Philippe Lamiral

Expositions collectives

· 1995 Quétigny « Association Reflets »
· 1996 Dijon, galerie Gaston-Gérard « espace culturel Paul Ricard »
· 1998 Marsannay-la-Côte « 12ème rencontre des Arts »
· 1999-2000-2001 Fontaine-lès-Dijon, « Salon International »
· 2005 Fontaine-lès-Dijon, galerie La Source « 20e anniversaire »

Expositions personnelles

· 1999 Arnay-Le-Duc, galerie « Les Bains Douches »
· 2000 Gémeaux, galerie d’art
· 2000 Dijon, MJC des Bourroches
· 2001 Chenôve, espace d’exposition de l’hôtel Kyriad
· 2001 Saint-Claude, le Caveau des Artistes
· 2004 Fontaine-lès-Dijon, galerie La Source
· 2005 Dijon, Restaurant Universitaire Mansart
· 2006 Besançon, Restaurant Universitaire le Grand Bouloie
· 2007 Is-sur-Tille, espace culturel Carnot
· 2008 Dijon, Société Générale, place du théâtre
· 2009 Sennecey-les-Dijon, Médiathèque

« J’ai toujours interrogé le sujet et questionné la peinture qui me préoccupe beaucoup.
Dans mes derniers tableaux, je donne à voir une peinture expressive qui se caractérise par sa matérialité plastique ! J’apporte une richesse picturale à la surface de la toile.
« Il faut être touché par la peinture et non par le sujet. » le tableau doit s’adresser plus à nos savoirs sensoriels et à notre mémoire affective qu’à nos connaissances !
Je crée ainsi un espace de rêve, un espace de liberté et un espace riche en expression sensible.
Aussi les motifs peints enfouis sous le magma coloré ne coïncident plus avec le réel mais avec l’ensemble de nos représentations mentales.
Le tableau devient une archéologie : peindre c’est affronter physiquement la toile et aussi mon inconscient.
Le temps devient un facteur important : le temps nécessaire pour réaliser le tableau et le temps du regard pour appréhender la toile.
Je travaille longtemps par couches successives sur une même toile et je fais apparaître l’expression de la peinture ; j’opère une transformation de la matière par l’énergie et par la volonté d’aller plus loin.
Je peins non plus le sujet mais la « peinture » et je m’intéresse de plus en plus à la couleur !
Les paysages ou les figures qu’on reconnaît sous l’épaisse matière, dans la tradition classique des thèmes de la Peinture me permettent désormais de peindre sans souci de signification…
L’essentiel devient peinture et fait naître une émotion propre à la matière mise en œuvre et non plus véhiculée par le sujet ! La Peinture devient intemporelle. » P.L.

Corps à corps avec la peinture

Quand je peins, principalement sur des grands formats, je vis une proximité évidente avec la peinture.
La surface de la toile est recouverte petit à petit de strates successives…
Au début, il y a une sorte de facilité à faire glisser avec légèreté la peinture sur la toile pour la recouvrir d’un jus qui délimite les formes dessinées ! A ce stade le motif s’impose mais ne me convient pas car il est l’élément prétexte à faire de la peinture. Alors cette phase va disparaître au fur est à mesure de mon « barbouillage » et que la toile prend corps.
Mais la toile ne me permet pas de faire n’importe quoi : elle résiste, et elle impose les mouvements, les couleurs à des endroits précis, des zones de clair-obscur, des contrastes. Je dois répondre aux exigences de la peinture… puis je peux penser qu’à un certain stade que la peinture prend, mais la toile demande encore à être nourrie et il y a des zones qui ne me satisfont pas et je dois les reprendre et retoucher aussi le reste de la toile pour trouver l’équilibre ! Je vis une relation d’échanges intenses avec la toile ; il y a beaucoup de moments véhéments mais aussi de moments délicats où je prends du recul, dans une atmosphère de silence pour regarder, pour construire le tableau et pour chercher la faille qui me remettra au travail. Il y a des moments où je me dis que le tableau est fini, je lâche prise mais dans l’instant qui suit je me remets à l’ouvrage, et une certaine couleur, une trace laissée par mon outil dans la matière, par son étendue perturbe l’ensemble de la toile, et tout cela entre en scène dans un abordage dynamique et vivace et je dois reprendre les zones qui environnent les transformations afin et enfin que le tableau trouve son autonomie !
La peinture à l’huile est un médium difficile car le temps de séchage est long mais les nouveaux apports de peinture s’imprègnent alors des couleurs sous-jacentes sans les mélanger ni les absorber complètement puisque je dois attendre entre chaque couche le temps où elles commencent à sécher…je triture la couleur, je la violente, la caresse pour lui faire dire les choses qui lui sont propre !
Ainsi pour celui qui regarde, qui prend le temps de regarder peut entrer dans ma peinture sans se sentir obliger de retrouver le sujet , sans avoir besoin de connaissances particulières dans le domaine de l’art, juste sa sensibilité visuelle et de ses qualités intrinsèques de l’esprit et de son cœur pour ressentir avec la captation de son regard la vie, le mouvement issu du processus d’émergence de l’œuvre.
La peinture doit pouvoir témoigner de sa propre genèse et non renvoyer à des « choses » qui ferait oublier son existence…