Bo Kravchenko: Ich wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunst zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Emotionen, Erfahrungen…)
Mein Schicksal, Künstlerin zu werden, war gewissermaßen vorbestimmt – ich wurde in eine Künstlerfamilie hineingeboren. Die einzige Frage war, welchen kreativen Weg ich einschlagen würde.
In meiner Jugend interessierte ich mich sehr für Modedesign, studierte aber schließlich Grafikdesign und später Buchillustration an der Kiewer Kunstakademie. Mein dort erworbenes Wissen wandte ich während meiner über 20-jährigen Tätigkeit als Illustratorin und Designerin in der Werbung an, wurde schließlich Kreativdirektorin bei mehreren Agenturen und gründete später meine eigene.
Was mich zur Malerei zurückbrachte, war der Umzug von Europa in die USA. Diese neue Umgebung und die Möglichkeit, neu anzufangen, entfachten meine Leidenschaft für die Malerei neu und führten mich auch zur Fotografie. In Florida entdeckte ich die Schönheit flacher Naturlandschaften – Strände, Straßen – und beschäftige mich seit zehn Jahren damit.

Welche künstlerischen Erfahrungen haben Sie und mit welchen Techniken oder Themen haben Sie bereits experimentiert?
Es gab eine Zeit, in der ich mich auf die symbolische Malerei konzentrierte – emotional aufgeladene Bilder, die mich verfolgten und an die Oberfläche gebracht werden mussten.
Heute balanciere ich zwischen Landschaften und Abstraktion und erkunde sowohl natürliche als auch städtische Umgebungen.

Welche 3 Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?
Ich glaube, es liegt an der Vielfalt der Themen, die ich erkunde, und an meinem ständigen Experimentieren mit Techniken.
Für jedes Werk oder Thema muss ich eine Methode entwickeln, die die Idee am besten vermittelt. Deshalb umfasst meine Arbeit ein breites Spektrum an Richtungen – aber immer mit einem erkennbaren Stil.

Woher kommt Ihre Inspiration?
Von Reisen, Gesprächen, inneren Erlebnissen, Ausstellungsbesuchen und Kunstgeschichte. Und manchmal ist es einfach ein Zufall – etwas Zufälliges, das mich im Moment berührt.

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Emotionen möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?
Es hängt vom Motiv ab, aber im Allgemeinen versuche ich, Ruhe und Gelassenheit zu erzeugen – manchmal auch Ironie oder ein Gefühl von Geschwindigkeit. Seit ich weit weg von meiner Heimat lebe, ist die Malerei für mich ein Zufluchtsort vor der Angst um meine Lieben und mein Land, insbesondere nach den letzten zehn Jahren Krieg. In gewisser Weise ist es eine Art Kunsttherapie. Ich versuche zu malen, was wir alle so sehr brauchen – Zuversicht, Frieden, entspannte Kontemplation und ein Gefühl innerer Ruhe.

Wie gehen Sie bei der Schaffung Ihrer Kunstwerke vor? Ist es spontan oder folgen Sie einer langen Vorbereitungsphase (technische Planung, Inspiration durch klassische Kunst usw.)?
Ich genieße eine Art geplantes Chaos in meiner Arbeit. Ich verwende Skizzen, Fotovorlagen und den Computer, um Farben und Kompositionen zu erforschen. Doch dann beginnt der Malprozess selbst, neue Nuancen zu offenbaren – es ist wichtig, auf diese zu hören und auf die Suche nach Ehrlichkeit zu reagieren. Ein gelungenes Gemälde sollte Wahrheit ausstrahlen – nur dann kann es wirklich geliebt werden und am Ende nicht nur an meiner eigenen Wand hängen! :)

Verwenden Sie in Ihrer Arbeit eine bestimmte Technik? Wenn ja, können Sie diese erklären?
Ich arbeite am liebsten auf festen Oberflächen wie Holzplatten oder Leinwand auf einem harten Untergrund. Ich mag die Vibrationen von gespannter Leinwand auf einem traditionellen Rahmen nicht, zumal ich oft ein Spachtel und verschiedene Schaber verwende, um natürliche Texturen zu erzeugen. Zu meinen Lieblingswerkzeugen gehören beispielsweise alte Kredit- oder Hotelschlüsselkarten.

Gibt es innovative Aspekte in Ihrer Arbeit? Können Sie uns sagen, welche das sind?
Ich suche das Abstrakte im Realen. Ich genieße es, markante Fragmente der Realität zu entdecken, um Abstraktion zu schaffen. Ich mag es, wenn der Betrachter zunächst fasziniert ist und nach einiger Zeit mit dem Werk über seine eigene Erkenntnis lächelt.

Haben Sie ein bevorzugtes Format oder Medium? Wenn ja, warum?
Ich mag mittelgroße quadratische Formate – etwa 90 bis 100 cm – wegen ihrer Vielseitigkeit und Ausgewogenheit sehr. Diese Größe ermöglicht es mir auch, ein Werk relativ schnell fertigzustellen, was wichtig ist, um die Frische des ersten Eindrucks zu bewahren. Manchmal lasse ich ein Gemälde sogar lieber etwas unvollendet, als es zu überarbeiten. Meiner Meinung nach gelingt nur jedes dritte oder vierte Werk wirklich – wenn Idee, Technik und diese schwer fassbare Präsenz, diese gewisse Magie (die oft nicht einmal in meiner Hand liegt), zusammenkommen.
Derzeit sind Öl und Acryl meine bevorzugten Medien. Als ich als Illustrator arbeitete, verwendete ich hauptsächlich Aquarell und Pastell.

Wo entstehen Ihre Werke? Zu Hause, in einem Gemeinschaftsatelier oder in Ihrem eigenen Atelier? Und wie organisieren Sie Ihren kreativen Prozess dort?
Ich verschwende nicht gerne Zeit und habe deshalb immer versucht, in der Nähe meines Wohnorts zu arbeiten. Momentan arbeite ich in meinem eigenen Studio mit viel natürlichem Licht, das durch zwei Wände hereinfällt. Am besten arbeite ich, wenn ich mich allein in den Prozess vertiefen kann, während im Hintergrund Musik läuft.

Müssen Sie für Ihre Arbeit reisen, um neue Sammler kennenzulernen oder Kunstmessen oder Ausstellungen zu besuchen? Wenn ja, was bringt Ihnen das?
Ich reise viel und besuche noch mehr Ausstellungen und Museen. Die Analyse aktueller und historischer Trends ist eines meiner Lieblingsthemen. Mit dem zunehmenden Online-Verkauf besuchen Sammler die Galerien in letzter Zeit oft virtuell und kommen manchmal natürlich auch persönlich ins Atelier.

Wie stellen Sie sich die Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer künstlerischen Karriere in der Zukunft vor?
Ich interessiere mich zunehmend für komplexe Formate, von Diptychen bis zu Polyptychen. Außerdem inspiriert mich die Idee, monumentalere Leinwände und 3D-Lösungen zu schaffen. Ich denke, daraus könnte sich eine neue Art der Farbskulptur entwickeln – zumal ich bereits Erfahrung mit Holzreliefs habe. Aber das Leben ist so schnelllebig, dass es schwer ist, mit Sicherheit zu sagen, was ich in ein paar Jahren machen werde. Ich halte meine Tür offen, wie man in Amerika sagt!

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihres neuesten Kunstwerks?
Ich arbeite gleichzeitig an mehreren Serien. Das ermöglicht es mir, den Fokus zu verschieben, das Erreichte zu analysieren und neue Lösungen für zukünftige Arbeiten zu finden. Eines meiner jüngsten Themen ist eine einzelne abstrakte Wolke, durch die sich ein farbiger Streifen zieht – wie eine Art Glitch oder visueller Fehler. Ich finde, diese Kombination funktioniert gut durch den Kontrast von Form und Farbe. Es ist einer der Ansätze, die ich auf meiner Suche nach einer zeitgenössischen malerischen Sprache verfolge, die ich auch in anderen Erzählungen verwenden möchte.

Erzählen Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis.
Ich habe an vielen Ausstellungen teilgenommen, aber ich glaube, die wichtigste liegt noch vor mir!

Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebend) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie vorschlagen, den Abend gemeinsam zu verbringen?
Es gibt mehrere Leute, die ich gerne einladen würde, aber wenn ich mich nur für einen entscheiden müsste, wäre es wahrscheinlich Gerhard Richter. Ich bin tief beeindruckt von seiner künstlerischen Entwicklung und den Richtungen, die er in der Malerei eingeschlagen hat. Ich bin sehr gespannt, was er in Zukunft noch Neues erforschen möchte.