Sind Sie ein echter Liebhaber japanischer Kunst?

Wenn „Die Große Welle vor Kanagawa“ die dramatische Ikone der rohen Kraft der Natur ist, dann ist „Südwind, klarer Himmel“ – auch bekannt als „Roter Fuji “ – das perfekte Gegenstück: still, ruhig und perfekt ausbalanciert. Zwei Seiten desselben Berges, zwei gegensätzliche Perspektiven auf die majestätische japanische Landschaft.

Dieser Druck, einer der berühmtesten aus der Serie „Sechsunddreißig Ansichten des Fuji“ , ist ein Meisterwerk scheinbarer Einfachheit. Keine Handlung, keine menschliche Präsenz, keine Boote, die gegen das Meer kämpfen. Nur der Fuji, gewaltig und einsam, färbt sich im Morgengrauen unter einem klaren Himmel, über den eine sanfte Brise weht, purpurrot. Es ist ein realer Moment: Wer das Glück hat, sich an einem frischen Herbstmorgen in der Nähe des Berges zu befinden, kann ihn selbst sehen. Die aufgehende Sonne trifft auf den Osthang und taucht ihn in leuchtende Farben. Auf Japanisch heißt er Aka Fuji – „Roter Fuji“. Hokusai machte ihn zu einer Ikone.

Doch hinter dieser oberflächlichen Ruhe verbirgt sich eine raffinierte symbolische Struktur. Der Berg, perfekt dreieckig, nimmt die rechte Bildhälfte ein wie eine feierliche, fast heilige Figur. Die spärlichen Wolken links gleichen die Komposition aus und erzeugen eine subtile, fast musikalische Spannung. Es ist eine zeitlose Szene, doch voller präziser atmosphärischer Details: der verbleibende Schnee auf dem Gipfel, die dunklen Schatten des Waldes am Fuße, die drei unterschiedlichen Blau- und Rottöne, die die Atmosphäre prägen.

Die frühesten Drucke dieses Werkes sind selten und wertvoll: Sie zeichnen sich durch einen weicheren, unregelmäßigeren Himmel und einen zurückhaltenden Farbeinsatz aus, mit einem zarten preußischblauen Heiligenschein um den Gipfel. Diese sind als „Pink Fuji“ -Versionen bekannt – intimer, weniger spektakulär, aber vielleicht näher an Hokusais ursprünglicher Absicht. Später, als die Nachfrage stieg, wurden die Farben intensiver: Das bengalische Rosa wurde eingeführt, die Wolken wurden schärfer, der Himmel flacher und das Grün des Waldes zurückgenommen. Schönheit zeigt sich in diesem Fall in vielen Varianten.

Kurioserweise dominiert im Westen die Große Welle die kulturelle Vorstellungswelt, in Japan hingegen ist es der Rote Fuji, der am meisten geschätzt wird – fast ein Talisman. Der Überlieferung nach gilt das Träumen vom Fuji als Zeichen des Glücks, und ein roter Fuji gilt umso mehr als selten, kraftvoll und makellos in seiner Symmetrie. Vielleicht ist dies der Grund für den anhaltenden ikonografischen Erfolg dieses Drucks, der ein Ideal von Frieden, Ausgeglichenheit und stiller Stärke verkörpert.

Yoshida Hiroshi, Fuji vom Kawaguchi-See, 1926.

3. Yoshida Hiroshi, Fuji vom Kawaguchi-See

Während Hokusai den Fuji in seiner mythischen und symbolischen Erhabenheit verewigte, erweckte Hiroshi Yoshida ihn in einer intimeren und atmosphärischeren Dimension zum Leben. Sein Druck „Kawaguchi-See“ , Teil der Serie „Zehn Ansichten des Fuji“ , bietet uns einen kontemplativen, ruhigen, fast geflüsterten Blick auf Japans berühmtesten Vulkan. Hier gibt es keine bedrohliche Welle, keinen feuerroten Sonnenaufgang – nur die Stille des Wassers, schmelzenden Schnees und eine sanft atmende Landschaft.

Anders als die großen Meister des Ukiyo-e war Yoshida nicht allein der Tradition verpflichtet. Seine Ausbildung umfasste westliche Ölmalerei und Aquarellmalerei, Tokioter Kunstakademien und amerikanische Museen. Seinen ersten internationalen Erfolg feierte er 1899 mit einer Ausstellung im Detroit Institute of Arts, als Japan gerade in das Zeitalter der Industrialisierung eintrat. Was ihn einzigartig macht, ist seine Fähigkeit, westliche Perspektive und Helldunkel mit der erzählerischen Subtilität japanischer Kunst zu verbinden.

Auf diesem Bild ist der Fuji vom Kawaguchi-See aus zu sehen, einem der fünf markanten Aussichtspunkte auf den Vulkan. Es ist Winter – oder vielleicht früher Frühling: Noch bedeckt Schnee die Ufer, beginnt aber zu schmelzen. Das Wasser spiegelt die umgebende Welt in sanften Wellen und fängt das Licht eines Sonnenuntergangs ein, dessen Farbe von Rosa zu Orange wechselt. Es ist ein Anblick, den Yoshida möglicherweise auf einer seiner vielen Wanderungen erlebt hat: Er war ein begeisterter Bergsteiger und Wanderer und kannte die japanische Landschaft nicht nur als Künstler, sondern auch als Reisender.

Eine kuriose Anekdote: Anders als viele seiner Vorgänger war Yoshida in jeden Schritt des Druckprozesses eingebunden. Zu einer Zeit, als Künstler die Holzschnitte oft spezialisierten Handwerkern überließen, überwachte Yoshida jeden Schritt persönlich und experimentierte häufig mit verschiedenen Farbvariationen desselben Drucks, um wechselnde Tageszeiten oder saisonale Stimmungen einzufangen. Für ihn war Licht eine Form des Geschichtenerzählens – ein einfacher Pigmentwechsel genügte, um eine Landschaft in eine Emotion zu verwandeln.

Yokoyama Taikan, Herbstlaub, 1931.

In „Autumn Leaves“ wendet Yokoyama Taikan seinen Blick vom allgegenwärtigen Berg Fuji ab und lässt uns stattdessen in eine Szene reinster Jahreszeitenpoesie eintauchen. Dieser Paravent (Byōbu) mit seinem weitläufigen Panorama aus karmesinroten Ahornblättern über einem blauen, plätschernden Fluss ist nicht nur eine Darstellung der Natur – er zeigt sie, idealisiert, vergeistigt und harmonisiert durch eine einzigartige japanische Linse.

Yokoyama war eine der Schlüsselfiguren hinter der Entstehung und Entwicklung von Nihonga , der modernen Form traditioneller japanischer Malerei, die als Reaktion auf den Zustrom westlicher Stile während der Meiji-Zeit entstand. Faszinierend ist, wie Taikan, obwohl tief in der japanischen Ästhetik und Technik verwurzelt, zugleich auf subtile und innovative Weise westliche Einflüsse aufgriff – eine Erfahrung, die er auf seinen Reisen nach Kalkutta, New York, London und Paris kultivierte. Seine Begegnung mit Abanindranath Tagore, einem Pionier der indischen Moderne, in Indien löste einen seltenen ost-östlichen Austausch aus, der die moderne Malerei weit über Japan hinaus beeinflusste.

In „Autumn Leaves “ sehen wir nichts von der schwarzen Tusche, für die Taikan später berühmt wurde, aber wir sehen seine charakteristische Innovation: den „Mōrō-tai“ oder „Dunststil“, den er zusammen mit Hishida Shunsō entwickelte. Die harten Umrisse des klassischen Yamato-e sind verschwunden. Stattdessen scheinen die Blätter zu schweben, die Bäume zu atmen und der Fluss sich in einem zarten Nebel aus abgestuften Farben zu bewegen. Es handelt sich um eine Technik, die zunächst als zu kraftlos kritisiert wurde – „verschwommen und leblos“, sagten einige –, die aber seitdem für ihre atmosphärische Kraft und traumhafte Qualität geschätzt wird.

Eine Anekdote verrät Taikans unerschütterliche Hingabe an sein Handwerk: Von seinen Reisen brachte er manchmal Erde, Blätter und sogar Teile der lokalen Flora mit nach Hause, um sie zu Pigmenten zu zermahlen oder auf Farbgenauigkeit zu untersuchen. Für ihn war das Malen der Natur keine Nachahmung, sondern ein Eintauchen in die Natur. Diese Liebe zum natürlichen Detail, kombiniert mit der spirituellen Philosophie des Mono no aware (dem Pathos der Dinge), verleiht Autumn Leaves seine stille, emotionale Kraft.

Interessanterweise führte Taikans Nationalismus – den er von seinem Lehrer Okakura Tenshin geerbt hatte – dazu, den Fuji oft als Symbol japanischer Identität zu malen. Doch hier wählt er ein ruhigeres Motiv: nicht den Berg der Götter, sondern die flüchtige Schönheit des Herbstes. Und vielleicht ist das sogar noch japanischer.

4. Yokoyama Taikan, Herbstblätter

Fujishima Takeji, Ostsee, etwa 1928.

5. Fujishima Takeji, Ostmeer

Zum Abschluss dieser Reise durch die Bilder des Fuji und der japanischen Landschaft bietet „Sonnenaufgang über dem Ostmeer“ von Fujishima Takeji eine weitere Interpretation der Natur – nicht mehr mythisch wie bei Hokusai, nicht kontemplativ wie bei Yoshida, sondern zutiefst europäisch in ihrem Atem und ihrer Bildkonstruktion. Meer und Himmel verschmelzen hier zu einer fast spirituellen Farbsynthese, wobei das narrative Element – ein einzelnes Segelboot – auf ein bloßes Flüstern reduziert ist, wie ein angehaltener Atem.

Fujishima, ein verfeinerter Interpret des Yōga (westliche Malerei), war einer der japanischen Künstler, die am besten eine Brücke zwischen Ost und West schlugen. Seine Ausbildung in Paris bei Fernand Cormon und Carolus-Duran sowie seine Zeit in Rom prägten seine Malerei nachhaltig: Licht, Volumen, Einfachheit, Strenge. Er sagte seinen Schülern oft, das Geheimnis der Malerei liege in einem französischen Wort: simplicité . Für ihn bedeutete Malen, alles Unwesentliche abzutragen, zu entfernen.

Diese Philosophie verkörpert perfekt „Sonnenaufgang über dem Ostmeer“ , dessen Szenerie aus nur vier Farbbändern besteht: dem Meer, den Wolken, dem Himmel und noch mehr Wolken – eine Abstraktion, die ans Informelle grenzt. Würde man das kleine Boot links entfernen, könnte das Gemälde fast als abstrakt durchgehen. Und doch sagt diese Landschaft viel aus: nicht über einen bestimmten Ort, sondern über die menschliche Existenz, über den stillen Lauf der Zeit.

Hinter diesem Werk verbirgt sich eine faszinierende Anekdote: 1928, anlässlich der Inthronisierung Kaiser Shōwas, erhielt Fujishima den Auftrag, ein Gemälde für das kaiserliche Arbeitszimmer zu schaffen. Er wählte das Thema der Morgendämmerung als Metapher für Neuanfänge. Im darauffolgenden Jahrzehnt verfolgte er die aufgehende Sonne durch Japan und seine Territorien – vom Berg Zao im Norden bis zum Yu Shan in Taiwan, vom Meer bis in die Wüsten der Mongolei. Der Sonnenaufgang wurde in seinen späteren Jahren zu seinem Lieblingsmotiv, als suchte er im ewigen Rhythmus der Morgendämmerung nach der ultimativen Antwort auf die Frage, was Malerei wirklich ist.

In diesem Sinne steht „Sunrise over the Eastern Sea“ Turner oder Monet näher als Hiroshige. Es ist ein Kunstwerk, das aus der europäischen Tradition hervorgegangen ist, jedoch durch die Augen eines japanischen Künstlers gefiltert wurde, der den Westen tief verinnerlicht hat, ohne jemals seine eigenen Wurzeln zu vergessen. Ein Sonnenuntergang? Ein Sonnenaufgang? Es spielt keine Rolle. Was zählt, ist die Harmonie, der Rhythmus, die Stille, die spricht.

Häufig gestellte Fragen

1. Was macht japanische Kunst einzigartig?
Seine Verschmelzung von Spiritualität, Natur und Minimalismus – kombiniert mit tiefer kultureller Kontinuität und Offenheit für äußere Einflüsse – verleiht ihm eine unverwechselbare Stimme in der globalen Kunst.

2. Warum ist Hokusais „Die große Welle vor Kanagawa“ so berühmt?
Neben seinem markanten Design verbindet es östliche und westliche Techniken und symbolisiert Japans Angst und Schönheit angesichts der Natur und der Modernisierung. Es hatte auch großen Einfluss auf impressionistische und moderne westliche Künstler.

3. Was ist Nihonga und wie unterscheidet es sich von Yōga?
Nihonga bezeichnet die Malerei im japanischen Stil unter Verwendung traditioneller Materialien und Methoden, während Yōga westliche Techniken wie Ölmalerei und lineare Perspektive übernimmt.

4. Ist japanische Kunst nur traditionell oder auch zeitgenössisch?
Es ist beides. Japan ist hervorragend darin, alte Techniken (wie Bonsai, Raku und Holzschnitt) zu bewahren und gleichzeitig mit Persönlichkeiten wie Yayoi Kusama und Takashi Murakami eine Vorreiterrolle in der globalen zeitgenössischen Kunst einzunehmen.

5. Welche Rolle spielt der Fuji in der japanischen Kunst?
Es ist ein Nationalsymbol, eine spirituelle Ikone und eine künstlerische Muse – es taucht in unzähligen Werken auf, von der Edo-Zeit bis hin zu modernen und zeitgenössischen Neuinterpretationen. Es spiegelt sowohl Stabilität als auch Wandel der japanischen Identität wider.

6. Wie hat die japanische Kunst den Westen beeinflusst?
Ukiyo-e-Drucke inspirierten wichtige westliche Bewegungen wie den Impressionismus und den Jugendstil. Künstler wie Monet, Van Gogh und Debussy schöpften direkt aus der japanischen Ästhetik.