Stammeskunst, auch bekannt als nicht-westliche Kunst oder ethnografische Kunst oder umstritten primitive Kunst, ist die bildende Kunst und materielle Kultur indigener Völker. Stammeskunst hat häufig einen zeremoniellen oder religiösen Zweck. Stammeskunst ist das Thema und die Handwerkskunst von Gegenständen aus Stammeszivilisationen, normalerweise mit ländlichem Ursprung. Stammeskunstwerke wurden in der Vergangenheit von westlichen Anthropologen, privaten Sammlern, ethnografischen und naturhistorischen Museen gesammelt.
Nicht-westliche Kunst wurde im 19. Jahrhundert von prominenten westlichen Kunstschaffenden überhaupt nicht als Kunst angesehen. Diese Gegenstände wurden stattdessen als Artefakte und kulturelle Produkte „exotischer“ oder „primitiver“ Kulturen wahrgenommen. Aber die Art und Weise, wie Tribal Arts betrachtet werden, hat sich in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts geändert. Vor der Entwicklung der Postmoderne in den 1960er Jahren sahen Kunstkritiker die Stammeskunst aus einer streng formalistischen Perspektive und achteten wenig auf die symbolische Bedeutung des Werks, den historischen oder kulturellen Kontext oder das Ziel des Künstlers. Seitdem haben Sammlungen, Ausstellungen und der Kunstmarkt weltweit begonnen, Stammeskunst, wie afrikanische Kunst in westlichen Sammlungen, einen hohen Stellenwert einzuräumen.
Das Wort „Stammes“ könnte eine Wahrnehmung einer niedrigeren Art von Kunst schaffen, die mit Primitivismus verbunden ist und einen Mangel an Raffinesse in Bezug auf Fähigkeit, Design, Absicht oder Konzept impliziert. Da Museen jedoch ihre Sammlungen neu bewerten und neu kuratieren, in Anerkennung der Tatsache, dass Stammeskunst alles andere als grob und primitiv ist und häufig eine Ausführungskunst zeigt, die weit über das hinausgeht, was wir erwarten, zieht sie zunehmend Aufmerksamkeit auf sich die breite Öffentlichkeit. Es hat auch die Fähigkeit, unsere Seele zu berühren. Vielleicht werden unsere inneren Instinkte aufgrund ihrer unwiderstehlichen Präsenz und emotionalen Energie geweckt, und wir verbinden uns mit ihrer Wahrhaftigkeit, was unser Gefühl spiritueller Tiefe verstärkt.
Stammeskunst hat drei Hauptkategorien in Museumssammlungen: afrikanische Kunst, insbesondere Kunst aus Subsahara-Afrika, Kunst Amerikas und ozeanische Kunst, insbesondere aus Australien, Melanesien, Neuseeland und Polynesien.
Afrikanische Stammeskunst umfasst Steinschnitzereien, Holzschnitzereien (Masken und Skulpturen), Schmuck, Korbwaren, Stoffe, Pfeifen, Musikinstrumente, Waffen, Perlenarbeiten und die Schaffung architektonischer Elemente wie Türen und Wandverzierungen.
Nicht alle Stämme praktizierten diese Kunstformen; Die Entwicklung dieser Handwerke wurde durch die Verfügbarkeit von Werkzeugen, Ressourcen und Know-how beeinflusst. Das am häufigsten verwendete Material war Holz, das häufig mit Ton, Farben, Muscheln, Perlen, Elfenbein, Metall, Federn, Tierhaaren, Bast und gelegentlich sogar mit Halbedelsteinen verziert wurde.
Eine allumfassende Religion beinhaltete afrikanische Kunst als wesentlichen Bestandteil. Einzelne Bilder dienten als Verkörperungen oder Repräsentanten der Lebenskräfte, die in allen Lebewesen vorhanden sein sollen. Diese Darstellungen der Toten sprachen häufig für sie, bewahrten die Essenz der Stammesherkunft und ermöglichten es den Menschen, sich mit den Ahnengeistern zu identifizieren. Obwohl viele der verwendeten Formen weltliche Elemente enthalten und einige Kunstwerke nur dekorativ und ornamental sind, wurden Artefakte afrikanischer Stämme im Allgemeinen als religiöse Kunst hergestellt – für einen bestimmten rituellen oder zeremoniellen Zweck.
Viele Stammesrituale basieren auf der Einweihung in Altersgruppen, wie die „Gesellschaften“ der jungen Männer oder der alten Männer, von denen jede ihre eigenen unverwechselbaren Embleme und Kultmotive hat. Viele geschnitzte Figuren und Masken sind mit solchen "Gesellschaften" verbunden und symbolisieren häufig Schutzgötter oder Gottheiten wie den Gott des Donners oder den Gott des Feuers. Obwohl bestimmte Kulturen Schnitzereien fast als Luxusartikel herstellten, sind sie so verbreitet und beliebt wie Masken und hatten eine rituelle Verbindung. Der Yoruba-Stamm in Nigeria war ein erfahrener Rundfigurenschnitzer und krönte seine typischen riesigen Masken häufig mit Scharen äußerst lebendiger Mannequins, die den Eindruck erweckten, dass eine Party im Gange sei. Das Niveau und der Ruf der afrikanischen Bildhauerei waren bei anderen Stämmen, einschließlich der Yoruba, so hoch, dass Bildhauer möglicherweise eine ähnliche Stellung und einen Ruf erlangten wie ein bekannter Künstler im Westen.
Polynesien, Mikronesien, Melanesien und Australasien sind die vier unterschiedlichen ethnogeografischen Regionen, die die Subregion Ozeanien bilden. Das kreative Erbe und die Bräuche der Ureinwohner dieser vier Orte werden als ozeanische Stammeskunst bezeichnet. Die Mehrheit von Polynesien, Mikronesien und Melanesien war letztendlich von dieser Lapita-Kultur betroffen. Ein weiterer Faktor war die vietnamesische Dong-Son-Zivilisation (ca. 600 ff.), die ein bedeutender Händler in der westlichen Pazifikregion war und Bronzeartefakte hinterließ, die in ganz Ozeanien entdeckt wurden.
Die ozeanische Stammeskunst war mit heidnischen Zeremonien verbunden, die das Übernatürliche, die Verehrung von Geistern und die Fruchtbarkeit beinhalteten, obwohl jede Region und jede Inselgruppe ihre eigenen künstlerischen Traditionen hatte, die ihre Kunst und ihr Handwerk beeinflussten. Die Mehrheit der von Künstlern und Handwerkern verwendeten Materialien war verderblich, es wurde ein ziemlich breites Spektrum an Kunst produziert, darunter Körperbemalung, Tätowierung, Malerei, Bildhauerei, Holzschnitzerei und Textilkunst. Abgesehen von Steinstrukturen und Skulpturen sind daher relativ wenige Beispiele erhalten geblieben.
Berühmte Beispiele polynesischer Kunst, die überlebt haben, sind die Steintempel der Gesellschaftsinseln, der Osterinsel und der Marquesas; die monumentalen Steinskulpturen (Moai) auf Rapa Nui/Osterinsel und den Marquesas, die die Verwendung von Designs mit anthropomorphen Figuren mit hervorstehenden Zungen und hervortretenden Augen veranschaulichen, die in vielen östlichen und abgelegenen Gebieten Polynesiens verbreitet sind; und hochverziertes Rindengewebe in Westpolynesien.
Masken waren ein Hauptthema in der indigenen Kunst in ganz Melanesien, weil sie in komplizierten heidnischen Ritualen und Kultpraktiken verwendet wurden. Zu den mikronesischen Stammesartefakten gehören neben Körperbemalung und Tätowierung auch gestylte Holzmasken, bemalte Kanus und geschnitzte Holzschalen. Zu den vielfältigen Formen und Medien der Kunst der australischen Aborigines gehören Körperbemalung, Felsmalerei, Rindenmalerei, Felsgravuren, stehende Steine, Schnitzereien, Skulpturen und dekorative Verzierungen an Geräten und Waffen.
Der nomadische Jägerlebensstil der ersteren und die etwas statischere, aber dennoch mittellose Umgebung der letzteren haben die indianische Kunst stark beeinflusst. Die Verfügbarkeit von Ressourcen, einschließlich Holz, Weide, Metall, Tierknochen, Ton und Baumwolle, war ein weiterer wichtiger Faktor für die Entstehung lokalspezifischer kreativer Traditionen.
Stämme im Südwesten waren Meister des Webens, der Töpferei und der Freskenmalerei. Zu diesen Stämmen gehörten die Hohokam im Süden von Arizona, die Ansazi im Norden von Arizona und New Mexico, die Mimbres im Südwesten von New Mexico sowie die Völker Zuni, Navaho und Hopi. Die amerikanischen Ureinwohner des Südwestens entwickelten die Sandmalerei, die allgemein als Trockenmalerei bezeichnet wird (insbesondere die Navajo).
Im Mittleren Westen wurde die Kultur vollständig von den Stämmen geschaffen, und sie war sowohl für ihre kunstvolle Textilkunst als auch für ihre bekannten Erdarbeiten bekannt, die als „Bildnishügel“ bekannt sind und wie verschiedene Tiere geformt waren. Neben geschnitzten Holzschalen und polierten Stein- und Kupferornamenten umfasste die Stammeskunst auch geformte Steinpfeifen mit Motiven, die von ultrarealistisch bis abstrakt reichten.
Fein geschnitzte Muscheln, kunstvoll bemalte Kleidungsaccessoires und Pfeifen in Form von Vögeln und Tieren wurden ebenfalls in der Region Südosten hergestellt. Trotz der Verwendung von Ton von schlechter Qualität war es jedoch vor allem für seine schönen Töpferwaren bekannt. Für den zeremoniellen, religiösen und persönlichen Gebrauch wurden Keramikarbeiten hergestellt und mit einer Vielzahl von floralen und geometrischen Mustern verziert.
Basketry war ein Paradebeispiel für die Kunst der amerikanischen Ureinwohner an der Westküste, insbesondere in Kalifornien. Die nordöstlichen Indianer, insbesondere die Irokesen, waren bekannt für ihre Schalen aus Hartholz, ihre gewebten Wampum-Gürtel, ihre Federn aus Stachelschweinen und ihre Masken der False Face Society. Die größte Stammeskunst des Nordwestens war die Bildhauerei, insbesondere die Holzschnitzerei. Eine der am weitesten verbreiteten Arten von handgeschnitzten Skulpturen waren Totems, kleine Holzfiguren und Masken, die sorgfältig bemalt und häufig mit Steinen und Abalone-Muscheln eingelegt waren.
Ab der Mitte des 19. Jahrhunderts, als immer mehr Expeditionen Stammesartefakte zurückbrachten, begannen europäische Sammler und Künstler, sich für das zu interessieren, was damals als Primitivismus/primitive Kunst bekannt war, was typisch für die Kunst Schwarzafrikas war. Im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert fanden bedeutende Stammeskunstausstellungen statt, die nicht-westliche Kunst in die westliche Kunstwelt einführten. Das Museum of Modern Art zeigte wichtige Ausstellungen wie die indische Kunst der Vereinigten Staaten von 1941 und die afrikanische Negerkunst von 1935. Viele zeitgenössische Künstler, darunter Expressionisten, Kubisten und Surrealisten, haben sich von Stammeskünsten inspirieren lassen.
Bedeutende Künstler wie Vincent Van Gogh und Henri Matisse waren tiefgreifend von der Stammeskunst beeinflusst worden, während Paul Gauguin in Französisch-Polynesien direkten Kontakt damit hatte. Ihnen folgte Mitte des 20. Jahrhunderts Pablo Picasso, dessen berühmtes frühkubistisches Meisterwerk Les Demoiselles d'Avignon prominent afrikanische Masken zeigte. Der Kubismus wurde stark von der Stammeskunst beeinflusst. Der Künstler stützte sich hauptsächlich auf die formalen Implikationen der Stammeskunst und beschädigte schnell das westliche Paradigma, indem er das Bild zerbrach und die Perspektive opferte. Eines der wichtigsten Ergebnisse davon war die abstrakte Malerei.
Etwa zu dieser Zeit konzentrierte sich das deutsche Kollektiv Die Brücke mehr auf die intuitiven, primitiven und rituellen Aspekte der nicht-westlichen Kunst und begründete den wichtigen modernen Kunststil Expressionismus. Indem sie in Zürich, New York und schließlich in Paris Einflüsse aus Stammeskunst, Kubismus und Expressionismus schöpften, trugen die Dadaisten zur Demontage des westlichen Paradigmas bei. Das dreidimensionale Gegenstück von Collage und Assemblage wurde in Dadas malerischem oder skulpturalem Werk weitgehend verwendet. Dieses Stück aus recycelten Materialien beweist, dass Kunst aus allem gemacht werden kann und nicht darauf beschränkt ist, gemalt, geschnitzt oder modelliert zu werden. Seine Bildsprache war auf politischer, sozialer oder ästhetischer Ebene provokativ und kombinierte häufig Elemente der Stammeskunst. Dada führte die Ideen ein, die schließlich zur Konzeptkunst führten. Der Einfluss der Konzeptkunst verschmolz mit denen der anderen Strömungen der modernen Kunst und bildete den großen, breiten, außerordentlich reichen, vielfältigen und international diversifizierten Fluss zeitgenössischer Kunst, den die Welt derzeit genießt.
Ursprüngliche zeitgenössische Tribal Art ist eine fesselnde Form der Kunst, die historische und kulturelle Bedeutung hat. Diese Art von Kunst wird von indigenen Künstlern geschaffen, die von ihren traditionellen Kunstformen und kulturellen Praktiken inspiriert sind. Die Haupttypen von Unterstützungen und Materialien, die bei der Erstellung von Tribal Art verwendet werden, umfassen Leinwand, Holz, Ton und natürliche Pigmente. Was diese Form der Kunst einzigartig macht, ist die Art und Weise, wie sie die Verbundenheit indigener Gemeinschaften mit der Natur und ihrer Umgebung widerspiegelt. Es ist eine Feier ihrer Kultur und ihrer Lebensweise, die durch komplexe Muster, Symbole und Farben vermittelt wird, die über Generationen weitergegeben wurden. Tribal Art ist ein Fenster in eine Welt, die sowohl alt als auch modern ist, und es ermöglicht uns, die Schönheit und Vielfalt indigener Kulturen zu schätzen.
Die Ursprünge der Stammeskunst lassen sich bis in die Antike zurückverfolgen, wo indigene Stämme kunstvolle und bedeutungsvolle Kunstwerke schufen, die bei Ritualen und Zeremonien verwendet wurden. Im Laufe der Jahre hat die Stammeskunst weiter geblüht, wobei Zeitgenössische Künstler Stücke kreieren, die traditionelle Elemente mit modernen Techniken vereinen.
Ursprüngliche zeitgenössische Tribal Art hat in den letzten Jahren eine bedeutende Entwicklung durchgemacht. Diese Kunstform zeichnet sich durch kräftige Farben, kunstvolle Muster und starke Symbolik aus, die das kulturelle Erbe indigener Gemeinschaften widerspiegeln. Diese Kunstwerke haben immense Popularität auf dem zeitgenössischen Kunstmarkt erlangt, wobei Sammler und Enthusiasten gleichermaßen ihre einzigartige Schönheit und kulturelle Bedeutung anerkennen.
Zeitgenössische Künstler, die sich durch ihre originalen zeitgenössischen Tribal-Art-Kunstwerke einen Namen gemacht haben, sind:
Kent Monkman: Ein kanadischer Künstler, der für seine Gemälde bekannt ist. Monkman kombiniert Elemente aus der traditionellen indigenen Kunst mit zeitgenössischen Stilen, um einzigartige und nachdenkliche Werke zu schaffen. Seine Arbeit erkundet oft Themen wie Geschlecht, Sexualität und Kolonialismus.
Jeffrey Gibson: Ein amerikanischer Künstler mit Choctaw- und Cherokee-Abstammung. Gibsons Arbeit kombiniert traditionelle Formen der indianischen Kunst mit zeitgenössischen Materialien und Techniken. Seine Werke sind oft in hellen Farben gehalten und beinhalten geometrische Muster und aufwendige Perlenarbeiten.
Wendy Red Star: Mitglied der Crow Nation. Red Stars Arbeit nutzt Fotografie, Skulptur und Performance-Kunst, um Themen im Zusammenhang mit der indigenen Identität und Repräsentation zu erforschen. Ihre Werke fordern oft Stereotypen heraus und betonen die Vielfalt indigener Kulturen.
Edgar Heap of Birds: Ein Cheyenne- und Arapaho-Künstler. Heap of Birds’ Arbeit umfasst oft textbasierte Stücke, die sich mit Fragen im Zusammenhang mit indigenen Rechten und Geschichten auseinandersetzen. Er nutzt eine Vielzahl von Materialien und Techniken, einschließlich Malerei, Druckgrafik und Installationskunst.
Jaune Quick-to-See Smith: Mitglied der Confederated Salish und Kootenai Tribes. Quick-to-See Smiths Arbeit umfasst eine Reihe von Medien, einschließlich Malerei, Druckgrafik und Collage. Ihre Werke behandeln oft Themen im Zusammenhang mit sozialer Gerechtigkeit, Politik und Umwelt.
Diese Künstler haben alle bedeutende Beiträge zur Welt der zeitgenössischen Tribal Art geleistet, indem sie ihre einzigartigen Perspektiven und Techniken genutzt haben, um kraftvolle und zum Nachdenken anregende Werke zu schaffen, die Zuschauer dazu herausfordern, kritisch über Themen im Zusammenhang mit indigenen Kulturen und Geschichte nachzudenken. Ihre Kunst dient als Erinnerung an die Reichhaltigkeit und Vielfalt indigener Kunstformen sowie an die Bedeutung, diese Traditionen in der modernen Welt weiterhin zu unterstützen und zu feiern.
"Red Man" von Jaune Quick-to-See Smith ist ein zeitgenössisches Meisterwerk der Stammeskunst, das im Jahr 1990 geschaffen wurde. Das Gemälde ist eine kraftvolle Kritik an der Art und Weise, wie amerikanische Ureinwohner in der amerikanischen Kultur falsch dargestellt und stereotypisiert wurden. Smiths Verwendung von kräftigen Farben und dynamischen Pinselstrichen fängt die Stärke und Widerstandsfähigkeit der amerikanischen Ureinwohner angesichts jahrhundertelanger Unterdrückung und Marginalisierung ein.
"Love" von Norval Morrisseau ist ein weiteres ikonisches Werk der zeitgenössischen Stammeskunst. Das Gemälde, das 1979 erstellt wurde, ist eine Feier der transformierenden Kraft der Liebe und ihrer Fähigkeit, selbst die tiefsten Wunden zu heilen. Morrisseaus Einsatz von lebhaften Farben und schwungvollen Linien verleiht dem Gemälde ein Gefühl von Freude und Hoffnung und macht es zu einem Favoriten unter Kunstliebhabern auf der ganzen Welt.
"Guardian Spirits" von Bill Reid ist ein atemberaubendes Beispiel für zeitgenössische Stammeskunst. Die Skulptur, die im Jahr 1980 geschaffen wurde, zeigt zwei Haida-Figuren, die über ein kleines Dorf wachen. Reids unglaubliche Liebe zum Detail und seine meisterhafte Verwendung traditioneller Haida-Techniken machen diese Skulptur zu einem wahren Meisterwerk der indigenen Kunst.
Ein weiteres bedeutendes Werk der Stammeskunst ist "The Storyteller" von Roxanne Swentzell. Diese Skulptur wurde 1991 geschaffen und fängt den Geist der indigenen Erzähltraditionen ein, mit einer Figur, die im Schneidersitz sitzt und ein kleines Kind auf ihrem Schoß hält. Swentzells Verwendung von Ton und anderen natürlichen Materialien gibt der Skulptur ein kraftvolles Gefühl von Verbindung zur Erde und zur Naturwelt.
Zuletzt ist "The Dance" von Jaune Quick-to-See Smith ein lebendiges und dynamisches Gemälde, das die Energie und den Geist der indianischen Tanztraditionen einfängt. Das Gemälde, das 1992 entstanden ist, präsentiert kräftige Farben und schwungvolle Linien, die ein Gefühl von Bewegung und Rhythmus vermitteln. Smiths Verwendung traditioneller indianischer Symbole und Motive verleiht dem Gemälde Tiefe und Bedeutung und macht es zu einem wahren Meisterwerk der zeitgenössischen Stammeskunst.
