρίσκεται σε άνοδο. Αυτή η συλλογή ασιατικών μορφών τέχνης ήταν περιζήτητη εδώ και χιλιετίες και περιλαμβάνει έργα από μια μεγάλη ποικιλία ασιατικών χωρών.
Ο όρος «Ανατολίτικη τέχνη» δημιουργεί συχνά εικόνες κοριτσιών γκέισας στην Ιαπωνία ή κινεζικές ακουαρέλες, αλλά αυτά δεν είναι τα μόνα παραδείγματα. Με τα ζωηρά τους χρώματα και την προσοχή στη λεπτομέρεια, οι ανατολίτικοι κύλινδροι, τα βάζα και οι πίνακες έχουν αντέξει για αιώνες. Ομπρέλες, ανεμιστήρες και λάμπες είναι περαιτέρω παραδείγματα άλλων μορφών ανατολίτικης τέχνης.
Ένας από τους λόγους για τους οποίους η ανατολίτικη τέχνη είναι τόσο δημοφιλής είναι οι καθαρές γραμμές και τα ζωηρά χρώματά της. Το ανατολικό και το δυτικό ημισφαίριο έχουν ενσωματώσει στοιχεία ανατολίτικης διακόσμησης στο εσωτερικό τους. Λόγω της κομψότητας και της λειτουργικότητάς του, μπορεί να χρησιμοποιηθεί σε ρυθμίσεις που κατά τα άλλα είναι ασυνήθιστες. Η προσθήκη ενός έργου ανατολίτικης τέχνης στο σπίτι σας είναι ένας πολύ καλός τρόπος για να του δώσετε μια μοναδική εμφάνιση και αίσθηση. Ο ανεμιστήρας τοίχου είναι ένα εμβληματικό παράδειγμα ανατολίτικης τέχνης. Η διακόσμηση με αντικείμενα από την Ανατολή είναι μια υπέροχη ιδέα γιατί είναι και κομψά και φθηνά.
Όπως προτείνουν πολλοί ειδικοί στον τομέα, οι δημοπρασίες είναι ένας από τους καλύτερους τρόπους για την προμήθεια έργων ανατολίτικης τέχνης. Ως εκ τούτου, μπορείτε απλά να περιηγηθείτε σε καταλόγους δημοπρασιών και να αρχίσετε να διακοσμείτε το σπίτι σας με κομμάτια ανατολίτικης γεύσης. Σχετικά με την ιαπωνική τέχνη, ωστόσο, συχνά δημοπρασίες περιλαμβάνουν εκτυπώσεις, κεραμικά, πανοπλίες και άλλα.
Τα διάσημα έργα του Κινέζου καλλιτέχνη Gu Kaizhi περιλαμβάνουν τις νουθεσίες της κυβερνήτη προς τις κυρίες της αυλής και τις οδηγίες για επιφανείς γυναίκες. Ήταν επίσης ποιητής και θεωρητικός της τέχνης. Ήταν ένας Ταοϊστής φιλόσοφος που είχε μια πολύχρωμη ζωή και μερικές φορές επέδειξε μεγάλο κυνισμό. Ένας κυβερνητικός αξιωματούχος που ξεκίνησε το 366, ο Gu Kaizhi (περίπου 344-406) γεννήθηκε στο Wuxi της επαρχίας Jiangsu, αλλά τα ταλέντα του εκτείνονται πολύ πέρα από την πολιτική. Ήταν επίσης ένας καταξιωμένος ποιητής, δοκιμιογράφος, ζωγράφος και επαγγελματίας της κινεζικής καλλιγραφίας. Τρία έργα, Περί Ζωγραφικής, Εισαγωγή στους Διάσημους Πίνακες των Δυναστειών Γουέι και Τζιν, και Ζωγραφική του Όρους Γιουντάι, περικλείουν τις πολυάριθμες θεωρίες του Γκου για το μέσο. Το έργο της ζωής του τεκμηριώνεται σε περισσότερους από 70 πίνακες που εστιάζουν σε ανθρώπινες και θεϊκές φιγούρες, ζώα, τοπία και πλωτές οδούς. Ο Βούδας του Ναού του Ναντζίνγκ (που δημιουργήθηκε για να δημιουργήσει χρήματα για την κατασκευή του ναού), οι νουθεσίες της Κυβερνήτη προς τις Κυρίες της Αυλής και η Νύμφη του ποταμού Λούο είναι όλα έργα που του αποδίδονται συνήθως. Έργα του Gu Kaizhi βρίσκονται πλέον σε συλλογές σε όλο τον κόσμο. Μεταξύ 220 μ.Χ. και 581 μ.Χ., υπήρξε μια χρυσή εποχή της κινεζικής ζωγραφικής. Παρά τους πολέμους και τις δυναστικές αλλαγές που συνέβησαν στην Κίνα κατά τη διάρκεια των 300 ετών, η πολιτιστική ζωή της χώρας παρέμεινε ζωντανή. Αυτό οφειλόταν σε μεγάλο βαθμό στις πολλές διαφορετικές σχολές που έδωσαν σημαντική ώθηση στην καλλιτεχνική ανάπτυξη της χώρας. Υπάρχουν πολλά παραδείγματα δεξιοτεχνίας στην κινεζική καλλιγραφία και την τέχνη κατά τη διάρκεια αυτής της χρονικής περιόδου, όπως πίνακες τάφων, γλυπτά από πέτρα και τούβλα και πίνακες ζωγραφικής με λάκα. Επίσης θεωρητικοποιούνται οι εικονογραφικοί κανόνες που βλέπουμε κάτω από τη σύγχρονη κινεζική ζωγραφική, κανόνες όπως η Γραφική Θεωρία και η Θεωρία των Έξι Κανόνων. Ένας από τους πιο σημαντικούς και γνωστούς από αυτούς τους καλλιτέχνες είναι ο Gu Kaizhi, που συχνά θεωρείται ως ο εμπνευστής της παραδοσιακής κινεζικής ζωγραφικής. Τα έργα του αποτελούν την επιτομή της εποχής που έζησε.
Από τα έτη 990 έως 1020, ο Fan Kuan ήταν ένας εξέχων Ταοϊστής ζωγράφος «βορείου στυλ» στην Κίνα. Σε αυτόν αποδίδονται μεταξύ άλλων ο εκλεκτότερος δάσκαλος του 10ου και 11ου αιώνα. Ένας κατακόρυφος κύλινδρος με τίτλο Travelers amid Mountains and Streams, του Fan Kuan, θεωρείται ευρέως ως το θεμελιώδες έργο τέχνης για τη Σχολή Τραγουδιού του Βορρά. Θέτει ένα πρότυπο για τη γιγάντια ζωγραφική τοπίων που πολλοί καλλιτέχνες θα αναζητούσαν στη συνέχεια για καθοδήγηση. Είναι ξεκάθαρο ότι η παλιά κινεζική ιδέα των τριών διαστάσεων, κοντά, μέση (που αντιπροσωπεύεται από νερό και ομίχλη) και απόσταση, λειτουργεί εδώ. Σε αντίθεση με τα παλαιότερα παραδείγματα κινεζικής ζωγραφικής τοπίου, η λαμπρότητα του φυσικού κόσμου είναι το επίκεντρο και όχι μια εκ των υστέρων σκέψη. Στη βάση του μονόλιθου, φαίνεται μια σειρά από άλογα που αναδύονται από τους θάμνους. Οι συμβάσεις από την παλαιότερη δυναστεία των Τανγκ μπορούν να φανούν στο οπτικό στυλ του έργου τέχνης.
Είναι το ύφος ukiyo-e που ο Katsushika Hokusai διαδόθηκε ως ζωγράφος και χαράκτης στην Ιαπωνία. Ήταν ένας ακριβής και εκκεντρικός ζωγράφος που είναι περισσότερο γνωστός για τα χαρακτικά του. Ωστόσο, συνέχισε να εργάζεται και στα δύο μέσα σε όλη του τη ζωή. Περισσότερα από εξήντα χρόνια στην καριέρα του, είχε ήδη πειραματιστεί με ξυλογραφίες που απεικόνιζαν θεατρικά θέματα, χαιρετισμούς για ιδιωτική κυκλοφορία (surimono) και, ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1830, σε σειρές τοπίων, όπως αποδεικνύεται από έργα όπως Views of Famous Bridges και Famous Waterfalls στο Διάφορες επαρχίες και Τριάντα έξι όψεις του όρους Φούτζι, που εν μέρει αντανακλά μια προσωπική προσκόλληση στο διάσημο ηφαίστειο. Το Great Kanagawa Wave, επίσης μέρος αυτού του κανόνα, είναι ένα σχετικό έργο. Μετά από μια περίοδο μεγάλων δυσκολιών που προκλήθηκαν από μια σειρά οικογενειακών ζητημάτων, μεταξύ των οποίων το λιγότερο ήταν η τάση του ανιψιού του για τυχερά παιχνίδια, δημοσίευσε έναν αριθμό οδηγών ζωγραφικής και manga που απευθύνονταν τόσο σε ερασιτέχνες όσο και σε επαγγελματίες. Η συγγραφή και η ζωγραφική ενός ευρέος φάσματος βιβλίων μυστηρίου και διηγημάτων για γυναίκες και παιδιά, καθώς και η εργασία για την εικονογράφηση μεγάλων λογοτεχνικών αριστουργημάτων, εμπνεύστηκε από τη δια βίου αγάπη του για τη λογοτεχνία, η οποία πιθανότατα ξεκίνησε κατά τα εφηβικά του χρόνια ως αγόρι για ένα ταξίδι. βιβλιοθήκη. Τα χαϊκού που έγραψε ήταν επίσης αρκετά καλά. Λόγω της ευρείας επιρροής της τέχνης του στους Ευρωπαίους ιμπρεσιονιστές όπως ο Claude Monet και μετα-ιμπρεσιονιστές όπως ο Vincent van Gogh και ο Γάλλος ζωγράφος Paul Gauguin, τρεις βιογραφίες για τον Hokusai δημοσιεύτηκαν στα γαλλικά μεταξύ 1896 και 1914 από τους σημαντικότερους κριτικούς της εποχής, μεταξύ των οποίων Edmond de Goncourt. Σύμφωνα με τις ιστορίες που διηγήθηκαν για αυτόν, μετακόμισε περισσότερες από ενενήντα φορές και χρησιμοποίησε πολλά διαφορετικά καλλιτεχνικά ονόματα σε όλη την καριέρα του.
Ιάπωνας ζωγράφος και τυπογράφος Hiroshi Yoshida. Οι εκτυπώσεις του στο Ταζ Μαχάλ, τις Ελβετικές Άλπεις και το Γκραν Κάνυον είναι από τα πιο διάσημα παραδείγματα τέχνης shin-hanga και προκαλούν έντονα συναισθήματα στους θεατές. Στις 19 Σεπτεμβρίου 1876, στην πόλη Kurume, στην επαρχία Fukuoka στο νησί Kysh, ξεκίνησε η ζωή του Hiroshi Yoshida, γεννημένος Hiroshi Ueda. Ο θετός πατέρας του, καθηγητής τέχνης σε δημόσιο σχολείο, ενθάρρυνε το πρώιμο καλλιτεχνικό του ταλέντο. Αφού πέρασε τρία χρόνια στο Τόκιο μαθαίνοντας υπό τον Koyama Shotaro, μεταφέρθηκε στο Κιότο για να σπουδάσει κοντά στον διάσημο δυτικό δεξιοτέχνη Tamura Shoryu όταν ήταν 19 ετών. Το 1899, ο Yoshida παρουσίασε την πρώτη του έκθεση σε αυτό που τότε ονομαζόταν Μουσείο Τέχνης του Ντιτρόιτ αλλά τώρα ονομάζεται Ινστιτούτο Τεχνών του Ντιτρόιτ. Ο Hiroshi Yoshida ήταν ένας καταξιωμένος ελαιοχρωματιστής που χρησιμοποιούσε το μέσο από την εισαγωγή του στην Ιαπωνία την εποχή του Meiji. Η σειρά Sailing Boats από το 1921 και οι εκτυπώσεις του Ταζ Μαχάλ (εκ των οποίων υπάρχουν έξι) είναι και οι δύο περιπτώσεις της συνήθειας του Yoshida να αναπαράγει την ίδια εικόνα σε διαφορετικά χρώματα για να αλλάξει τη διάθεση.
Αγοράστε την τέχνη που αγαπάτε χωρίς κινδύνους στο Artmajeur! Αγοράστε μοναδικές δημιουργίες που δεν μπορείτε να βρείτε αλλού! Περισσότερες επιλογές:
Το πιο σχετικό | Πιο πρόσφατα
Immerse yourself in a world of beauty, inspiration, and creativity with contemporary art. We know the spellbinding allure of these unique pieces, how they captivate our minds and hearts with their dynamic stories, vibrant hues, and breathtaking composition. Each artwork is a testament to the zeitgeist of our age, mirroring societal landscapes and personal narratives through abstraction, realism, and other distinctive styles. Often, you’ll find these pieces showcasing a myriad of innovative materials and supports that align with their modernist vision, from acrylics and oil paints on canvas to mixed media pieces featuring elements of wood, metal, and even digital components.
Intriguingly, purchasing a contemporary artwork isn’t just about enhancing your space aesthetically; it’s a testament to your discerning taste and an intelligent investment. History has shown us that art, especially of the contemporary genre, tends to appreciate over time, becoming even more valuable as the artists’ reputation grows. This timeless truth makes acquiring a contemporary art piece an attractive and rewarding venture.
At the intersection of aesthetics and investment lies Artmajeur, an international online art gallery that we’re excited to introduce. Among the sea of online platforms, Artmajeur stands unparalleled, housing an expansive, exclusive selection of contemporary artworks. This carefully curated gallery boasts a multitude of pieces by emerging artists and established masters alike, offering you a broad palette of artworks to resonate with your unique taste and style.
What sets Artmajeur apart as an online art gallery isn’t just the quality and range of the artworks available. It’s the compelling blend of world-class service, buyer-friendly policies, and highly competitive pricing that makes our platform an absolute standout. It means you’re not just buying an artwork; you’re investing in an experience. Our gallery’s free shipping policy worldwide is a cherry on top, ensuring your chosen artwork will reach you safely, no matter where you are. Plus, with a free 14-day return policy, you can purchase with peace of mind, knowing that you can revisit your decision if needed.
Dive into the exceptional world of contemporary art with Artmajeur, and let your space be a canvas for the extraordinary. Embark on this artistic journey with us, knowing that each piece you bring into your life isn’t just a stroke of beauty but a stroke of genius in investment too. As we traverse this beautiful landscape of contemporary art together, may we discover the joy of being not just consumers but patrons and connoisseurs of the arts.
Artmajeur
Ενημερωτικό Δελτίο
Λάβετε τη συλλογή μας με τα καλύτερα έργα τέχνης απευθείας στα εισερχόμενά σας!
