Die Geschichte des weiblichen Aktes in der Malerei

Tsanko Tsankov - Galerie Maestro, Weiße Stille , 2020. Öl auf Leinwand, 80 x 110 cm.

Die Geschichte der weiblichen Nacktheit in der Kunst ist nie dieselbe, da verschiedene Gesellschaften und Kulturen im Laufe der Jahrhunderte und Jahrtausende Nacktszenen in unterschiedlichem Maße akzeptiert haben. Tatsächlich spiegelt Nacktheit in der Kunst die sozialen Normen einer bestimmten Zeit und an einem bestimmten Ort wider, bezieht sich auf die Art und Weise, wie Dinge dargestellt werden, und ist unauslöschlich mit der Vorstellung davon verbunden, was richtig oder falsch darzustellen ist. Obwohl Nacktheit oft mit der skandalösesten Sexualität in Verbindung gebracht wird, kann sie auf jeden Fall auch andere Bedeutungen haben, so sehr, dass sie mit Interpretationen verbunden ist, die aus dem Bereich der Mythologie und Religion sowie aus dem Studium der Anatomie und der Ausdruck idealer Schönheit und ästhetischer Perfektion. Diese vielfältigen Ansätze haben bestimmt, wie der weibliche Akt Gegenstand verschiedener Darstellungsweisen in der westlichen Kunstgeschichte war und ist.

Jean-Pierre André Leclercq, Courbes 12 , 2008. Zeichnung, Pastell auf Karton, 60 x 80 cm.

Der weibliche Akt: zwischen Kunst und Obszönität

Obwohl einige der oben genannten Arten der Darstellung des weiblichen Körpers deutlich künstlerisch und wenig skandalös erscheinen, wurden Frauen in den meisten Gesellschaften der Vergangenheit, wohl weil sie weniger Rechte als Männer genossen, selten von einer überwiegend mit Sexualität assoziierten Darstellung befreit. Aus genau diesem Grund ist es wahrscheinlich, dass der weibliche Akt erst dann offiziell und schrittweise in der Kunst akzeptiert wurde, als Frauen größere politische Rechte erlangten. Die Geschichte der Darstellung des weiblichen Körpers scheint damit Hand in Hand mit der der Emanzipation zu gehen, deren Etappen vor allem von der griechischen, italienischen und französischen Kunst bildlich geprägt wurden. Gerade durch diese Gesichtspunkte wird deutlich, wie einzigartig die Rolle der nackten Frau in der Kunst ist, in ständiger Balance zwischen Kunst und Obszönität. Das heißt, wenn ein Künstler beginnt, eine nackte Frau zu zeigen, bewegt er sich automatisch auf dem Grat zwischen künstlerischer und „pornografischer“ Darstellung.

Brigitte Derbigny, Vénus mama , 2020. Zeichnung, Acryl, Spray, Bleistift und Marker auf Papier. 100 x 70 cm.

1. Vorgeschichte: der Fruchtbarkeitsakt und der "realistische" Akt

In der paläolithischen Kunst war weibliche Nacktheit eng mit der Verehrung von Fruchtbarkeitsgottheiten verbunden. Dies zeigt sich in den frühesten Darstellungen der weiblichen menschlichen Körperform, die als "paläolithische Venus" bezeichnet werden und durch die prorompetenten Merkmale fettleibiger Frauen mit breiten Hüften und Brüsten gekennzeichnet sind, die hervorstehen oder nach unten hängen. Die meisten von ihnen stammen aus der Aurignacien-Zeit und bestehen aus Kalkstein, Elfenbein oder Speckstein. Die bekanntesten sind neben der Venus von Willendorf die Venus von Lespugue, die Venus von Savignano, die Venus von Laussel und die Venus von Doln Vstonice. Apropos Malerei hingegen, der weibliche Akt taucht sogar schon in der Felsmalerei auf, insbesondere in Nordspanien (franko-kantabrisches Gebiet) und im Mittelmeerraum, wo weibliche Motive in Gemeinschaftsszenen von Jagd oder Ritualen festgehalten werden tanzt. In letzteren Kontexten werden Frauen auf eine stromlinienförmigere realistische Weise verewigt, ebenso wie im Beispiel des Tassili n'Ajjer.

Die prähistorische Felsmalerei von Tassili N'Ajjer, Algerien. Bildrechte: Patrick Gruban/Wikimedia.

Felsmalereien des Tassili n'Ajjer

Der Tassili n'Ajjer ist eine Bergkette im Südosten Algeriens, nahe der Grenze zu Libyen. Ein Großteil dieses Plateaus, das Heimat von Zypressen und antiken Stätten ist, wird von einem Nationalpark, einem Biosphärenreservat und einem UNESCO-Weltkulturerbe geschützt. In Bezug auf weibliche Nacktheit ist Tassili n'Ajjer für seine Felsmalereien bekannt, die 9.000 bis 10.000 Jahre alt sind und hauptsächlich Tierherden, große Wildtiere wie Elefanten, Giraffen und Krokodile sowie Menschen bei der Jagd zeigen und tanzen. In diesem Zusammenhang ist es interessant, das Bild von fünf barbusigen, hochhaarigen Frauen mit extrem "realistischem" Körperbau zu beobachten, die versuchen, sich auszuruhen und beiläufig zu reden.

Pictor Mulier, Kleopatra nackt mit ihrem Leoparden , 2017. Acryl auf Holz, 80 x 60 cm.

2. Altes Ägypten: Schönheit, die ins Jenseits getragen werden soll

Es ist wichtig, auf ein grundlegendes Element der altägyptischen figurativen Kultur hinzuweisen: In den Werken dieser Zeit sind Frauen, die in ihren späteren oder reifen Jahren abgebildet sind, ziemlich selten zu finden. Tatsächlich wurden weibliche Charaktere schlank, schön und in ihren besten Jahren dargestellt, Eigenschaften, von denen man hoffte, dass sie, gerade weil sie von der Kunst verewigt wurden, auch im Jenseits vom Abbild übernommen werden könnten. Im Allgemeinen war die ägyptische Kunst alles andere als realistisch, da diese Zivilisation sehr darauf bedacht war, wie sie wahrgenommen wurde. Tatsächlich gibt es fast keine Bilder von schwangeren Frauen oder weiblichen Körpern nach der Geburt, um ausschließlich Menschen in der Blütezeit ihrer Schönheit und Jugend verewigen zu können. Dennoch bemerkte die Gelehrte in der Dritten Zwischenzeit einen Wandel im künstlerischen Stil, der auf die Darstellung von Frauen abzielte. Genau in dieser Zeit erschien ein runderer, verdickter Körpertyp mit größeren, hängenden Brüsten. Was den unbedeckten Körper anbelangt, so war Nacktheit damals normal, so sehr, dass bestimmte soziale Status sowie einige spezifische Aufgaben wie Fischen und Handarbeit es erforderten, dass der Körper unbekleidet war. Apropos Arbeit, Bedienstete, Tänzer, Akrobaten und Prostituierte gingen ganz oder größtenteils nackt herum, wie die „nackten Tänzer“ belegen, die auf einem Gemälde aus dem Grab von Nebamun (ca. 1350 v. Chr.) abgebildet sind.

Nebamun Grab Fresko Tänzer und Musiker, 18. Dynastie. London: Britisches Museum.

Das verlorene Grab von Nebamun war eine altägyptische Grabstätte der 18. Dynastie, die in der thebanischen Nekropole am Westufer des Nils gefunden wurde, einem Ort, der heute mit der heutigen Stadt Luxor (Ägypten) identifizierbar ist. Aus diesem Grab stammen einige berühmte dekorierte Grabszenen, die derzeit im British Museum in London bewundert werden können. An letzterem Ort kann man die verputzten Wände dieses Grabes bewundern, die mit lebendigen Fresken bedeckt sind, die idealisierte Szenen des damaligen Lebens und seiner Aktivitäten zeigen. Unter ihnen erweisen sich einige der berühmtesten Gemälde als solche, die Jagdszenen und halbnackte Tänzer bei einem Bankett darstellen.

Monika Mrowiec Monika Mrowiec, Venus de Milo , 2021. Malerei, Spray / Acryl / Tusche / Öl auf Leinwand, 140 x 90 cm.

3. Antikes Griechenland: Der Körper wie der von Aphrodite

Im antiken Griechenland musste die ideale Frau weiche Formen haben, die durch runde Pobacken, langes Haar mit Wellen und ein makellos schönes Gesicht betont wurden. Solche Anforderungen passten zu einer Zeit, in der mehr Fett am Körper bedeutete, wohlhabend zu sein, das heißt, es sich leisten zu können, sich gut zu ernähren und sich von den unteren und hungrigen sozialen Schichten abzuheben. In diesem Zusammenhang wurde Aphrodite, die Göttin der Liebe, des Sex, der Schönheit und der Fruchtbarkeit, mit einem runden Gesicht, großen Brüsten und einem birnenförmigen Körper dargestellt. Das unbestrittene figurative Vorbild solcher Kanons ist Praxiteles' Aphrodite cnidia, ein Werk, das gleichzeitig sehr wichtig ist, da es das erste war, das mit der Einführung des weiblichen Akts in die griechische Kunst neue Maßstäbe gesetzt hat. Tatsächlich hatte die griechische Gesellschaft zuvor überwiegend das männliche Geschlecht dargestellt und die weibliche Nacktheit auf Szenen der Gefangenschaft, Unterwerfung und des kleinen Maßstabs beschränkt.

Onesimos (Griechisch (Attisch), aktiv 500 - 480 v. Chr.) zugeschrieben, Maler attische rotfigurige Kylix , ca. 490 v. Chr. Terrakotta, 8,5 × 36,9 cm (3 3/8 × 14 1/2 Zoll). , Villa Collection, Malibu, Kalifornien, 82.AE.14

Attische rotfigurige Kylix des Onesimos

Ein Beispiel für diese frühen Annäherungen an den weiblichen Akt in der Malerei ist die rotfigurige attische Kylix, die Onesimos (500 - 480 v. Chr.) Zugeschrieben wird, ein Werk, in dem eine nackte, liegende Frau Kottabos spielt, eine beliebte Aktivität im männlichen Symposium Festival. Tatsächlich versucht das Mädchen, der Tradition des Ereignisses folgend, mit dem Griff eines tiefen Bechers (Skyphos), der an ihrem Zeigefinger befestigt ist, Reste vom Boden des Bechers auf ein entferntes Ziel zu werfen. Wichtig ist in diesem Zusammenhang allerdings der Hinweis, dass das Symposium eigentlich ausschließlich für Männer war, so dass meist weibliche Präsenz vor Ort war, um die Männer zu unterhalten. In der Tat wäre die Nacktheit der oben genannten für die respektablen Frauen von Athen zu gewagt gewesen, aber sie hätte sich Sklaven leisten können, die als Prostituierte angeheuert wurden, oder "Etere", wohlhabende Frauen, die den Abend des männlichen Trinkens durch Singen und Reden bereicherten , und zeigt sexuelle Attraktivität.

Tito Villa, Pompeji-Wandmalerei , offene Ausgabe. Digitale Kunst, Giclée-Druck / Digitaldruck, verschiedene Größen erhältlich.

4. Die römische Welt: die erotische Kunst von Pompeji und Herculaneum

Erotische Kunst in Pompeji und Herculaneum wurde durch eine lange Reihe archäologischer Ausgrabungen ans Licht gebracht, die im 18. Jahrhundert begannen. Diese Aktivität offenbarte, wie reich die besagte Stätte an erotischer Kunst war, die sowohl in Form von Fresken als auch Skulpturen dargestellt wurde. Die Besonderheiten solcher Motive weisen darauf hin, dass die römischen Bräuche liberaler waren als in den meisten uns bekannten Kulturen, obwohl betont werden sollte, dass viele der uns ausschließlich erotisch erscheinenden Bilder tatsächlich Symbole der Fruchtbarkeit der Natur in der Welt sein könnten weitesten Sinne, sowie Talismane des Glücks und der Glücksverheißung.

Venus in einer Muschel , Fresko. Pompeji: Haus der Venus in einer Muschel.

Fresko der Venus in einer Muschel - Pompeji

Das Haus der Venus in Muschel, eine Stätte, die zwischen 1933 und 1935 entdeckt wurde, verfügt über ein großes Peristyl, das im Wesentlichen das Zentrum des Domus darstellt. Genau dieser Raum wurde von den verschiedenen Räumen des Hauses überblickt, deren Wände im pompejanischen IV-Stil dekoriert waren. In Wirklichkeit ist das Haus jedoch nach seinem berühmtesten Fresko benannt, nämlich der Venus in einer Muschel, die sich im Vergleich zur in der antiken Römerstadt vorherrschenden Erotik als eher spröde erweist. Tatsächlich liegt die nackte Venus einfach in einer Muschel, während sie beim Geburtsakt von einem Amor und einem Kind, vermutlich Baby Mars, begleitet wird.

Miguel Rojas, Adam Eve , 2022. Zeichnung, Tusche auf Papier, 20,5 x 12,5 cm.

5. Mittelalter: Die Nacktheit Evas

Im Mittelalter, nach der Verbreitung der vom Christentum abgeleiteten Kultur, begann der Körper intensiv als heiliger Tempel der Seele zu werden, der um jeden Preis vor fleischlichen Impulsen bewahrt werden musste, Vorboten schwerer Sünden in den Augen Gottes. Trotz dieser Annahmen grassierte das Laster weiter, so sehr, dass in der Sinnlichkeit des weiblichen Körpers, die von der sündigen Eva stammt, der Teufel und die Personifikation der Lust identifiziert wurden. Aus diesem Grund präsentiert das Mittelalter viele Werke, die den Stammvater darstellen, oft in ihrer naiven und unreifen Nacktheit dargestellt, die bereits in der Lage ist, den Apfel der Sünde zu greifen.

Masaccio, Vertreibung der Vorfahren aus Eden , 1424-25. Fresko, 214 x 88 cm. Florenz: Brancacci-Kapelle (Kirche Santa Maria del Carmine).

Vertreibung der Vorfahren aus Eden (1424-1425) durch Masaccio

Die Vertreibung der Vorfahren aus Eden ist ein Fresko von Masaccio, das sich in der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz befindet. Es zeigt Adam und Eva, nachdem sie Gottes Regeln gebrochen und so die Frucht der Erkenntnis gegessen haben. Tatsächlich werden sie nackt und hilflos gezeigt, als sie aus dem irdischen Paradies weggebracht werden. In Wirklichkeit ist es jedoch gut hervorzuheben, wie Adam und Eva im biblischen Bericht bekleidet die Schwelle des Paradieses überschritten.

Masolino, Versuchung von Adam und Eva , 1424-25. Fresko, 260 x 88 cm. Florenz: Kirche Santa Maria del Carmine.

Versuchung von Adam und Eva (1424-25) von Masolino

In derselben Kapelle wie Masaccios Austreibung der Vorfahren aus Eden befindet sich ein weiteres Werk mit einem „verwandten“ Thema: Die Versuchung von Adam und Eva oder Erbsünde, ein Werk von Masolino aus der Zeit um 1424-1425. Das Fresko zeigt eine berühmte Szene aus dem Alten Testament, nämlich als die Schlange aus dem Buch Genesis versucht, Adam und Eva zu überzeugen, die Regeln zu brechen. Charakteristisch für diese im Stil der Spätgotik angesiedelte Episode ist das Licht, das die Figuren weich und einhüllend formt, als würde ein diffuser Schein von ihnen ausgehen. Zudem verstärkt der dunkle Hintergrund die sinnliche Plastizität der Akte der beiden Sünder.

Nagy Peter, Venus , 2021. Malerei, Acryl / Marker auf Leinwand, 40 x 50 cm.

6. Die Renaissance: der Beginn der Sinnlichkeit

Vom Ende des Mittelalters bis zum Beginn der Renaissance änderten sich die Schönheitsideale der Frau dramatisch: Sie gingen von blassen, mageren Modellen mit kaum sichtbaren Brüsten zu fleischigen Frauen mit breiten Hüften und rot geschminkten Lippen und Wangen. Die meisten Gönner der damaligen Zeit konnten solchen ästhetischen Kanons nicht widerstehen, so sehr, dass sie heilige Themen als Entschuldigung für die Betrachtung der oben erwähnten Sinnlichkeit forderten. Nacktheit wurde in diesem christlichen Kontext zunehmend zum Zeichen der Heiligkeit, Reinheit und Abtötung des Körpers und, außerhalb dieser Sphäre verstanden, als offensichtlicher Hinweis auf skrupelloseste Lust und Geilheit gedeutet. In ähnlicher Weise wurden zu dieser Zeit Akte akzeptiert und nicht dämonisiert, wenn sie mit einer bestimmten Allegorie oder der Nachstellung eines mythologischen Ereignisses verbunden waren. Ein Beispiel dafür ist das himmlische, asexuelle Geschöpf in Botticellis Venus, einem Werk, das in scharfem Widerspruch zu den Tendenzen der Spätrenaissance steht und gut durch Tizians „provokativere“ Venus von Urbino veranschaulicht wird.

Sandro Botticelli, Geburt der Venus , 1485. Tempera auf Holz, 172,5 x 278,5 cm.

Die Geburt der Venus (1476-1487) von Sandro Botticelli

In der Mitte des Gemäldes scheint Venus, die auf einer Muschel steht und aus dem Wasser auftaucht, sich zu bewegen, als würde sie leicht auf den Wellen schweben. Die Göttin ist nackt, auf der rechten Seite der Leinwand von Zephyrus umgeben, der, fest entschlossen, die Nymphe Clori festzuhalten, auf die Venus zubläst. Die Idee zu diesem Meisterwerk stammt von Ovids Metamorphosen. Tatsächlich erzählte der lateinische Schriftsteller, dass Venus, die römische Göttin der Liebe, direkt aus dem Schaum des Ozeans vor der Küste der Insel Zypern geboren wurde. Genau an letzterem Ziel scheint die Göttin des Meisters Botticelli zu landen, der sich bei der Konzeption eines solchen Meisterwerks von der damals im Florenz vorherrschenden neuplatonischen Kultur inspirieren ließ, in der der Gedanke triumphiert , wonach die Liebe ein Lebensprinzip und die Kraft der Erneuerung der Natur darstellt.

Tiziano Vecellio, Venus von Urbino , 1538. Öl auf Leinwand, 119 x 165 cm. Florenz: Galerie der Uffizien.

Venus von Urbino (1538) von Tizian Vecellio

Die Venus von Urbino ist ein perfekt ausbalanciertes Gemälde, dessen Komposition die sinnliche Natürlichkeit des Bildnisses nicht beeinträchtigt, das unbekleidet auf einer Matratze mit floralem Stoffbezug und einem weißen Laken liegt. Vor diesem Hintergrund lehnt Venus, die kostbare Details trägt und ihre Haare teilweise zu einem Haargummi zurückgebunden hat, der ihren Nacken krönt, auf zwei Kissen, um ihren Oberkörper zu stützen. Das Gesicht der Göttin, die mit der linken Hand sinnlich ihr Schambein bedeckt, ist nach vorne gedreht, als wolle sie den Betrachter direkt ansehen. In dem Raum, in dem die Venus untergebracht ist und der reich im Renaissancestil eingerichtet ist, sieht man auch einen kleinen Hund und zwei Mägde, die Kleider aus einer Truhe holen wollen. Um Tizians Absichten genauer zu interpretieren, wurde das Werk auf Geheiß von Guidobaldo geschaffen, der das Meisterwerk als Beispiel für das Eheleben nutzen wollte, um seiner Frau Giulia da Varano einen Heiratsantrag zu machen. Um den Auftraggeber zufrieden zu stellen, aktualisierte der italienische Künstler daher die klassische Figur der Venus, indem er sie in eine Umgebung des 16. Jahrhunderts streckte und sie zur Trägerin einer innovativen moralischen Botschaft machte. Tatsächlich spielt das Vorhandensein von Rosen auf Schönheit an, während das des Hundes auf Treue verweist, eine weniger affimera, aber hoffentlich dauerhaftere Besonderheit.

Niko Sourigues, Stehender Akt , 2017. Öl auf Leinwand, 41 x 33 cm.

7. Manierismus und Barock: die Sinnlichkeit der Verdrehung und Dynamik

Der Manierismus ist eine künstlerische Strömung, zuerst italienisch und dann europäisch, deren Ursprünge bis ins 16. Jahrhundert zurückreichen. Die weiblichen Akte dieser figurativen Richtung wurden überwiegend in komplexe Kompositionen gesetzt, bis zur Künstlichkeit studiert, da sie von konstruierten perspektivischen Verzerrungen gekennzeichnet sind, in denen die exzentrische Anordnung der Motive, die durch die typische Schlangenfigur wiedergegeben wird, als realisiert wird Dynamik einer Feuerflamme, sticht hervor. Zu der „verdrehten“ Sinnlichkeit kommt noch ein präziser Einsatz von Licht hinzu, der darauf abzielt, Gesichtsausdrücke und Bewegungen zu betonen, auf Kosten der manchmal unrealistischen Wirkung. Es ist hervorzuheben, wie solche Besonderheiten von der nachfolgenden und verwandten Barockzeit übernommen werden, in der der weibliche Akt, der durch die Betonung der manieristischen Sinnlichkeit noch erotischer wurde, weiterhin genutzt wurde, um hauptsächlich mythologische und allegorische Themen zu verewigen.

Bronzino, Allegorie mit Venus und Amor , 1540-45. Öl auf Holz, 1,46 x 1,16 m. London: Nationalgalerie.

Allegorie mit Venus und Amor (1540 1545) von Bronzino

"Nackte Venus mit Amor, der sie küsst, und Vergnügen auf der einen Seite und Vergnügen mit anderen Lieben und auf der anderen Seite Betrug, Eifersucht und andere Leidenschaften der Liebe." Die Beschreibung von Giorgio Vasari führt uns zu Bronzinos Allegorie mit Venus und Amor, einem Werk, das um 1540 von Cosimo I., dem zweiten und letzten Herzog der Florentiner Republik, in Auftrag gegeben wurde, der mit der Schenkung des oben genannten Meisterwerks dem König von Florenz huldigen wollte Frankreich Franz I., um sich vorteilhafte politische Möglichkeiten zu verschaffen. Gerade diese Absicht macht das Werk, das die Venus besiegende Amor unsterblich macht, in seiner Bedeutung noch so unklar, dass das dargestellte Thema möglicherweise von einem Literaten ausgearbeitet wurde, wahrscheinlich einem Angehörigen des blühenden kulturellen Milieus des 16. Jahrhunderts Gericht der Medici. Apropos Beschreibung des Meisterwerks, das Öl zeigt Venus und Amor, die unbestrittenen Protagonisten des Gemäldes, die ohne Kleidung verewigt wurden, während ihre Körper, so kalt, dass sie wie Wachsskulpturen aussehen, sich so harmonisch miteinander verflechten so dass die Göttin die verzerrte Pose einer sinnlichen Schlange einzunehmen scheint. In dieser trägen Atmosphäre küssen sich Venus und Amor durch einen verwirrten Verkehr, da dies zu sinnlich ist, um eine Manifestation der keuschen Liebe zwischen Mutter und Sohn zu sein. Die Mehrdeutigkeit der beiden Protagonisten wird durch die der Figuren um sie herum sowie der auf dem Boden ruhenden Masken verstärkt. In der Tat wird das jungfräuliche Monster, das in der einen Hand eine süße Honigwabe in der anderen einen giftigen Stachel hält, zu einer wahrscheinlichen Personifikation der „Täuschung“, während die Masken darauf anspielen, dass alles in dieser Szene gespielt ist. Just, Venus und Amor offenbaren, wenn sie gut beobachtet werden, ihren bevorstehenden Verrat aneinander: Während sie sich küssen, zieht sie einen Pfeil aus seinem Köcher und er ist gleichzeitig im Begriff, das Diadem aus ihrem Haar zu stehlen.

Peter Paul Rubens, Venus im Spiegel,   1613/14. Malerei. Wien: Liechtensteinmuseum.

Venus im Spiegel (1613-14) von Peter Paul Rubens

In dem sinnlichen Meisterwerk des flämischen Meisters wird der Spiegel verwendet, um die Schönheit der Göttin aus verschiedenen Blickwinkeln zu zeigen. Ein solcher perspektivischer Schachzug findet in einer Privatlebensszene statt, in der die Göttin von hinten nur mit einem weißen Schleier bekleidet zu sehen ist, der ihre Hüften umschließt. Gerade durch den von einem Amor gestützten Spiegel mit Übergriff kann man das perfekte Gesicht der Venus kennenlernen, das sich durch sein regelmäßiges Oval auszeichnet, belebt durch die Präsenz rosiger Wangen und einen konzentrierten Blick, der von a begleitet wird Andeutung eines Lächelns. Die Sinnlichkeit dieser voyeuristischen Atmosphäre wird durch die geschwungenen Bewegungen der langen blonden Haare verstärkt, die sorgfältig verarbeitet sind, als wären sie dünne Goldsträhnen. Schließlich entpuppt sich ein solches Meisterwerk als eindeutig von Tizian und Veronese inspiriert, da das warme Licht und die leuchtenden Farben auffällige Farbkontraste erzeugen, die die Schönheit der Göttin weiter hervorheben sollen.

Naïs Philip, Venus , 2020. Öl auf Leinwand, 97 x 146 cm.

8. Romantik und Realismus: etwas explizit

Der weibliche Akt löste sich ab der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts, also zeitgleich mit dem Aufkommen der Aufklärung, vom Mythos, wie etwa die künstlerische Auseinandersetzung mit François Boucher zeigt, der in Werken wie Brown Odalisque (1745) und Fragonard (1765-72), malten gewöhnliche junge Frauen, die in intimen und höchst sinnlichen Umgebungen gefangen waren. Solch eine freie und kühne Erzählung der Weiblichkeit setzte sich mit großem Erfolg in Romantik und Realismus fort. In der ersteren der beiden letztgenannten künstlerischen Bewegungen wurde der weibliche Akt sehr ausdrucksstark, da die Romantik die Farbe stark betonte, um dramatischere Darstellungen zu erreichen, passend zu Themen, die mehrere Themen erforschen, wie orientalisch, seltsam, mysteriös, tragisch, heroisch und äußerst leidenschaftliche, die darauf abzielen, die reinste Ausdrucksfreiheit des Menschen zu verherrlichen. Was den Realismus anbelangt, lässt er sich gut zusammenfassen durch die Analyse der figurativen Untersuchung von Gustave Courbet, dem Vater der Bewegung, die die „romantischen und klassizistischen Irrtümer“ überwand, um der Wiedergabe des Realen größere Treue zu verleihen datum im nackten, die Überwindung dieser idealisierten concenzione des weiblichen Körpers.

Jean-Auguste-Dominique Ingres, Die große Odaliske , 1814. Öl auf Leinwand, 91 x 162 cm. Paris: Louvre-Museum.

Die große Odaliske (1814) von Jean-Auguste-Dominique Ingres

Zwischen Neoklassizismus und späterer Romantik liegt einer der bekanntesten Akte der Kunstgeschichte, nämlich Jean-Auguste-Dominique Ingres' Die große Odaliske, ein Ölgemälde auf Leinwand, das im berühmten Louvre-Museum in Paris aufbewahrt wird. Die Protagonistin dieses Meisterwerks ist eine schöne junge Odaliske, die in dem Moment eingefangen wurde, als sie bequem auf einem mit dünnen Laken bedeckten Bett liegt. Was ihre zurückhaltende Nacktheit angeht, so erweist sie sich in Anlehnung an klassische, von den Griechen entlehnte Vorbilder als sauber, elegant und raffiniert. Tatsächlich wurden die intimsten Teile der Odaliske geschickt verborgen, sodass nur der untere Teil einer Brust sichtbar ist. Apropos Blick, die Raggazza, in Dreiviertelansicht gesehen, zeigt ihr schönes Gesicht dem Betrachter, auf den sie auch ihre Augen richtet, umrahmt von der Anwesenheit eines schönen Turbans, der, um ihren Kopf gebunden, das meiste von ihr verbirgt Haar. Schließlich ist ein solches Bild eindeutig das Ergebnis des Einflusses, den die östliche Welt auf den französischen Meister ausübte, eine Realität, die er wahrscheinlich durch Napoleons Feldzüge im Osten kennengelernt hatte.

Goya, Maja desnuda , 1790-1800, Öl auf Leinwand, 95 x 190 cm. Madrid, Museo del Prado.

Maja desnuda (um 1790) von Francisco Goya

Maja desnuda und Maja vestida sind zwei Gemälde von Francisco Goya, die Ende des 18. und Anfang des 20. Jahrhunderts entstanden und beide in der Einrichtung des Prado-Museums in Madrid zu sehen sind. Im ersten Meisterwerk des die Romantik vorwegnehmenden Malers ist die Pose der Frau, in diesem Fall nackt, die gleiche wie im zweiten: Die Frau liegt mit hinter dem Kopf verschränkten Armen auf einem Sofa, umgeben von einem dunklen Hintergrund. Mit ziemlicher Sicherheit wurden diese beiden sinnlichen Gemälde von Manuel Godov in Auftrag gegeben, dem spanischen Premierminister, einer sehr mächtigen Person, die es sich leisten konnte, gegen den Konservatismus der Kirche vorzugehen. Trotzdem wurden die gewagten Werke beschlagnahmt und später vom Inquisitionsgericht verlangt, das Nacktbilder ohne allegorischen oder mythologischen Vorwand in ganz Spanien verboten hatte. In Bezug auf die Identität des Modells erkennen viele Berichte der Zeit in ihren Zügen Maria Teresa Cayetana de Silva, Herzogin von Alba, die in ihrem Haus berühmte Politiker und Künstler beherbergte, darunter auch Francisco Goya, Maler, mit dem sie zusammen war leidenschaftliche Beziehung.

Gustave Courbet, Der Ursprung der Welt , 1866. Öl auf Leinwand, 46 x 55 cm. Paris, Musée d’Orsay.

Der Ursprung der Welt (1866) von Gustave Courbet

Gustave Courbets Der Ursprung der Welt ist ein Gemälde, das in der Perspektive einer realistischen Nahaufnahme den Schambereich eines Frauenkörpers zeigt, sinnlich umgeben von den angrenzenden Brüsten und Oberschenkeln, die natürlich und bequem auf einer Liege liegen zerzaustes weißes Blatt. Ein solch äußerst innovatives Sujet sorgte zum Zeitpunkt seiner Entstehung für einen Skandal, da es eine fast äußerst korrekte und ungefilterte Sichtweise auf den weiblichen Körper bot, die erstmals in diesem Zusammenhang und aus diesem Blickwinkel aufgenommen wurde war äußerst intim und privat, in der Lage, uns zu enthüllen, was zwischen den Beinen des Bildnisses verborgen war. In Wirklichkeit sollte jedoch betont werden, dass Der Ursprung der Welt kein pornografisches Werk ist, da es das Ergebnis sorgfältiger Studien des Künstlers ist, die sich darauf konzentrierten, die Merkmale der Realität so gut wie möglich wiederzugeben. Die soeben erwähnte Absicht wurde durch ein sorgfältiges Studium der Darstellung sowie durch die Verwendung der italienischen Technik des Tonalismus erreicht, die das Meisterwerk in ein Werk von großem technischen Können verwandeln. Darüber hinaus könnte die möglicherweise skandalöse Bedeutung durch die Darstellung einer authentischen Metapher ersetzt werden, der der großen Magie der weiblichen Fortpflanzung. Trotzdem macht der starke Realismus, mit dem das Modell, wahrscheinlich Constance Queniaux, eine Tänzerin an der Pariser Oper, gemalt wurde, das Gemälde auch heute noch "unangenehm" anzusehen, wenn es sich tatsächlich auch um das skandalöseste Werk des 19. Jahrhunderts handelt erzählt eine andere Geschichte: die der Verbreitung der ersten erotischen Fotografien, die genau zum Zeitpunkt der Entstehung des Meisterwerks stattfand!

Trnski Velimir, Bad im Wald , 2021. Acryl auf Leinwand, 58 x 40 cm.

9. Impressionismus und die Schule von Paris: die Prostituiertenmodelle.

Die Werke der Impressionisten zeigen oft nackte Frauen, obwohl diese Art von Motiv der Akademie und den Parisern im Allgemeinen unangenehm war, so sehr, dass das Gemälde 1863, als Manets Frühstück im Gras ausgestellt wurde, einen großen Skandal auslöste. aufgrund der Tatsache, dass die nackte Frau in dem Meisterwerk mit zwei Mitgliedern der Pariser Bourgeoisie auf dem Rasen saß. Das Problem war, dass das Modell, das weder eine Nymphe noch eine allegorische Figur war, Motive, die von akademischen Künstlern bevorzugt wurden, die den großen Künstlern wie Raffael nacheifern wollten, mit der Haltung einer Prostituierten zu posieren scheint, deren Blick provokativ auf die Betrachter, als wolle sie ihn zum "Bankett" einladen. Diese Deutung würde auch dadurch gerechtfertigt, dass Manet in dem Werk einen Frosch malte, ein Tier, das in der damaligen Pariser Sprache genau auf die Figur der Prostituierten anspielte. Schließlich ist es erwähnenswert, wie diese Art von weiblichem Thema im Werk des Meisters fortbestehen würde, wie es Olympia beweist, ein Öl von 1863, das eine Frau in einer noch deutlicheren und schamloseren Haltung darstellt, eine Warnung vor einem schlechten Ruf. Nach den Impressionisten sorgten die im frühen 20. Jahrhundert entstandenen Künstler der Pariser Schule mit ihren Frauenakten für Aufsehen, wie der Fall Amedeo Modigliani zeigt.

Édouard Manet, Olympia , 1863. Öl auf Leinwand, 130,5 x 190 cm. Paris: Musée d’Orsay.

Olympia (1895) von Edouard Manet

Édouard Manets Olympia ist ein bekanntes Gemälde, dessen innovativer Stil, ein Vorläufer des Impressionismus, und das dargestellte weibliche Motiv, wahrscheinlich eine Prostituierte, im Pariser Salon von 1865 für viele Diskussionen sorgten. In der Arbeit wird das betreffende Mädchen eingefangen, während sie sich sinnlich auf einem Bett zurücklehnt, ein Ort, von dem aus sie dem Betrachter einen scharfen Blick zuwirft. Außerdem trägt die Protagonistin, deren Gesicht keine Emotionen zeigt, in ihrer völligen Nacktheit nur Clogs, ein Armband, Perlenohrringe und eine dünne schwarze Schnur, die um den Hals gebunden ist. In diesem Zusammenhang ist es erwähnenswert, wie Manet in diesem Meisterwerk, in dem auch eine schwarze Frau und eine schwarze Katze vorkommen, eine neue Sichtweise auf nackte Frauen vorschlug, indem er sie auf direkte, rohe Weise darstellte, die keine Kompromisse mit der Moral einging der ganzen Zeit. Tatsächlich schlug er anstelle des klassischen idealisierten Akts das kalte und realistische Bild einer jungen Prostituierten vor, deren Figur nicht mit mythologischen, allegorischen oder symbolischen Absichten überarbeitet wurde. Zudem wird gerade die klassische Pose der sittsamen Venus, also der Venus mit der Hand auf dem Schambein, in diesem dezidiert irdischeren Kontext aufgegriffen.

Edgar Degas, Die Wanne , 1886. Pastell auf Karton, 60 x 83 cm. Paris: Museo d’Orsay.

Die Wanne (1886) von Edgar Degas

Edgar Degas war sehr interessiert und angezogen vom Pariser Leben, selbst dem intimsten und verborgensten Leben der Stadt, ein Aspekt, der in seiner Serie von "voyeuristischen" Gemälden sehr auffällig ist, die darauf abzielen, nackte Frauen darzustellen, die sich in ihren Häusern auseinandersetzen Dressing. Das Pastell von 1886 mit dem Titel The Tub interpretiert das oben erwähnte Thema, das von Renaissance-Künstlern so geliebt wird, durch einen neuartigen Schnitt der Komposition neu, der darauf abzielt, die traditionellen Regeln des Akts zu brechen, um den Körper einer Frau von oben zu zeigen. Tatsächlich ist die junge Frau in sich zusammengefaltet dargestellt, mit ihrer linken Hand auf dem Waschbecken und ihrer rechten Hand auf ihrem Haar. Außerdem wird ihr Gesicht von einem wissenden Schatten verdeckt, während sich ihr schöner Rücken wie ein Bogen krümmt und ihren Hals und ihr Gesäß zur Geltung bringt.

Amedeo Modigliani, Nu couché , 1917-18. Eintauchen.

Unverschämte Akte von Amedeo Modigliani

1917 veranstaltete der Leghorner Künstler Amedeo Modigliani, auch bekannt als Modì und Dedo, eine Einzelausstellung in der Galerie Berthe Weill in Paris. Aus diesem besonderen Anlass wurde Léopold Zborowski, ein polnischer Kunsthändler, der die Werke des jungen Italieners an das oben genannte Unternehmen verkaufte, mit der Organisation der besagten Veranstaltung beauftragt. Vor diesem Projekt war Modigliani noch nie zuvor ausgestellt worden, so sehr, dass die im Weill seine erste Einzelausstellung überhaupt darstellte. Trotz der "Unerfahrenheit" war dies ein feuriges Debüt, da die im Fenster ausgestellten Akte, ungewöhnlich schön und weit von den Normen der Zeit entfernt, zum Eingreifen der Polizei führten, die daraufhin die Fenster herunterließ und diese skandalösen Visionen störte . Das Komische ist, dass, als Berthe Weill die Beamten fragte, was an einer Reihe von Akten, also Motiven, die seit Tausenden von Jahren gemalt werden, so schockierend sei, sie antworteten: "Da ist, dass diese Akte Haare haben." Aus diesem Grund wurde die erste Ausstellung von Modiglianis Aktbildern abgesagt, bevor sie überhaupt begonnen hatte.

Victor Molev, Kabbala , 2020. Gemälde, Öl auf Leinwand, 28 x 36 cm.

10. Expressionismus und Surrealismus: persönliche und visionäre Interpretationen

Unter den Avantgardebewegungen des 20. Jahrhunderts zeichnen sich die expressionistischen und surrealistischen Akte durch ihre Sinnlichkeit, ihre verborgenen Bedeutungen, Anspielungen und Verbindungen zur inneren und innersten Welt des Künstlers aus. In Bezug auf den Expressionismus drückt der Akt eher das individuelle Gefühl des Künstlers durch den Körper aus als eine bloße objektive Darstellung des anatomischen Datums. Zum Beispiel sind Angst, Traurigkeit und existenzielles Drama die Hauptthemen von Edvard Muchs künstlerischer Untersuchung, Gefühle, die er in Puberty wiedergibt, einem Werk von 1894, das darauf abzielt, ein nacktes junges Mädchen zu verewigen. In ähnlicher Weise porträtieren auch die Künstler der Brücke (deutscher Expressionismus) oft nackte jugendliche Mädchen, ebenso wie Kirchner, der 1910 Marcella produzierte, ein Werk, in dem ein junges Mädchen mit vereinfachten Formen, scharfen, klingenden Farben und einem starken, ausdrucksstarker Strich. Ein weiterer Expressionist ist schließlich Schiele, ein Künstler, dessen Thema der weiblichen Körperlichkeit eines der beliebtesten war, das durch die Verschmelzung von Sexualität und Qual wiedergegeben wird. Was den Surrealismus betrifft, so lässt sich die Vision dieser künstlerischen Strömung vom weiblichen Akt durch das Werk ihres berühmtesten Meisters, nämlich Salvador Dali, zusammenfassen, einem Künstler, der sich der Weiblichkeit durch einen poetischen Fokus auf die unbewusste und traumhafte Dimension der Frau näherte menschliches Wesen.

Edvard Munch, Pubertät , 1894–95. Öl auf Leinwand, 151,5 × 110 cm. Oslo: Nationalgalerie.

Pubertät von Munch (1893)

Der weibliche Akt sowie das Thema Sexualität werden in Munchs 1893 entstandenem Gemälde Puberty untersucht. Die erste Version dieses Sujets entstand 1885 oder 1886, ging jedoch verloren, so dass im Laufe der Zeit die Meister reproduzierte es in mehreren Werken. Auf dem Gemälde von 1893 erscheint ein junges Mädchen, das an einem kahlen Ort dargestellt ist, auf der Bettkante sitzend, allein und nackt, sie hat ihre Beine geschlossen und ihre Arme über ihrem Schambein verschränkt. In dieser Pose sind ihre Augen weit geöffnet und ihr Mund geschlossen, als wolle sie einen gestörten emotionalen Zustand andeuten, wahrscheinlich aufgrund der Unreife ihres Körpers, beleuchtet von einem Licht, das von links kommt, um eine unheimliche und bedrohliche Wirkung zu erzeugen Schatten. Genau dieser letzte dunkle Bereich scheint auf die Zukunft des Mädchens anzuspielen, die dramatisch oder sogar tragisch projiziert wird. In der Tat könnte der Sinn der Arbeit darin bestehen, in der Pubertät die Macht zu erkennen, unschuldige Mädchen in Frauen zu verwandeln, deren Sexualität für ihre männlichen Kollegen ein Werkzeug sein kann, entweder der Freude oder dem Schmerz.

Salvador Dalì, Traum durch den Flug einer Biene , 1944. Öl auf Holz, 51 × 40,5 cm. Madrid: Thyssen-Bornemisza-Museum.

Traum verursacht durch den Flug einer Biene (1944) von Salvador Dali

In der reichen, traumhaften und surrealen Komposition von Dream Caused by the Flight of a Bee, einem Werk von Salvador Dali aus dem Jahr 1944, finden wir auch den nackten, ausgestreckten Körper einer Frau, die fest entschlossen ist, auf einem Felsen mitten im Meer zu schweben. Die Ruhe eines solchen Motivs ist kaum vorstellbar, wenn wir uns, wie auf dem Gemälde, die plötzliche Annäherung zweier riesiger und gefräßiger Tiger sowie das Herannahen eines Bajonettgewehrs vorstellen, dessen Spitze sogar kurz davor ist, die der Frau zu berühren Arm. Darüber hinaus gibt es mehrere Bilder, die in dem Gemälde erscheinen, so sehr, dass das Werk aus einem Traum heraus entstanden zu sein scheint, einer Realität, in der Fremdheiten aufeinander folgen, während sie sich auf die reale Welt beziehen. Tatsächlich stammt das Meisterwerk aus dem Bericht eines traumhaften Ereignisses, das der Geliebten des spanischen Meisters, nämlich Gala, widerfahren ist, die aufgrund des Summens einer Biene, die um ihr Ohr flog, alle oben genannten Visionen nacheinander imaginierte.

Andrea Vandoni, Die Faulheit , 2022. Öl auf Leinwand, 73 x 116 cm.

11. Zeitgenössische Kunst: Meinungsfreiheit und vielfältige Sichtweisen

Zeitgenössische Künstler können den weiblichen Akt darstellen, indem sie sich entweder auf die große figurative Tradition der Vergangenheit beziehen oder sich durch freie und innovative Sichtweisen ausdrücken. In jedem Fall besteht der Zweck einer solchen Untersuchung, die die Frau zum Gegenstand hat, darin, die Ähnlichkeit mit dem aufzudecken, was laut der Künstlerin die reinste Idee von Weiblichkeit ausdrücken könnte, die in der Lage ist, sie zu animieren, zu faszinieren, anzuziehen und zu bewegen Vorstellung. Nicht zu vergessen ist in diesem Zusammenhang die künstlerische Auseinandersetzung von Tom Wesselmann, Marina Abramović, Yayoi Kusama, Takashi Murakami, Damien Hirst, Jeff Koons und Fernando Botero, die teilweise auch den nackten weiblichen Körper dargestellt haben.

Thomas Wesselmann

Wesselmann begann etwa 1959, nackte Frauen zu malen und lehnte den vorherrschenden Stil des abstrakten Expressionismus ab, um sich durch grafische und provokative Porträts auszudrücken. Letztere, perfekt passend zur sexuellen Revolution der 1960er-Jahre, liegen oft in suggestiven und sinnlichen Posen, denen zuweilen der Anschein von Ironie nicht fehlt. Seine Figuren, von denen viele der Frau des Künstlers, Claire Selley, nachempfunden sind, weisen oft kräftige Bräunungslinien auf, die den Zweck haben, den Blick des Betrachters auf die Brennpunkte der Brüste und des Schambeins zu lenken. Von seiner ersten Serie von Akten mit dem Titel "Great American Nude" (1961-73) bis zu seinen jüngsten "Sunset Nudes" (2003-04) hat Wesselmann versucht, mit neuen künstlerischen Techniken und Kompositionen zu experimentieren, in denen unkonventionelle Nah- Höhen des Körpers stechen hervor und haben den Zweck, neue Wege zu schaffen, Betrachter mit der weiblichen Form zu necken. Zusammenfassend können wir, um ihre Arbeit besser zu verstehen, die Worte der Künstlerin direkt zitieren: „Ich stelle Akte nicht aus soziologischen, kulturellen oder emotionalen Gründen dar.“ „Ich denke, der Akt ist ein guter Weg, um im übertragenen Sinne aggressiv zu sein. Ich möchte beim Betrachter intensive und explosive Reaktionen hervorrufen.“

Retrospektive „ Yayoi Kusama: 1945 bis heute“. Hongkong: M+ Museum!

Yayoi Kusama

In den letzten 50 Jahren haben Künstler, Kunsthistoriker und Theoretiker viel über die Politik, den Schmerz und die Freuden des Körpers und seine Beziehung zur Identität nachgedacht. Yayoi Kusamas umfangreiches Werk, gefüllt mit zum Nachdenken anregenden Werken, hat sich mit vielen der oben genannten Themen befasst. In der Tat hat die Künstlerin durch ihre breite Palette an Stilen und Bildern, die ihre komplizierte Persönlichkeit gut wiedergeben, den Körper untersucht, hauptsächlich durch Performance-Kunst. Eine solche Untersuchung hat auch die Nacktheit der Künstlerin selbst erfasst, die, gekennzeichnet durch ihre ikonischen Punkte, auf berühmten Fotos aus den späten 1960er Jahren erscheint, auf denen Kusama zusammen mit ihrer „Accumulation“-Serie posiert.

Roman Rembovsky, Im Garten Eden , 2022. Öl auf Leinwand, 120 x 140 cm.

Die unsterbliche Anziehungskraft des Nackten: Fortsetzung folgt...

Der Akt stellt wie Stillleben, Landschaften und Porträts ein unsterbliches Thema in der Kunstgeschichte dar, mit dem Künstler immer wieder konfrontiert werden und mit den größten Meistern aller Zeiten in „Wettkampf“ treten. In diesem Zusammenhang erweist sich der weibliche Akt als Thema von großem Interesse, denn waren in der Antike vor allem Männer vertreten, weiß man, wie sich ab der Renaissance das schöne Geschlecht in diesem Typus „durchgesetzt“ hat der Darstellung. Daher stellt sich die obige Darstellung als nicht erschöpfend heraus, da sie kontinuierlich durch zukünftige, beispiellose, originelle und wahrscheinlich skandalöse Standpunkte ergänzt werden kann.