Die Krähen in der Kunst: Mehr oder weniger bekannte Werke!

Vincent van Gogh, Weizenfeld mit Krähen , 1890. Öl auf Leinwand, 50,2 cm × 103 cm. Van-Gogh-Museum, Amsterdam.

Beginnend mit Vincent van Gogh...

Über einem Feld mit reifem Weizen fliegt ein Schwarm Krähen, der, wenn man den goldenen Mantel genau betrachtet, fast auf die kleine Straße zusteuert, die im Vordergrund der Stütze erscheint, mit dem Ziel, sich durch die gelben Halme zu spalten und dann dorthin zu gelangen verloren in der Natur selbst. Die Grenze des letzteren wird in seinem unteren Teil durch Ränder aus grünem Gras sowie durch reichlich Lehmboden bestimmt, der seinen Platz unter einem dunklen Himmel findet, in dem schwarze Wolken wirbeln, die die gleiche Bewegung zu reproduzieren scheinen die betreffenden Vögel. Nun, das Thema des Artikels sind genau diese letzteren Tiere in der Erzählung der Kunstgeschichte, ein Thema, das angesprochen werden könnte, indem man sich nur auf das oben beschriebene Gemälde bezieht, kein Geringeres als Vincent van Goghs berühmtes Weizenfeld mit Krähen (1890), Fortsetzung die Erzählung mit dem ebenso berühmten Der Krähenbaum (1822) von Caspar David Friedrich und den Heiligen Antonius Abbot und Paul dem Einsiedler (1634-1660) von Diego Velasquez. Ich möchte jedoch weit verbreitete Themen überspringen und werde nun andere Gemälde von Raben illustrieren, die von großen Meistern geschaffen wurden und sicherlich weniger bekannt sind als die oben genannten Mainstream-Gemälde. Anschließend werde ich Sie im Einklang mit der letztgenannten Absicht mit den Werken zum Thema von Alexei Kondratievich Sawrasov, Wassili Wereschtschagin, August Friedrich Schenck, John William Waterhouse, Marie Spartali Stillman und Lovis Corinth bekannt machen, beginnend mit dem Meisterwerk des ersten Malers in Frage, The Rooks Have Returned (1871).

Alexei Savrasov, The Rooks Have Return , 1871. 62 cm × 48,5 cm. Tretjakow-Galerie.

Alexei Kondratievich Savrasov: Die Türme sind zurückgekehrt (1871)

Zunächst ist es gut, den Künstler (Aleksej Kondrat'evič Savrasov; 1830-1886) vorzustellen, indem man einfach sagt, dass er ein russischer Maler war, in erster Linie ein Landschaftsmaler, der sich dadurch auszeichnete, dass er den lyrischen Stil des Genres hervorbrachte fraglich. In propisito von „Die Türme sind zurück“ (1871) gilt das in der Staatlichen Tretjakow-Galerie (Moskau) aufbewahrte Werk jedoch als Savrasovs bekanntestes Werk und als notwendiges Gemälde für die Entwicklung der russischen Landschaftsmalerei. Darüber hinaus war „The Rooks Have Returned“ das Ergebnis eines langen Studiums des Künstlers, das zwischen Jaroslawl und seinem anschließenden Umzug in das Gouvernement Lostroma stattfand, wo er sich im Dorf Molvitino von den Merkmalen der Kirche inspirieren ließ der Auferstehung. Auf jeden Fall wurde das Werk in Moskau fertiggestellt, der Hauptstadt, in der das Meisterwerk großen Erfolg hatte, da es sofort als ein Werk erkannt wurde, das in der Lage war, der einfachen Seele des Künstlers Ausdruck zu verleihen, unverkennbar sensibel und nah an der Realität der Natur und Natur seine Veränderungen. Tatsächlich fängt das Gemälde den Moment ein, in dem die Krähen jedes Jahr in der Nähe des Frühlings in ihre Nester zurückkehren, genau bevor der Schnee des Winters vollständig aufgetaut ist, ein ziemlich vorhersehbarer und sich wiederholender Moment, der durch das Wunder der Kunst verwandelt sich in einen heiligen Ritus, der im Stillen, aber auch mit großer und beispielloser Aufmerksamkeit betrachtet werden kann.

Wassili Wereschtschagin, Die Apotheose des Krieges , 1871. Öl auf Leinwand, 127 cm × 197 cm. Tretjakow-Galerie, Moskau.

Wassili Wereschtschagin: Die Apotheose des Krieges (1871)

Der russische Maler Wassili Wassiljewitsch Wereschtschagin (1842–1904) war ein Kriegsmaler, der als Mitglied des St.-Georgs-Ordens vor allem für die grafische Natur seiner realistischen Szenen berühmt war, die gerade wegen dieser Besonderheiten unter Ächtung litten von einem Teil der russischen Intelligenz, so sehr, dass einige von ihnen nie gedruckt oder ausgestellt wurden. Was „Die Apotheose des Krieges“ hingegen betrifft, so zeigt das Gemälde einen Haufen menschlicher Schädel, wahrscheinlich das Ergebnis einer Schlacht oder Belagerung, die ihren Platz in einer trostlosen Landschaft außerhalb der Mauern der Stadt Samarkand finden wo der Künstler zuvor für die russische kaiserliche Armee bei den Operationen zur Eroberung des russischen Turkestan kämpfte. Was gerade beschrieben wurde, fehlt jedoch die dunkle Präsenz eines Krähenschwarms, der zu dem oben erwähnten und düsteren Bankett angekommen ist oder immer noch ankommt, während die stummen Berge die Szene beobachten und als Trennlinie des Gemäldes fungieren. und so die leeren Steppen von der Unermesslichkeit des Himmels trennen. Abschließend endet die Beschreibung mit den eigenen Worten des Künstlers, der zum Rahmen des Werkes schrieb: Er widmete das Gemälde „allen großen Eroberern der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft“, wahrscheinlich um dem bevorstehenden Tod entgegenzuwirken, der … , verkörpert durch Totenköpfe und Raben, hat sich immer als der tragischste Feind der Erinnerung an das menschliche Leben präsentiert.

August Friedrich Schenck, Angst , 1878. Öl auf Leinwand, 151 cm × 251,2 cm. Nationalgalerie von Victoria, Melbourne.

August Friedrich Schenck: Angst (1878)

August Friedrich Albrecht Schenck (1828–1901), ein hauptsächlich in Frankreich tätiger Maler, wurde in der Stadt Glückstadt, einer damals dänischen deutschen Gemeinde, geboren. Was den letztgenannten Meister betrifft, so ist es wichtig, darauf hinzuweisen, dass sein bekanntestes Werk genau das ist, das unter anderem einen Schwarm Krähen darstellt, nämlich „Anguish“ (1878). Das betreffende Gemälde verewigt als Hauptmotiv eine Schafmutter, die über den Tod ihres Sohnes verzweifelt ist und dessen lebloser Körper von einer Gruppe schwarzer Vögel umgeben ist, die nur darauf warten, ihn zu verschlingen. Wichtig ist die Beobachtung der Details der Arbeit, wie zum Beispiel die Luft, die in der Nähe des Mauls des Mutterlamms kondensiert, eines Tieres, das gerade einen qualvollen Klageschrei von sich gegeben hat, während ein Rinnsal von Blut im weißen Schnee voranschreitet und sich ausbreitet der Mund des verstorbenen Säugetierbabys. Der Himmel, unter dem sich solch schändliche Ereignisse ereignen, zeigt die traurigsten Besonderheiten der Winterperiode, er zeigt sich grau und wolkig, wie ein Gesicht, das jeden Moment in einen Schauer von Tränen ausbrechen kann. Schließlich ist es interessant zu wissen, ob es eine andere Version des Werks gibt, nämlich „Die Waise, Erinnerung an die Auvergne“ (1885), ein Gemälde, das im Musée d'Orsay aufbewahrt wird und das Lamm über dem leblosen Körper seiner Mutter zeigt .

John William Waterhouse, The Magic Circle , 1886. Öl auf Leinwand, 183 cm × 127 cm. Tate Britain, London.

John William Waterhouse: Der magische Kreis

Der moderne Präraffaeliten John William Waterhouse (1849–1917) war ein britischer Maler, dessen Werk, das einige Jahrzehnte nach der Auflösung der Präraffaelitenbruderschaft entstand, sowohl den Einfluss der letzteren als auch den der Impressionisten zeigt waren seine Zeitgenossen, eine Tatsache, die zur Entwicklung von „grenzwertigen“ Stilmerkmalen führte, die hauptsächlich in mythologischen oder Artus-Themen zum Ausdruck kommen. Sein Werk, in dem die notwendige Anwesenheit von Raben konkretisiert wird, ist The Magic Circle, ein Ölgemälde, das eine Zauberin darstellen soll, die mit einem Zauberstab einen feurigen Kreis auf der Erde zeichnen will, wodurch die Absicht zum Ausdruck kommt, einen rituellen Raum zum Leben zu erwecken. wo eine feierliche Veranstaltung Gestalt annehmen kann. Die Frau ist definitiv die Hauptfigur des Gemäldes, die von Raben und einer Kröte begleitet wird, Darstellungen, die als beliebte Symbole für Hexenaktivitäten gemalt wurden und ihren Platz in einem nebligen, etwas unwirklichen, mystischen und ohne den Schatten eines Zweifels magische Landschaft. Das Thema des „Magischen Kreises“ sollte uns nicht überraschen, da der Meister in seinem malerischen Werk oft auf die Erläuterung von Themen zurückgriff, die mit Magie und der Kraft der Prophezeiung zu tun hatten, die unauslöschlich mit dem Bild einer Zauberin verbunden waren, die immer bereit war, an die berühmte Circe zu erinnern der Odyssee.

Marie Spartali Stillman, Antigone bei der Bestattung des Leichnams ihres Bruders Polyneikes (Datum nicht bekannt), Öl auf Leinwand, weitere Details nicht bekannt.

Marie Spartali Stillman: Antigone bei der Bestattung des Leichnams ihres Bruders Polyneikes (Datum unbekannt)

Marie Eufrosyne Spartali (1844 – 1927) war eines der Lieblingsmodelle der Präraffaeliten-Bruderschaft, einer einflussreichen Künstlervereinigung für viktorianische Malerei, in der sie später auch eine Ausbildung als Malerin absolvierte, deren lange Karriere von solchen Größen geschätzt wurde das „Genre“ wie zum Beispiel Dante Garbiel Rossetti. Wenn wir jedoch von ihrem Werk sprechen, das uns von Raben erzählt, handelt es sich um Antigone, die dem Leichnam ihres Bruders Polyneikes Beerdigungsriten schenkt, ein Ölgemälde, das zu den frühesten Werken der Malerin gehört, die zu dieser Zeit die betreffende Technik von einem Raben erlernte eines der führenden Vertreter der Präraffaeliten, nämlich des britischen Meisters Sir Edward Coley Burne-Jones. Dieses Gemälde zeigt eine Szene aus der griechischen Tragödie Antigone, genau diejenige, in der die letztgenannte Heldin ihren toten Bruder Polyneikes betrauern will, während er auf einem windgepeitschten Felsen in einer trostlosen Landschaft liegt. Antigone, die in diesem Zusammenhang versucht, den Körper ihres Bruders zu begraben, widerspricht dem Willen des Königs Kreon von Theben, der ein bestimmtes Dekret erlassen hatte, nach dem Polyneikes nicht einmal betrauert werden sollte. Letztere Entscheidung ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass Polyneikes, der den Thron von Theben besteigen wollte, bei der Belagerung der Stadt starb und sich wie ein Feind verhielt, dem Kreon keine Bestattungsehren erweisen wollte. Dementsprechend stellt das Gemälde den Moment dar, als Antigone sich dem oben genannten Gesetz widersetzte, indem sie versuchte, ihrem Bruder ein ordnungsgemäßes Begräbnis zu ermöglichen, eine Tatsache, die, als sie entdeckt wurde, sie ihre Freiheit und anschließend ihr Leben kostete, da die Frau, einst inhaftiert, beschloss, sich zu erhängen, was zu der extremen Geste von Aemon, dem Sohn Kreons und Verlobten der Frau, führte. Dann könnten die Raben im Stück auch eine Art von Vorsehung rettende Alternative zu dem mit der Bestattung verbundenen Schaden darstellen, denn wenn sie nur das Vergnügen gehabt hätten, den Leichnam des Polyneikes zu verschlingen, hätte es kein weiteres Blutvergießen gegeben.

Lovis Corinth, Landschaft mit großem Raben (1893), Öl auf Leinwand, 96 × 120 cm, Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie, Frankfurt.

Lovis Corinth: Landschaft mit einem großen Raben (1893)

Lovis Corinth (1858–1925) war ein deutscher Maler, Kupferstecher und Schriftsteller, dessen Werk Elemente des Impressionismus und des Expressionismus vereinte. Er begann zunächst als hauptsächlich naturalistischer Künstler, entwickelte seinen Stil jedoch später durch die Verwendung lebendiger Farben weiter und konzentrierte sich vor allem auf Porträts, Akte, Landschaften und biblische Szenen, die sich alle durch außergewöhnliche Vitalität und Kraft auszeichneten. Eines seiner bemerkenswertesten Werke im Bereich Landschaften ist „Landschaft mit großem Raben“ (1893). Dieses Gemälde repräsentiert wirkungsvoll das Werk des Künstlers in den 1890er Jahren, als er begann, sich ernsthaft diesem Thema zu widmen. Im Fall dieses Meisterwerks scheint es an das nahe Vorbild von Vincent van Goghs „Weizenfeld mit Krähen“ (1890) zu „erinnern“. Ähnlich wie im letztgenannten Gemälde symbolisieren diese Vögel in „Landschaft mit einem großen Raben“ bedrohliche, unverkennbare und bevorstehende Vorzeichen des Todes, die eingefangen werden, während sie durch den Himmel fliegen und die einzigen Lebewesen sind, die eine ansonsten verlassene Landschaft beleben. Während wir uns der inneren Unruhe Vincents bewusst sind, die sich immer wieder in seinen Kunstwerken manifestierte, ist es wichtig zu beachten, dass auch Corinth von einer tiefen Melancholie geplagt wurde, ein herausragendes Merkmal seiner depressiven Momente. Diese Melancholie verbarg sich oft hinter dem traditionelleren Bild seines gesellschaftlichen Lebens und den allgemein positiveren Aspekten seiner Arbeit. Schließlich ist es unmöglich, diese Sammlung von Kunstwerken zum Thema Krähen abzuschließen, ohne andere Beispiele zu erwähnen, wie Arnold Böcklins „Ruin by the Sea“ (1881), Stanislaw Siestrzencewicz‘ „Crows Before the Sleigh“ (ca. 1900), Jakub Schikaneders „The Letzte Reise“, Egon Schieles „Landschaft mit Raben“ (1911) und Marie Spartali Stillmans „Das Pilgervolk“ (1914).