Interview | Manuela Morgaine: Künstlerin zu sein war keine Wahl

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunstwerke zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen …)

Künstler zu sein war weder eine Wahl noch die Folge eines bestimmten Auslösers. Es drängte sich auf als eine andere Art zu atmen, zu denken, zu sehen, darzustellen. Samuel Beckett nennt uns „gut darin“. Ich mag diesen Begriff sehr, der erfunden wurde, um diejenigen zu beschreiben, denen dieses Wesen an der Haut klebt. Eine Form unerschöpflicher Kreativität, die immer da war, unbestreitbar, unermüdlich und in allen Lebenslagen. Wenn wir über Gefühle sprechen müssten, ist es klar, dass meine Gefühle seit meiner Kindheit in Bezug auf alle Menschen um mich herum immer sehr intensiv waren. Ein sehr ausgeprägtes Bewusstsein für den Anderen und für die Welt. Sobald uns dieses Bewusstsein quält, wird es dringend, einen Weg zu finden, es darzustellen, zu verwandeln, um jeden Preis etwas daraus zu machen, ihm Form zu geben. Für mich begann es mit dem Schreiben, dem Theater, dann mit der bildenden Kunst, dem Kino, und es hat sich jedes Jahr in neuen Formen entwickelt.

Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?

Literatur war meine Grundlage. Ich studierte Literatur und anschließend Schauspiel; Sprache war essenziell und bildete den Ursprung all meiner Kreationen. Ich begann mit dem Schreiben und Veröffentlichen von Büchern, während ich gleichzeitig eine Theatergruppe leitete, in der ich meine Stücke schrieb und inszenierte. Dann experimentierte ich mit dem Radio, bis mir das Image so fehlte, dass ich Filme drehen konnte. Die Erleichterung und das Leben, die den Kern meiner Theaterpraxis bildeten, zwangen mich dann, Szenografien und Installationen zu schaffen. Seit etwa fünfzehn Jahren kreiere ich Performances, die all diese Formen vereinen. Das Hauptthema all meiner Kreationen ist der Mensch und die Art und Weise, wie er seit Anbeginn der Zeit von der Welt durchquert wird. Ich würde sagen, ich versuche, eine zeitgenössische Mythologie zu erfinden. Es gelingt mir, künstlerische Zeremonien zu schaffen, eine Art Rituale mit all den Formen, die ich erforsche. Eine Raum-Zeit, in der der Zuschauer-Besucher in ein künstlerisches Erlebnis entführt wird, das Erinnerungen und Emotionen weckt.

Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

Es liegt daran, dass ich mich nie auf eine Form festlege und mich ständig erneuere. Ich mag es, Dinge zu erreichen, die ich nicht kann. Es kommt selten vor, dass ich eine Form reproduziere.

Trotz aller Widrigkeiten schaffe ich jede Form von Kunst, die ich mir vorstelle, selbst wenn ich die Produktion nicht finde. Meine Unabhängigkeit ist mein Karma. Aber ich bin immer frei, und es kommt selten vor, dass die Arbeit, die ich mir vorstelle, frei von institutionellen oder kommerziellen Zwängen ist.

Ich bin mit Leib und Seele dabei. Ein Werk muss meiner Meinung nach die Ordnung der Welt stören und durch seine Alchemie eine Transformation ermöglichen. Was auch immer geschieht, es muss ein Ort des Widerstands gegen alles sein, was sich unserer Menschlichkeit widersetzt.

Woher kommt Ihre Inspiration?

Ich glaube weniger an Inspiration als an Beständigkeit. Niemals innehalten, nicht für einen einzigen Tag, unermüdlich bei der Arbeit sein, darüber nachdenken, wie man sich erneuern, neu erfinden und Tag für Tag eine vierte Dimension bieten kann. Es ist diese Art von Beständigkeit der Geste

Eine künstlerische Erfahrung, die es unmöglich macht, innezuhalten, auch wenn sie manchmal ihren Flug unterbricht, um nachzudenken, zu faulenzen, zu träumen. Das Sehen ist für mich unerlässlich. Ich muss weit sehen, meine Arbeit hängt von Horizonten ab. Deshalb ist Reisen immer sehr fruchtbar. Ich erfinde immer eine neue Form, die mir die neue Landschaft, die ich durchquert habe, und die neue Kultur, die mich aus meiner Komfortzone herausgeholt hat, bieten. Auch das Meer ist ein Teilchenbeschleuniger für meine Kreativität.

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Visionen, Empfindungen, intensive Gefühle, die seine vorgefassten Meinungen oder seine eigene Sicht auf die Welt verändern können. Dass eine Form wie ein Türklopfer kommt, der ihn auffordert, zu öffnen und einen Eindringling willkommen zu heißen, der es gut mit ihm meint, der davon träumt, ihn an die Hand zu nehmen und ihn in Bereiche zu führen, die er nie durchquert hätte, dass wir gemeinsam beim Durchqueren des Spiegels weit kommen können. Gemeinsam Wände zu überqueren, durch die Arbeit selbst eine neue Dimension zu betreten, wäre ein Ideal. Ich habe ein Werk geschaffen, das sich noch in der Entwicklungsphase befindet: ORAKL, ein Sprecher, eine monumentale Tür aus Eis, die mit dem Publikum interagiert. Das Publikum ist eingeladen, zu kommen und der Tür, die ihm antwortet, Fragen zu stellen. Die Idee dieses ORAKL bringt gut zum Ausdruck, was ich beim Betrachter hervorrufen möchte: sowohl den Eindruck einer Art Mysterium, das für jedes Kunstwerk notwendig ist, als auch die Vorstellung, dass es ihm Antworten geben kann oder dass er es jedenfalls hinterfragt, sich daran reibt.

Wie verläuft der Entstehungsprozess Ihrer Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (Technik, Inspiration durch Kunstklassiker oder anderes)?

Es ist ein sehr langer kreativer Prozess, da ich fast nie mit denselben Produktionsteams arbeite, abgesehen von ein paar Partnern, die an fast allen meinen Werken beteiligt sind. Das Schreiben ist spontan und schnell, egal ob für Filme, Performances, Installationen oder Fotografien. Aber für den Rest, für die Kreation, dauert es Jahre, bis man die Mittel zur Produktion, die Teams und die Orte für die Programmierung gefunden hat. Hinzu kommt der technische Aspekt. Für A MAIN LEVÉE, eine Performance, die ich 2016 im Picasso-Museum aufgeführt habe, musste ich lernen, Ton zu drehen. Ich ging ins Musée de Sèvres, wo mir ein Drechslermeister mehrere Wochen lang beibrachte, wie man eine Form auf einer Töpferscheibe entstehen lässt.

Verwenden Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie diese erläutern?

Es ist immer eine Herausforderung. Abgesehen vom Kino, wo ich langsam anfange, alle Techniken ein wenig zu beherrschen und wo ich von meinem Team gut unterstützt werde, habe ich für die Fotografie viele Wochen damit verbracht, mich mit Labortechnikern auszutauschen, um das passende Trägermaterial zu finden, wie kürzlich schwarzes Plexiglas für ein hängendes fotografisches Diptychon mit dem Titel LAMENTATIONS, das zwei laminierte Fotografien enthalten sollte, die von beiden Seiten betrachtet werden können. Auch für Installationen und Performances muss ich jeweils eine neue Technik erlernen, die von Eisskulpturen über Gouache-Zeichnungen bis hin zur Erfindung einer Szenografie mit Laken reichen kann. Das ist die ganze Herausforderung: Es ist das Thema, das mich authentisch zur Form führt und es mir ermöglicht, Dinge zu erfinden, die ich noch nie zuvor getan habe.

Gibt es innovative Aspekte in Ihrer Arbeit? Können Sie uns sagen, welche das sind?

Ich suche weniger nach Innovation als nach Erfindung. Ich denke, es ist eher meine Arbeitsweise, die innovativ ist, als die Arbeit selbst. Vielleicht hatte ich das Gefühl, etwas völlig Neues geschaffen zu haben, als ich meine Klangkissen erfand. Es sind Kissen zum aufrechten Schlafen, die in Männer- oder Frauenhöhe an die Wand gelehnt werden. Der Betrachter wird eingeladen, sein Ohr an das Kissen zu legen, während ein Soundtrack abgespielt wird.

Und vielleicht liegt meine Art, meine Arbeit zu produzieren, auch abseits der ausgetretenen Pfade.

Gibt es ein Format oder Medium, mit dem Sie am besten zurechtkommen? Wenn ja, warum?

In den letzten Jahren waren es Eisskulpturen und Kinofilme. Eisskulpturen, weil ich sie entwerfe und von Crystal Group herstellen lasse. Die sind wahre Zauberer, die mir mit jeder neuen Kreation einen echten, durchscheinenden Diamanten schenken. Für mich sind es magische Blöcke, die mich genauso in Erstaunen versetzen wie die Zuschauer.

Und bei Kinofilmen ist die Produktion so anspruchsvoll, dass der Moment des Drehs und vor allem der Schnitt eine sehr intensive Emotion auslösen. Die erste Filmvorführung ist für mich wahrscheinlich so intensiv wie ein Live-Auftritt. Es ist ein einzigartiges Erfolgserlebnis.

Wo produzieren Sie Ihre Arbeiten? Zu Hause, in einem Gemeinschaftsatelier oder in Ihrem eigenen Atelier? Und wie organisieren Sie dort Ihre kreative Arbeit?

Ich habe meine Werke immer in meinem Atelier zu Hause geschaffen. Seit zehn Jahren lebe ich jedoch auf einem Lastkahn auf der Seine und verfüge über einen sehr großen Wohn- und Arbeitsraum. So kann ich Tag und Nacht ununterbrochen arbeiten und die verschiedenen laufenden Arbeiten nie unterbrechen. Als multidisziplinärer Künstler schreibe ich manchmal in derselben Woche die Drehbücher für meine Filme, ein literarisches Buch, bildhauerische Arbeiten für eine Installation oder fotografiere. Mein Atelier ist daher sowohl eine Bibliothek mit einem zum Schreiben einladenden Ausblick als auch ein leerer Raum für plastische Arbeiten oder Teamarbeiten. Ganz vorne auf meinem Lastkahn befindet sich mein Filmschnittraum, in dem ich mich isolieren und abdunkeln kann. Ich arbeite auch viel draußen, an Deck. Ich habe schon immer den Horizont und das Wasser in der Nähe gebraucht.

Müssen Sie beruflich reisen, um neue Sammler kennenzulernen oder an Messen oder Ausstellungen teilzunehmen? Wenn ja, was bringt Ihnen das?

Vor allem meine Filme ermöglichen es mir, zu Festivals auf der ganzen Welt zu reisen und wichtige Begegnungen mit Produzenten und Festivaldirektoren auf verschiedenen Kontinenten zu erleben. Meine Filme ermöglichten mir Reisen nach Polen, in die UdSSR, nach Indien, Georgien, Griechenland, in die Türkei, nach Portugal und Italien. Für meine Werke der bildenden Kunst bin ich bisher nie gereist, mit Ausnahme meines Aufenthalts als Resident der Villa Medici 1994 in Rom, wo ich mehrere außergewöhnliche Jahre mit künstlerischen Arbeiten und der Begegnung mit anderen Künstlern verbringen durfte.

Wie stellen Sie sich die Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler in der Zukunft vor?

Ich stelle es mir weniger vor, als dass es finanziell besser laufen wird. Ich hoffe, Orte oder Menschen zu finden, mit denen ich bei der Schaffung monumentaler Werke, die schwer zu realisieren sind, zusammenarbeiten kann. Und ich wünsche mir eine internationale Karriere, denn ich kann mir nicht vorstellen, nur im Umkreis meines Heimatlandes zu glänzen. Gerade in diesen Kriegszeiten ist es für mich wichtiger denn je, Weltbürger zu sein und überall im Kontakt mit den Völkern und Kulturen der Welt zu arbeiten.

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Das ist wahrscheinlich das, was mich seit den Angriffen in Frankreich im Jahr 2015 am meisten erschüttert hat: nämlich das Massaker vom 7. Oktober 2023, das von der Hamas verübt wurde, und die darauf folgende Vernichtung des Gazastreifens und seiner Bevölkerung, die seither täglich vor unseren Augen stattfindet. Wenn wir es ein Thema nennen können, dann würde ich es als UNSERE MENSCHLICHKEIT definieren. Zwei Monate nach dem 7. Oktober arbeitete ich an einem Werk, das ich UNSERE KINDER, die Farbe des Friedens , nannte und das vor allem eine Geste des Friedens ist. Es war ein Werk, das sich ganz auf die Kinder Israels und Palästinas konzentrierte. Ich schuf eine Installation aus Bleiplatten: Abgüsse von Kinderkörpern unterschiedlichen Alters, getrennt durch Granatäpfel. Zehn kleine Abgüsse, die ich sternförmig auf dem Boden anordnete, mit dieser Frucht der Fruchtbarkeit für den Nahen Osten, die natürlich auch an Granatäpfel erinnert.

Und über diesen Bleiplattenabgüssen habe ich eine Art fotografisches Altarbild geschaffen: LAMENTATIONS. Ein zweiseitiges Diptychon aus schwarzem Plexiglas, auf beiden Seiten Fotos israelischer und palästinensischer Mütter, wie ein einzelner Körper, der in der Mitte des Raumes schwebt, um noch einmal zu sagen, dass alle Tränen salzig sind, auf beiden Seiten.

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?

Es war zweifellos diese Kreation, „OUR KIDS – the color of peace & LAMENTATIONS“ , die meine bedeutendste Ausstellung war. Ich habe sie selbst produziert, da keine Institution sie in Paris ausstellen wollte. Man sagte mir, sie sei zu brandaktuell. Doch ich glaube, Künstler sind dazu da, gerade in der Hitze des Augenblicks Zeugnis abzulegen und denen, die keine Worte oder Formen finden, um ihre Gefühle auszudrücken, die Möglichkeit zu geben, sich in einer Form wiederzuerkennen und ihr zu folgen. Gemeinsam mit meinem Partner Michaël Grébil Liberg schufen wir ein Musikstück, das einen von Klängen und Körpern erfüllten Raum für die Meditation der Besucher bot. Wir zeigten es zunächst einen Abend lang in Isabelle Surets Räumlichkeiten, dem 7.5, im Herzen des 5. Arrondissements von Paris, und dann ein Jahr später, weil der Konflikt eskalierte und uns immer stärker mobilisierte. Es war im Atelier Lardeur in der Rue du Cherche Midi im 6. Arrondissement von Paris, einer beeindruckenden ehemaligen Glasmalerei-Werkstatt. Es war die bedeutendste Ausstellung, nicht im Sinne der Anerkennung durch die zeitgenössische Kunstwelt, sondern weil Hunderte von Besuchern kamen und ihrerseits tief bewegt waren und dankbar dafür, dass wir einen Raum und eine Möglichkeit gefunden hatten, diesem Undarstellbaren eine Form zu geben. Und einen Ort der Kontemplation zu schaffen.

Der Künstler ist in unserer turbulenten Zeit mit Konflikten konfrontiert, und seine Ethik hat plötzlich Vorrang vor seiner Karriere.

Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte schaffen könnten, welches würden Sie wählen? Und warum?

Da Sie mir Zugang zum unerreichbaren Absoluten gewähren, schwanke ich in aller Bescheidenheit zwischen den negativen Händen der Höhle von Lascaux und dem Sternenhimmel, den Giotto an die Decke der Basilika des Heiligen Franziskus in Assisi in Umbrien malte. In beiden Fällen handelt es sich um universelle, primitive Werke, die für sich selbst und zu jedem Einzelnen sprechen. Diese parietalen Hände, die aus den Tiefen des Ursprungs unserer Menschheit zu uns kommen, die sich mit Ruß, Tierblut, Kreide, Schmutz und Feuer rieben und an Steinmauern befestigt wurden, um den Urahn der Kunst zu erschaffen – sie sind magisch und erstaunen mich. Dieser Nachthimmel mit Tausenden von Sternen, wie von himmlischer Hand geschaffen, im Fall Giottos im 13. Jahrhundert, ist so schön, dass wir vergessen, dass es sich um ein Gemälde handelt. Es fühlt sich an wie die reale Erfahrung eines Sternenhimmels, einer Milchstraße, mitten in der Natur. Beide künstlerischen Erlebnisse/Visionen waren für mich mystisch.

Wenn Sie einen berühmten Künstler (lebend oder tot) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?

Ich würde Miquel Barceló, einem mallorquinischen Maler, Zeichner, Graveur, Bildhauer und Keramiker, den ich sehr bewundere und der mich immer inspiriert hat, vorschlagen, ihn an Bord eines Bootes im Mittelmeer einzuladen, dem Ort, der uns verbindet. Der schönste Abend mit ihm wäre ein Workshop an Deck, bei dem wir gemeinsam Ton in allen Farben formen, den wir dank und nur dank der Stöße der Wellen, die uns gegenseitig aus dem Gleichgewicht bringen, entstehen lassen. Die Erde unter unseren Händen, geschoben von Schaum und Wellengang, entstehen zu lassen, wäre ein einzigartiges und magisches Erlebnis. Und dann, falls wir noch hungrig wären, vielleicht gegrillten Tintenfisch unter den Sternen essen.