Es war Janel Sobel statt Jackson Pollock...

Diese Geschichte in die Geschichte der Dripping-Technik einordnend, beginne ich zunächst in verständlicher Weise damit, von Janel Sobel anstelle von Jackson Pollock zu sprechen, um das Leben und die künstlerische Reise eines Malers zu veranschaulichen, der immer noch geschätzt, veränderte tatsächlich drastisch die Geschicke der Kunstwelt, ebenso wie die abstrakte Herangehensweise des oben genannten und bekannten amerikanischen Meisters. Sobel war ein abstrakter expressionistischer Maler, der 1893 in Dnipro, der heutigen Ukraine, als Sohn einer jüdischen Familie geboren wurde, die leider das Familienoberhaupt während eines blutigen Pogroms verlor, einem Aufstand, vor dem der Künstler gezwungen war, nach New zu flüchten York mit ihrer Mutter und ihren Geschwistern. Ihr schwieriges Leben führte sie zunächst nicht dazu, sich der Kunst zu nähern, einer Disziplin, für die sie, obwohl sie eine übermäßige Liebe und ein übermäßiges Interesse hegte, beiseite legen musste, um sich ihren fünf Kindern zu widmen, die sie aus ihrer Ehe mit einem Goldschmied hatte im Alter von sechzehn Jahren. Es waren jedoch ihre Nachkommen, die ihr die Gelegenheit boten, ihre schlafende Leidenschaft wiederzuerwecken, so sehr, dass Sobel im Alter von vierundvierzig Jahren zu malen begann, angeregt von ihrem jugendlichen Sohn, der als eine Art „Pygmalion“ seine erkannte Mutters Talent und förderte ihre künstlerische Entwicklung. Von diesem Zeitpunkt an begann Sobel in ihrer Wohnung in Brighton Beach (New York) zu malen, wobei sie ihrer "jungfräulichen" Kreativität freien Lauf ließ, dh autodidaktisch, durch die Verwendung von Malmaterialien ihrer Kinder, darunter Scherenschnitte, Umschläge, Pappstücke, am Strand gefundene Muscheln etc. Die Motive für diese Eingriffe konvergierten oft in der Gestaltung der Kindheitserinnerungen, wiedergegeben durch Zitate aus der ukrainischen Volkskunst, regionalen Bräuchen, traditionellen jüdischen Familien etc., manchmal auch durchmalt Verwendung innovativer erfundener automatischer Techniken, die zu abstrakten Kompositionen führten, die einigen Methoden der surrealistischen Malerei nahe kamen. In diesem Zusammenhang ist hervorzuheben, dass, wenn ihre frühen Werke, die von einer vorherrschenden primitivistischen Poesie geprägt waren, von traumhaften Formen geprägt waren, die auf verzauberten Landschaften schwebten, die dem Beispiel der etwas älteren Chagall würdig waren, ihre späteren Werke sich von einer mehrdeutigen amorphen Expressivität entfernten Kadenz, über surrealistische Impulse bis hin zur reinen Abstraktion, in der Sobel zum ersten Mal in der Kunstgeschichte die Technik des Tröpfelns erfand, indem er mit einer Pipette experimentierte. Ja, Sie haben richtig gelesen, die Kunstgeschichte, wie sie immer erzählt wurde, berichtet von einer großen Ungenauigkeit und nennt häufig die Figur Jackson Pollock, auch bekannt als Jack the Dripper, als Urheber der oben genannten Art der Farbherstellung mit dem Medium kommunizieren. Trotz dieses Schocks ist es gut, nicht zu vergessen, wie es die Arbeit des amerikanischen Künstlers war, die die oben erwähnte Technik in den Vordergrund gerückt hat, die zum ersten Mal effektiv mit der Welt des Unbewussten als Offenbarungswerkzeug verbunden wurde. fähig, durch die Impulse des physischen Aktes des Malens eine Geste mit hoher emotionaler Kraft zu formen, fähig, die tiefen Bewegungen des Seins zu enthüllen. Darüber hinaus verheimlichte letzterer Meister nicht, dass er sich von Sobel inspirieren ließ, genauso wie er 1961, dem Jahr, in dem der Kunstkritiker Clement Greenber schrieb, erklärte: „Pollock gab zu, dass Sobels Gemälde ihn beeindruckt hatten.“

SAMSON (2022) Gemälde von Ykstreetart.

GENIESSEN SIE BLAUEN HINTERGRUND (2022) Gemälde von Michael Edery.

Sobel / Pollock-Vergleich

Nach dieser Offenbarung, für die Sie heute Nacht sicher nicht schlafen werden, halte ich es für angebracht, die Arbeit der oben genannten Meister durch einen Vergleich zu vergleichen, der darauf abzielt, Technik, Chromatik und Themen einzubeziehen, die in einigen der angegebenen Meisterwerke verwirklicht wurden unten vor allem Sobels Milky Way (1945) und Pollocks Galaxy (1947). Im ersten Gemälde, materialisiert durch eine schnelle und spontane Realisationsweise, wird Tropfen vor einen mehrfarbigen Hintergrund gesetzt, wo er sich in Rosa- und Gelbtönen verschlingt, wobei letztere Farbe diesmal ausschließlich und überwiegend auch in erkennbar ist die oben erwähnte Arbeit von 1947. Jenseits der technischen und farblichen Verwandtschaft verweisen schon die Titel der Bilder auf die Unermesslichkeit des Universums, das im Fall des amerikanischen Malers durch einen tropfenden Pinsel Gestalt annahm, der bewusst nicht die gesamte Farbschicht bedeckte darunter, auf die der Künstler auch kleine Kiesstücke einlegte, um die Konsistenz zu erhöhen. Rein chromatische Verwandtschaften finden sich hingegen zwischen Sobels Untitled (JS-015) (1946-48) und Pollocks Free Form (1946), wo sich die Präsenz von Rot und Schwarz aufdrängt, obwohl es im Werk des ukrainischen Malers der Fall ist ist die Blutfarbe, die alle anderen überwältigt, während in der Malerei des Amerikaners das Schwarz das letzte sagt und sich als höchste Schicht der Komposition durchsetzt. Wenn ich nur kurz an Sobel denke, entstanden im selben Jahr zwei weitere Arbeiten, in denen Rot eine herausragende Rolle spielte, wie zum Beispiel Untitled (1946) und Untitled (1946-1948), die alle drei zusammen betrachtet werden , scheinen eine allmähliche Eskalation der Vorherrschaft des vorgenannten Farbtons zu sein. Um auf „Sobel versus Pollock“ zurückzukommen, schlage ich vor, das einem anthropomorphen Fuchs ähnelnde Tier aus Untitled (1947) des Dnipro-Malers mit den Bestien zu vergleichen, die von Jacksons Mural (1943) verewigt wurden, da insbesondere im letzteren Fall Die Fauna-Abstraktion des amerikanischen Meisters wäre wahrscheinlich der von Sobel vorausgegangen. Apropos Wandbild, tatsächlich formt es durch Zeichen, die sich auf weißem Grund ineinander verschlingen, Linien, Buchstaben und Tiergesichter, die stark stilisiert die steile Flucht der Bestien aus den Ebenen Westamerikas beschreiben sollen , inspiriert von künstlerischen Manifestationen der amerikanischen Ureinwohner und mexikanischen Wandmalereien. Abschließend mit der menschlichen Figur beleben drei große stilisierte Gesichter, die überwiegend in Rosa- und Rottönen gehalten sind, Sobels Untitled (1946), während wir, um die menschliche Figur in Pollocks meist abstraktem Werk zu erkennen, bis ins Jahr 1942 zurückgehen müssen die Schaffung von The Moon Woman, einem Gemälde, das darauf abzielt, den starken Einfluss des Künstlers in seinem frühen Werk von Joan Miró und Pablo Picasso zu bezeugen und sich das surrealistische Konzept des Unbewussten als Quelle der Kunst zu eigen zu machen. Schließlich wird die Geschichte über Pollock in der zeitgenössischen Kunst fortgesetzt, wo seine Arbeit diesmal mit der bildnerischen Untersuchung von Artmajeur-Künstlern wie Dam Domido, Carolina Vis und Emily Starck verglichen wird.

ORANGE (2017) Gemälde von Alessandro Butera.

YELLOW DRIPPING (2023) Gemälde von Dam Domido.

Mutter Domido: Gelb tropfend

Dam Dominos bildnerisches Schaffen ist kunsthistorisch in die Forschungen des Abstrakten Expressionismus eingeordnet, einer Bewegung, die unausweichlich die Dripping-Technik einschließt, die oft der Protagonist der Werke des oben genannten Künstlers ist. Gerade durch letztere Art fällt das Acryl bzw. Öl intuitiv aus Dominos Pinsel, um, auch durch den Einsatz intensiver Nuancen, Gefühlsfragmente zu synthetisieren, die vom Maler sorgfältig recherchiert, eingefangen und eingefangen werden. Das Ziel, die Synthese des Ganzen, ist das Erreichen einer authentischeren Subjektivität, die durch die möglichst vollständige Wiedergabe der tonalen und rhythmischen Freiheit der Bildgestaltung zum Ausdruck kommt. Eine solche Externalisierung findet sich zum Beispiel in Dominos Yellow Dripping, einem Werk, das als reine Synthese der Energie der Geste zu verstehen ist, die ich etwas kreativ als eine Art "Zoom" identifiziert habe, also als synthetischer Detail, eines Meisterwerks, das sich neben seiner Größe auch durch eine stärkere Überlappung der Bildebene auszeichnet: Pollocks Blue Poles Number 11 (1952). Über letzterem sind auf dem dreieckigen Bildfeld eine Reihe von gestischen Interventionen angeordnet, die mehrere Orientierungen umfassen, innerhalb derer Tropfen, Knäuel und Gewirr von farbigen Linien identifiziert werden. In einem solchen Gewebe aus flüssigen und krummlinigen Spuren werden acht dunkle vertikale Formen identifiziert, die laut Titel identifizierbare Objekte des Realen sein könnten, dh Pole, die als mit den "Silhouetten" von Totems verglichen interpretiert wurden Stangen oder die hohen Masten von Schiffen.

EMOTOGRAPH (I) (2022) Gemälde von Aatmica Ojha.

Aatmica Ojha: Emotograph

Das Tropfen ist auch ein grundlegender Bestandteil des Abstraktionismus von Aatmica Ojha, einem 1989 geborenen Künstler, der die Technik nicht nur durch die klassischere Tropfenbewegung, sondern sogar durch eine solidere und kompaktere Malerei einsetzt und mit ihr experimentiert. Der Maler, der sich selbst als Mittelweg zwischen spontanem und geplantem Schaffen bezeichnet und dessen Werk sich erklärtermaßen auf die Suche nach Schönheit konzentriert, hat das Wort, das dem Werk seinen Titel gibt, nämlich Emotograph, selbst erfunden, was Ojha zufolge bedeuten würde: Emotion Graph", ein Konzept, das als künstlerisches Schwarz-Weiß-Verfahren zu verstehen ist, das darauf abzielt, Tropfen und Fließen zu verbinden. Der letztgenannte Begriff bezieht sich auf jene besondere und tief empfundene Leidenschaft/Inspiration, die den Prozess des künstlerischen Schaffens antreibt, zu verstehen als ein fruchtbarer Moment, in dem Ideen und Intuitionen, die schneller fließen, eine Befriedigung geben, sowie eine intensive Verschmelzung, mit dem, was wir tun. Solch ein intuitives und ursprüngliches Tropfen bringt uns zwangsläufig zu Pollocks Beispiel zurück, da auf die sehr chromatische Sammlung von Emotograph eine hypothetische Explosion zu folgen scheint, die darauf abzielt, die Verteilung von Schwarz und Weiß auf dem Träger enger zu trennen, so wie es in geschieht die chromatisch verwandte Number 23 (1947) des amerikanischen Meisters. Apropos letztgenanntes Meisterwerk, das Gemälde auf Papier besteht aus geschichteten Strängen aus schwarzer und weißer Emailfarbe, deren Zusammensetzung durch Tropfen und Fließen von Farbe auf den Träger von allen vier Seiten geschaffen wurde, eine Technik, die die Idee eines a Gefühl der frenetischen Bewegung, die dem Bild innewohnt, sichtbar aus verschiedenen Ausrichtungen des letzteren.

Kritik ist einfacher als Übung (2022) Gemälde von Emily Starck.

Emily Starck: Kritik ist einfacher als Übung

Emily Starck ist eine autodidaktische abstrakte Malerin, die sich beim Ausprobieren verschiedener Techniken zwangsläufig mit einer legendären Technik auseinandersetzen musste, nämlich derjenigen, die von Max Ernst entwickelt, von Janel Sobel entwickelt und von Pollock formalisiert wurde: dem oben erwähnten Tropfen. Auch wenn über die oben viel diskutierte letztgenannte Technik jetzt nur noch wenig zu sagen bleibt, bietet uns der Titel des Werks des Artmajeur-Künstlers schon einen Denkanstoß, der perfekt ist, um einen uralten Trend zusammenzufassen, der heute besonders in der Kunst seinen Platz findet sozialen Medien. „Kritisieren ist einfacher als tun“, Kritisieren ist einfacher als Sein, Kritisieren ist einfacher als Denken, das kommt uns in den Sinn, wenn wir Kommentare auf Instagram lesen, wo sich jeder als Experte ausgibt, ohne überhaupt zu wissen, was ist im Kopf, im Leben, in der Brieftasche usw. der auf dem Bildschirm erscheinenden Person vor sich geht. Solche Oberflächlichkeit, übersetzt in die künstlerische Sprache, lautet: Das Pollock-Tropfen hätte ich auch gekonnt! Genau auf diese heimtückischen Stimmen wollte Starck höchstwahrscheinlich antworten und denen, die gute Worte nicht für seine Arbeit aufheben, nahe legen, lieber mit dem Pinsel als mit dem Mund zu antworten. Zurück zur Kunstgeschichte, die Chromatik der Kritik ist einfacher als die Praxis, überwiegend in Schwarzweiß ausgeführt, erinnert an mehrere Werke von Pollock, wie zum Beispiel: Greyed Rainbow (1953), Number 32 (1950), Yellow Islands ( 1952).