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Orientalische Kunst: eine groรe Bandbreite an Kreativitรคt aus verschiedenen Kulturen
Es gibt eine Vielzahl von kรผnstlerischen Traditionen aus ganz Asien, die die Geschichte der asiatischen Kunst ausmachen. Zentralasien, Ostasien, Sรผdasien, Sรผdostasien und Westasien sind die bekanntesten Teile des asiatischen Kontinents.
Die ostasiatische Kunst umfasst die Kulturen Chinas, Japans und Koreas, wรคhrend die zentralasiatische Kunst von Schรถpfungen der Turkvรถlker der eurasischen Steppe dominiert wird. Sรผdostasiatische Kunst besteht aus den Kรผnsten Thailands, Laos, Vietnams, Singapurs, Indonesiens und der Philippinen, wรคhrend sich sรผdasiatische Kunst auf die Kรผnste des indischen Subkontinents bezieht. Kunst aus dem Nahen Osten oder Westasien umfasst mesopotamische Kunst aus der Antike und islamische Kunst aus der Neuzeit.
Die Entwicklung der asiatischen Kunst รคhnelt in vielerlei Hinsicht der westlichen Kunst. Kulturen vermischten sich durch Mittel wie den Kunsttransfer der Seidenstraรe, den kulturellen Austausch wรคhrend des Zeitalters der Entdeckung und Kolonialisierung sowie durch das Internet und die aktuelle Globalisierung. Wenn wir die Kunst der Steinzeit ausschlieรen, ist die Kunst Mesopotamiens die frรผheste Kunst in Asien.
Zentralasiatische Kunst
Das heutige Kirgisistan, Kasachstan, Usbekistan, Turkmenistan, Aserbaidschan, Tadschikistan, Afghanistan, Pakistan und einige Regionen der heutigen Mongolei, China und Russland gelten alle als Teil der zentralasiatischen Region, die eine reiche Geschichte beheimatet und eine Vielzahl kรผnstlerischer Traditionen. Zentralasiatische Kunst von der Antike bis zum Mittelalter veranschaulicht die vielfรคltige Bevรถlkerung und das kulturelle Erbe der Region. Das kulturelle Erbe Zentralasiens spiegelt die multikulturelle Zusammensetzung der Region auf รผberraschende Weise wider, wie die kรผnstlerischen Artefakte der Region belegen. Skythische Kunst, griechisch-buddhistische Kunst, serindische Kunst und sogar die moderne persische Kultur sind alle Teil dieser verschlungenen Geschichte, zu der auch die รbertragung von Kunst รผber die Seidenstraรe gehรถrt.
Wandernde Hirten, die gemischte รkonomien an der Peripherie sesshafter Gemeinschaften praktizierten, haben die Graslandschaften Zentralasiens (vom Kaspischen Meer bis Zentralchina und von Sรผdrussland bis Nordindien) seit dem spรคten 2. Jahrtausend v. Die prรคhistorische โTierstilโ-Kunst dieser Hirtennomaden offenbart nicht nur ihre zoomorphen Mythen und schamanischen Rituale, sondern auch ihre Offenheit, die Symbole der sesshaften Kultur in ihre eigenen Praktiken zu integrieren.
Kulturen aus der ganzen Welt haben sich in Zentralasien getroffen und verschmolzen und es zum Nervenzentrum der alten Seidenstraรe gemacht, die China mit dem Mittelmeer verband. Wachsende Gemeinden im dritten und zweiten Jahrtausend v. Chr. waren Teil eines riesigen Handelsnetzes, das Zentralasien mit dem Indus-Tal, Mesopotamien und รgypten verband.
Die islamische Kunst hatte in den letzten Jahrhunderten einen groรen Einfluss auf die westliche Kunst, aber รคltere Kulturen lieรen sich von einer Vielzahl von Quellen inspirieren, darunter die Kunst Chinas, Persiens und Griechenlands sowie der Tierstil, der unter den Nomaden von entstand die Steppen.
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Ostasiatische Kunst
Kulturelle Praktiken aus Ostasien umfassen die bildende Kunst, Literatur und darstellende Kunst Chinas, Koreas und Japans. Da sie keinen praktischen Zweck haben und keine manuelle Arbeit beinhalten, erhalten in China nur Malerei und Kalligrafie den Status "echter bildender Kunst". Als Handwerk gelten die Bildhauerei, das Gieรen und Schnitzen von Bronze sowie die Herstellung von Keramik, Textilien, Metallurgie und Lackwaren. Traditionelle chinesische Gebรคude bestehen fast oft aus Holz und haben eine Plattform, einen Pfosten-und-Sturz-Rahmen, dachtragende Klammern und ein schweres, geneigtes Dach.
Drei Faktoren, darunter die buddhistische Ikonographie, indigene japanische Themen und Traditionen sowie die chinesische bildende Kunst, hatten erhebliche Auswirkungen auf die japanische visuelle Kultur. Der im siebten Jahrhundert erbaute Hry-Tempel war das erste Bauwerk, das die asymmetrischen Grundrisse verwendete, die spรคter die japanische Architektur charakterisieren wรผrden. Der polychrome Holzschnitt, der sich zum ikonischen Ukiyo-e-Druck entwickelte, und die Sieb- und Tafelbilder des 16. bis 18. Jahrhunderts sind Paradebeispiele fรผr die Beschรคftigung japanischer Maler mit der Abstraktion von der Natur. Die Verwendung von Stein im Bauwesen und in der Bildhauerei und die Entwicklung einer exquisiten Seladon-Glasur sind zwei der markantesten Beitrรคge Koreas zur Kunst.
Unter den Literaturen der Welt hat China die lรคngste ununterbrochene Geschichte (mehr als 3.000 Jahre). Seine Geschichte ist eng mit der der Schriftsprache verwoben, die es mit Korea und Japan teilt. Balladen, Legenden, Maskendramen, Puppentheatertexte und P'ansori-Texte ("Geschichtengesang") sind alle Teil der reichen Oral History Koreas, und das Land hat auch eine robuste schriftliche Tradition der Poesie (insbesondere Hyangga- und Sijo-Formen). . Da weder Japan noch Korea รผber eine eigene Schriftsprache verfรผgten, lehnten sich die literarischen Traditionen beider Lรคnder stark an China an (obwohl japanische Silbensysteme um 1000 entstanden und das koreanische Hangul im 15. Jahrhundert entwickelt wurde). Gedichte aus Japan, insbesondere in Haiku-Form, sind weltweit fรผr ihre feine Sensibilitรคt bekannt und reichen bis ins 7. Jahrhundert zurรผck, zusammen mit den vielen literarischen Schรคtzen des Landes wie The Tale of Genji.
Ostasiatische Musik hat wie westliche Musik eine pentatonische Tonleiter geschaffen, die auf einem 12-Ton-Vokabular basiert, aber ihre Grundlage ist unterschiedlich. Ostasiatische Ensembles sind in der Regel relativ klein, und Komponisten in der Region geben normalerweise Melodie und Rhythmus Vorrang vor harmonischer Komplexitรคt. Es ist erwรคhnenswert, dass Musik, Tanz und Schauspiel in ostasiatischen Lรคndern oft miteinander verbunden sind und es keine Hinweise auf eine ausgeprรคgte Formentwicklung in den zugehรถrigen Kategorien des ostasiatischen Tanzes und Theaters gibt. Getanzte Prozessionen, Tanzoper (jingxi oder "Peking" und andere Arten chinesischer Opern), Schattentheater, Puppentheater und Dialogspiele mit Musik und Tanz sind nur einige der vielen Spielarten ostasiatischer darstellender Kรผnste (z. B. japanische Kabuki). Die Werke von Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun und Murasaki Shikibu sind ebenfalls eine Untersuchung wert, ebenso wie Ikebana, Papierfalten im Jgan-Stil, Rollenmalerei, Shinden-Zukuri, Shoin-Zukuri, Sukiya-Stil, Architektur im Tempyu-Stil und im Tori-Stil.
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Sรผdasiatische Kunst
Kunst aus Indien, Pakistan, Bangladesch und Sri Lanka wird oft als Sรผdasien bezeichnet. Eine Fรผlle alter Textliteratur in Sanskrit, Prkrit und regionalen Sprachen hat dazu beigetragen, die Menschen des indischen Subkontinents zusammenzubringen, ebenso wie eine gemeinsame kulturelle und ethische Perspektive. Trotz der Teilung der Region in ein Kaleidoskop politischer Muster im Laufe der Jahrhunderte hat der Subkontinent als Ganzes gemeinsame Musik- und Tanztraditionen, rituelle Rituale, religiรถse Praktiken und literarische Ideen.
Die Epen Sรผdasiens wie das Rmyaa und das Mahbhrata geben Einblick in das komplexe Beziehungsgeflecht zwischen den vielen Vรถlkern der Region. Es gibt eindeutige Beweise fรผr eine familiรคre Beziehung zwischen den Gรถttern und Helden weit voneinander entfernter Orte, und viele der Ortsnamen selbst spielen auf gemeinsame Vorfahren an. Es gab auch anhaltende Bemรผhungen, eine einheitliche politische Ordnung auf dem Gebiet zu etablieren. Im dritten Jahrhundert v. Chr. kontrollierte beispielsweise Kaiser Aoka den grรถรten Teil dieses Gebiets; im 11. Jahrhundert n. Chr. eroberte Rajendra I. von Chai einen Groรteil Indiens und Sรผdostasiens; und im 16. Jahrhundert n. Chr. tat der groรe Mogul Akbar dasselbe. Die Grenzen sind im Laufe der sรผdasiatischen Geschichte gewachsen und geschrumpft und haben sich offiziell als vollstรคndige Regionen verbunden und getrennt, aber die Kultur ist durchweg konsistent geblieben.
Die Schรถnheit der Berge und Flรผsse der Region wurde aufgrund ihrer gemeinsamen physischen Umgebung weithin geschรคtzt. Der Himalaya, der entlang der nรถrdlichen Grenze verlรคuft, ist das hรถchste Gebirge der Welt und reprรคsentiert ein kulturelles Ideal von Erhabenheit, Reinheit und unberรผhrtem Schnee. Flรผsse wie der Brahmaputra und der Indus werden in ihren jeweiligen Regionen wegen ihres Wasserreichtums als โMรผtterโ verehrt.
Es ist ein weit verbreiteter Glaube, dass Wassergeister und Waldfeen, bekannt als Ngas und Yakas, die Seen und Quellen der Region bewohnen. Der Name einer frรผhen Dynastie in Kaschmir, Karkoa, ist selbst ein Symbol fรผr die Nga-Verehrung. Antike religiรถse Artefakte wie Statuen von Ngas und Yakas, die an verschiedenen Orten ausgegraben wurden, deuten auf ein gemeinsames hingebungsvolles Ethos hin, ebenso wie religiรถse Texte, die seit Jahrhunderten mรผndlich รผberliefert wurden, ohne ihre ursprรผngliche Intonation zu verlieren. Skulpturen, die einen รคhnlichen klassischen Tanz darstellen, sind in den pakistanischen Stรคdten Gandhra, Bhrhut und Amarvat zu finden.
In Sรผdasien ist es unabdingbar, sich in mehreren verschiedenen Kรผnsten auszukennen, bevor man sich auf nur eine spezialisieren kann. Da Bildhauerei, wie Malerei und Tanz, die ganze Welt abbildet, liegt es auf der Hand, dass man die eine Kunstform nicht beherrschen kann, ohne zuerst die andere zu beherrschen. Tanzen ist eine Ausdrucksform durch Bewegung und Rhythmus; Daher ist ein Verstรคndnis des musikalischen Rhythmus von entscheidender Bedeutung. Kenntnisse in Literatur und Rhetorik werden als wichtig fรผr das Erregen von Emotionen in Musik und Tanz angesehen; Der Geschmack (rasa), der in Musik, Tanz, Skulptur oder Malerei ausgedrรผckt werden soll, erfordert eine gewisse Vertrautheit mit dem geschriebenen Wort. Die Kรผnste sind also auf vielen Ebenen miteinander verbunden.
Die Kรผnste in Sรผdasien wurden nicht nur als respektable Freizeitbeschรคftigung um ihrer selbst willen praktiziert, sondern auch als Akt der Hingabe und Verehrung einer hรถheren Macht. Es gibt literarische Hinweise auf Fรผrsten, die Kunstwerke auf Fehler untersuchen. Die Errungenschaften und Ambitionen des Kรผnstlers in Theorie und Praxis werden durch eine einzige Inschrift veranschaulicht, die den Namen des stra-dhra ("Architekten") des Mallikrjuna-Tempels in Pattadakal erwรคhnt, der im achten Jahrhundert erbaut wurde.
Sรผdasiatische Kulturen haben Kรผnstlern seit langem einen privilegierten Status zuerkannt. Der Hof war voller Dichter, Musiker und Tรคnzer. Ein brillanter Tรคnzer wurde von Rjendra Ca gelobt, und der Architekt des Tempels in Tiruvoiyr, der ebenfalls von Rjendra unterstรผtzt wurde, wurde in einer Inschrift fรผr sein umfassendes Verstรคndnis von Architektur und Kunst gelobt. Dennoch gab es eine starke Verbindung zwischen der Volkskunst und den hohen Kรผnsten. รhnlichkeiten bestanden zum Beispiel zwischen Stammesgruppentรคnzen und westlicher klassischer Kunst, Tanz und Musik. Der indische Subkontinent hat eine reiche kรผnstlerische Geschichte, wobei sowohl die Rundskulptur (citra) als auch die Reliefskulptur (ardhacitra) eine bedeutende Stellung einnehmen.
Citrbhsa, was รผbersetzt โdas Erscheinen einer Skulpturโ bedeutet, ist die dritthรถchste Kunstform. Ein Vers aus einem Drama des Dichters Klidsa aus dem 5. Jahrhundert erklรคrt, wie das Auge รผber die Hรถhen und Tiefen stolpert, die in der Modellierung eines Gemรคldes dargestellt sind, und zeigt, wie wesentlich der Einfluss von Hell-Dunkel (dh die Verwendung von Licht und Schatten zum Ausdruck der Modellierung) war . Den grรถรten Wert legen die Meister auf die Strichfรผhrung eines Gemรคldes, die fest und anmutig gezeichnet sein muss, gefolgt von der Schattierung und der Darstellung von Modellierungen, die von anderen geschรคtzt werden, dem dekorativen Element, das den weiblichen Geschmack anspricht, und der Farbpracht , die den allgemeinen Geschmack anspricht. Es ist sehr beeindruckend, dass Sie mit so wenig Zeichnung so viel Form zeigen konnten. Es gibt zahlreiche literarische Beispiele erfolgreicher Portrรคtmalerei in der sรผdasiatischen Malerei und Skulptur, die die zentrale Bedeutung der Portrรคtmalerei fรผr die bildende Kunst der Region demonstrieren. Das Viudharmottara, geschrieben im sechsten Jahrhundert, teilt die Portrรคtmalerei in vier Kategorien ein: natรผrlich, lyrisch, anspruchsvoll und gemischt. Es kategorisiert auch verschiedene Arten von Menschen basierend auf ihren Haar- und Augenformen und -farben. Es enthรคlt einen รberblick รผber die vielen kรผnstlerischen Perspektiven sowie eine Erlรคuterung der Grundlagen der Verkรผrzung. Wie ein Gedicht den Dichter widerspiegelt, dachte man, dass Gemรคlde und Skulpturen die Eigenschaften ihrer Schรถpfer annehmen wรผrden.
Trotz der langen Geschichte Sรผdasiens, in der es fremden Einflรผssen ausgesetzt war, hat die Region immer Wege gefunden, diese Elemente in indigene Praktiken zu integrieren und so eine einzigartige Synthese statt einer bloรen Kopie zu schaffen. Dies spiegelt sich auch in der Kunst der pakistanischen Region Gandhra wider, die zu dieser Zeit (4. Jahrhundert v. Chr.) Von der griechisch-rรถmischen Kultur durchdrungen war. Die Einbeziehung indischer Motive und Stile in den vorherrschenden westlichen Stil ist ein Markenzeichen der Skulptur dieser Epoche.
Nach der Kushan-Invasion im ersten Jahrhundert n. Chr. gab es einen deutlichen Einfluss von auรen, aber letztendlich triumphierte die indigene Kultur. Das Mogulreich, das Sรผdasien ab dem 16. Jahrhundert regierte und aus Muslimen aus Zentralasien bestand, vereinte die Region kulturell, indem es seinen Untertanen eine รผberwiegend indische Bildung aufzwang. Die muslimische Kunst blรผhte unter der Herrschaft des zweiten Mogulkaisers Humayn auf, der Kรผnstler vom Hof des persischen Schahs holte und eine Geschichte der Verschmelzung indischer und persischer Stile schuf.
Die Kunst jeder Region spiegelt ihre eigenen politischen Strukturen, moralischen und ethischen Normen und sozialen Strukturen wider. Bereits im 3. Jahrhundert v. Chr. zeigten Herrscher den Willen, dem Volk zu dienen und es fast wie Nachkommen zu behandeln. Prรคchtige Mรผnzen aus dem Gupta-Reich in Nordindien im 4. bis 6. Jahrhundert zeigen das Ideal des Monarchen als konkurrenzlosen Bogenschรผtzen, Vereiniger, groรen und stattlichen edlen Geist, Opferer fรผr das Wohlergehen der Untertanen und der Held von ihm Menschen (die ihn auf einem stattlichen Elefanten sehen). Kunstwerke, die nur Eroberung und nur Kriegsfรผhrung darstellen. Krieg und Eroberung, symbolische Pferdeopfer, der Kรถnigsrat, diplomatische Empfรคnge, Friedensverhandlungen, Tempelbau, Wertschรคtzung der schรถnen Kรผnste (einschlieรlich Tanz und Musik) und die Krรถnung von Kรถnigen sind nur einige der vielen staatlichen Aktivitรคten, die in der umfangreichen dargestellt werden Reihe von Skulpturen, die die Geschichte der sรผdindischen Pallava-Dynastie des 4. bis 9. Jahrhunderts darstellen.
รhnlich wie Skulpturen, die Dharma, die Konventionen oder Gesetze, die die Verpflichtung leiten, betonen, moralische Einstellungen widerspiegeln, spiegeln dies auch Skulpturen wider, die moralische Handlungen darstellen. Eine รผbliche Art und Weise, wie das Prinzip von Ahimsa oder Gewaltlosigkeit gegenรผber anderen visualisiert wird, ist das Bild eines Hirsches, und das Ideal einer heiligen Stรคtte wird typischerweise als ein Ort dargestellt, an dem sich der Hirsch frei bewegen kann. Kunstwerke zeigen oft Szenen, in denen die Motive ihre eigenen Opfer oder die anderer schwelgen. Geschichten aus dem Paca-Tantra, einer der frรผhesten Fabelsammlungen der Welt, werden auf einfache, aber wirkungsvolle Weise in Skulpturen dargestellt. Die sรผdasiatische Kunst zeigt konsequent die Frรถmmigkeit, den Glauben und den Respekt vor der Moral, die die soziale Struktur des Subkontinents seit Generationen durchdrungen haben.
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Kunst aus Sรผdostasien
Die Kรผnste Sรผdostasiens umfassen ihre schriftlichen, mรผndlichen und visuellen Formen. Obwohl die indische Kultur einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Region hatte, gibt es einige gemeinsame Merkmale, die vor dieser Zeit entstanden. Kunststile, die nicht aus Indien stammen, wie Batikstoffe, Gamelan-Orchester und das Wayang-Puppentheater, bleiben beliebt. Indigener Nassreis- (oder Padi-) Anbau, Metallurgie, Schifffahrt, Ahnenkulte und Bergverehrung waren allgegenwรคrtig.
Sรผdostasien umfasst die riesige Halbinsel Indochina sowie die anderen Inseln der Region, die oft als Ostindien bekannt sind. Sรผdostasien lรคsst sich in zwei unterschiedliche Teile unterteilen: das Festland und die Inseln. Myanmar (Birma), Thailand, Laos, Kambodscha, Vietnam, Malaysia, Singapur, Indonesien und die Philippinen sind die Regierungseinheiten, die dieses Gebiet bilden. Obwohl die Philippinen ursprรผnglich nicht als Teil Sรผdostasiens betrachtet wurden, werden sie aufgrund ihrer Nรคhe zu China und Japan und der engen kulturellen รhnlichkeiten mit den Kulturen Sรผdostasiens heute allgemein als Teil der Region angesehen.
Ganz Sรผdostasien hat ein รคhnliches Klima und eine รคhnliche Topographie, was die Geschichte und Kultur der Region geprรคgt hat. Kulturell unterscheiden sich die Menschen, die in den Bergen leben, von denen, die in den Tรคlern leben.
Ursprรผnglich wurde angenommen, dass die Menschen in Sรผdostasien einen Mangel an Originalitรคt teilten, der bis in prรคhistorische Zeiten zurรผckreicht, und dass sie in ihren Interaktionen mit anderen Kulturen eher โaufgeschlossenโ als โkreativโ waren. Spรคtere Ausgrabungen und Entdeckungen in Myanmar und Thailand veranlassten einige Gelehrte, gegen die akzeptierte Theorie zu argumentieren, dass die Zivilisation in prรคhistorischen Zeiten von China nach Sรผdostasien gezogen sei. Stattdessen, argumentierten sie, kultivierten die Menschen auf dem sรผdostasiatischen Festland Pflanzen, stellten Tรถpferwaren her und arbeiteten in Bronze etwa zur gleichen Zeit wie die Menschen im alten Nahen Osten, und so breitete sich die Zivilisation ein Jahrtausend frรผher vom sรผdostasiatischen Festland nach China aus. Weil sie sich immer mehr fรผr die praktische Aufgabe interessieren, schรถne Dinge zu schaffen, haben Sรผdostasiaten kein reiches Erbe an Kunsttheorie, Literatur- oder Theaterkritik.
Es ist nicht mรถglich, die Entstehung und Entwicklung der Kunstformen in Sรผdostasien Schritt fรผr Schritt nachzuvollziehen, da die Menschen, insbesondere in der westlichen Hรคlfte des Festlandes, mit nicht haltbaren Materialien arbeiteten. Angesichts der Geschichte der dichten Bewaldung des Gebiets liegt es nahe, dass Holz das frรผheste Material war, das aus รคsthetischen Grรผnden verwendet wurde. Trotz ihrer neu entdeckten Kenntnisse im Umgang mit Metall und Stein haben sie die traditionelle Praxis der Holzschnitzerei nie aufgegeben, die auch nach dem Ende der groรen Zeit der Steinskulptur und des Steinbaus (etwa im 13. Jahrhundert) weiter florierte. Im westlichen Shan-Staat Myanmars entdeckten Archรคologen entlang des Salween-Flusses prรคhistorische Hรถhlenzeichnungen, die eine verblรผffende รhnlichkeit mit spรคteren Naga-Skulpturen auf Hauspfosten aufweisen. รhnlich wie das Sonnensymbol als Kunstmotiv in ganz Sรผdostasien zu finden ist und Schnitzereien unter den Traufen von Naga-Hรคusern auf Ehrfurcht, Triumph und Freude รผber den Erwerb eines menschlichen Kopfes anspielen, hallt die spรคtere รคsthetische Tradition Sรผdostasiens wider Hรถhlenmalereien mit einem Paar menschlicher Hรคnde mit offenen Handflรคchen, die die Sonne und einen menschlichen Schรคdel halten. Die Hรถhlenmalerei ist ein Beweis dafรผr, dass die Kunst der Gegend schon immer mit ihrer magisch-religiรถsen Vergangenheit verflochten war.
Frรผher wurde angenommen, dass die in Dong Son in der Nรคhe von Hanoi angewandte Bronzetrommelgusstechnik aus China stammt. Neue Ausgrabungen in Thailand haben jedoch gezeigt, dass sowohl die Trommeln als auch die sogenannte Dong-Son-Zivilisation auf dem sรผdostasiatischen Festland beheimatet sind. Unabhรคngig davon zeigen die von den Karen รผber Jahrtausende bis in die frรผhen Jahre des 20. Jahrhunderts gegossenen Bronzetrommeln die Kontinuitรคt des รคsthetischen Erbes Sรผdostasiens. Die Metallverarbeitung muss sich schon frรผh entwickelt haben, da die Berge des sรผdostasiatischen Festlandes Gold, Silber und andere Metalle lieferten. Die Bergvรถlker Sรผdostasiens haben eine lange Geschichte in der Herstellung und Verwendung exquisiter Silberknรถpfe, Gรผrtel und Schmuck. Textilmuster folgen der gleichen รคsthetischen Linie. Lieder, Tรคnze und andere Formen des musikalischen Ausdrucks wurden traditionell bei Stammeszeremonien verwendet.
Unter der Unterstรผtzung der Herrscher in ganz Sรผdostasien blรผhten die Kรผnste auf. Um die Zeit von Christi Geburt begannen sich Stammesstรคmme nach Jahren des sesshaften Lebens als Reisproduzenten offiziell in Stadtkรถnigreichen oder Ansammlungen von Dรถrfern zu organisieren. Aus dieser Sicht war ein Kรถnig kaum mehr als ein oberster Stammeshรคuptling. Da die Stรคmme bereits eine Tradition der Geisterverehrung hatten, suchten die Monarchen nach einer neuen Gottheit, die fรผr alle zum Gegenstand der Verehrung werden sollte. Diese Sehnsucht nach neuen nationalen Gรถttern trug zur รffnung Sรผdostasiens gegenรผber den Gรถttern des Hinduismus und Buddhismus bei. Kรถnige in Sรผdostasien waren fรผr die Verbreitung neuer Religionen verantwortlich, daher erlebten die Tempel der Region vom ersten bis zum dreizehnten Jahrhundert ein goldenes Zeitalter.
Tempel wurden zu Zentren kultureller Aktivitรคten, und ihre Wรคnde wurden zu Leinwรคnden fรผr Architektur, Skulpturen und religiรถse Wandmalereien. Gelehrte des Sanskrit, der Sprache der heiligen Texte des Hinduismus, waren Hรถflinge in den alten Reichen Ostindochinas und der Inseln, wo sie eine lokale Sanskrit-Literatur schufen. Erst durch die groรen hinduistischen Epen Mahabharata und Ramayana gelangte dieses literarische Unterfangen jemals zum einfachen Volk. Geschichten รผber hinduistische Gรถtter, Teufel und mรคchtige Mรคnner waren wesentlich, um den Hinduismus dem allgemeinen Volk zu erklรคren, als die Sanskrit-Schriften auรerhalb ihrer Reichweite waren. Auf der gesamten Halbinsel im Pyu-Burmesischen Reich von Prome, das vor dem 8 eines Gottkรถnigs noch eines erblichen Adels.
Spรคtere heidnische Kรถnige waren von Pali-Experten umgeben, aber das Studium von Pali wurde nicht im Palast, sondern in Klรถstern im ganzen Reich durchgefรผhrt, wodurch die Lehren des Buddha selbst in die entlegensten Dรถrfer gebracht wurden. Buddhistische Mรถnche und Akademiker aus aller Welt reisten nach Pagan, um Pali zu studieren, wรคhrend die Hรถfe der Kรถnige in Kambodscha und Java nur regionale Zentren der Sanskrit-Forschung blieben. Jataka-Geschichten (Buddhas Geburt) wurden verwendet, um den einfachen Leuten, die die Pali-Schriften nicht lesen konnten, den Buddhismus zu erklรคren, genau wie indische Epen verwendet wurden, um den Massen den Hinduismus zu erklรคren. Tempel in Kambodscha und Java waren mit Schnitzereien und Fresken geschmรผckt, die Szenen aus den Jatakas darstellten, รคhnlich wie jene, die Ereignisse aus den groรen Epen darstellen.
Die Ankunft des Islam auf der Insel Sรผdostasien nach der Majapahit-Dynastie etablierte eine dritte kulturelle Schicht รผber den bereits bestehenden indigenen und hinduistisch-buddhistischen Schichten. Ein neues burmesisches Reich entwickelte sich aus der Asche des alten und fรผhrte die Mission fort, den Buddhismus auf dem sรผdostasiatischen Festland zu verbreiten. Die birmanische Invasion in Siam im 18. Jahrhundert brachte die hinduistische Kultur mit sich, die dazu beitrug, die Entwicklung des birmanischen Spiels zu fรถrdern. Von China zurรผckerobert, wurde Vietnam auf der anderen Seite der Halbinsel zunehmend von der chinesischen Kultur beeinflusst. Nach einer kurzen Blรผtezeit der islamischen Kultur waren die Ureinwohner der Inselstaaten Sรผdostasiens gezwungen, sich der Fremdherrschaft zu unterwerfen. Nur in Burma und Siam, zwei Regierungen Sรผdostasiens, die aus jahrelangen Kรคmpfen als mรคchtige Kรถnigreiche hervorgegangen sind, blรผhten die einheimischen Kรผnste weiter auf.
Religion und Nationalgeschichte spielen seit langem eine zentrale Rolle in der sรผdostasiatischen Kunst. Abgesehen vom Leben und Charakter des Buddha und der Gรถtter des Hinduismus stand die religiรถse Lehre nicht im Vordergrund. Nachdem die groรen Imperien gefallen waren, aber ihre Erinnerung an Ruhm und Stรคrke fortbestand, tauchte ein neues Thema in der nationalen Geschichte auf: die Verehrung legendรคrer Helden aus der Vergangenheit.
Wรคhrend sich das Buddha-Bild im Laufe der Zeit weiterentwickelte, war es weiterhin ein beliebtes Motiv fรผr Kรผnstler. Neben der Einfรผhrung von Lokalkolorit durch die Verwendung von Szenen aus der eigenen Zeit des Kรผnstlers als Hintergrund diente die Darstellung von Szenen aus seinem frรผheren Leben in Fresken und Reliefskulpturen dem Zweck, den Menschen buddhistische Ethik zu lehren, da die Jatakas bestimmte moralische Tugenden betonten der Buddha in seinen frรผheren Leben.
Dasselbe galt fรผr Darstellungen von Ereignissen aus den hinduistischen Epen, die dem Kรผnstler eine รคhnliche Chance boten und eine รคhnliche Funktion erfรผllten. Im Laufe der Zeit verschmolzen buddhistische und hinduistische Schriftfiguren wie Gรถtter und Gรถttinnen, Helden und Prinzessinnen, Einsiedler und Zauberer, Dรคmonen und Drachen, fliegende Pferde und geflรผgelte Jungfrauen und so weiter mit รคhnlichen einheimischen Figuren, und Mรคrchenhandlungen wurden in die รผbergreifende religiรถse Themen.
Verschiedene Darstellungen der Naga, einer Art รผbermenschlichem Geist, entstanden in verschiedenen Teilen der Welt, als die Naga aus buddhistischen und hinduistischen Schriften รผbernommen und mit nationalen Analoga verschmolzen wurden. Die Naga von Burma hat einen markanten Kamm auf dem Kopf. Fรผr die Mon war Naga ein Krokodil, aber fรผr die Khmer und Indonesier war es eine neunkรถpfige Schlange.
Obwohl die Dรคmonen Sรผdostasiens unter dem Pali-Sanskrit-Begriff Yakkha oder Yaksha zusammengefasst wurden, sind ihre unterschiedlichen Identitรคten in der Skulptur und Malerei jedes Landes erhalten geblieben. Der dem Monsunwald unbekannte Lรถwe wurde dennoch zu einem beliebten einheimischen Emblem und Thema, da er mit den Gรถttern der hinduistischen und buddhistischen Mythologie in Verbindung gebracht wird. Selbst nachdem das Khmer-Reich die Anbetung des Schlangendrachen als Gott der Fruchtbarkeit aufgegeben hatte, war die neunkรถpfige Naga zu einem Symbol des Schutzes und der kรถniglichen Macht geworden, und steinerne Nagas wachten รผber den kรถniglichen Palรคsten und heiligen Tempeln. Naga-Verehrung war bei Buddhisten verpรถnt.
In der gesamten burmesischen und Mon-Kunstgeschichte wurde die Naga immer in einer dem Buddha unterwรผrfigen Rolle dargestellt, oft machte sie aus seinen Windungen einen Sitz fรผr den Buddha oder hob seine massive Kapuze, um ihn vor den Elementen zu schรผtzen. Die Wรคchterfigur eines Mon-Tempels wurde traditionell als Lรถwe mit zwei Kรถrpern und einem menschlichen Kopf dargestellt, wรคhrend die Wรคchterfigur eines burmesischen Tempels traditionell als Lรถwe mit Haube dargestellt wurde. Trotz des Anspruchs der Tai, die Kunsttraditionen der Khmer und der Mon-Naga zu erben, diente der gute Dรคmon in diesen Kulturen als Tempelwรคchter.
Die indischen Tiere wurden Teil der alten Symbolik und Tierbilder, die in die Kunst eindrangen. Zum Beispiel wรคhlten die Mons den roten Brandharken als ihr Emblem, die Burmesen formten die Sonne zu ihrem Lieblingsvogel, dem Pfau, um, weil der Pfau in der buddhistischen Mythologie mit der Sonne in Verbindung gebracht wird, und in Indonesien der mythische Vogel namens Garuda. das Fahrzeug von Vishnu, wurde mit dem lokalen Adler verschmolzen. Die Darstellungen dieser Vรถgel haben als Ornament Verwendung gefunden. Stilisierte Versionen der Tiere, die einst die Strohdรคcher und Holzwรคnde sรผdostasiatischer Hรคuser schmรผckten, fanden ihren Weg in die opulenteren Palรคste und Tempel. Designs von Bรคumen, Frรผchten und Blumen aus den Monsunwรคldern wurden mit indischen Blumenmustern und alten geometrischen Motiven kombiniert.
Die sรผdostasiatische Kunst unterscheidet sich vollstรคndig von der Kunst anderer Regionen, mit Ausnahme Indiens. Obwohl Burma historisch gesehen eine wichtige Handelsverbindung zu China war, fehlen chinesische Einflรผsse รผberraschenderweise in der traditionellen birmanischen Kunst. Die Tai kamen spรคt in Sรผdostasien an und brachten einige chinesische kรผnstlerische Traditionen mit, aber sie gaben diese Praktiken schnell zugunsten der Khmer und Mon auf. Heute sind die einzigen Spuren dieser frรผheren Kontakte in den architektonischen Merkmalen der Tempel zu sehen, insbesondere im spitz zulaufenden Dach und in den Lackarbeiten.
Da Vietnam ein Jahrtausend lang eine Kolonie Chinas war, beeinflusste die chinesische Kultur die vietnamesische Kunst. Archรคologische Beweise fรผr den Hinduismus im heutigen Sรผdvietnam stammen aus der Zeit der alten Champa-Monarchie, die im 15. Jahrhundert von Vietnam erobert wurde. Chinesische Einflรผsse sind in den buddhistischen Statuen im Norden Vietnams zu sehen. Ein Vergleich der Tempelgrรคber von Kambodscha und Indonesien mit denen der vietnamesischen Kaiser oder der opulenten und wรผrdevollen Buddha-Statuen Vietnams mit denen von Kambodscha und Burmas asketischen und anmutigen Buddha-Statuen offenbart die grundlegenden Unterschiede in รคsthetischem Anspruch und Stil zwischen den Kรผnsten Ostasiens und Asiens denen Sรผdostasiens. Auch die islamische Kunst, die Tier- und Menschenfiguren ablehnt und die Realitรคt hinter der illusorischen Schรถnheit der Alltagswelt sichtbar machen will, hat mit sรผdostasiatischer Kunst wenig gemein. Die sรผdostasiatische Kunst ignorierte die Lehren des Hinduismus und Buddhismus, dass die sinnliche Welt illusorisch und unbestรคndig sei.
In der sรผdostasiatischen Kunst koexistieren Realitรคt und Fantasie, und eine positive Lebenseinstellung durchdringt jedes Stรผck. Einige haben festgestellt, dass sich die klassische Khmer- und indonesische Kunst darauf konzentrierte, das tรคgliche Leben der Gรถtter darzustellen, doch aus sรผdostasiatischer Sicht war das tรคgliche Leben der Gรถtter dasselbe wie ihr eigenes: frรถhlich, erdig und gรถttlich. Die sรผdostasiatische Kunst spiegelte nicht nur nicht die europรคische Auffassung von โKunst um der Kunst willenโ wider, sondern spiegelte auch nicht die europรคische Teilung der Kunst in weltliche und religiรถse Kategorien wider. Die gleichen Motive, die einen prรคchtigen Tempel und einen Lackteller zierte, wurden auf die Oberschenkel eines Burmesen tรคtowiert. Der sรผdostasiatische Kรผnstler musste keine Modelle verwenden, da er im Gegensatz zu seinen europรคischen Kollegen nicht auf Genauigkeit in jedem anatomischen Aspekt Wert legte. Die Verwendung fantastischer Elemente und die Betonung, das Gute im menschlichen Leben zu feiern, zeichnen die sรผdostasiatische Kunst aus.
Fokus auf japanische Kunst
Es gibt eine Vielzahl von Kunstformen und Medien, die mit der japanischen Kunst in Verbindung stehen, von antiken Keramiken und Skulpturen รผber Tuschemalerei und Kalligraphie auf Seide und Papier, Ukiyo-e-Gemรคlde und Holzschnitte, Keramik und Origami bis hin zu zeitgenรถssischen Manga und Anime. Von den ersten Anzeichen menschlicher Existenz in Japan im 10. Jahrtausend v. Chr. bis zum heutigen Tag hat Japan eine reiche und abwechslungsreiche Geschichte.
Japan hat sowohl einen schnellen Zustrom auslรคndischer Ideen als auch eine lange Isolation vom Rest der Welt erlebt. Die Japaner haben eine lange Geschichte der Assimilation und Anpassung von Aspekten anderer Kulturen, die sie als รคsthetisch ansprechend empfinden. Im siebten und achten Jahrhundert entstand in Japan als Reaktion auf die Verbreitung des Buddhismus anspruchsvolle Kunst. Als die Japaner im 9. Jahrhundert von China wegzogen und ihre eigenen einzigartigen Ausdrucksstile entwickelten, gewannen die weltlichen Kรผnste an Bedeutung; Von da an bis zum Ende des 15. Jahrhunderts blรผhten sowohl religiรถse als auch weltliche Kรผnste auf. Als der Nin-Krieg in Japan ausbrach (1467โ1477), leitete er รผber ein Jahrhundert politischer, sozialer und wirtschaftlicher Umwรคlzungen ein. Kunstwerke, die die Sรคuberungen des Tokugawa-Shogunats รผberlebten, waren grรถรtenteils weltlich, und die Religion spielte im Alltag eine viel geringere Rolle. Die plรถtzliche Einfรผhrung westlicher Stile war ein bedeutendes Ereignis wรคhrend der Meiji-Zeit (1868-1912).
In Japan beschรคftigen sich sowohl Amateure als auch Experten mit der Malerei als ihrer primรคren Form des kรผnstlerischen Ausdrucks. Die Japaner sind auf die Werte und รsthetik der Malerei besonders eingestellt, weil sie bis in die Neuzeit einen Pinsel statt einer Feder benutzten. Wรคhrend der Edo-Zeit wurde der Holzschnitt zu einer wichtigen Kunstform, und die Methoden zur Erstellung seiner lebendigen Drucke wurden verfeinert, um den Bedรผrfnissen einer wachsenden Populรคrkultur gerecht zu werden. Als die religiรถse Bedeutung des traditionellen japanischen Buddhismus in dieser Zeit nachlieร, empfanden die Japaner die Skulptur als weniger ansprechendes Medium, um ihre kreative Vision auszudrรผcken.
Es besteht allgemein Einigkeit darรผber, dass japanische Keramik von hรถchster kรผnstlerischer Qualitรคt ist und einige der frรผhesten Artefakte aus Japan enthรคlt; Der Porzellanexport aus Japan war zu verschiedenen Zeiten eine bedeutende wirtschaftliche Aktivitรคt. Japanische Lackwaren, exquisit mit Maki-e verziert, sind seit langem ein beliebter Exportartikel nach Europa und China, und dieser Trend setzte sich im gesamten 19. Jahrhundert fort. Die traditionelle japanische Architektur zeichnet sich durch natรผrliche Materialien und die Integration von Innen- und Auรenleben aus.
Japanische Drucke
Ukiyo-e oder japanische Holzschnitte erfreuen sich im Westen wachsender Beliebtheit. Ihr Name kommt von dem Ausdruck โBilder der schwebenden Weltโ, der ihr Thema beschreibt. Der buddhistische Glaube, dass Glรผck vergรคnglich ist und dass nur die Abwesenheit von Verlangen zur Erleuchtung fรผhren kann, lieferte die Inspiration fรผr ihr schwebendes, schwereloses Bild.
Die Shogune des feudalen Japans waren maรgeblich an der Entwicklung der japanischen Druckgrafik beteiligt, die in der Edo-Region (dem heutigen Tokio) begann. Unter der Sakoku-Politik, was wรถrtlich โabgeschiedenes oder geschlossenes Landโ bedeutet, hat sich Japan vom Rest der Welt abgeschottet. Perry, ein amerikanischer General, besuchte 1853 Japan, um mit der Meiji-Regierung zu verhandeln. Viele Drucke von Ukiyo-e, einer zeitgenรถssischen Kunstform, die blรผhte, als Perry Edo besuchte, konnten auf den Bรผrgersteigen der Stadt zum Verkauf angeboten werden.
Szenen aus der japanischen Geschichte und Legende wurden hรคufig in Ukiyo-e dargestellt, ebenso wie Portrรคts von Kabuki-Darstellern, Szenen aus dem Theater, verliebte Paare, berรผhmte Kurtisanen und Landschaften. Reisende aus dem Westen fanden sofort Gefallen an Ukiyo-e-Drucken, daher ist es nicht verwunderlich, dass sie sie mit nach Hause brachten und der Welt Japans einzigartigen Kunststil vorstellten.
Ukiyo-e-Kunstdrucke wurden hergestellt, indem eingefรคrbte Holzblรถcke auf Papier gepresst wurden, nachdem die Bilder rรผckwรคrts in die Blรถcke geschnitzt worden waren. Als der Druck anfing, wurde alles in Schwarzweiร gemacht. Okomura Masanobu und Suzuki Harunobu waren Pioniere auf dem Gebiet des Farbholzschnittdrucks, der fรผr jede Farbe einen separaten Druckstock benรถtigte.
Ein Schlรผsselblock fรผr die Konturen und einzelne Blรถcke fรผr jeden Farbton waren erforderlich. Da auรerdem eine kleine Anzahl von Drucken von einem einzelnen Block gemacht werden kann, mรผsste eine betrรคchtliche Anzahl von Blรถcken geschnitzt werden, um eine betrรคchtliche Anzahl von Kopien zu drucken. Der Kรผnstler war nur einer von vielen Profis, die an der Herstellung japanischer Kunstdrucke beteiligt waren. Andere waren Designer, Formplaner, Formschneider und Formpressen.
Um 1912 begann die als Ableger von Ukio-e bekannte Druckgrafikbewegung zu verschwinden, aber bald bildeten sich zwei andere Druckgrafikschulen, um die Lรผcke zu fรผllen. Sosaku Hanga und Shin Hanga sind die beiden Namen fรผr sie. Es gibt zwei Denkrichtungen, wenn es um den Druckprozess geht: Sosaku Hanga, das davon ausgeht, dass der Kรผnstler bei jedem Schritt eine zentrale Rolle spielen muss, und Shin Hanga, das traditioneller ist und der Meinung ist, dass der Verleger am zentralsten, so unterschiedlich ist Kรผnstler kรถnnen fรผr die Gestaltung, Blockierung und den Druck verantwortlich sein.
Um Ukiyo-e-Drucke kaufen und verkaufen zu kรถnnen, ist es wichtig, einige japanische Fachbegriffe zu kennen, um diese faszinierende Kunstform richtig einschรคtzen und wertschรคtzen zu kรถnnen. Wenn man sich auf einen japanischen Druck bezieht, weist der Begriff "Atozuri" darauf hin, dass er gedruckt wurde, nachdem der erste Lauf beendet war, aber immer noch die ursprรผnglichen Holzstรถcke verwendet wurden. Shozuri-Drucke sind Erstausgaben, wรคhrend Fukkoku-Drucke Kopien sind. Kรผnstlersignaturen und Druckausgabennummern wurden in der Regel erst in der zweiten Hรคlfte des 20. Jahrhunderts in die letzten Schritte des japanischen Druckherstellungsprozesses aufgenommen. Stattdessen hatte jeder Druck einen Stempel, der seinen Schรถpfer sowie seinen Verleger und Bildhauer nannte.
Als die Europรคer jedoch von Japans einzigartiger Kultur erfuhren, entstand eine Modeerscheinung fรผr alles Japanische, und Ende der 1860er-Jahre wurden riesige Lieferungen japanischer Kunstdrucke auf den Kontinent geschickt. Verlage in Japan erkannten schnell, dass sie Reproduktionen der bekannteren Holzschnitte herstellen mussten, um die wachsende Nachfrage zu befriedigen.
Aufgrund von Stempeln und anderen Marginalien ist leicht zu erkennen, welche Drucke authentisch und welche Duplikate sind. Die Originalitรคt eines Dokuments lรคsst sich oft anhand seines Papier- und Farbzustands feststellen. Da der durchschnittliche Kunstsammler wahrscheinlich keine japanischen Schriftzeichen lesen kann, sollte er sich vor dem Kauf eines authentischen japanischen Kunstdrucks von einem Experten beraten lassen.
Konzentrieren Sie sich auf die Bedeutung der chinesischen Blumenkunst
Seit der Jungsteinzeit haben Kรผnstler in China Pflanzen in ihren Kunstwerken dargestellt. Blumen, Vรถgel und Insekten werden zur Verzierung verwendet, und zwar nicht nur, weil sie schรถn sind; Sie tragen auch eine Fรผlle von Bedeutungen. Wรคhrend der Song-Dynastie (960-1279) festigte ein Anstieg der Anzahl von Gemรคlden mit dem Titel โVogel und Blumeโ den Status von Blumenbildern als herausragendes Thema in der chinesischen Kunst. Anders als auf Rollbildern ist dieses Thema auf einer Vielzahl von dreidimensionalen Kunstwerken zu sehen, darunter Porzellan, Lackwaren, Jadeskulpturen, Textilien, Mรถbel und mehr.
Wรคhrend wir uns darauf vorbereiten, den Frรผhling willkommen zu heiรen, werden wir die Symbolik von Blumen in der chinesischen Kunst untersuchen, indem wir uns eine Auswahl von Gemรคlden aus der Sammlung asiatischer Kunst des AGGV aus dem 19. Jahrhundert ansehen. Die Artworks dieses Albums sind alle punktgenaue Darstellungen von Blumen und Schmetterlingen, basierend auf ihrer tatsรคchlichen Flora und Fauna. Wahrscheinlich tauchte die Kombination erstmals im 18. Jahrhundert auf Waren auf, die speziell fรผr Geburtstagsgeschenke in Auftrag gegeben wurden. Schmetterlings-Rebusse kรถnnen verwendet werden, um mehrere gute Wรผnsche gleichzeitig auszudrรผcken. Diese Gegenstรคnde, die auch mit einem langen Leben verbunden sind, sind groรartige Geburtstagssymbole. Schmetterlinge standen im Daoismus fรผr die Entfesselung des Geistes. Blumen reprรคsentieren viele positive Dinge, und ihre Einbeziehung in diese Kunstwerke trรคgt nur zu ihren positiven Konnotationen bei.
Laut einem chinesischen Volksmรคrchen รผber zwei Liebende, die auf tragische Weise durch den Krieg auseinandergerissen wurden, steht die Mohnblume fรผr Treue und Loyalitรคt zwischen Partnern in einer romantischen Beziehung. Die Geschichte dreht sich um Mohnblumen, die an der Stelle wuchsen, an der sich die Ehefrau nach dem Tod ihres Soldatenmannes verschrieben hatte.
Der Ausdruck huakaifugui legt nahe, dass Kamelien, die wรคhrend des chinesischen Neujahrs (Ende Januar bis Mitte Februar) blรผhen, zur Verschรถnerung des eigenen Zuhauses verwendet werden sollten, um das Glรผck im kommenden Jahr willkommen zu heiรen. Aufgrund der langjรคhrigen Vorliebe Europas fรผr die Rose, Die Blume wird hรคufig auf Gegenstรคnden abgebildet, die anderswo zum Verkauf bestimmt sind. Da die Chinesische Rose das ganze Jahr รผber hรคufig blรผht, hat sich ihr der Name โDauerfrรผhlingsblumeโ eingebรผrgert.
Stolz des Morgens Die trompetenfรถrmigen Blรผten der Prunkwinde, die in leuchtendem Purpur erblรผhen, wurden ursprรผnglich im 15. Jahrhundert als dekoratives Element fรผr blaue und weiรe Waren der Ming verwendet. Es wird behauptet, dass diese Blume das Glรผck in der Ehe symbolisiert. In China gibt es viele Arten von Azaleen, die alle eine einzigartige Blรผtezeit haben. In Verbindung mit Schmetterlingen hat die Azalee die Bedeutung von "kreativem Talent in der Kunst" und steht fรผr die weibliche Schรถnheit, die in der Kunst so weit verbreitet ist.
Neugier: Was ist Orientalismus?
Orientalismus bezieht sich auf die Praxis der Nachahmung oder Stereotypisierung von Elementen aus dem Osten und findet sich in den Bereichen Kunstgeschichte, Literatur und Kulturwissenschaften. Am hรคufigsten sind westliche Autoren, Designer und Maler fรผr diese Darstellungen verantwortlich. Von den verschiedenen Subgenres der im 19. Jahrhundert populรคren akademischen Kunst war die orientalistische Malerei, die sich auf die Darstellung des Nahen Ostens konzentrierte, eine der bekanntesten. Ebenso zeigte die westliche Literatur jener Zeit ein reges Interesse an der Exotik des Orients.
In akademischen Kreisen ist der Begriff โOrientalismusโ seit der Verรถffentlichung von Edward Saids Orientalism im Jahr 1978 alltรคglich geworden. Dieser Begriff wird verwendet, um eine herablassende westliche Perspektive auf asiatische und afrikanische Kulturen zu beschreiben. Der Westen, so Said, essentialisiert diese Kulturen als stagnierend und unterentwickelt und erschafft ein Bild der orientalischen Kultur, das im Dienste der imperialen Autoritรคt erforscht, dargestellt und reproduziert werden kann. Wie Said betont, beruht diese Unwahrheit auf der Annahme, dass die westliche Gesellschaft fortschrittlich, intelligent, anpassungsfรคhig und รผberlegen ist. Dies gibt Westlern die Freiheit, sich โรถstlicheโ Kulturen und Menschen sowohl als exotisch als auch als gefรคhrlich vorzustellen.
Der Begriff โOrientalismusโ wird in der Kunstgeschichte verwendet, um das Werk westlicher Kรผnstler zu beschreiben, die im Laufe des 19. Jahrhunderts geschaffen wurden und sich als Ergebnis ihrer Erkundungen Westasiens auf รถstliche Themen und Motive konzentrierten. Damals wurden Kรผnstler und Akademiker oft spรถttisch als โOrientalistenโ bezeichnet, ein Begriff, der von dem franzรถsischen Kunstkritiker Jules-Antoine Castagnary populรคr gemacht wurde. Die Franzรถsische Gesellschaft orientalistischer Maler mit Jean-Lรฉon Gรฉrรดme als Ehrenprรคsident wurde 1893 gegrรผndet, trotz weit verbreiteter gesellschaftlicher Missbilligung des Genres; Im Gegensatz dazu bedeutete โOrientalistโ in Groรbritannien einfach โKรผnstlerโ.
Die Perspektiven der Kรผnstler รคnderten sich gegen Ende des 19. Jahrhunderts mit der Grรผndung der French Orientalist Painters Society, die es den Mitgliedern ermรถglichte, sich als Teil einer grรถรeren kรผnstlerischen Bewegung zu erkennen. Obwohl wรคhrend der Blรผtezeit der Bewegung im 19. Jahrhundert zahlreiche unterschiedliche orientalistische Malstile entstanden, wird der Begriff "orientalistische Malerei" normalerweise verwendet, um sich auf ein einzelnes Subgenre der akademischen Kunst zu beziehen. Viele Kunsthistoriker klassifizieren orientalistische Maler in zwei Kategorien: diejenigen, die aus direkter Beobachtung heraus malten, und diejenigen, die in ihren Ateliers fantastische Umgebungen schufen. Es ist allgemein anerkannt, dass die prominentesten Persรถnlichkeiten der orientalistischen Bewegung franzรถsische Kรผnstler wie Eugรจne Delacroix (1798-1863) und Jean-Lรฉon Gรฉrรดme (1824-1904) waren.
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Franzรถsischer Orientalismus
Napoleons verheerender Einmarsch in รgypten und Syrien in den Jahren 1798-1801 beeinflusste die franzรถsische orientalistische Malerei und wurde in den folgenden Jahren von Napoleons Hofmalern, insbesondere Antoine-Jean Gros, dokumentiert, obwohl Gros nicht mit der Armee in den Nahen Osten reiste . Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa (1804) und Battle of Abukir (1806) drehen sich beide um den Kaiser, wie er zu dieser Zeit war, zeigen aber auch viele รคgyptische Personen. Auch der weniger erfolgreiche Napoleon in der Pyramidenschlacht hat viele รgypter (1810). Bedeutend war auch La Rรฉvolte du Caire (1810) von Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Die franzรถsische Regierung produzierte zwischen 1809 und 1828 zwanzig Bรคnde einer illustrierten Beschreibung der รคgyptischen Altertรผmer unter dem Titel Description de l'รgypte.
Bevor Eugรจne Delacroix jemals einen Fuร nach Griechenland oder in den Osten setzte, hatte er seinen ersten groรen Hit mit The Massacre at Chios (1824), das, wie The Floร of the Medusa seines Freundes Thรฉodore Gรฉricault, eine jรผngste Tragรถdie an einem weit entfernten Ort darstellte, die sich erhoben hatte รถffentliche Meinung. Wรคhrend die Griechen noch um die Freiheit von den Osmanen kรคmpften, war das Land ebenso exotisch wie die fernรถstlicheren Teile des Reiches. Delacroix malte dann Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi (1827), um an eine Belagerung zu erinnern, die im Jahr zuvor stattgefunden hatte, und The Death of Sardanapalus (1828), das von Lord Byron inspiriert wurde und angeblich das erste Kunstwerk war Sex, Gewalt, Faulheit und Exotik zu kombinieren. Im Jahr 1832 reiste Delacroix schlieรlich im Rahmen einer diplomatischen Mission beim Sultan von Marokko in das heutige Algerien, ein Gebiet, das gerade von den Franzosen erobert wurde. Er war zutiefst bewegt von dem, was er erlebte, zog Parallelen zwischen der nordafrikanischen Lebensweise und der der alten Rรถmer und malte nach seiner Rรผckkehr nach Frankreich Themen von seiner Reise weiter. Viele seiner Bilder zeigten Juden oder Krieger auf Pferden, weil es ihm, wie vielen spรคteren orientalistischen Malern, schwer fiel, Frauen darzustellen. Nur wenige folgende Haremsszenen konnten den gleichen Anspruch auf Realismus erheben, aber er war anscheinend in der Lage, Zugang zu den Frauenquartieren (oder Harems) eines Hauses zu erhalten, um zu skizzieren, was Frauen von Algier wurden.
Es war Ingres, Direktor der franzรถsischen Acadรฉmie de Peinture, der durch seine nebulรถse Verallgemeinerung der Frauenfiguren in seiner farbenprรคchtigen Darstellung eines tรผrkischen Bades (die alle dasselbe Modell gewesen sein kรถnnten) einen erotisierten Orient populรคr machte. Im mysteriรถsen Orient wurden offenkundigere Zurschaustellungen von Sexualitรคt toleriert. Henri Matisses Halbaktbilder aus der Zeit Nizzas und seine Verwendung orientalischer Kostรผme und Muster sind Beispiele fรผr diese fortgesetzte Verwendung dieses Motivs bis ins frรผhe 20. Jahrhundert. Das Dampfschiff machte das Reisen viel einfacher, und viele Kรผnstler besuchten den Nahen Osten und darรผber hinaus, um eine breite Palette orientalischer Szenen zu malen. Vor seinem Besuch im Osten hatte Thรฉodore Chassรฉriau (1819-1856), ein Schรผler von Ingres, bereits mit seinem Akt The Toilette of Esther (1841, Louvre) und dem Reiterportrรคt von Ali-Ben-Hamet, Kalif von Konstantin und Oberhaupt von, Erfolge erzielt der Haractas, gefolgt von seiner Eskorte
Viele dieser Werke setzten eine stereotype, exotische und sexualisierte Darstellung des Orients fort. Kunstwerke dieser Art konzentrierten sich oft auf die arabischen, jรผdischen und anderen semitischen Kulturen, da franzรถsische Maler dorthin reisten, um mehr รผber die Geschichte und Entwicklung der Region zu erfahren, als das kaiserliche Frankreich seinen Einfluss in Nordafrika ausbaute. Mehrere franzรถsische Kรผnstler wie Eugรจne Delacroix, Jean-Lรฉon Gรฉrรดme und Jean-Auguste-Dominique Ingres haben Odalisken in ihren Gemรคlden der islamischen Kultur dargestellt. Sie betonten Trรคgheit und auffรคllige Optik. Insbesondere Genrebilder wurden dafรผr kritisiert, europรคischen Beispielen desselben Themas zu รคhnlich zu sein oder ein orientalistisches Weltbild im saidianischen Sinne auszudrรผcken. Gรฉrรดme war der Stammvater und oft der Meister einer Gruppe franzรถsischer Maler des spรคten Jahrhunderts, die fรผr ihre offensichtlich sexuellen Darstellungen von Harems, รถffentlichen Bรคdern und Sklavenauktionen (die beiden letzteren sind auch mit klassischem Dekor erhรคltlich) und fรผr ihren Beitrag zu โthe Gleichsetzung des Orientalismus mit dem Akt im pornografischen Modusโ.
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Orientalismus in europรคischer Architektur und Design
Ab dem spรคten 15. Jahrhundert war der maurische Stil der Renaissance-Verzierung eine europรคische Adaption der islamischen Arabeske, die in bestimmten Bereichen, wie zum Beispiel als Buchbinderei, bis praktisch bis heute verwendet wurde. Der Begriff "Indo-Saracenic Revival" beschreibt die frรผhe westliche Verwendung indischer Architekturthemen. Die Fassade der Londoner Guildhall stammt aus dieser Zeit (1788โ1789). Ab etwa 1795, als Ansichten von Indien von William Hodges und William und Thomas Daniell verรถffentlicht wurden, erlangte der Stil im Westen Popularitรคt. Zu den bekanntesten Beispielen der โHinduโ-Architektur gehรถren das Sezincote House (ca. 1805) in Gloucestershire, das fรผr einen kรผrzlich aus Bengalen zurรผckgekehrten Nabob gebaut wurde, und der Royal Pavilion in Brighton.
Die Verwendung "tรผrkischer" Stile in der dekorativen Kunst, die gelegentliche รbernahme tรผrkischer Gewรคnder und das Interesse an Kunst, die das Osmanische Reich darstellt, waren alle Teil der Turquerie-Bewegung, die im spรคten 15. Jahrhundert begann und mindestens bis zum 18. Jahrhundert andauerte. Auch wenn Frankreich nach dem 18. Jahrhundert an Bedeutung gewann, war der ursprรผngliche Knotenpunkt Venedig, die langjรคhrige Handelsbeziehung der Osmanen.
Der Name โChinoiserieโ bezieht sich auf den allgemeinen Dekorationsstil mit chinesisch inspirierten Elementen, der ab dem 17. Jahrhundert in Westeuropa beliebt war und in mehreren Wellen vor allem wรคhrend des Rokoko (ca. 1740โ1770) seinen Hรถhepunkt erreichte. Die technische Komplexitรคt chinesischer Keramik wurde von westlichen Designern von der Renaissance bis zum 18. Jahrhundert versucht und nur teilweise erfolgreich. Im 17. Jahrhundert begannen Lรคnder wie England (mit seiner East India Company), Dรคnemark (mit seiner East India Company), die Niederlande (mit seiner East India Company) und Frankreich (mit seiner East India Company) Anzeichen zu zeigen der Chinoiserie (Franzรถsische Ostindien-Kompanie). Zu Beginn des 17. Jahrhunderts begannen Tรถpfer in Delft und anderen niederlรคndischen Stรคdten, dasselbe authentische blau-weiรe Porzellan zu verwenden, das in China wรคhrend der Ming-Dynastie hergestellt worden war. Geschirr, Vasen und Teegeschirr aus den frรผhesten Orten der echten Porzellanherstellung wie Meissen ahmten traditionelle chinesische Formen nach (siehe chinesisches Exportporzellan).
Die formalen Parterres der deutschen Palรคste des Spรคtbarock und Rokoko hatten Lustpavillons im "chinesischen Geschmack", und Fliesentafeln in Aranjuez bei Madrid zeigten รคhnliche Strukturen. Insbesondere Teetische und Porzellanschrรคnke wurden 1753โ1770 von Thomas Chippendale mit durchbrochenen Verglasungen und Gelรคndern geschmรผckt. Eine Einbรผrgerung erfolgte auch in den dรผsteren Hommagen an die Mรถbel der frรผhen Xing-Gelehrten, wie dem Tang, der zu einem mittelgeorgischen Beistelltisch wurde, und quadratischen Sesseln mit Rรผckenlehne, die sowohl fรผr englische Herren als auch fรผr chinesische Gelehrte geeignet waren.
Nicht alle westlichen Interpretationen traditioneller chinesischer รsthetik gelten als โChinoiserieโ. Beispiele fรผr Chinoiserie-Medien sind Keramikfiguren und Tischornamente, frรผhe bemalte Tapeten in Blattform und Imitationen von Lack und bemaltem Blech (tรดle), die an Japan erinnern. Pagoden in voller Grรถรe wurden in Gรคrten installiert, wรคhrend Miniaturversionen auf Kaminsimsen platziert wurden. Die von William Chambers geschaffene Groรe Pagode ist ein beeindruckendes Bauwerk in Kew. Die Wilhelma (1846) in Stuttgart ist ein Gebรคude im maurischen Stil. Das Leighton House wurde fรผr den Kรผnstler Frederic Leighton erbaut und verfรผgt รผber ein traditionelles รuรeres, aber ein kunstvolles Interieur im arabischen Stil mit echten islamischen Fliesen und anderen Komponenten und orientalisierenden viktorianischen Arbeiten.
Zum groรen Teil aufgrund der Einfรผhrung von Ukiyo-e-Drucken im Westen blรผhte die als Japonismus bekannte รคsthetische Bewegung nach 1860 auf. Besonders einflussreich auf moderne franzรถsische Kรผnstler wie Claude Monet und Edgar Degas war die japanische รsthetik. Japanische Drucke inspirierten die amerikanische Kรผnstlerin Mary Cassatt, die in Frankreich lebte und arbeitete. Sie hat die Verwendung von geschichteten Mustern, flachen Ebenen und dynamischer Perspektive in ihre eigene Arbeit integriert. Einige der besten Beispiele japanisch inspirierter Kunst finden sich in The Peacock Room, einer Sammlung von Gemรคlden von James Abbott McNeill Whistler. Das Gamble House und andere Gebรคude von Greene and Greene aus Kalifornien wurden von japanischer Architektur beeinflusst.
Die รคgyptische Wiederbelebungsarchitektur war im frรผhen und mittleren 19. Jahrhundert ein beliebter Stil und blieb bis ins frรผhe 20. Jahrhundert als Nebenstil erhalten. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts gehรถrten Synagogen zu den Hauptnutznieรern des maurischen Wiederbelebungsstils, der seinen Ursprung in den deutschen Staaten hatte. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts entstand im britischen Raj ein architektonischer Stil, der als Indo-Saracenic Revival bekannt ist.
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Dekorieren mit orientalischer Kunst
Die รsthetik des orientalischen Dekors gehรถrt zu den faszinierendsten der Welt. Beliebt in der Mรถbel- und Innenausbaubranche ist die Verwendung von orientalischen Dekorelementen auf dem Vormarsch. Diese Sammlung asiatischer Kunstformen ist seit Jahrtausenden gefragt und umfasst Werke aus den unterschiedlichsten asiatischen Lรคndern.
Der Begriff โOrientalische Kunstโ beschwรถrt oft Bilder von Geisha-Mรคdchen in Japan oder chinesische Aquarelle herauf, aber das sind nicht die einzigen Beispiele. Mit ihren lebendigen Farben und ihrer Liebe zum Detail haben orientalische Schriftrollen, Vasen und Gemรคlde Jahrhunderte รผberdauert. Regenschirme, Fรคcher und Lampen sind weitere Beispiele fรผr andere Formen orientalischer Kunst.
Einer der Grรผnde, warum orientalische Kunst so beliebt ist, sind ihre klaren Linien und lebendigen Farben. Sowohl die รถstliche als auch die westliche Hemisphรคre haben Elemente des orientalischen Dekors in ihre Innenrรคume integriert. Aufgrund seiner Eleganz und Funktionalitรคt kann es in Umgebungen verwendet werden, die sonst aus dem Rahmen fallen. Das Hinzufรผgen eines Stรผcks orientalischer Kunst zu Ihrem Zuhause ist eine groรartige Mรถglichkeit, ihm ein einzigartiges Aussehen und Gefรผhl zu verleihen. Der Wandfรคcher ist ein ikonisches Beispiel orientalischer Kunst. Mit Gegenstรคnden aus dem Orient zu dekorieren ist eine tolle Idee, weil sie sowohl stilvoll als auch preiswert sind.
Wie viele Spezialisten auf diesem Gebiet vermuten lassen, sind Auktionen eine der besten Mรถglichkeiten, Werke orientalischer Kunst zu beschaffen. Daher kรถnnen Sie einfach in Auktionskatalogen stรถbern und beginnen, Ihr Zuhause mit orientalisch angehauchten Stรผcken zu dekorieren. รber japanische Kunst werden jedoch oft auch Drucke, Keramiken, Rรผstungen und mehr versteigert.
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Einige berรผhmte orientalische Kรผnstler
Gu Kaizhi (344 โ ca. 406)
Zu den berรผhmten Werken des chinesischen Kรผnstlers Gu Kaizhi gehรถren โErmahnungen der Gouvernante an die Hofdamenโ und โAnweisungen an illustre Frauenโ. Er war auch Dichter und Kunsttheoretiker. Er war ein taoistischer Philosoph, der ein buntes Leben fรผhrte und manchmal groรen Zynismus an den Tag legte. Gu Kaizhi (ca. 344-406) war seit 366 Regierungsbeamter und wurde in Wuxi in der Provinz Jiangsu geboren, aber seine Talente reichten weit รผber die Politik hinaus. Er war auch ein versierter Dichter, Essayist, Maler und Praktiker der chinesischen Kalligrafie. Drei Werke, On Painting, Introduction to the Famous Paintings of the Wei and Jin Dynasties und Painting Mount Yuntai, fassen Gus zahlreiche Theorien รผber das Medium zusammen. Sein Lebenswerk ist in mehr als 70 Gemรคlden dokumentiert, die menschliche und gรถttliche Figuren, Tiere, Landschaften und Gewรคsser in den Mittelpunkt stellen. Buddha des Nanjing-Tempels (erschaffen, um Geld fรผr den Bau des Tempels zu generieren), Ermahnungen der Gouvernante an die Damen des Hofes und Die Nymphe des Luo-Flusses sind alles Werke, die ihm allgemein zugeschrieben werden. Werke von Gu Kaizhi sind heute in Sammlungen auf der ganzen Welt zu finden. Zwischen etwa 220 n. Chr. und 581 n. Chr. gab es ein goldenes Zeitalter der chinesischen Malerei. Trotz der Kriege und dynastischen Verรคnderungen, die in China im Laufe von 300 Jahren stattfanden, blieb das kulturelle Leben des Landes lebendig. Das lag nicht zuletzt an den vielen verschiedenen Schulen, die der kรผnstlerischen Entwicklung des Landes wichtige Impulse verliehen. In dieser Zeit gibt es mehrere Beispiele fรผr Virtuositรคt in der chinesischen Kalligraphie und Kunst, darunter Grabmalereien, Stein- und Ziegelskulpturen und Lackmalereien. Ebenfalls theoretisiert werden die Bildregeln, die wir unter der zeitgenรถssischen chinesischen Malerei sehen, Regeln wie die Grafiktheorie und die Theorie der sechs Regeln. Einer der einflussreichsten und bekanntesten dieser Kรผnstler ist Gu Kaizhi, der oft als Begrรผnder der traditionellen chinesischen Malerei angesehen wird. Seine Werke verkรถrpern die Zeit, in der er lebte.
Fan Kuan (960 โ ca. 1030)
Von 990 bis 1020 war Fan Kuan ein bekannter taoistischer Maler im "nรถrdlichen Stil" in China. Ihm werden unter anderem die schรถnsten Meister des 10. und 11. Jahrhunderts zugeschrieben. Eine vertikale Schriftrolle mit dem Titel Travelers amid Mountains and Streams von Fan Kuan gilt weithin als das grundlegende Kunstwerk der Northern Song School. Es setzt einen Standard fรผr gigantische Landschaftsmalerei, an dem sich viele Kรผnstler spรคter orientieren wรผrden. Es ist klar, dass hier die alte chinesische Vorstellung von drei Dimensionen, Nรคhe, Mitte (dargestellt durch Wasser und Nebel) und Ferne am Werk ist. Im Gegensatz zu den frรผhesten Beispielen chinesischer Landschaftsmalerei steht die Pracht der Natur eher im Mittelpunkt als im Nachhinein. Am Fuร des Monolithen ist eine Reihe Packpferde zu sehen, die aus den Bรผschen hervorkommen. Konventionen aus der รคlteren Tang-Dynastie kรถnnen im visuellen Stil des Kunstwerks gesehen werden.
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Katsushika Hokusai ( 1760 โ 1849 )
Es ist der Ukiyo-e-Stil, den Katsushika Hokusai als Maler und Grafiker in Japan populรคr gemacht hat. Er war ein prรคziser und exzentrischer Maler, der vor allem fรผr seine Drucke bekannt ist. Er arbeitete jedoch sein ganzes Leben lang in beiden Medien. Nach mehr als sechzig Jahren seiner Karriere hatte er bereits mit Holzschnitten experimentiert, die theatralische Themen darstellten, Gruรdrucke fรผr den privaten Umlauf (Surimono) und, beginnend in den 1830er Jahren, Landschaftsserien, wie Werke wie Ansichten berรผhmter Brรผcken und berรผhmter Wasserfรคlle in belegen Verschiedene Provinzen und 36 Ansichten des Berges Fuji, was zum Teil eine persรถnliche Verbundenheit mit dem berรผhmten Vulkan widerspiegelt. The Great Kanagawa Wave, ebenfalls Teil dieses Kanons, ist ein zugehรถriges Werk. Nach einer Zeit groรer Not, die durch eine Reihe von familiรคren Problemen verursacht wurde, von denen nicht zuletzt die Neigung seines Neffen zum Glรผcksspiel war, verรถffentlichte er eine Reihe von Zeichen- und Manga-Anleitungen, die sich sowohl an Amateure als auch an Profis richteten. Das Schreiben und Zeichnen einer breiten Palette von Kriminalbรผchern und Kurzgeschichten fรผr Frauen und Kinder sowie die Arbeit an der Illustration groรer literarischer Meisterwerke wurde von seiner lebenslangen Liebe zur Literatur inspiriert, die wahrscheinlich wรคhrend seiner Jugend als Laufbursche auf Reisen begann Bibliothek. Die Haiku, die er schrieb, waren auch ziemlich gut. Aufgrund des weitreichenden Einflusses seiner Kunst auf europรคische Impressionisten wie Claude Monet und Postimpressionisten wie Vincent van Gogh und den franzรถsischen Maler Paul Gauguin wurden zwischen 1896 und 1914 drei Biografien รผber Hokusai auf Franzรถsisch von den fรผhrenden Kritikern der Zeit verรถffentlicht, darunter Edmond de Goncourt. Laut den Geschichten, die รผber ihn erzรคhlt wurden, zog er mehr als neunzig Mal um und benutzte im Laufe seiner Karriere mehrere verschiedene Kรผnstlernamen.
Hiroshi Yoshida (1876 โ 1950)
Der japanische Maler und Drucker Hiroshi Yoshida. Seine Drucke vom Taj Mahal, den Schweizer Alpen und dem Grand Canyon gehรถren zu den berรผhmtesten Beispielen der Shin-Hanga-Kunst und rufen beim Betrachter starke Emotionen hervor. Am 19. September 1876 begann in der Stadt Kurume, Prรคfektur Fukuoka auf der Insel Kysh, das Leben von Hiroshi Yoshida, geboren Hiroshi Ueda. Sein Adoptivvater, ein Kunstlehrer an einer รถffentlichen Schule, fรถrderte sein frรผhes kรผnstlerisches Talent. Nachdem er drei Jahre in Tokio verbracht hatte, um bei Koyama Shotaro zu lernen, wurde er mit 19 Jahren nach Kyoto versetzt, um bei dem renommierten westlichen Malmeister Tamura Shoryu zu studieren. 1899 richtete Yoshida seine erste Ausstellung im damaligen Detroit Museum of Art aus, das heute Detroit Institute of Arts heiรt. Hiroshi Yoshida war ein versierter รlmaler, der das Medium seit seiner Einfรผhrung in Japan in der Meiji-รra verwendet hatte. Die Sailing Boats-Serie von 1921 und die Taj Mahal-Drucke (von denen es sechs gibt) sind beide Beispiele fรผr Yoshidas Angewohnheit, dasselbe Bild in verschiedenen Farben zu reproduzieren, um die Stimmung zu verรคndern.
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Zitate
Madeleine LโEngle
- โ Ich mag die Tatsache, dass die groรen Maler in der alten chinesischen Kunst immer einen absichtlichen Fehler in ihre Arbeit eingebaut haben: Die menschliche Schรถpfung ist nie perfekt.โ
Ai Weiwei
- โAlle reichen Leute sammeln traditionelle chinesische Kunst. Daher ist es fรผr chinesische Familien ganz natรผrlich, Kunst immer noch als hรถchste menschliche Leistung zu sehen und ihre Kinder in diesen Bereich zu schicken.โ
Stefan Gardiner
- "In der japanischen Kunst nahm der Raum eine dominierende Rolle ein und seine Position wurde durch Zen-Konzepte gestรคrkt".
Henri Matisse
- "Haben die Kรผnstler des groรen Zeitalters der japanischen Kunst wรคhrend ihrer Karriere nicht viele Male den Namen geรคndert? Das gefรคllt mir; sie wollten ihre Freiheit bewahren."
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Orientalische Kunst: eine groรe Bandbreite an Kreativitรคt aus verschiedenen Kulturen
Es gibt eine Vielzahl von kรผnstlerischen Traditionen aus ganz Asien, die die Geschichte der asiatischen Kunst ausmachen. Zentralasien, Ostasien, Sรผdasien, Sรผdostasien und Westasien sind die bekanntesten Teile des asiatischen Kontinents.
Die ostasiatische Kunst umfasst die Kulturen Chinas, Japans und Koreas, wรคhrend die zentralasiatische Kunst von Schรถpfungen der Turkvรถlker der eurasischen Steppe dominiert wird. Sรผdostasiatische Kunst besteht aus den Kรผnsten Thailands, Laos, Vietnams, Singapurs, Indonesiens und der Philippinen, wรคhrend sich sรผdasiatische Kunst auf die Kรผnste des indischen Subkontinents bezieht. Kunst aus dem Nahen Osten oder Westasien umfasst mesopotamische Kunst aus der Antike und islamische Kunst aus der Neuzeit.
Die Entwicklung der asiatischen Kunst รคhnelt in vielerlei Hinsicht der westlichen Kunst. Kulturen vermischten sich durch Mittel wie den Kunsttransfer der Seidenstraรe, den kulturellen Austausch wรคhrend des Zeitalters der Entdeckung und Kolonialisierung sowie durch das Internet und die aktuelle Globalisierung. Wenn wir die Kunst der Steinzeit ausschlieรen, ist die Kunst Mesopotamiens die frรผheste Kunst in Asien.
Zentralasiatische Kunst
Das heutige Kirgisistan, Kasachstan, Usbekistan, Turkmenistan, Aserbaidschan, Tadschikistan, Afghanistan, Pakistan und einige Regionen der heutigen Mongolei, China und Russland gelten alle als Teil der zentralasiatischen Region, die eine reiche Geschichte beheimatet und eine Vielzahl kรผnstlerischer Traditionen. Zentralasiatische Kunst von der Antike bis zum Mittelalter veranschaulicht die vielfรคltige Bevรถlkerung und das kulturelle Erbe der Region. Das kulturelle Erbe Zentralasiens spiegelt die multikulturelle Zusammensetzung der Region auf รผberraschende Weise wider, wie die kรผnstlerischen Artefakte der Region belegen. Skythische Kunst, griechisch-buddhistische Kunst, serindische Kunst und sogar die moderne persische Kultur sind alle Teil dieser verschlungenen Geschichte, zu der auch die รbertragung von Kunst รผber die Seidenstraรe gehรถrt.
Wandernde Hirten, die gemischte รkonomien an der Peripherie sesshafter Gemeinschaften praktizierten, haben die Graslandschaften Zentralasiens (vom Kaspischen Meer bis Zentralchina und von Sรผdrussland bis Nordindien) seit dem spรคten 2. Jahrtausend v. Die prรคhistorische โTierstilโ-Kunst dieser Hirtennomaden offenbart nicht nur ihre zoomorphen Mythen und schamanischen Rituale, sondern auch ihre Offenheit, die Symbole der sesshaften Kultur in ihre eigenen Praktiken zu integrieren.
Kulturen aus der ganzen Welt haben sich in Zentralasien getroffen und verschmolzen und es zum Nervenzentrum der alten Seidenstraรe gemacht, die China mit dem Mittelmeer verband. Wachsende Gemeinden im dritten und zweiten Jahrtausend v. Chr. waren Teil eines riesigen Handelsnetzes, das Zentralasien mit dem Indus-Tal, Mesopotamien und รgypten verband.
Die islamische Kunst hatte in den letzten Jahrhunderten einen groรen Einfluss auf die westliche Kunst, aber รคltere Kulturen lieรen sich von einer Vielzahl von Quellen inspirieren, darunter die Kunst Chinas, Persiens und Griechenlands sowie der Tierstil, der unter den Nomaden von entstand die Steppen.
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Ostasiatische Kunst
Kulturelle Praktiken aus Ostasien umfassen die bildende Kunst, Literatur und darstellende Kunst Chinas, Koreas und Japans. Da sie keinen praktischen Zweck haben und keine manuelle Arbeit beinhalten, erhalten in China nur Malerei und Kalligrafie den Status "echter bildender Kunst". Als Handwerk gelten die Bildhauerei, das Gieรen und Schnitzen von Bronze sowie die Herstellung von Keramik, Textilien, Metallurgie und Lackwaren. Traditionelle chinesische Gebรคude bestehen fast oft aus Holz und haben eine Plattform, einen Pfosten-und-Sturz-Rahmen, dachtragende Klammern und ein schweres, geneigtes Dach.
Drei Faktoren, darunter die buddhistische Ikonographie, indigene japanische Themen und Traditionen sowie die chinesische bildende Kunst, hatten erhebliche Auswirkungen auf die japanische visuelle Kultur. Der im siebten Jahrhundert erbaute Hry-Tempel war das erste Bauwerk, das die asymmetrischen Grundrisse verwendete, die spรคter die japanische Architektur charakterisieren wรผrden. Der polychrome Holzschnitt, der sich zum ikonischen Ukiyo-e-Druck entwickelte, und die Sieb- und Tafelbilder des 16. bis 18. Jahrhunderts sind Paradebeispiele fรผr die Beschรคftigung japanischer Maler mit der Abstraktion von der Natur. Die Verwendung von Stein im Bauwesen und in der Bildhauerei und die Entwicklung einer exquisiten Seladon-Glasur sind zwei der markantesten Beitrรคge Koreas zur Kunst.
Unter den Literaturen der Welt hat China die lรคngste ununterbrochene Geschichte (mehr als 3.000 Jahre). Seine Geschichte ist eng mit der der Schriftsprache verwoben, die es mit Korea und Japan teilt. Balladen, Legenden, Maskendramen, Puppentheatertexte und P'ansori-Texte ("Geschichtengesang") sind alle Teil der reichen Oral History Koreas, und das Land hat auch eine robuste schriftliche Tradition der Poesie (insbesondere Hyangga- und Sijo-Formen). . Da weder Japan noch Korea รผber eine eigene Schriftsprache verfรผgten, lehnten sich die literarischen Traditionen beider Lรคnder stark an China an (obwohl japanische Silbensysteme um 1000 entstanden und das koreanische Hangul im 15. Jahrhundert entwickelt wurde). Gedichte aus Japan, insbesondere in Haiku-Form, sind weltweit fรผr ihre feine Sensibilitรคt bekannt und reichen bis ins 7. Jahrhundert zurรผck, zusammen mit den vielen literarischen Schรคtzen des Landes wie The Tale of Genji.
Ostasiatische Musik hat wie westliche Musik eine pentatonische Tonleiter geschaffen, die auf einem 12-Ton-Vokabular basiert, aber ihre Grundlage ist unterschiedlich. Ostasiatische Ensembles sind in der Regel relativ klein, und Komponisten in der Region geben normalerweise Melodie und Rhythmus Vorrang vor harmonischer Komplexitรคt. Es ist erwรคhnenswert, dass Musik, Tanz und Schauspiel in ostasiatischen Lรคndern oft miteinander verbunden sind und es keine Hinweise auf eine ausgeprรคgte Formentwicklung in den zugehรถrigen Kategorien des ostasiatischen Tanzes und Theaters gibt. Getanzte Prozessionen, Tanzoper (jingxi oder "Peking" und andere Arten chinesischer Opern), Schattentheater, Puppentheater und Dialogspiele mit Musik und Tanz sind nur einige der vielen Spielarten ostasiatischer darstellender Kรผnste (z. B. japanische Kabuki). Die Werke von Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun und Murasaki Shikibu sind ebenfalls eine Untersuchung wert, ebenso wie Ikebana, Papierfalten im Jgan-Stil, Rollenmalerei, Shinden-Zukuri, Shoin-Zukuri, Sukiya-Stil, Architektur im Tempyu-Stil und im Tori-Stil.
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Sรผdasiatische Kunst
Kunst aus Indien, Pakistan, Bangladesch und Sri Lanka wird oft als Sรผdasien bezeichnet. Eine Fรผlle alter Textliteratur in Sanskrit, Prkrit und regionalen Sprachen hat dazu beigetragen, die Menschen des indischen Subkontinents zusammenzubringen, ebenso wie eine gemeinsame kulturelle und ethische Perspektive. Trotz der Teilung der Region in ein Kaleidoskop politischer Muster im Laufe der Jahrhunderte hat der Subkontinent als Ganzes gemeinsame Musik- und Tanztraditionen, rituelle Rituale, religiรถse Praktiken und literarische Ideen.
Die Epen Sรผdasiens wie das Rmyaa und das Mahbhrata geben Einblick in das komplexe Beziehungsgeflecht zwischen den vielen Vรถlkern der Region. Es gibt eindeutige Beweise fรผr eine familiรคre Beziehung zwischen den Gรถttern und Helden weit voneinander entfernter Orte, und viele der Ortsnamen selbst spielen auf gemeinsame Vorfahren an. Es gab auch anhaltende Bemรผhungen, eine einheitliche politische Ordnung auf dem Gebiet zu etablieren. Im dritten Jahrhundert v. Chr. kontrollierte beispielsweise Kaiser Aoka den grรถรten Teil dieses Gebiets; im 11. Jahrhundert n. Chr. eroberte Rajendra I. von Chai einen Groรteil Indiens und Sรผdostasiens; und im 16. Jahrhundert n. Chr. tat der groรe Mogul Akbar dasselbe. Die Grenzen sind im Laufe der sรผdasiatischen Geschichte gewachsen und geschrumpft und haben sich offiziell als vollstรคndige Regionen verbunden und getrennt, aber die Kultur ist durchweg konsistent geblieben.
Die Schรถnheit der Berge und Flรผsse der Region wurde aufgrund ihrer gemeinsamen physischen Umgebung weithin geschรคtzt. Der Himalaya, der entlang der nรถrdlichen Grenze verlรคuft, ist das hรถchste Gebirge der Welt und reprรคsentiert ein kulturelles Ideal von Erhabenheit, Reinheit und unberรผhrtem Schnee. Flรผsse wie der Brahmaputra und der Indus werden in ihren jeweiligen Regionen wegen ihres Wasserreichtums als โMรผtterโ verehrt.
Es ist ein weit verbreiteter Glaube, dass Wassergeister und Waldfeen, bekannt als Ngas und Yakas, die Seen und Quellen der Region bewohnen. Der Name einer frรผhen Dynastie in Kaschmir, Karkoa, ist selbst ein Symbol fรผr die Nga-Verehrung. Antike religiรถse Artefakte wie Statuen von Ngas und Yakas, die an verschiedenen Orten ausgegraben wurden, deuten auf ein gemeinsames hingebungsvolles Ethos hin, ebenso wie religiรถse Texte, die seit Jahrhunderten mรผndlich รผberliefert wurden, ohne ihre ursprรผngliche Intonation zu verlieren. Skulpturen, die einen รคhnlichen klassischen Tanz darstellen, sind in den pakistanischen Stรคdten Gandhra, Bhrhut und Amarvat zu finden.
In Sรผdasien ist es unabdingbar, sich in mehreren verschiedenen Kรผnsten auszukennen, bevor man sich auf nur eine spezialisieren kann. Da Bildhauerei, wie Malerei und Tanz, die ganze Welt abbildet, liegt es auf der Hand, dass man die eine Kunstform nicht beherrschen kann, ohne zuerst die andere zu beherrschen. Tanzen ist eine Ausdrucksform durch Bewegung und Rhythmus; Daher ist ein Verstรคndnis des musikalischen Rhythmus von entscheidender Bedeutung. Kenntnisse in Literatur und Rhetorik werden als wichtig fรผr das Erregen von Emotionen in Musik und Tanz angesehen; Der Geschmack (rasa), der in Musik, Tanz, Skulptur oder Malerei ausgedrรผckt werden soll, erfordert eine gewisse Vertrautheit mit dem geschriebenen Wort. Die Kรผnste sind also auf vielen Ebenen miteinander verbunden.
Die Kรผnste in Sรผdasien wurden nicht nur als respektable Freizeitbeschรคftigung um ihrer selbst willen praktiziert, sondern auch als Akt der Hingabe und Verehrung einer hรถheren Macht. Es gibt literarische Hinweise auf Fรผrsten, die Kunstwerke auf Fehler untersuchen. Die Errungenschaften und Ambitionen des Kรผnstlers in Theorie und Praxis werden durch eine einzige Inschrift veranschaulicht, die den Namen des stra-dhra ("Architekten") des Mallikrjuna-Tempels in Pattadakal erwรคhnt, der im achten Jahrhundert erbaut wurde.
Sรผdasiatische Kulturen haben Kรผnstlern seit langem einen privilegierten Status zuerkannt. Der Hof war voller Dichter, Musiker und Tรคnzer. Ein brillanter Tรคnzer wurde von Rjendra Ca gelobt, und der Architekt des Tempels in Tiruvoiyr, der ebenfalls von Rjendra unterstรผtzt wurde, wurde in einer Inschrift fรผr sein umfassendes Verstรคndnis von Architektur und Kunst gelobt. Dennoch gab es eine starke Verbindung zwischen der Volkskunst und den hohen Kรผnsten. รhnlichkeiten bestanden zum Beispiel zwischen Stammesgruppentรคnzen und westlicher klassischer Kunst, Tanz und Musik. Der indische Subkontinent hat eine reiche kรผnstlerische Geschichte, wobei sowohl die Rundskulptur (citra) als auch die Reliefskulptur (ardhacitra) eine bedeutende Stellung einnehmen.
Citrbhsa, was รผbersetzt โdas Erscheinen einer Skulpturโ bedeutet, ist die dritthรถchste Kunstform. Ein Vers aus einem Drama des Dichters Klidsa aus dem 5. Jahrhundert erklรคrt, wie das Auge รผber die Hรถhen und Tiefen stolpert, die in der Modellierung eines Gemรคldes dargestellt sind, und zeigt, wie wesentlich der Einfluss von Hell-Dunkel (dh die Verwendung von Licht und Schatten zum Ausdruck der Modellierung) war . Den grรถรten Wert legen die Meister auf die Strichfรผhrung eines Gemรคldes, die fest und anmutig gezeichnet sein muss, gefolgt von der Schattierung und der Darstellung von Modellierungen, die von anderen geschรคtzt werden, dem dekorativen Element, das den weiblichen Geschmack anspricht, und der Farbpracht , die den allgemeinen Geschmack anspricht. Es ist sehr beeindruckend, dass Sie mit so wenig Zeichnung so viel Form zeigen konnten. Es gibt zahlreiche literarische Beispiele erfolgreicher Portrรคtmalerei in der sรผdasiatischen Malerei und Skulptur, die die zentrale Bedeutung der Portrรคtmalerei fรผr die bildende Kunst der Region demonstrieren. Das Viudharmottara, geschrieben im sechsten Jahrhundert, teilt die Portrรคtmalerei in vier Kategorien ein: natรผrlich, lyrisch, anspruchsvoll und gemischt. Es kategorisiert auch verschiedene Arten von Menschen basierend auf ihren Haar- und Augenformen und -farben. Es enthรคlt einen รberblick รผber die vielen kรผnstlerischen Perspektiven sowie eine Erlรคuterung der Grundlagen der Verkรผrzung. Wie ein Gedicht den Dichter widerspiegelt, dachte man, dass Gemรคlde und Skulpturen die Eigenschaften ihrer Schรถpfer annehmen wรผrden.
Trotz der langen Geschichte Sรผdasiens, in der es fremden Einflรผssen ausgesetzt war, hat die Region immer Wege gefunden, diese Elemente in indigene Praktiken zu integrieren und so eine einzigartige Synthese statt einer bloรen Kopie zu schaffen. Dies spiegelt sich auch in der Kunst der pakistanischen Region Gandhra wider, die zu dieser Zeit (4. Jahrhundert v. Chr.) Von der griechisch-rรถmischen Kultur durchdrungen war. Die Einbeziehung indischer Motive und Stile in den vorherrschenden westlichen Stil ist ein Markenzeichen der Skulptur dieser Epoche.
Nach der Kushan-Invasion im ersten Jahrhundert n. Chr. gab es einen deutlichen Einfluss von auรen, aber letztendlich triumphierte die indigene Kultur. Das Mogulreich, das Sรผdasien ab dem 16. Jahrhundert regierte und aus Muslimen aus Zentralasien bestand, vereinte die Region kulturell, indem es seinen Untertanen eine รผberwiegend indische Bildung aufzwang. Die muslimische Kunst blรผhte unter der Herrschaft des zweiten Mogulkaisers Humayn auf, der Kรผnstler vom Hof des persischen Schahs holte und eine Geschichte der Verschmelzung indischer und persischer Stile schuf.
Die Kunst jeder Region spiegelt ihre eigenen politischen Strukturen, moralischen und ethischen Normen und sozialen Strukturen wider. Bereits im 3. Jahrhundert v. Chr. zeigten Herrscher den Willen, dem Volk zu dienen und es fast wie Nachkommen zu behandeln. Prรคchtige Mรผnzen aus dem Gupta-Reich in Nordindien im 4. bis 6. Jahrhundert zeigen das Ideal des Monarchen als konkurrenzlosen Bogenschรผtzen, Vereiniger, groรen und stattlichen edlen Geist, Opferer fรผr das Wohlergehen der Untertanen und der Held von ihm Menschen (die ihn auf einem stattlichen Elefanten sehen). Kunstwerke, die nur Eroberung und nur Kriegsfรผhrung darstellen. Krieg und Eroberung, symbolische Pferdeopfer, der Kรถnigsrat, diplomatische Empfรคnge, Friedensverhandlungen, Tempelbau, Wertschรคtzung der schรถnen Kรผnste (einschlieรlich Tanz und Musik) und die Krรถnung von Kรถnigen sind nur einige der vielen staatlichen Aktivitรคten, die in der umfangreichen dargestellt werden Reihe von Skulpturen, die die Geschichte der sรผdindischen Pallava-Dynastie des 4. bis 9. Jahrhunderts darstellen.
รhnlich wie Skulpturen, die Dharma, die Konventionen oder Gesetze, die die Verpflichtung leiten, betonen, moralische Einstellungen widerspiegeln, spiegeln dies auch Skulpturen wider, die moralische Handlungen darstellen. Eine รผbliche Art und Weise, wie das Prinzip von Ahimsa oder Gewaltlosigkeit gegenรผber anderen visualisiert wird, ist das Bild eines Hirsches, und das Ideal einer heiligen Stรคtte wird typischerweise als ein Ort dargestellt, an dem sich der Hirsch frei bewegen kann. Kunstwerke zeigen oft Szenen, in denen die Motive ihre eigenen Opfer oder die anderer schwelgen. Geschichten aus dem Paca-Tantra, einer der frรผhesten Fabelsammlungen der Welt, werden auf einfache, aber wirkungsvolle Weise in Skulpturen dargestellt. Die sรผdasiatische Kunst zeigt konsequent die Frรถmmigkeit, den Glauben und den Respekt vor der Moral, die die soziale Struktur des Subkontinents seit Generationen durchdrungen haben.
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Kunst aus Sรผdostasien
Die Kรผnste Sรผdostasiens umfassen ihre schriftlichen, mรผndlichen und visuellen Formen. Obwohl die indische Kultur einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Region hatte, gibt es einige gemeinsame Merkmale, die vor dieser Zeit entstanden. Kunststile, die nicht aus Indien stammen, wie Batikstoffe, Gamelan-Orchester und das Wayang-Puppentheater, bleiben beliebt. Indigener Nassreis- (oder Padi-) Anbau, Metallurgie, Schifffahrt, Ahnenkulte und Bergverehrung waren allgegenwรคrtig.
Sรผdostasien umfasst die riesige Halbinsel Indochina sowie die anderen Inseln der Region, die oft als Ostindien bekannt sind. Sรผdostasien lรคsst sich in zwei unterschiedliche Teile unterteilen: das Festland und die Inseln. Myanmar (Birma), Thailand, Laos, Kambodscha, Vietnam, Malaysia, Singapur, Indonesien und die Philippinen sind die Regierungseinheiten, die dieses Gebiet bilden. Obwohl die Philippinen ursprรผnglich nicht als Teil Sรผdostasiens betrachtet wurden, werden sie aufgrund ihrer Nรคhe zu China und Japan und der engen kulturellen รhnlichkeiten mit den Kulturen Sรผdostasiens heute allgemein als Teil der Region angesehen.
Ganz Sรผdostasien hat ein รคhnliches Klima und eine รคhnliche Topographie, was die Geschichte und Kultur der Region geprรคgt hat. Kulturell unterscheiden sich die Menschen, die in den Bergen leben, von denen, die in den Tรคlern leben.
Ursprรผnglich wurde angenommen, dass die Menschen in Sรผdostasien einen Mangel an Originalitรคt teilten, der bis in prรคhistorische Zeiten zurรผckreicht, und dass sie in ihren Interaktionen mit anderen Kulturen eher โaufgeschlossenโ als โkreativโ waren. Spรคtere Ausgrabungen und Entdeckungen in Myanmar und Thailand veranlassten einige Gelehrte, gegen die akzeptierte Theorie zu argumentieren, dass die Zivilisation in prรคhistorischen Zeiten von China nach Sรผdostasien gezogen sei. Stattdessen, argumentierten sie, kultivierten die Menschen auf dem sรผdostasiatischen Festland Pflanzen, stellten Tรถpferwaren her und arbeiteten in Bronze etwa zur gleichen Zeit wie die Menschen im alten Nahen Osten, und so breitete sich die Zivilisation ein Jahrtausend frรผher vom sรผdostasiatischen Festland nach China aus. Weil sie sich immer mehr fรผr die praktische Aufgabe interessieren, schรถne Dinge zu schaffen, haben Sรผdostasiaten kein reiches Erbe an Kunsttheorie, Literatur- oder Theaterkritik.
Es ist nicht mรถglich, die Entstehung und Entwicklung der Kunstformen in Sรผdostasien Schritt fรผr Schritt nachzuvollziehen, da die Menschen, insbesondere in der westlichen Hรคlfte des Festlandes, mit nicht haltbaren Materialien arbeiteten. Angesichts der Geschichte der dichten Bewaldung des Gebiets liegt es nahe, dass Holz das frรผheste Material war, das aus รคsthetischen Grรผnden verwendet wurde. Trotz ihrer neu entdeckten Kenntnisse im Umgang mit Metall und Stein haben sie die traditionelle Praxis der Holzschnitzerei nie aufgegeben, die auch nach dem Ende der groรen Zeit der Steinskulptur und des Steinbaus (etwa im 13. Jahrhundert) weiter florierte. Im westlichen Shan-Staat Myanmars entdeckten Archรคologen entlang des Salween-Flusses prรคhistorische Hรถhlenzeichnungen, die eine verblรผffende รhnlichkeit mit spรคteren Naga-Skulpturen auf Hauspfosten aufweisen. รhnlich wie das Sonnensymbol als Kunstmotiv in ganz Sรผdostasien zu finden ist und Schnitzereien unter den Traufen von Naga-Hรคusern auf Ehrfurcht, Triumph und Freude รผber den Erwerb eines menschlichen Kopfes anspielen, hallt die spรคtere รคsthetische Tradition Sรผdostasiens wider Hรถhlenmalereien mit einem Paar menschlicher Hรคnde mit offenen Handflรคchen, die die Sonne und einen menschlichen Schรคdel halten. Die Hรถhlenmalerei ist ein Beweis dafรผr, dass die Kunst der Gegend schon immer mit ihrer magisch-religiรถsen Vergangenheit verflochten war.
Frรผher wurde angenommen, dass die in Dong Son in der Nรคhe von Hanoi angewandte Bronzetrommelgusstechnik aus China stammt. Neue Ausgrabungen in Thailand haben jedoch gezeigt, dass sowohl die Trommeln als auch die sogenannte Dong-Son-Zivilisation auf dem sรผdostasiatischen Festland beheimatet sind. Unabhรคngig davon zeigen die von den Karen รผber Jahrtausende bis in die frรผhen Jahre des 20. Jahrhunderts gegossenen Bronzetrommeln die Kontinuitรคt des รคsthetischen Erbes Sรผdostasiens. Die Metallverarbeitung muss sich schon frรผh entwickelt haben, da die Berge des sรผdostasiatischen Festlandes Gold, Silber und andere Metalle lieferten. Die Bergvรถlker Sรผdostasiens haben eine lange Geschichte in der Herstellung und Verwendung exquisiter Silberknรถpfe, Gรผrtel und Schmuck. Textilmuster folgen der gleichen รคsthetischen Linie. Lieder, Tรคnze und andere Formen des musikalischen Ausdrucks wurden traditionell bei Stammeszeremonien verwendet.
Unter der Unterstรผtzung der Herrscher in ganz Sรผdostasien blรผhten die Kรผnste auf. Um die Zeit von Christi Geburt begannen sich Stammesstรคmme nach Jahren des sesshaften Lebens als Reisproduzenten offiziell in Stadtkรถnigreichen oder Ansammlungen von Dรถrfern zu organisieren. Aus dieser Sicht war ein Kรถnig kaum mehr als ein oberster Stammeshรคuptling. Da die Stรคmme bereits eine Tradition der Geisterverehrung hatten, suchten die Monarchen nach einer neuen Gottheit, die fรผr alle zum Gegenstand der Verehrung werden sollte. Diese Sehnsucht nach neuen nationalen Gรถttern trug zur รffnung Sรผdostasiens gegenรผber den Gรถttern des Hinduismus und Buddhismus bei. Kรถnige in Sรผdostasien waren fรผr die Verbreitung neuer Religionen verantwortlich, daher erlebten die Tempel der Region vom ersten bis zum dreizehnten Jahrhundert ein goldenes Zeitalter.
Tempel wurden zu Zentren kultureller Aktivitรคten, und ihre Wรคnde wurden zu Leinwรคnden fรผr Architektur, Skulpturen und religiรถse Wandmalereien. Gelehrte des Sanskrit, der Sprache der heiligen Texte des Hinduismus, waren Hรถflinge in den alten Reichen Ostindochinas und der Inseln, wo sie eine lokale Sanskrit-Literatur schufen. Erst durch die groรen hinduistischen Epen Mahabharata und Ramayana gelangte dieses literarische Unterfangen jemals zum einfachen Volk. Geschichten รผber hinduistische Gรถtter, Teufel und mรคchtige Mรคnner waren wesentlich, um den Hinduismus dem allgemeinen Volk zu erklรคren, als die Sanskrit-Schriften auรerhalb ihrer Reichweite waren. Auf der gesamten Halbinsel im Pyu-Burmesischen Reich von Prome, das vor dem 8 eines Gottkรถnigs noch eines erblichen Adels.
Spรคtere heidnische Kรถnige waren von Pali-Experten umgeben, aber das Studium von Pali wurde nicht im Palast, sondern in Klรถstern im ganzen Reich durchgefรผhrt, wodurch die Lehren des Buddha selbst in die entlegensten Dรถrfer gebracht wurden. Buddhistische Mรถnche und Akademiker aus aller Welt reisten nach Pagan, um Pali zu studieren, wรคhrend die Hรถfe der Kรถnige in Kambodscha und Java nur regionale Zentren der Sanskrit-Forschung blieben. Jataka-Geschichten (Buddhas Geburt) wurden verwendet, um den einfachen Leuten, die die Pali-Schriften nicht lesen konnten, den Buddhismus zu erklรคren, genau wie indische Epen verwendet wurden, um den Massen den Hinduismus zu erklรคren. Tempel in Kambodscha und Java waren mit Schnitzereien und Fresken geschmรผckt, die Szenen aus den Jatakas darstellten, รคhnlich wie jene, die Ereignisse aus den groรen Epen darstellen.
Die Ankunft des Islam auf der Insel Sรผdostasien nach der Majapahit-Dynastie etablierte eine dritte kulturelle Schicht รผber den bereits bestehenden indigenen und hinduistisch-buddhistischen Schichten. Ein neues burmesisches Reich entwickelte sich aus der Asche des alten und fรผhrte die Mission fort, den Buddhismus auf dem sรผdostasiatischen Festland zu verbreiten. Die birmanische Invasion in Siam im 18. Jahrhundert brachte die hinduistische Kultur mit sich, die dazu beitrug, die Entwicklung des birmanischen Spiels zu fรถrdern. Von China zurรผckerobert, wurde Vietnam auf der anderen Seite der Halbinsel zunehmend von der chinesischen Kultur beeinflusst. Nach einer kurzen Blรผtezeit der islamischen Kultur waren die Ureinwohner der Inselstaaten Sรผdostasiens gezwungen, sich der Fremdherrschaft zu unterwerfen. Nur in Burma und Siam, zwei Regierungen Sรผdostasiens, die aus jahrelangen Kรคmpfen als mรคchtige Kรถnigreiche hervorgegangen sind, blรผhten die einheimischen Kรผnste weiter auf.
Religion und Nationalgeschichte spielen seit langem eine zentrale Rolle in der sรผdostasiatischen Kunst. Abgesehen vom Leben und Charakter des Buddha und der Gรถtter des Hinduismus stand die religiรถse Lehre nicht im Vordergrund. Nachdem die groรen Imperien gefallen waren, aber ihre Erinnerung an Ruhm und Stรคrke fortbestand, tauchte ein neues Thema in der nationalen Geschichte auf: die Verehrung legendรคrer Helden aus der Vergangenheit.
Wรคhrend sich das Buddha-Bild im Laufe der Zeit weiterentwickelte, war es weiterhin ein beliebtes Motiv fรผr Kรผnstler. Neben der Einfรผhrung von Lokalkolorit durch die Verwendung von Szenen aus der eigenen Zeit des Kรผnstlers als Hintergrund diente die Darstellung von Szenen aus seinem frรผheren Leben in Fresken und Reliefskulpturen dem Zweck, den Menschen buddhistische Ethik zu lehren, da die Jatakas bestimmte moralische Tugenden betonten der Buddha in seinen frรผheren Leben.
Dasselbe galt fรผr Darstellungen von Ereignissen aus den hinduistischen Epen, die dem Kรผnstler eine รคhnliche Chance boten und eine รคhnliche Funktion erfรผllten. Im Laufe der Zeit verschmolzen buddhistische und hinduistische Schriftfiguren wie Gรถtter und Gรถttinnen, Helden und Prinzessinnen, Einsiedler und Zauberer, Dรคmonen und Drachen, fliegende Pferde und geflรผgelte Jungfrauen und so weiter mit รคhnlichen einheimischen Figuren, und Mรคrchenhandlungen wurden in die รผbergreifende religiรถse Themen.
Verschiedene Darstellungen der Naga, einer Art รผbermenschlichem Geist, entstanden in verschiedenen Teilen der Welt, als die Naga aus buddhistischen und hinduistischen Schriften รผbernommen und mit nationalen Analoga verschmolzen wurden. Die Naga von Burma hat einen markanten Kamm auf dem Kopf. Fรผr die Mon war Naga ein Krokodil, aber fรผr die Khmer und Indonesier war es eine neunkรถpfige Schlange.
Obwohl die Dรคmonen Sรผdostasiens unter dem Pali-Sanskrit-Begriff Yakkha oder Yaksha zusammengefasst wurden, sind ihre unterschiedlichen Identitรคten in der Skulptur und Malerei jedes Landes erhalten geblieben. Der dem Monsunwald unbekannte Lรถwe wurde dennoch zu einem beliebten einheimischen Emblem und Thema, da er mit den Gรถttern der hinduistischen und buddhistischen Mythologie in Verbindung gebracht wird. Selbst nachdem das Khmer-Reich die Anbetung des Schlangendrachen als Gott der Fruchtbarkeit aufgegeben hatte, war die neunkรถpfige Naga zu einem Symbol des Schutzes und der kรถniglichen Macht geworden, und steinerne Nagas wachten รผber den kรถniglichen Palรคsten und heiligen Tempeln. Naga-Verehrung war bei Buddhisten verpรถnt.
In der gesamten burmesischen und Mon-Kunstgeschichte wurde die Naga immer in einer dem Buddha unterwรผrfigen Rolle dargestellt, oft machte sie aus seinen Windungen einen Sitz fรผr den Buddha oder hob seine massive Kapuze, um ihn vor den Elementen zu schรผtzen. Die Wรคchterfigur eines Mon-Tempels wurde traditionell als Lรถwe mit zwei Kรถrpern und einem menschlichen Kopf dargestellt, wรคhrend die Wรคchterfigur eines burmesischen Tempels traditionell als Lรถwe mit Haube dargestellt wurde. Trotz des Anspruchs der Tai, die Kunsttraditionen der Khmer und der Mon-Naga zu erben, diente der gute Dรคmon in diesen Kulturen als Tempelwรคchter.
Die indischen Tiere wurden Teil der alten Symbolik und Tierbilder, die in die Kunst eindrangen. Zum Beispiel wรคhlten die Mons den roten Brandharken als ihr Emblem, die Burmesen formten die Sonne zu ihrem Lieblingsvogel, dem Pfau, um, weil der Pfau in der buddhistischen Mythologie mit der Sonne in Verbindung gebracht wird, und in Indonesien der mythische Vogel namens Garuda. das Fahrzeug von Vishnu, wurde mit dem lokalen Adler verschmolzen. Die Darstellungen dieser Vรถgel haben als Ornament Verwendung gefunden. Stilisierte Versionen der Tiere, die einst die Strohdรคcher und Holzwรคnde sรผdostasiatischer Hรคuser schmรผckten, fanden ihren Weg in die opulenteren Palรคste und Tempel. Designs von Bรคumen, Frรผchten und Blumen aus den Monsunwรคldern wurden mit indischen Blumenmustern und alten geometrischen Motiven kombiniert.
Die sรผdostasiatische Kunst unterscheidet sich vollstรคndig von der Kunst anderer Regionen, mit Ausnahme Indiens. Obwohl Burma historisch gesehen eine wichtige Handelsverbindung zu China war, fehlen chinesische Einflรผsse รผberraschenderweise in der traditionellen birmanischen Kunst. Die Tai kamen spรคt in Sรผdostasien an und brachten einige chinesische kรผnstlerische Traditionen mit, aber sie gaben diese Praktiken schnell zugunsten der Khmer und Mon auf. Heute sind die einzigen Spuren dieser frรผheren Kontakte in den architektonischen Merkmalen der Tempel zu sehen, insbesondere im spitz zulaufenden Dach und in den Lackarbeiten.
Da Vietnam ein Jahrtausend lang eine Kolonie Chinas war, beeinflusste die chinesische Kultur die vietnamesische Kunst. Archรคologische Beweise fรผr den Hinduismus im heutigen Sรผdvietnam stammen aus der Zeit der alten Champa-Monarchie, die im 15. Jahrhundert von Vietnam erobert wurde. Chinesische Einflรผsse sind in den buddhistischen Statuen im Norden Vietnams zu sehen. Ein Vergleich der Tempelgrรคber von Kambodscha und Indonesien mit denen der vietnamesischen Kaiser oder der opulenten und wรผrdevollen Buddha-Statuen Vietnams mit denen von Kambodscha und Burmas asketischen und anmutigen Buddha-Statuen offenbart die grundlegenden Unterschiede in รคsthetischem Anspruch und Stil zwischen den Kรผnsten Ostasiens und Asiens denen Sรผdostasiens. Auch die islamische Kunst, die Tier- und Menschenfiguren ablehnt und die Realitรคt hinter der illusorischen Schรถnheit der Alltagswelt sichtbar machen will, hat mit sรผdostasiatischer Kunst wenig gemein. Die sรผdostasiatische Kunst ignorierte die Lehren des Hinduismus und Buddhismus, dass die sinnliche Welt illusorisch und unbestรคndig sei.
In der sรผdostasiatischen Kunst koexistieren Realitรคt und Fantasie, und eine positive Lebenseinstellung durchdringt jedes Stรผck. Einige haben festgestellt, dass sich die klassische Khmer- und indonesische Kunst darauf konzentrierte, das tรคgliche Leben der Gรถtter darzustellen, doch aus sรผdostasiatischer Sicht war das tรคgliche Leben der Gรถtter dasselbe wie ihr eigenes: frรถhlich, erdig und gรถttlich. Die sรผdostasiatische Kunst spiegelte nicht nur nicht die europรคische Auffassung von โKunst um der Kunst willenโ wider, sondern spiegelte auch nicht die europรคische Teilung der Kunst in weltliche und religiรถse Kategorien wider. Die gleichen Motive, die einen prรคchtigen Tempel und einen Lackteller zierte, wurden auf die Oberschenkel eines Burmesen tรคtowiert. Der sรผdostasiatische Kรผnstler musste keine Modelle verwenden, da er im Gegensatz zu seinen europรคischen Kollegen nicht auf Genauigkeit in jedem anatomischen Aspekt Wert legte. Die Verwendung fantastischer Elemente und die Betonung, das Gute im menschlichen Leben zu feiern, zeichnen die sรผdostasiatische Kunst aus.
Fokus auf japanische Kunst
Es gibt eine Vielzahl von Kunstformen und Medien, die mit der japanischen Kunst in Verbindung stehen, von antiken Keramiken und Skulpturen รผber Tuschemalerei und Kalligraphie auf Seide und Papier, Ukiyo-e-Gemรคlde und Holzschnitte, Keramik und Origami bis hin zu zeitgenรถssischen Manga und Anime. Von den ersten Anzeichen menschlicher Existenz in Japan im 10. Jahrtausend v. Chr. bis zum heutigen Tag hat Japan eine reiche und abwechslungsreiche Geschichte.
Japan hat sowohl einen schnellen Zustrom auslรคndischer Ideen als auch eine lange Isolation vom Rest der Welt erlebt. Die Japaner haben eine lange Geschichte der Assimilation und Anpassung von Aspekten anderer Kulturen, die sie als รคsthetisch ansprechend empfinden. Im siebten und achten Jahrhundert entstand in Japan als Reaktion auf die Verbreitung des Buddhismus anspruchsvolle Kunst. Als die Japaner im 9. Jahrhundert von China wegzogen und ihre eigenen einzigartigen Ausdrucksstile entwickelten, gewannen die weltlichen Kรผnste an Bedeutung; Von da an bis zum Ende des 15. Jahrhunderts blรผhten sowohl religiรถse als auch weltliche Kรผnste auf. Als der Nin-Krieg in Japan ausbrach (1467โ1477), leitete er รผber ein Jahrhundert politischer, sozialer und wirtschaftlicher Umwรคlzungen ein. Kunstwerke, die die Sรคuberungen des Tokugawa-Shogunats รผberlebten, waren grรถรtenteils weltlich, und die Religion spielte im Alltag eine viel geringere Rolle. Die plรถtzliche Einfรผhrung westlicher Stile war ein bedeutendes Ereignis wรคhrend der Meiji-Zeit (1868-1912).
In Japan beschรคftigen sich sowohl Amateure als auch Experten mit der Malerei als ihrer primรคren Form des kรผnstlerischen Ausdrucks. Die Japaner sind auf die Werte und รsthetik der Malerei besonders eingestellt, weil sie bis in die Neuzeit einen Pinsel statt einer Feder benutzten. Wรคhrend der Edo-Zeit wurde der Holzschnitt zu einer wichtigen Kunstform, und die Methoden zur Erstellung seiner lebendigen Drucke wurden verfeinert, um den Bedรผrfnissen einer wachsenden Populรคrkultur gerecht zu werden. Als die religiรถse Bedeutung des traditionellen japanischen Buddhismus in dieser Zeit nachlieร, empfanden die Japaner die Skulptur als weniger ansprechendes Medium, um ihre kreative Vision auszudrรผcken.
Es besteht allgemein Einigkeit darรผber, dass japanische Keramik von hรถchster kรผnstlerischer Qualitรคt ist und einige der frรผhesten Artefakte aus Japan enthรคlt; Der Porzellanexport aus Japan war zu verschiedenen Zeiten eine bedeutende wirtschaftliche Aktivitรคt. Japanische Lackwaren, exquisit mit Maki-e verziert, sind seit langem ein beliebter Exportartikel nach Europa und China, und dieser Trend setzte sich im gesamten 19. Jahrhundert fort. Die traditionelle japanische Architektur zeichnet sich durch natรผrliche Materialien und die Integration von Innen- und Auรenleben aus.
Japanische Drucke
Ukiyo-e oder japanische Holzschnitte erfreuen sich im Westen wachsender Beliebtheit. Ihr Name kommt von dem Ausdruck โBilder der schwebenden Weltโ, der ihr Thema beschreibt. Der buddhistische Glaube, dass Glรผck vergรคnglich ist und dass nur die Abwesenheit von Verlangen zur Erleuchtung fรผhren kann, lieferte die Inspiration fรผr ihr schwebendes, schwereloses Bild.
Die Shogune des feudalen Japans waren maรgeblich an der Entwicklung der japanischen Druckgrafik beteiligt, die in der Edo-Region (dem heutigen Tokio) begann. Unter der Sakoku-Politik, was wรถrtlich โabgeschiedenes oder geschlossenes Landโ bedeutet, hat sich Japan vom Rest der Welt abgeschottet. Perry, ein amerikanischer General, besuchte 1853 Japan, um mit der Meiji-Regierung zu verhandeln. Viele Drucke von Ukiyo-e, einer zeitgenรถssischen Kunstform, die blรผhte, als Perry Edo besuchte, konnten auf den Bรผrgersteigen der Stadt zum Verkauf angeboten werden.
Szenen aus der japanischen Geschichte und Legende wurden hรคufig in Ukiyo-e dargestellt, ebenso wie Portrรคts von Kabuki-Darstellern, Szenen aus dem Theater, verliebte Paare, berรผhmte Kurtisanen und Landschaften. Reisende aus dem Westen fanden sofort Gefallen an Ukiyo-e-Drucken, daher ist es nicht verwunderlich, dass sie sie mit nach Hause brachten und der Welt Japans einzigartigen Kunststil vorstellten.
Ukiyo-e-Kunstdrucke wurden hergestellt, indem eingefรคrbte Holzblรถcke auf Papier gepresst wurden, nachdem die Bilder rรผckwรคrts in die Blรถcke geschnitzt worden waren. Als der Druck anfing, wurde alles in Schwarzweiร gemacht. Okomura Masanobu und Suzuki Harunobu waren Pioniere auf dem Gebiet des Farbholzschnittdrucks, der fรผr jede Farbe einen separaten Druckstock benรถtigte.
Ein Schlรผsselblock fรผr die Konturen und einzelne Blรถcke fรผr jeden Farbton waren erforderlich. Da auรerdem eine kleine Anzahl von Drucken von einem einzelnen Block gemacht werden kann, mรผsste eine betrรคchtliche Anzahl von Blรถcken geschnitzt werden, um eine betrรคchtliche Anzahl von Kopien zu drucken. Der Kรผnstler war nur einer von vielen Profis, die an der Herstellung japanischer Kunstdrucke beteiligt waren. Andere waren Designer, Formplaner, Formschneider und Formpressen.
Um 1912 begann die als Ableger von Ukio-e bekannte Druckgrafikbewegung zu verschwinden, aber bald bildeten sich zwei andere Druckgrafikschulen, um die Lรผcke zu fรผllen. Sosaku Hanga und Shin Hanga sind die beiden Namen fรผr sie. Es gibt zwei Denkrichtungen, wenn es um den Druckprozess geht: Sosaku Hanga, das davon ausgeht, dass der Kรผnstler bei jedem Schritt eine zentrale Rolle spielen muss, und Shin Hanga, das traditioneller ist und der Meinung ist, dass der Verleger am zentralsten, so unterschiedlich ist Kรผnstler kรถnnen fรผr die Gestaltung, Blockierung und den Druck verantwortlich sein.
Um Ukiyo-e-Drucke kaufen und verkaufen zu kรถnnen, ist es wichtig, einige japanische Fachbegriffe zu kennen, um diese faszinierende Kunstform richtig einschรคtzen und wertschรคtzen zu kรถnnen. Wenn man sich auf einen japanischen Druck bezieht, weist der Begriff "Atozuri" darauf hin, dass er gedruckt wurde, nachdem der erste Lauf beendet war, aber immer noch die ursprรผnglichen Holzstรถcke verwendet wurden. Shozuri-Drucke sind Erstausgaben, wรคhrend Fukkoku-Drucke Kopien sind. Kรผnstlersignaturen und Druckausgabennummern wurden in der Regel erst in der zweiten Hรคlfte des 20. Jahrhunderts in die letzten Schritte des japanischen Druckherstellungsprozesses aufgenommen. Stattdessen hatte jeder Druck einen Stempel, der seinen Schรถpfer sowie seinen Verleger und Bildhauer nannte.
Als die Europรคer jedoch von Japans einzigartiger Kultur erfuhren, entstand eine Modeerscheinung fรผr alles Japanische, und Ende der 1860er-Jahre wurden riesige Lieferungen japanischer Kunstdrucke auf den Kontinent geschickt. Verlage in Japan erkannten schnell, dass sie Reproduktionen der bekannteren Holzschnitte herstellen mussten, um die wachsende Nachfrage zu befriedigen.
Aufgrund von Stempeln und anderen Marginalien ist leicht zu erkennen, welche Drucke authentisch und welche Duplikate sind. Die Originalitรคt eines Dokuments lรคsst sich oft anhand seines Papier- und Farbzustands feststellen. Da der durchschnittliche Kunstsammler wahrscheinlich keine japanischen Schriftzeichen lesen kann, sollte er sich vor dem Kauf eines authentischen japanischen Kunstdrucks von einem Experten beraten lassen.
Konzentrieren Sie sich auf die Bedeutung der chinesischen Blumenkunst
Seit der Jungsteinzeit haben Kรผnstler in China Pflanzen in ihren Kunstwerken dargestellt. Blumen, Vรถgel und Insekten werden zur Verzierung verwendet, und zwar nicht nur, weil sie schรถn sind; Sie tragen auch eine Fรผlle von Bedeutungen. Wรคhrend der Song-Dynastie (960-1279) festigte ein Anstieg der Anzahl von Gemรคlden mit dem Titel โVogel und Blumeโ den Status von Blumenbildern als herausragendes Thema in der chinesischen Kunst. Anders als auf Rollbildern ist dieses Thema auf einer Vielzahl von dreidimensionalen Kunstwerken zu sehen, darunter Porzellan, Lackwaren, Jadeskulpturen, Textilien, Mรถbel und mehr.
Wรคhrend wir uns darauf vorbereiten, den Frรผhling willkommen zu heiรen, werden wir die Symbolik von Blumen in der chinesischen Kunst untersuchen, indem wir uns eine Auswahl von Gemรคlden aus der Sammlung asiatischer Kunst des AGGV aus dem 19. Jahrhundert ansehen. Die Artworks dieses Albums sind alle punktgenaue Darstellungen von Blumen und Schmetterlingen, basierend auf ihrer tatsรคchlichen Flora und Fauna. Wahrscheinlich tauchte die Kombination erstmals im 18. Jahrhundert auf Waren auf, die speziell fรผr Geburtstagsgeschenke in Auftrag gegeben wurden. Schmetterlings-Rebusse kรถnnen verwendet werden, um mehrere gute Wรผnsche gleichzeitig auszudrรผcken. Diese Gegenstรคnde, die auch mit einem langen Leben verbunden sind, sind groรartige Geburtstagssymbole. Schmetterlinge standen im Daoismus fรผr die Entfesselung des Geistes. Blumen reprรคsentieren viele positive Dinge, und ihre Einbeziehung in diese Kunstwerke trรคgt nur zu ihren positiven Konnotationen bei.
Laut einem chinesischen Volksmรคrchen รผber zwei Liebende, die auf tragische Weise durch den Krieg auseinandergerissen wurden, steht die Mohnblume fรผr Treue und Loyalitรคt zwischen Partnern in einer romantischen Beziehung. Die Geschichte dreht sich um Mohnblumen, die an der Stelle wuchsen, an der sich die Ehefrau nach dem Tod ihres Soldatenmannes verschrieben hatte.
Der Ausdruck huakaifugui legt nahe, dass Kamelien, die wรคhrend des chinesischen Neujahrs (Ende Januar bis Mitte Februar) blรผhen, zur Verschรถnerung des eigenen Zuhauses verwendet werden sollten, um das Glรผck im kommenden Jahr willkommen zu heiรen. Aufgrund der langjรคhrigen Vorliebe Europas fรผr die Rose, Die Blume wird hรคufig auf Gegenstรคnden abgebildet, die anderswo zum Verkauf bestimmt sind. Da die Chinesische Rose das ganze Jahr รผber hรคufig blรผht, hat sich ihr der Name โDauerfrรผhlingsblumeโ eingebรผrgert.
Stolz des Morgens Die trompetenfรถrmigen Blรผten der Prunkwinde, die in leuchtendem Purpur erblรผhen, wurden ursprรผnglich im 15. Jahrhundert als dekoratives Element fรผr blaue und weiรe Waren der Ming verwendet. Es wird behauptet, dass diese Blume das Glรผck in der Ehe symbolisiert. In China gibt es viele Arten von Azaleen, die alle eine einzigartige Blรผtezeit haben. In Verbindung mit Schmetterlingen hat die Azalee die Bedeutung von "kreativem Talent in der Kunst" und steht fรผr die weibliche Schรถnheit, die in der Kunst so weit verbreitet ist.
Neugier: Was ist Orientalismus?
Orientalismus bezieht sich auf die Praxis der Nachahmung oder Stereotypisierung von Elementen aus dem Osten und findet sich in den Bereichen Kunstgeschichte, Literatur und Kulturwissenschaften. Am hรคufigsten sind westliche Autoren, Designer und Maler fรผr diese Darstellungen verantwortlich. Von den verschiedenen Subgenres der im 19. Jahrhundert populรคren akademischen Kunst war die orientalistische Malerei, die sich auf die Darstellung des Nahen Ostens konzentrierte, eine der bekanntesten. Ebenso zeigte die westliche Literatur jener Zeit ein reges Interesse an der Exotik des Orients.
In akademischen Kreisen ist der Begriff โOrientalismusโ seit der Verรถffentlichung von Edward Saids Orientalism im Jahr 1978 alltรคglich geworden. Dieser Begriff wird verwendet, um eine herablassende westliche Perspektive auf asiatische und afrikanische Kulturen zu beschreiben. Der Westen, so Said, essentialisiert diese Kulturen als stagnierend und unterentwickelt und erschafft ein Bild der orientalischen Kultur, das im Dienste der imperialen Autoritรคt erforscht, dargestellt und reproduziert werden kann. Wie Said betont, beruht diese Unwahrheit auf der Annahme, dass die westliche Gesellschaft fortschrittlich, intelligent, anpassungsfรคhig und รผberlegen ist. Dies gibt Westlern die Freiheit, sich โรถstlicheโ Kulturen und Menschen sowohl als exotisch als auch als gefรคhrlich vorzustellen.
Der Begriff โOrientalismusโ wird in der Kunstgeschichte verwendet, um das Werk westlicher Kรผnstler zu beschreiben, die im Laufe des 19. Jahrhunderts geschaffen wurden und sich als Ergebnis ihrer Erkundungen Westasiens auf รถstliche Themen und Motive konzentrierten. Damals wurden Kรผnstler und Akademiker oft spรถttisch als โOrientalistenโ bezeichnet, ein Begriff, der von dem franzรถsischen Kunstkritiker Jules-Antoine Castagnary populรคr gemacht wurde. Die Franzรถsische Gesellschaft orientalistischer Maler mit Jean-Lรฉon Gรฉrรดme als Ehrenprรคsident wurde 1893 gegrรผndet, trotz weit verbreiteter gesellschaftlicher Missbilligung des Genres; Im Gegensatz dazu bedeutete โOrientalistโ in Groรbritannien einfach โKรผnstlerโ.
Die Perspektiven der Kรผnstler รคnderten sich gegen Ende des 19. Jahrhunderts mit der Grรผndung der French Orientalist Painters Society, die es den Mitgliedern ermรถglichte, sich als Teil einer grรถรeren kรผnstlerischen Bewegung zu erkennen. Obwohl wรคhrend der Blรผtezeit der Bewegung im 19. Jahrhundert zahlreiche unterschiedliche orientalistische Malstile entstanden, wird der Begriff "orientalistische Malerei" normalerweise verwendet, um sich auf ein einzelnes Subgenre der akademischen Kunst zu beziehen. Viele Kunsthistoriker klassifizieren orientalistische Maler in zwei Kategorien: diejenigen, die aus direkter Beobachtung heraus malten, und diejenigen, die in ihren Ateliers fantastische Umgebungen schufen. Es ist allgemein anerkannt, dass die prominentesten Persรถnlichkeiten der orientalistischen Bewegung franzรถsische Kรผnstler wie Eugรจne Delacroix (1798-1863) und Jean-Lรฉon Gรฉrรดme (1824-1904) waren.
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Franzรถsischer Orientalismus
Napoleons verheerender Einmarsch in รgypten und Syrien in den Jahren 1798-1801 beeinflusste die franzรถsische orientalistische Malerei und wurde in den folgenden Jahren von Napoleons Hofmalern, insbesondere Antoine-Jean Gros, dokumentiert, obwohl Gros nicht mit der Armee in den Nahen Osten reiste . Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa (1804) und Battle of Abukir (1806) drehen sich beide um den Kaiser, wie er zu dieser Zeit war, zeigen aber auch viele รคgyptische Personen. Auch der weniger erfolgreiche Napoleon in der Pyramidenschlacht hat viele รgypter (1810). Bedeutend war auch La Rรฉvolte du Caire (1810) von Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Die franzรถsische Regierung produzierte zwischen 1809 und 1828 zwanzig Bรคnde einer illustrierten Beschreibung der รคgyptischen Altertรผmer unter dem Titel Description de l'รgypte.
Bevor Eugรจne Delacroix jemals einen Fuร nach Griechenland oder in den Osten setzte, hatte er seinen ersten groรen Hit mit The Massacre at Chios (1824), das, wie The Floร of the Medusa seines Freundes Thรฉodore Gรฉricault, eine jรผngste Tragรถdie an einem weit entfernten Ort darstellte, die sich erhoben hatte รถffentliche Meinung. Wรคhrend die Griechen noch um die Freiheit von den Osmanen kรคmpften, war das Land ebenso exotisch wie die fernรถstlicheren Teile des Reiches. Delacroix malte dann Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi (1827), um an eine Belagerung zu erinnern, die im Jahr zuvor stattgefunden hatte, und The Death of Sardanapalus (1828), das von Lord Byron inspiriert wurde und angeblich das erste Kunstwerk war Sex, Gewalt, Faulheit und Exotik zu kombinieren. Im Jahr 1832 reiste Delacroix schlieรlich im Rahmen einer diplomatischen Mission beim Sultan von Marokko in das heutige Algerien, ein Gebiet, das gerade von den Franzosen erobert wurde. Er war zutiefst bewegt von dem, was er erlebte, zog Parallelen zwischen der nordafrikanischen Lebensweise und der der alten Rรถmer und malte nach seiner Rรผckkehr nach Frankreich Themen von seiner Reise weiter. Viele seiner Bilder zeigten Juden oder Krieger auf Pferden, weil es ihm, wie vielen spรคteren orientalistischen Malern, schwer fiel, Frauen darzustellen. Nur wenige folgende Haremsszenen konnten den gleichen Anspruch auf Realismus erheben, aber er war anscheinend in der Lage, Zugang zu den Frauenquartieren (oder Harems) eines Hauses zu erhalten, um zu skizzieren, was Frauen von Algier wurden.
Es war Ingres, Direktor der franzรถsischen Acadรฉmie de Peinture, der durch seine nebulรถse Verallgemeinerung der Frauenfiguren in seiner farbenprรคchtigen Darstellung eines tรผrkischen Bades (die alle dasselbe Modell gewesen sein kรถnnten) einen erotisierten Orient populรคr machte. Im mysteriรถsen Orient wurden offenkundigere Zurschaustellungen von Sexualitรคt toleriert. Henri Matisses Halbaktbilder aus der Zeit Nizzas und seine Verwendung orientalischer Kostรผme und Muster sind Beispiele fรผr diese fortgesetzte Verwendung dieses Motivs bis ins frรผhe 20. Jahrhundert. Das Dampfschiff machte das Reisen viel einfacher, und viele Kรผnstler besuchten den Nahen Osten und darรผber hinaus, um eine breite Palette orientalischer Szenen zu malen. Vor seinem Besuch im Osten hatte Thรฉodore Chassรฉriau (1819-1856), ein Schรผler von Ingres, bereits mit seinem Akt The Toilette of Esther (1841, Louvre) und dem Reiterportrรคt von Ali-Ben-Hamet, Kalif von Konstantin und Oberhaupt von, Erfolge erzielt der Haractas, gefolgt von seiner Eskorte
Viele dieser Werke setzten eine stereotype, exotische und sexualisierte Darstellung des Orients fort. Kunstwerke dieser Art konzentrierten sich oft auf die arabischen, jรผdischen und anderen semitischen Kulturen, da franzรถsische Maler dorthin reisten, um mehr รผber die Geschichte und Entwicklung der Region zu erfahren, als das kaiserliche Frankreich seinen Einfluss in Nordafrika ausbaute. Mehrere franzรถsische Kรผnstler wie Eugรจne Delacroix, Jean-Lรฉon Gรฉrรดme und Jean-Auguste-Dominique Ingres haben Odalisken in ihren Gemรคlden der islamischen Kultur dargestellt. Sie betonten Trรคgheit und auffรคllige Optik. Insbesondere Genrebilder wurden dafรผr kritisiert, europรคischen Beispielen desselben Themas zu รคhnlich zu sein oder ein orientalistisches Weltbild im saidianischen Sinne auszudrรผcken. Gรฉrรดme war der Stammvater und oft der Meister einer Gruppe franzรถsischer Maler des spรคten Jahrhunderts, die fรผr ihre offensichtlich sexuellen Darstellungen von Harems, รถffentlichen Bรคdern und Sklavenauktionen (die beiden letzteren sind auch mit klassischem Dekor erhรคltlich) und fรผr ihren Beitrag zu โthe Gleichsetzung des Orientalismus mit dem Akt im pornografischen Modusโ.
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Orientalismus in europรคischer Architektur und Design
Ab dem spรคten 15. Jahrhundert war der maurische Stil der Renaissance-Verzierung eine europรคische Adaption der islamischen Arabeske, die in bestimmten Bereichen, wie zum Beispiel als Buchbinderei, bis praktisch bis heute verwendet wurde. Der Begriff "Indo-Saracenic Revival" beschreibt die frรผhe westliche Verwendung indischer Architekturthemen. Die Fassade der Londoner Guildhall stammt aus dieser Zeit (1788โ1789). Ab etwa 1795, als Ansichten von Indien von William Hodges und William und Thomas Daniell verรถffentlicht wurden, erlangte der Stil im Westen Popularitรคt. Zu den bekanntesten Beispielen der โHinduโ-Architektur gehรถren das Sezincote House (ca. 1805) in Gloucestershire, das fรผr einen kรผrzlich aus Bengalen zurรผckgekehrten Nabob gebaut wurde, und der Royal Pavilion in Brighton.
Die Verwendung "tรผrkischer" Stile in der dekorativen Kunst, die gelegentliche รbernahme tรผrkischer Gewรคnder und das Interesse an Kunst, die das Osmanische Reich darstellt, waren alle Teil der Turquerie-Bewegung, die im spรคten 15. Jahrhundert begann und mindestens bis zum 18. Jahrhundert andauerte. Auch wenn Frankreich nach dem 18. Jahrhundert an Bedeutung gewann, war der ursprรผngliche Knotenpunkt Venedig, die langjรคhrige Handelsbeziehung der Osmanen.
Der Name โChinoiserieโ bezieht sich auf den allgemeinen Dekorationsstil mit chinesisch inspirierten Elementen, der ab dem 17. Jahrhundert in Westeuropa beliebt war und in mehreren Wellen vor allem wรคhrend des Rokoko (ca. 1740โ1770) seinen Hรถhepunkt erreichte. Die technische Komplexitรคt chinesischer Keramik wurde von westlichen Designern von der Renaissance bis zum 18. Jahrhundert versucht und nur teilweise erfolgreich. Im 17. Jahrhundert begannen Lรคnder wie England (mit seiner East India Company), Dรคnemark (mit seiner East India Company), die Niederlande (mit seiner East India Company) und Frankreich (mit seiner East India Company) Anzeichen zu zeigen der Chinoiserie (Franzรถsische Ostindien-Kompanie). Zu Beginn des 17. Jahrhunderts begannen Tรถpfer in Delft und anderen niederlรคndischen Stรคdten, dasselbe authentische blau-weiรe Porzellan zu verwenden, das in China wรคhrend der Ming-Dynastie hergestellt worden war. Geschirr, Vasen und Teegeschirr aus den frรผhesten Orten der echten Porzellanherstellung wie Meissen ahmten traditionelle chinesische Formen nach (siehe chinesisches Exportporzellan).
Die formalen Parterres der deutschen Palรคste des Spรคtbarock und Rokoko hatten Lustpavillons im "chinesischen Geschmack", und Fliesentafeln in Aranjuez bei Madrid zeigten รคhnliche Strukturen. Insbesondere Teetische und Porzellanschrรคnke wurden 1753โ1770 von Thomas Chippendale mit durchbrochenen Verglasungen und Gelรคndern geschmรผckt. Eine Einbรผrgerung erfolgte auch in den dรผsteren Hommagen an die Mรถbel der frรผhen Xing-Gelehrten, wie dem Tang, der zu einem mittelgeorgischen Beistelltisch wurde, und quadratischen Sesseln mit Rรผckenlehne, die sowohl fรผr englische Herren als auch fรผr chinesische Gelehrte geeignet waren.
Nicht alle westlichen Interpretationen traditioneller chinesischer รsthetik gelten als โChinoiserieโ. Beispiele fรผr Chinoiserie-Medien sind Keramikfiguren und Tischornamente, frรผhe bemalte Tapeten in Blattform und Imitationen von Lack und bemaltem Blech (tรดle), die an Japan erinnern. Pagoden in voller Grรถรe wurden in Gรคrten installiert, wรคhrend Miniaturversionen auf Kaminsimsen platziert wurden. Die von William Chambers geschaffene Groรe Pagode ist ein beeindruckendes Bauwerk in Kew. Die Wilhelma (1846) in Stuttgart ist ein Gebรคude im maurischen Stil. Das Leighton House wurde fรผr den Kรผnstler Frederic Leighton erbaut und verfรผgt รผber ein traditionelles รuรeres, aber ein kunstvolles Interieur im arabischen Stil mit echten islamischen Fliesen und anderen Komponenten und orientalisierenden viktorianischen Arbeiten.
Zum groรen Teil aufgrund der Einfรผhrung von Ukiyo-e-Drucken im Westen blรผhte die als Japonismus bekannte รคsthetische Bewegung nach 1860 auf. Besonders einflussreich auf moderne franzรถsische Kรผnstler wie Claude Monet und Edgar Degas war die japanische รsthetik. Japanische Drucke inspirierten die amerikanische Kรผnstlerin Mary Cassatt, die in Frankreich lebte und arbeitete. Sie hat die Verwendung von geschichteten Mustern, flachen Ebenen und dynamischer Perspektive in ihre eigene Arbeit integriert. Einige der besten Beispiele japanisch inspirierter Kunst finden sich in The Peacock Room, einer Sammlung von Gemรคlden von James Abbott McNeill Whistler. Das Gamble House und andere Gebรคude von Greene and Greene aus Kalifornien wurden von japanischer Architektur beeinflusst.
Die รคgyptische Wiederbelebungsarchitektur war im frรผhen und mittleren 19. Jahrhundert ein beliebter Stil und blieb bis ins frรผhe 20. Jahrhundert als Nebenstil erhalten. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts gehรถrten Synagogen zu den Hauptnutznieรern des maurischen Wiederbelebungsstils, der seinen Ursprung in den deutschen Staaten hatte. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts entstand im britischen Raj ein architektonischer Stil, der als Indo-Saracenic Revival bekannt ist.
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Dekorieren mit orientalischer Kunst
Die รsthetik des orientalischen Dekors gehรถrt zu den faszinierendsten der Welt. Beliebt in der Mรถbel- und Innenausbaubranche ist die Verwendung von orientalischen Dekorelementen auf dem Vormarsch. Diese Sammlung asiatischer Kunstformen ist seit Jahrtausenden gefragt und umfasst Werke aus den unterschiedlichsten asiatischen Lรคndern.
Der Begriff โOrientalische Kunstโ beschwรถrt oft Bilder von Geisha-Mรคdchen in Japan oder chinesische Aquarelle herauf, aber das sind nicht die einzigen Beispiele. Mit ihren lebendigen Farben und ihrer Liebe zum Detail haben orientalische Schriftrollen, Vasen und Gemรคlde Jahrhunderte รผberdauert. Regenschirme, Fรคcher und Lampen sind weitere Beispiele fรผr andere Formen orientalischer Kunst.
Einer der Grรผnde, warum orientalische Kunst so beliebt ist, sind ihre klaren Linien und lebendigen Farben. Sowohl die รถstliche als auch die westliche Hemisphรคre haben Elemente des orientalischen Dekors in ihre Innenrรคume integriert. Aufgrund seiner Eleganz und Funktionalitรคt kann es in Umgebungen verwendet werden, die sonst aus dem Rahmen fallen. Das Hinzufรผgen eines Stรผcks orientalischer Kunst zu Ihrem Zuhause ist eine groรartige Mรถglichkeit, ihm ein einzigartiges Aussehen und Gefรผhl zu verleihen. Der Wandfรคcher ist ein ikonisches Beispiel orientalischer Kunst. Mit Gegenstรคnden aus dem Orient zu dekorieren ist eine tolle Idee, weil sie sowohl stilvoll als auch preiswert sind.
Wie viele Spezialisten auf diesem Gebiet vermuten lassen, sind Auktionen eine der besten Mรถglichkeiten, Werke orientalischer Kunst zu beschaffen. Daher kรถnnen Sie einfach in Auktionskatalogen stรถbern und beginnen, Ihr Zuhause mit orientalisch angehauchten Stรผcken zu dekorieren. รber japanische Kunst werden jedoch oft auch Drucke, Keramiken, Rรผstungen und mehr versteigert.
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Einige berรผhmte orientalische Kรผnstler
Gu Kaizhi (344 โ ca. 406)
Zu den berรผhmten Werken des chinesischen Kรผnstlers Gu Kaizhi gehรถren โErmahnungen der Gouvernante an die Hofdamenโ und โAnweisungen an illustre Frauenโ. Er war auch Dichter und Kunsttheoretiker. Er war ein taoistischer Philosoph, der ein buntes Leben fรผhrte und manchmal groรen Zynismus an den Tag legte. Gu Kaizhi (ca. 344-406) war seit 366 Regierungsbeamter und wurde in Wuxi in der Provinz Jiangsu geboren, aber seine Talente reichten weit รผber die Politik hinaus. Er war auch ein versierter Dichter, Essayist, Maler und Praktiker der chinesischen Kalligrafie. Drei Werke, On Painting, Introduction to the Famous Paintings of the Wei and Jin Dynasties und Painting Mount Yuntai, fassen Gus zahlreiche Theorien รผber das Medium zusammen. Sein Lebenswerk ist in mehr als 70 Gemรคlden dokumentiert, die menschliche und gรถttliche Figuren, Tiere, Landschaften und Gewรคsser in den Mittelpunkt stellen. Buddha des Nanjing-Tempels (erschaffen, um Geld fรผr den Bau des Tempels zu generieren), Ermahnungen der Gouvernante an die Damen des Hofes und Die Nymphe des Luo-Flusses sind alles Werke, die ihm allgemein zugeschrieben werden. Werke von Gu Kaizhi sind heute in Sammlungen auf der ganzen Welt zu finden. Zwischen etwa 220 n. Chr. und 581 n. Chr. gab es ein goldenes Zeitalter der chinesischen Malerei. Trotz der Kriege und dynastischen Verรคnderungen, die in China im Laufe von 300 Jahren stattfanden, blieb das kulturelle Leben des Landes lebendig. Das lag nicht zuletzt an den vielen verschiedenen Schulen, die der kรผnstlerischen Entwicklung des Landes wichtige Impulse verliehen. In dieser Zeit gibt es mehrere Beispiele fรผr Virtuositรคt in der chinesischen Kalligraphie und Kunst, darunter Grabmalereien, Stein- und Ziegelskulpturen und Lackmalereien. Ebenfalls theoretisiert werden die Bildregeln, die wir unter der zeitgenรถssischen chinesischen Malerei sehen, Regeln wie die Grafiktheorie und die Theorie der sechs Regeln. Einer der einflussreichsten und bekanntesten dieser Kรผnstler ist Gu Kaizhi, der oft als Begrรผnder der traditionellen chinesischen Malerei angesehen wird. Seine Werke verkรถrpern die Zeit, in der er lebte.
Fan Kuan (960 โ ca. 1030)
Von 990 bis 1020 war Fan Kuan ein bekannter taoistischer Maler im "nรถrdlichen Stil" in China. Ihm werden unter anderem die schรถnsten Meister des 10. und 11. Jahrhunderts zugeschrieben. Eine vertikale Schriftrolle mit dem Titel Travelers amid Mountains and Streams von Fan Kuan gilt weithin als das grundlegende Kunstwerk der Northern Song School. Es setzt einen Standard fรผr gigantische Landschaftsmalerei, an dem sich viele Kรผnstler spรคter orientieren wรผrden. Es ist klar, dass hier die alte chinesische Vorstellung von drei Dimensionen, Nรคhe, Mitte (dargestellt durch Wasser und Nebel) und Ferne am Werk ist. Im Gegensatz zu den frรผhesten Beispielen chinesischer Landschaftsmalerei steht die Pracht der Natur eher im Mittelpunkt als im Nachhinein. Am Fuร des Monolithen ist eine Reihe Packpferde zu sehen, die aus den Bรผschen hervorkommen. Konventionen aus der รคlteren Tang-Dynastie kรถnnen im visuellen Stil des Kunstwerks gesehen werden.
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Katsushika Hokusai ( 1760 โ 1849 )
Es ist der Ukiyo-e-Stil, den Katsushika Hokusai als Maler und Grafiker in Japan populรคr gemacht hat. Er war ein prรคziser und exzentrischer Maler, der vor allem fรผr seine Drucke bekannt ist. Er arbeitete jedoch sein ganzes Leben lang in beiden Medien. Nach mehr als sechzig Jahren seiner Karriere hatte er bereits mit Holzschnitten experimentiert, die theatralische Themen darstellten, Gruรdrucke fรผr den privaten Umlauf (Surimono) und, beginnend in den 1830er Jahren, Landschaftsserien, wie Werke wie Ansichten berรผhmter Brรผcken und berรผhmter Wasserfรคlle in belegen Verschiedene Provinzen und 36 Ansichten des Berges Fuji, was zum Teil eine persรถnliche Verbundenheit mit dem berรผhmten Vulkan widerspiegelt. The Great Kanagawa Wave, ebenfalls Teil dieses Kanons, ist ein zugehรถriges Werk. Nach einer Zeit groรer Not, die durch eine Reihe von familiรคren Problemen verursacht wurde, von denen nicht zuletzt die Neigung seines Neffen zum Glรผcksspiel war, verรถffentlichte er eine Reihe von Zeichen- und Manga-Anleitungen, die sich sowohl an Amateure als auch an Profis richteten. Das Schreiben und Zeichnen einer breiten Palette von Kriminalbรผchern und Kurzgeschichten fรผr Frauen und Kinder sowie die Arbeit an der Illustration groรer literarischer Meisterwerke wurde von seiner lebenslangen Liebe zur Literatur inspiriert, die wahrscheinlich wรคhrend seiner Jugend als Laufbursche auf Reisen begann Bibliothek. Die Haiku, die er schrieb, waren auch ziemlich gut. Aufgrund des weitreichenden Einflusses seiner Kunst auf europรคische Impressionisten wie Claude Monet und Postimpressionisten wie Vincent van Gogh und den franzรถsischen Maler Paul Gauguin wurden zwischen 1896 und 1914 drei Biografien รผber Hokusai auf Franzรถsisch von den fรผhrenden Kritikern der Zeit verรถffentlicht, darunter Edmond de Goncourt. Laut den Geschichten, die รผber ihn erzรคhlt wurden, zog er mehr als neunzig Mal um und benutzte im Laufe seiner Karriere mehrere verschiedene Kรผnstlernamen.
Hiroshi Yoshida (1876 โ 1950)
Der japanische Maler und Drucker Hiroshi Yoshida. Seine Drucke vom Taj Mahal, den Schweizer Alpen und dem Grand Canyon gehรถren zu den berรผhmtesten Beispielen der Shin-Hanga-Kunst und rufen beim Betrachter starke Emotionen hervor. Am 19. September 1876 begann in der Stadt Kurume, Prรคfektur Fukuoka auf der Insel Kysh, das Leben von Hiroshi Yoshida, geboren Hiroshi Ueda. Sein Adoptivvater, ein Kunstlehrer an einer รถffentlichen Schule, fรถrderte sein frรผhes kรผnstlerisches Talent. Nachdem er drei Jahre in Tokio verbracht hatte, um bei Koyama Shotaro zu lernen, wurde er mit 19 Jahren nach Kyoto versetzt, um bei dem renommierten westlichen Malmeister Tamura Shoryu zu studieren. 1899 richtete Yoshida seine erste Ausstellung im damaligen Detroit Museum of Art aus, das heute Detroit Institute of Arts heiรt. Hiroshi Yoshida war ein versierter รlmaler, der das Medium seit seiner Einfรผhrung in Japan in der Meiji-รra verwendet hatte. Die Sailing Boats-Serie von 1921 und die Taj Mahal-Drucke (von denen es sechs gibt) sind beide Beispiele fรผr Yoshidas Angewohnheit, dasselbe Bild in verschiedenen Farben zu reproduzieren, um die Stimmung zu verรคndern.
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Zitate
Madeleine LโEngle
- โ Ich mag die Tatsache, dass die groรen Maler in der alten chinesischen Kunst immer einen absichtlichen Fehler in ihre Arbeit eingebaut haben: Die menschliche Schรถpfung ist nie perfekt.โ
Ai Weiwei
- โAlle reichen Leute sammeln traditionelle chinesische Kunst. Daher ist es fรผr chinesische Familien ganz natรผrlich, Kunst immer noch als hรถchste menschliche Leistung zu sehen und ihre Kinder in diesen Bereich zu schicken.โ
Stefan Gardiner
- "In der japanischen Kunst nahm der Raum eine dominierende Rolle ein und seine Position wurde durch Zen-Konzepte gestรคrkt".
Henri Matisse
- "Haben die Kรผnstler des groรen Zeitalters der japanischen Kunst wรคhrend ihrer Karriere nicht viele Male den Namen geรคndert? Das gefรคllt mir; sie wollten ihre Freiheit bewahren."
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Zeitgenรถssische Orientalische Kunst wird oft mit Materialien wie Reispapier, Tinte und Aquarell geschaffen. Diese Materialien werden kombiniert, um atemberaubende Werke zu schaffen, die sowohl zart als auch kraftvoll sind. Die Trรคger, die fรผr diese Werke verwendet werden, kรถnnen variieren, von traditionellen Rollbildern und Fรคchern bis hin zu modernen Leinwรคnden und Rahmen. Unabhรคngig von der Art des verwendeten Trรคgers ist das Endergebnis immer ein Meisterwerk, das Generationen รผberdauern wird.
Die Investition in Kunst ist eine kluge Wahl, die sich im Laufe der Zeit auszahlen kann. Sie kรถnnen nicht nur die Schรถnheit des Kunstwerks genieรen, sondern es kann auch im Laufe der Zeit an Wert gewinnen. Wenn Sie bei Artmajeur kaufen, kรถnnen Sie sicher sein, dass Sie ein Qualitรคtsstรผck bekommen, das im Wert nur steigen wird. Mit kostenlosem Versand weltweit und kostenlosen Rรผcksendungen innerhalb von 14 Tagen gibt es keinen Grund, nicht heute mit dem Aufbau Ihrer Kunstsammlung zu beginnen.