Die Frauen, über die wir hier sprechen werden, sind keine " Frauen ", sie waren bereits Künstlerinnen, bevor sie ihre Männer trafen, hatten ihren eigenen Stil und Ambitionen und waren so geschickt und talentiert wie ihre Begleiterinnen.
Elin Danielson-Gambogi, Am Ende des Frühstücks , 1890.
1. Josephine Hopper ( und Edward Hopper )
Jeder kennt Edward Hopper, aber wer erinnert sich an seine Frau Jo?
Ihr richtiger Name Josephine Verstille Nivison war ihr jedoch eine vielversprechende Zukunft vorbestimmt. 1883 in Manhattan geboren, wandte sie sich schon sehr früh einer künstlerischen Laufbahn zu und drückte sich leicht durch Zeichnen und Theater auf den Bänken der Universität aus. 1905, als sie gerade einmal 22 Jahre alt war, lernte sie Robert Henri kennen , eine bedeutende Persönlichkeit des amerikanischen Realismus . Nachdem er sie gebeten hatte, für eines seiner Porträts ( The Art Student , 1906) zu posieren, wurde er ihr Zeichenlehrer und baute eine ebenso freundschaftliche wie professionelle Beziehung zu ihr auf.
Danach arbeitete sie als Lehrerin für junge Mädchen und widmete ihre Freizeit der Ölmalerei. Bis zu ihrem 40. Lebensjahr genoss sie ein Leben in völliger Unabhängigkeit , verkehrte mit vielen Künstlern, reiste mit ihrem Zeichenlehrer und ihren angehenden Malerkollegen durch Europa und nahm jeden Sommer an Künstlerkolonien in Nova Scotia, England, teil. Sie begann eine notorische Sichtbarkeit dank der Ausstellung zu genießen einige ihrer in New Yorker Galerien arbeitet, neben bekannten Künstlern wie Pablo Picasso, Amedeo Modigliani oder Man Ray. In diesem künstlerischen Mikrokosmos lernt sie ihren zukünftigen Ehemann Edward kennen, zunächst an der Kunstschule, dann während verschiedener Künstlerkolonien in den Vereinigten Staaten.
Robert Henri, Der Kunststudent (Porträt von Josephine Nivison) , 1906.
Die Liebenden heirateten 1924 . Josephine V. Nivison wird zu Jo Hopper und beteiligt sich am Aufbau eines ebenso turbulenten wie inspirierenden Paares . Sie reisen quer durch Amerika und malen gemeinsam, doch die Fantasie einer kreativen Romanze wird für Josephine schnell zur ehelichen Belastung . Das Duo kämpft regelmäßig, und diese wiederkehrenden Spannungen schwächen ihren Ehrgeiz. Allmählich vernachlässigte sie ihre Leidenschaft, die Impresario ihres Mannes zu werden , und kümmerte sich um die meisten häuslichen Aufgaben, um ihm so viel Zeit wie möglich für die Kreation zu geben.
Ihr Ehemann wurde zu Lebzeiten schnell legendär, dank rätselhafter, raffinierter und stiller Werke , die das tägliche Leben eines abgelegenen und zutiefst einsamen Amerikas beschreiben. Ohne die Hilfe seiner Frau hätte Edward Hopper jedoch nie den ihm heute anerkannten Erfolg erzielen können . Viel mehr als ein einfaches Modell oder eine gewöhnliche Muse trug Josephine enorm zum künstlerischen Aufstieg ihres Mannes bei. Da er schüchtern und zurückhaltend war, half sie ihm, Beziehungen zu Fachleuten auf dem Kunstmarkt aufzubauen, um seine Arbeit zu fördern.
Wenn Sie jemals von Josephines Verzicht betrübt sind, halten Sie sich fest, denn diese Geschichte hat viel, viel mehr Beunruhigendes:
Edward Hopper starb 1967 im Alter von 84 Jahren ohne Nachkommen. Seine Witwe Josephine wird ihn ein Jahr überleben, bevor sie 1968 ebenfalls im Alter von 84 Jahren in allgemeiner Gleichgültigkeit stirbt. Sie wird diese wenigen Monate der Trauer nutzen, um die Nachwelt ihrer Arbeit und die ihres Mannes zu organisieren. So wird sie ihre Arbeit dokumentieren und dem Whitney Museum in New York eine beachtliche Anzahl von Werken des Ehepaars vermachten. Heute werden alle von Edward handsignierten Werke präsentiert, aber keine Spuren von den Hunderten von Werken, die Joséphine produziert und vermacht hat .
Jo Hopper, Ohne Titel (Landschaftsstudie um das Hopper House mit Cape Cod Bay in der Ferne).
In den Reservaten des Museums aufbewahrte Werke? Wenn nur…
Tatsächlich ist die überwiegende Mehrheit von Joséphines Werken inzwischen vollständig verschwunden . Seit seinem Tod hat das Whitney Museum kein einziges Werk des Künstlers ausgestellt , und noch schlimmer, es hat dafür gesorgt, dass dieser Geisterbestand beseitigt wurde, was den Platzmangel in den Museumsreserven rechtfertigt. Das Museum verbrannte einen Teil der Werke und übergab den anderen Teil an Krankenhäuser, die sie aus Platzmangel ebenfalls größtenteils zerstörten . Von hundert entstandenen Werken sind heute nur noch wenige Stiche, Aquarelle und Schwarz-Weiß-Fotografien erhalten.
Unheilvolle Belohnung für eine Frau, die ihr Schicksal opferte, um den Triumph ihres Mannes zu begründen.
2. Margaret Keane (und Walter Keane)
Margaret Keane, Im Garten , 1963.
Erkennen Sie diese großen Augen?
Einige von Ihnen kennen diese Geschichte sicherlich, denn sie war Gegenstand eines erhabenen Spielfilms von Tim Burton aus dem Jahr 2014: Big Eyes (bereits erwähnt in unserem Artikel Wenn das Kino Meisterwerken würdigt. Werk der Kunstgeschichte ).
Es ist der verwirrendste Identitätsdiebstahl seit dem Aufkommen der modernen Kunst : ein emanzipatorisches Epos, das Machismo , Bosheit und Unanständigkeit vermischt. Halten Sie durch, wir entführen Sie in die düstere und leuchtende Welt von Margaret Keane .
Diese neugierige Künstlerin wurde 1927 in Nashville ( Tennessee ) unter dem schönen Namen Peggy Doris Hawkins geboren. Als sie erst 2 Jahre alt war, erlitt sie bei einer scheinbar gutartigen medizinischen Operation einen Unfall , der ihr rechtes Trommelfell irreparabel beschädigte . Schon in jungen Jahren zeigte sie ein tiefes Interesse am Zeichnen , eine Tätigkeit, die sie enorm ausübte. Mit 10 schrieb sie sich in einer Zeichenschule ein, um ihr Wissen und ihre Technik zu vertiefen. Zu dieser Zeit fertigte sie bereits ihre ersten Ölbilder an. Sein verletztes Trommelfell hindert ihn daran, richtig zu hören. Dieses Handicap wird ihn in eine besondere Einsamkeit sperren und ihn zwingen, sich auf die Blicke seiner Gesprächspartner zu konzentrieren, um sie besser zu verstehen (Sie sehen den Link mit den berühmten großen Augen ). Schüchtern und zurückhaltend isoliert sie sich nach und nach in einer Blase der Einsamkeit , die sich in der Wahl ihrer Motive ( Kinder, Frauen, Katzen, Hunde, Pferde ) sowie in der Wahl der Farben und der verwendeten Technik ( Malerei in Öl gemischt mit Acryl ).
Sein ungewöhnlicher Stil liegt an der Grenze zwischen Kitsch-Surrealismus und naiver Kunst .
Diskret, unbekannt und abseits der Kunstwelt, änderte sich ihr Schicksal mit über 25 Jahren Mitte der 1950er Jahre radikal . Sie lernt einen Künstler mit mittelmäßiger Technik, aber wachsendem Erfolg kennen: Walter Keane . Obwohl beide verheiratet sind, verlieben sie sich ineinander und vereinigen sich 1955 in Honolulu.
Bob Campbell, Margaret Keane und Walter Keane , The Chronicle.
Walter Keane ist ein atypischer Charakter : Er ist charismatisch , verführerisch , gesprächig und unverkennbar egozentrisch . Ein schönes Beispiel für toxische Männlichkeit, wie wir mehr davon machen ( und ohne Bedauern ). Er verfällt schnell in Ehrfurcht vor den großäugigen Leinwänden seiner Geliebten und ist heimlich eifersüchtig auf seine Beherrschung des Pinsels . Er weiß, dass seine Bilder einzigartig sind und zu einem guten Preis verkauft werden können. Mit seinem Charisma und seiner kaufmännischen Erfahrung beschließt er dann, das zu erreichen, was die zu schüchterne Margarete nicht konnte: ihre Arbeit zu bewerben und zu verkaufen .
Ein Ehemann, der seiner Frau, einer zurückhaltenden Künstlerin, hilft, seine Werke zu verkaufen: Wo ist der Schaden?
Um Käufer anzulocken, stellte Walter die Werke seiner Frau in einem Club in San Francisco aus. Angesichts des großen Erfolgs dieser Operation und der vielen Bewunderer, die mehr über die Signatur dieser seltsamen Porträts erfahren möchten, beschließt ihr Ehemann, ohne Wissen seines Partners, den Autor dieser Werke zu sein . Es war der Beginn einer großen Täuschung , die mehrere Jahre andauern und Margaret enormes Leid zufügen würde. Zu zerbrechlich, um sich angesichts der Betrügereien und Drohungen ihres Mannes zu wehren, wird sie schweigen und sogar so weit gehen, öffentlich zu bestätigen, dass er tatsächlich der Autor dieser großartigen Rehaugengesichter ist.
Nach und nach verschließt sich Walter Keane in seiner Erfolgsillusion . Da er ein sehr guter Werber ist, fließen die Arbeiten immer schneller und das Geld fließt frei. Er beginnt daher, eine Mythologie um „ sein “ Werk herum zu erfinden und schließt Margaret in ihre eigenen Lügen ein, kanalisiert ihre emanzipatorische Begeisterung mit großen Verstärkungen von Drohungen und Einschüchterungen und zwingt sie, den ganzen Tag (manchmal sogar bis zu 16 Stunden am Tag ) zu malen. . Auf der anderen Seite schnappen sich große amerikanische Galerien seine Bilder, und selbst Andy Warhol verfällt in seinen Bann .
Bill Ray, Margaret und Walter Keane , Life Magazine, 1965.
Glücklicherweise wird der Druck eines schönen Tages für Margaret unerträglich. Sie beschließt, Walter zu verlassen, und verkündet 1970 live im Radio, dass sie die wahre Schöpferin dieser Bilder mit großen Augen ist . Nach einer langen Zeit der Kontroversen und des gerichtlichen Kreuzzugs wird Margaret endlich für ihr Talent anerkannt, und der traurige und melancholische Blick der Kinder, die sie gemalt hat, als sie Opfer der Grausamkeit ihres Mannes wurde, weicht zarten, blühenden Porträts und farbenfrohen Symbolen der eine neue Lebensfreude . Ein wohlverdientes Happy End , anders als die traurige Nachkommenschaft von Josephine Hopper.
Und wenn Sie Big Eyes , Tim Burtons Film über das turbulente Leben von Margaret Keane, noch nie gesehen haben , können wir ihn nur wärmstens empfehlen!
3. Sophie Taeuber-Arp (und Jean Arp)
Der breiten Öffentlichkeit unbekannt, hat die Schweizer Künstlerin Sophie Taeuber-Arp eine ebenso schillernde wie aussergewöhnliche Karriere hingelegt. In (sehr) vielen Disziplinen zu Hause: Malerei, Bildhauerei, Mode, Architektur, angewandte Kunst und Tanz, besuchte sie die größten Künstler des frühen 20. Jahrhunderts und war eine führende Figur der Bewegung Dada, Konstruktivismus und Konkreter Kunst.
Sophie Taeuber-Arp, Tête Dada , 1920. Museum of Modern Art, New York.
Doch wenige Dinge prädestinierten die junge Sophie Taeuber zu einer großen künstlerischen Karriere . Sie wurde 1889 in Davos, Schweiz, geboren. Ihr Vater, von Beruf Apotheker, starb, als sie nur 2 Jahre alt war. Dann wuchs sie mit ihrer Mutter, Designerin und Fotografin, und ihren Geschwistern in der tiefen und idyllischen Schweizer Landschaft auf , zusammen mit Webern, die ihr das Nähen beibrachten.
Seine Mutter ermutigte ihn, seine frühen künstlerischen Begabungen zu entwickeln , und diente sogar als Modell. Als Sophie starb, als Sophie erst 20 Jahre alt war, beschloss sie, ihr Schicksal in die Hand zu nehmen und studierte in München und dann Hamburg angewandte Kunst . Sie entdeckte ( unter anderem ) die Keramikkunst, das Drechseln von Holzgegenständen, das Design und die Kostümherstellung.
1915, als der Erste Weltkrieg tobte, musste sie in die Schweiz zurückkehren. Sie lässt sich in Zürich nieder und macht viele Künstlerfreunde , die selbst Zwangsflüchtlinge sind, die vor den Verwüstungen eines Konflikts fliehen, den sie nicht dulden. Dort sagt sie ihr künstlerisches Talent und lernt Jean Arp kennen, den sie 1922 heiratete. Auch wenn bei dem Ehepaar Taueber-Arp nicht alles so rosig ist, sind wir weit entfernt von den Spannungen zwischen Edward und Jo Hopper oder den Manipulationen, die von Walter Keane über seinen Begleiter. Das Duo lebt von Sophies Einkommen, schafft es aber gemeinsam und inspiriert sich gegenseitig.
Sophie Taeuber-Arp und Jean Arp, Ascona (Spanien), 1925.
1929 erhielten Sophie und Jean die französische Staatsbürgerschaft. Sie nutzen diesen Neuanfang, um sich in Meudon bei Paris niederzulassen. Jean ist in der Pariser Szene bereits sehr bekannt und lässt Sophie viele einflussreiche Künstler der Zeit kennenlernen, die seine Freunde werden werden: insbesondere Max Ernst , sowie Sonia und Robert Delaunay . Die Gäste drängeln sich an der Tür ihrer Hauswerkstatt in Meudon, und Sophies Ehrgeiz wird durch den Erfolg ihres Mannes zunichte gemacht . Damals galt sie eher als Gastgeberin und Ehefrau von Jean Arp, der bis heute im Mittelpunkt steht . Sie produzierte in dieser Zeit viele Werke, wagte es aber immer weniger, diese zu präsentieren und zog die Bequemlichkeit des Rückzugs der Arroganz des Rampenlichts vor, das sie im Blick ihres Mannes wahrnahm .
Die Verbindung zwischen Sophie und Jean war weit entfernt von den giftigen Spannungen, die die Paare Hopper und Keane verbanden. Als Sophie 1943 an einer Kohlenmonoxidvergiftung durch einen defekten Holzofen starb, blieb ihr Mann untröstlich . Es wird Jahre dauern, bis sie zu einem normalen Leben zurückkehrt, und ihr gesamtes künstlerisches Schaffen wird von ihrem Liebesverlust geprägt sein . Er wird auch verlangen, dass seine eigenen Werke nur neben denen von Sophie ausgestellt werden dürfen. Eine tugendhafte Bitte mit paradoxen Folgen , denn der Name von Sophie Taeuber, Ehefrau, aber unabhängiger Künstlerin , wird für immer mit dem von Jean Arp in Verbindung gebracht.
Sophie Taeuber-Arp, Komposition von Kreisen und überlappenden Winkeln , 1930.
Trotz all dieser Bemühungen wird Sophie schnell von der breiten Öffentlichkeit vergessen , die sich nur für die Werke von Jean Arp interessiert. Der Fehler eines Systems : Institutionen, Museen, Galerien und Sammler, die die Bedeutung eines so starken Werks nicht anerkennen wollen, weil es von einer Frau produziert wird. Wiederentdeckt vor kurzem, im späten 20. Jahrhundert, ist sein Gesicht heute ein Dada-Ticket von 50 Schweizer Franken, und internationale Institutionen haben seine radikalen Werke, einzigartig und originell, fotografiert.
4. Lee Krasner (und Jackson Pollock)
Lee Krasner, Kampf , 1965. Nationalgalerie von Victoria, Melbourne .
Lee Krasner gilt heute als Pionierin des abstrakten Expressionismus in den Vereinigten Staaten, obwohl sie lange Zeit von der noch immer kräftigen Aura ihres Mannes Jackson Pollock überschattet wurde, der jedes Jahr in Panik in den Auktionssälen gerät Bratenfett legendär .
Geboren 1908 in den USA als Tochter einer Familie ukrainisch-jüdischer Einwanderer, die vor Antisemitismus und Krieg flohen, zeigte sie schon früh ein starkes Interesse an künstlerischer Praxis . Wie ihre Schwestern Jo Hopper, Sophie Taeuber und Margaret Keane wollte sie schon früh eine künstlerische Laufbahn einschlagen und schrieb sich deshalb in Washington an einer Mädchenschule mit künstlerischem Studiengang ein. Sie erlangte schnell ein Lehrdiplom in Kunst und knüpfte nach und nach ein Netzwerk von Künstlern und professionellen Freunden aus der Kunstwelt , die ihre Kreativität und ihren Ehrgeiz stimulierten.
1933 schloss sie sich der American Abstract Artists-Bewegung an und lernte die kreativen Talente der Zeit kennen: Willem de Kooning , Arshile Gorky , Adolph Gottlieb , Mark Rothko , Barnett Newman oder sogar Clyfford Still , um nur einige zu nennen. Sie schafft abstrakte, gestische und expressive Werke in großen Formaten und experimentiert mit einer Vielzahl von Techniken: Malerei, Kohle, Collage, Mosaik ... Sehr anspruchsvoll für ihre eigene Arbeit, zerstört sie regelmäßig ihre Leinwände und gewinnt manchmal Stücke dafür zurück. zu neuen Errungenschaften hinzufügen. Entsprechend bescheiden ist die Zahl der erhaltenen Werke : Ihr Werkverzeichnis listet rund 600 bekannte Werke auf , was für eine seit fast 50 Jahren produzierende Künstlerin recht limitiert ist.
Jackson Pollock und Lee Krasner in ihrem Atelier, 1950. Foto von Lawrence Larkin
Sie lernte Jackson Pollock 1941 kennen. Sie verliebten sich ineinander und heirateten 4 Jahre später, 1945. Kreativ inspirieren sich die beiden Wesen gegenseitig , wagen sich in ähnliche Gebiete vor, ohne vulgäres Kopieren und Einfügen zu sein . Lee bringt ihr Fachwissen und ihr Wissen ein, sie wird alles geben, um die Arbeit ihres Mannes zu fördern . Ihre Ansätze sind unterschiedlich, aber ihre Ambitionen sind die gleichen. Dank seiner Frau lernt Jackson Pollock Kritiker und einflussreiche Galeristen wie Peggy Guggenheim oder Clement Greenberg kennen . Ihre Beziehung entspringt einem echten Austausch : Lee rät Jackson, seinen Werken keine Titel mehr zu geben, damit die Öffentlichkeit seine Bilder betrachten kann, ohne nach externen Referenzen zu suchen, während Jackson seiner Frau hilft, bei der Realisierung seiner Werke mehr Risiken einzugehen.
Aber auch wenn es innerhalb der Werkstatt gut läuft, sind die Gefühle draußen ganz anders. Lee Krasner wird regelmäßig unter der öffentlichen Rezeption seiner Identität leiden. Die Betrachter werden systematisch die Verbindung zwischen ihrer Arbeit und der ihres Mannes herstellen. Kritiker ihrerseits werden sie als inspirierende Muse , oder noch schlimmer, als banale Nachahmerin betrachten , ohne jemals ihre Arbeit unabhängig von der ihres Mannes oder auf fairer Basis zu analysieren versuchen. Selbst nach dem makabren Tod von Jackson Pollock (den wir bereits in unserem Artikel über 3 gefolterte Künstler mit tragischem Schicksal erwähnt haben ) wird es ihr schwer fallen, sich als unabhängige Künstlerin zu behaupten , trotz einer Entwicklung in der Autonomie im Laufe ihres Lebens. und ihre Weigerung, den Nachnamen ihres Mannes anzunehmen. Ein Kritiker wird sie sogar " Action Widow " nennen, eine Kombination aus Action Painting (eine künstlerische Praxis, deren Hauptfigur Jackson Pollock war) und Witwe , um auf Lee Krasners besondere Abhängigkeit von ihrem verstorbenen Ehemann zu bestehen. Eine zutiefst frauenfeindliche Haltung, symptomatisch für eine völlig hemmungslose patriarchalische Gesellschaft.
Lee Krasner, Sirene , 1966. Barbican Center, London.
Lassen Sie uns abschließend daran denken, dass diese 4 talentierten Künstler nicht die einzigen Kollateralopfer des Triumphes ihres Mannes sind . Die Liste kann nie vollständig sein, aber lassen Sie uns zum Beispiel Dorothea Tanning , Ehefrau von Max Ernst, Jean Cooke , Ehefrau von John Bratby, oder Elaine de Kooning , Ehefrau von Willem de Kooning zitieren ...
Tatsächlich sind sie so zahlreich, dass ihre Missbilligung nicht einfach dem Zufall geschuldet sein kann . Es ist das bittere Symbol eines allgemein akzeptierten Verhaltens, einer Zeit, in der Männer aus Angst oder Verachtung den Künstlerinnen nicht den Platz anerkennen wollten, den sie dennoch verdienten. Heute ändern sich die Dinge , und jeden Tag können wir die Geschichte einer neuen Künstlerin entdecken, die in ihrer Zeit wiederentdeckt und in ihrem Einfluss rehabilitiert wurde.
Hoffen wir also, dass die Vergangenheit nur der Vergangenheit angehört und dass die Fehler von gestern nicht mehr so oft passieren.
Bastien Alleaume