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Es gibt eine Vielzahl von künstlerischen Traditionen aus ganz Asien, die die Geschichte der asiatischen Kunst ausmachen. Zentralasien, Ostasien, Südasien, Südostasien und Westasien sind die bekanntesten Teile des asiatischen Kontinents.
Die ostasiatische Kunst umfasst die Kulturen Chinas, Japans und Koreas, während die zentralasiatische Kunst von Schöpfungen der Turkvölker der eurasischen Steppe dominiert wird. Südostasiatische Kunst besteht aus den Künsten Thailands, Laos, Vietnams, Singapurs, Indonesiens und der Philippinen, während sich südasiatische Kunst auf die Künste des indischen Subkontinents bezieht. Kunst aus dem Nahen Osten oder Westasien umfasst mesopotamische Kunst aus der Antike und islamische Kunst aus der Neuzeit.
Die Entwicklung der asiatischen Kunst ähnelt in vielerlei Hinsicht der westlichen Kunst. Kulturen vermischten sich durch Mittel wie den Kunsttransfer der Seidenstraße, den kulturellen Austausch während des Zeitalters der Entdeckung und Kolonialisierung sowie durch das Internet und die aktuelle Globalisierung. Wenn wir die Kunst der Steinzeit ausschließen, ist die Kunst Mesopotamiens die früheste Kunst in Asien.
Das heutige Kirgisistan, Kasachstan, Usbekistan, Turkmenistan, Aserbaidschan, Tadschikistan, Afghanistan, Pakistan und einige Regionen der heutigen Mongolei, China und Russland gelten alle als Teil der zentralasiatischen Region, die eine reiche Geschichte beheimatet und eine Vielzahl künstlerischer Traditionen. Zentralasiatische Kunst von der Antike bis zum Mittelalter veranschaulicht die vielfältige Bevölkerung und das kulturelle Erbe der Region. Das kulturelle Erbe Zentralasiens spiegelt die multikulturelle Zusammensetzung der Region auf überraschende Weise wider, wie die künstlerischen Artefakte der Region belegen. Skythische Kunst, griechisch-buddhistische Kunst, serindische Kunst und sogar die moderne persische Kultur sind alle Teil dieser verschlungenen Geschichte, zu der auch die Übertragung von Kunst über die Seidenstraße gehört.
Wandernde Hirten, die gemischte Ökonomien an der Peripherie sesshafter Gemeinschaften praktizierten, haben die Graslandschaften Zentralasiens (vom Kaspischen Meer bis Zentralchina und von Südrussland bis Nordindien) seit dem späten 2. Jahrtausend v. Die prähistorische „Tierstil“-Kunst dieser Hirtennomaden offenbart nicht nur ihre zoomorphen Mythen und schamanischen Rituale, sondern auch ihre Offenheit, die Symbole der sesshaften Kultur in ihre eigenen Praktiken zu integrieren.
Kulturen aus der ganzen Welt haben sich in Zentralasien getroffen und verschmolzen und es zum Nervenzentrum der alten Seidenstraße gemacht, die China mit dem Mittelmeer verband. Wachsende Gemeinden im dritten und zweiten Jahrtausend v. Chr. waren Teil eines riesigen Handelsnetzes, das Zentralasien mit dem Indus-Tal, Mesopotamien und Ägypten verband.
Die islamische Kunst hatte in den letzten Jahrhunderten einen großen Einfluss auf die westliche Kunst, aber ältere Kulturen ließen sich von einer Vielzahl von Quellen inspirieren, darunter die Kunst Chinas, Persiens und Griechenlands sowie der Tierstil, der unter den Nomaden von entstand die Steppen.
Kulturelle Praktiken aus Ostasien umfassen die bildende Kunst, Literatur und darstellende Kunst Chinas, Koreas und Japans. Da sie keinen praktischen Zweck haben und keine manuelle Arbeit beinhalten, erhalten in China nur Malerei und Kalligrafie den Status "echter bildender Kunst". Als Handwerk gelten die Bildhauerei, das Gießen und Schnitzen von Bronze sowie die Herstellung von Keramik, Textilien, Metallurgie und Lackwaren. Traditionelle chinesische Gebäude bestehen fast oft aus Holz und haben eine Plattform, einen Pfosten-und-Sturz-Rahmen, dachtragende Klammern und ein schweres, geneigtes Dach.
Drei Faktoren, darunter die buddhistische Ikonographie, indigene japanische Themen und Traditionen sowie die chinesische bildende Kunst, hatten erhebliche Auswirkungen auf die japanische visuelle Kultur. Der im siebten Jahrhundert erbaute Hry-Tempel war das erste Bauwerk, das die asymmetrischen Grundrisse verwendete, die später die japanische Architektur charakterisieren würden. Der polychrome Holzschnitt, der sich zum ikonischen Ukiyo-e-Druck entwickelte, und die Sieb- und Tafelbilder des 16. bis 18. Jahrhunderts sind Paradebeispiele für die Beschäftigung japanischer Maler mit der Abstraktion von der Natur. Die Verwendung von Stein im Bauwesen und in der Bildhauerei und die Entwicklung einer exquisiten Seladon-Glasur sind zwei der markantesten Beiträge Koreas zur Kunst.
Unter den Literaturen der Welt hat China die längste ununterbrochene Geschichte (mehr als 3.000 Jahre). Seine Geschichte ist eng mit der der Schriftsprache verwoben, die es mit Korea und Japan teilt. Balladen, Legenden, Maskendramen, Puppentheatertexte und P'ansori-Texte ("Geschichtengesang") sind alle Teil der reichen Oral History Koreas, und das Land hat auch eine robuste schriftliche Tradition der Poesie (insbesondere Hyangga- und Sijo-Formen). . Da weder Japan noch Korea über eine eigene Schriftsprache verfügten, lehnten sich die literarischen Traditionen beider Länder stark an China an (obwohl japanische Silbensysteme um 1000 entstanden und das koreanische Hangul im 15. Jahrhundert entwickelt wurde). Gedichte aus Japan, insbesondere in Haiku-Form, sind weltweit für ihre feine Sensibilität bekannt und reichen bis ins 7. Jahrhundert zurück, zusammen mit den vielen literarischen Schätzen des Landes wie The Tale of Genji.
Ostasiatische Musik hat wie westliche Musik eine pentatonische Tonleiter geschaffen, die auf einem 12-Ton-Vokabular basiert, aber ihre Grundlage ist unterschiedlich. Ostasiatische Ensembles sind in der Regel relativ klein, und Komponisten in der Region geben normalerweise Melodie und Rhythmus Vorrang vor harmonischer Komplexität. Es ist erwähnenswert, dass Musik, Tanz und Schauspiel in ostasiatischen Ländern oft miteinander verbunden sind und es keine Hinweise auf eine ausgeprägte Formentwicklung in den zugehörigen Kategorien des ostasiatischen Tanzes und Theaters gibt. Getanzte Prozessionen, Tanzoper (jingxi oder "Peking" und andere Arten chinesischer Opern), Schattentheater, Puppentheater und Dialogspiele mit Musik und Tanz sind nur einige der vielen Spielarten ostasiatischer darstellender Künste (z. B. japanische Kabuki). Die Werke von Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun und Murasaki Shikibu sind ebenfalls eine Untersuchung wert, ebenso wie Ikebana, Papierfalten im Jgan-Stil, Rollenmalerei, Shinden-Zukuri, Shoin-Zukuri, Sukiya-Stil, Architektur im Tempyu-Stil und im Tori-Stil.
Kunst aus Indien, Pakistan, Bangladesch und Sri Lanka wird oft als Südasien bezeichnet. Eine Fülle alter Textliteratur in Sanskrit, Prkrit und regionalen Sprachen hat dazu beigetragen, die Menschen des indischen Subkontinents zusammenzubringen, ebenso wie eine gemeinsame kulturelle und ethische Perspektive. Trotz der Teilung der Region in ein Kaleidoskop politischer Muster im Laufe der Jahrhunderte hat der Subkontinent als Ganzes gemeinsame Musik- und Tanztraditionen, rituelle Rituale, religiöse Praktiken und literarische Ideen.
Die Epen Südasiens wie das Rmyaa und das Mahbhrata geben Einblick in das komplexe Beziehungsgeflecht zwischen den vielen Völkern der Region. Es gibt eindeutige Beweise für eine familiäre Beziehung zwischen den Göttern und Helden weit voneinander entfernter Orte, und viele der Ortsnamen selbst spielen auf gemeinsame Vorfahren an. Es gab auch anhaltende Bemühungen, eine einheitliche politische Ordnung auf dem Gebiet zu etablieren. Im dritten Jahrhundert v. Chr. kontrollierte beispielsweise Kaiser Aoka den größten Teil dieses Gebiets; im 11. Jahrhundert n. Chr. eroberte Rajendra I. von Chai einen Großteil Indiens und Südostasiens; und im 16. Jahrhundert n. Chr. tat der große Mogul Akbar dasselbe. Die Grenzen sind im Laufe der südasiatischen Geschichte gewachsen und geschrumpft und haben sich offiziell als vollständige Regionen verbunden und getrennt, aber die Kultur ist durchweg konsistent geblieben.
Die Schönheit der Berge und Flüsse der Region wurde aufgrund ihrer gemeinsamen physischen Umgebung weithin geschätzt. Der Himalaya, der entlang der nördlichen Grenze verläuft, ist das höchste Gebirge der Welt und repräsentiert ein kulturelles Ideal von Erhabenheit, Reinheit und unberührtem Schnee. Flüsse wie der Brahmaputra und der Indus werden in ihren jeweiligen Regionen wegen ihres Wasserreichtums als „Mütter“ verehrt.
Es ist ein weit verbreiteter Glaube, dass Wassergeister und Waldfeen, bekannt als Ngas und Yakas, die Seen und Quellen der Region bewohnen. Der Name einer frühen Dynastie in Kaschmir, Karkoa, ist selbst ein Symbol für die Nga-Verehrung. Antike religiöse Artefakte wie Statuen von Ngas und Yakas, die an verschiedenen Orten ausgegraben wurden, deuten auf ein gemeinsames hingebungsvolles Ethos hin, ebenso wie religiöse Texte, die seit Jahrhunderten mündlich überliefert wurden, ohne ihre ursprüngliche Intonation zu verlieren. Skulpturen, die einen ähnlichen klassischen Tanz darstellen, sind in den pakistanischen Städten Gandhra, Bhrhut und Amarvat zu finden.
In Südasien ist es unabdingbar, sich in mehreren verschiedenen Künsten auszukennen, bevor man sich auf nur eine spezialisieren kann. Da Bildhauerei, wie Malerei und Tanz, die ganze Welt abbildet, liegt es auf der Hand, dass man die eine Kunstform nicht beherrschen kann, ohne zuerst die andere zu beherrschen. Tanzen ist eine Ausdrucksform durch Bewegung und Rhythmus; Daher ist ein Verständnis des musikalischen Rhythmus von entscheidender Bedeutung. Kenntnisse in Literatur und Rhetorik werden als wichtig für das Erregen von Emotionen in Musik und Tanz angesehen; Der Geschmack (rasa), der in Musik, Tanz, Skulptur oder Malerei ausgedrückt werden soll, erfordert eine gewisse Vertrautheit mit dem geschriebenen Wort. Die Künste sind also auf vielen Ebenen miteinander verbunden.
Die Künste in Südasien wurden nicht nur als respektable Freizeitbeschäftigung um ihrer selbst willen praktiziert, sondern auch als Akt der Hingabe und Verehrung einer höheren Macht. Es gibt literarische Hinweise auf Fürsten, die Kunstwerke auf Fehler untersuchen. Die Errungenschaften und Ambitionen des Künstlers in Theorie und Praxis werden durch eine einzige Inschrift veranschaulicht, die den Namen des stra-dhra ("Architekten") des Mallikrjuna-Tempels in Pattadakal erwähnt, der im achten Jahrhundert erbaut wurde.
Südasiatische Kulturen haben Künstlern seit langem einen privilegierten Status zuerkannt. Der Hof war voller Dichter, Musiker und Tänzer. Ein brillanter Tänzer wurde von Rjendra Ca gelobt, und der Architekt des Tempels in Tiruvoiyr, der ebenfalls von Rjendra unterstützt wurde, wurde in einer Inschrift für sein umfassendes Verständnis von Architektur und Kunst gelobt. Dennoch gab es eine starke Verbindung zwischen der Volkskunst und den hohen Künsten. Ähnlichkeiten bestanden zum Beispiel zwischen Stammesgruppentänzen und westlicher klassischer Kunst, Tanz und Musik. Der indische Subkontinent hat eine reiche künstlerische Geschichte, wobei sowohl die Rundskulptur (citra) als auch die Reliefskulptur (ardhacitra) eine bedeutende Stellung einnehmen.
Citrbhsa, was übersetzt „das Erscheinen einer Skulptur“ bedeutet, ist die dritthöchste Kunstform. Ein Vers aus einem Drama des Dichters Klidsa aus dem 5. Jahrhundert erklärt, wie das Auge über die Höhen und Tiefen stolpert, die in der Modellierung eines Gemäldes dargestellt sind, und zeigt, wie wesentlich der Einfluss von Hell-Dunkel (dh die Verwendung von Licht und Schatten zum Ausdruck der Modellierung) war . Den größten Wert legen die Meister auf die Strichführung eines Gemäldes, die fest und anmutig gezeichnet sein muss, gefolgt von der Schattierung und der Darstellung von Modellierungen, die von anderen geschätzt werden, dem dekorativen Element, das den weiblichen Geschmack anspricht, und der Farbpracht , die den allgemeinen Geschmack anspricht. Es ist sehr beeindruckend, dass Sie mit so wenig Zeichnung so viel Form zeigen konnten. Es gibt zahlreiche literarische Beispiele erfolgreicher Porträtmalerei in der südasiatischen Malerei und Skulptur, die die zentrale Bedeutung der Porträtmalerei für die bildende Kunst der Region demonstrieren. Das Viudharmottara, geschrieben im sechsten Jahrhundert, teilt die Porträtmalerei in vier Kategorien ein: natürlich, lyrisch, anspruchsvoll und gemischt. Es kategorisiert auch verschiedene Arten von Menschen basierend auf ihren Haar- und Augenformen und -farben. Es enthält einen Überblick über die vielen künstlerischen Perspektiven sowie eine Erläuterung der Grundlagen der Verkürzung. Wie ein Gedicht den Dichter widerspiegelt, dachte man, dass Gemälde und Skulpturen die Eigenschaften ihrer Schöpfer annehmen würden.
Trotz der langen Geschichte Südasiens, in der es fremden Einflüssen ausgesetzt war, hat die Region immer Wege gefunden, diese Elemente in indigene Praktiken zu integrieren und so eine einzigartige Synthese statt einer bloßen Kopie zu schaffen. Dies spiegelt sich auch in der Kunst der pakistanischen Region Gandhra wider, die zu dieser Zeit (4. Jahrhundert v. Chr.) Von der griechisch-römischen Kultur durchdrungen war. Die Einbeziehung indischer Motive und Stile in den vorherrschenden westlichen Stil ist ein Markenzeichen der Skulptur dieser Epoche.
Nach der Kushan-Invasion im ersten Jahrhundert n. Chr. gab es einen deutlichen Einfluss von außen, aber letztendlich triumphierte die indigene Kultur. Das Mogulreich, das Südasien ab dem 16. Jahrhundert regierte und aus Muslimen aus Zentralasien bestand, vereinte die Region kulturell, indem es seinen Untertanen eine überwiegend indische Bildung aufzwang. Die muslimische Kunst blühte unter der Herrschaft des zweiten Mogulkaisers Humayn auf, der Künstler vom Hof des persischen Schahs holte und eine Geschichte der Verschmelzung indischer und persischer Stile schuf.
Die Kunst jeder Region spiegelt ihre eigenen politischen Strukturen, moralischen und ethischen Normen und sozialen Strukturen wider. Bereits im 3. Jahrhundert v. Chr. zeigten Herrscher den Willen, dem Volk zu dienen und es fast wie Nachkommen zu behandeln. Prächtige Münzen aus dem Gupta-Reich in Nordindien im 4. bis 6. Jahrhundert zeigen das Ideal des Monarchen als konkurrenzlosen Bogenschützen, Vereiniger, großen und stattlichen edlen Geist, Opferer für das Wohlergehen der Untertanen und der Held von ihm Menschen (die ihn auf einem stattlichen Elefanten sehen). Kunstwerke, die nur Eroberung und nur Kriegsführung darstellen. Krieg und Eroberung, symbolische Pferdeopfer, der Königsrat, diplomatische Empfänge, Friedensverhandlungen, Tempelbau, Wertschätzung der schönen Künste (einschließlich Tanz und Musik) und die Krönung von Königen sind nur einige der vielen staatlichen Aktivitäten, die in der umfangreichen dargestellt werden Reihe von Skulpturen, die die Geschichte der südindischen Pallava-Dynastie des 4. bis 9. Jahrhunderts darstellen.
Ähnlich wie Skulpturen, die Dharma, die Konventionen oder Gesetze, die die Verpflichtung leiten, betonen, moralische Einstellungen widerspiegeln, spiegeln dies auch Skulpturen wider, die moralische Handlungen darstellen. Eine übliche Art und Weise, wie das Prinzip von Ahimsa oder Gewaltlosigkeit gegenüber anderen visualisiert wird, ist das Bild eines Hirsches, und das Ideal einer heiligen Stätte wird typischerweise als ein Ort dargestellt, an dem sich der Hirsch frei bewegen kann. Kunstwerke zeigen oft Szenen, in denen die Motive ihre eigenen Opfer oder die anderer schwelgen. Geschichten aus dem Paca-Tantra, einer der frühesten Fabelsammlungen der Welt, werden auf einfache, aber wirkungsvolle Weise in Skulpturen dargestellt. Die südasiatische Kunst zeigt konsequent die Frömmigkeit, den Glauben und den Respekt vor der Moral, die die soziale Struktur des Subkontinents seit Generationen durchdrungen haben.
Die Künste Südostasiens umfassen ihre schriftlichen, mündlichen und visuellen Formen. Obwohl die indische Kultur einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Region hatte, gibt es einige gemeinsame Merkmale, die vor dieser Zeit entstanden. Kunststile, die nicht aus Indien stammen, wie Batikstoffe, Gamelan-Orchester und das Wayang-Puppentheater, bleiben beliebt. Indigener Nassreis- (oder Padi-) Anbau, Metallurgie, Schifffahrt, Ahnenkulte und Bergverehrung waren allgegenwärtig.
Südostasien umfasst die riesige Halbinsel Indochina sowie die anderen Inseln der Region, die oft als Ostindien bekannt sind. Südostasien lässt sich in zwei unterschiedliche Teile unterteilen: das Festland und die Inseln. Myanmar (Birma), Thailand, Laos, Kambodscha, Vietnam, Malaysia, Singapur, Indonesien und die Philippinen sind die Regierungseinheiten, die dieses Gebiet bilden. Obwohl die Philippinen ursprünglich nicht als Teil Südostasiens betrachtet wurden, werden sie aufgrund ihrer Nähe zu China und Japan und der engen kulturellen Ähnlichkeiten mit den Kulturen Südostasiens heute allgemein als Teil der Region angesehen.
Ganz Südostasien hat ein ähnliches Klima und eine ähnliche Topographie, was die Geschichte und Kultur der Region geprägt hat. Kulturell unterscheiden sich die Menschen, die in den Bergen leben, von denen, die in den Tälern leben.
Ursprünglich wurde angenommen, dass die Menschen in Südostasien einen Mangel an Originalität teilten, der bis in prähistorische Zeiten zurückreicht, und dass sie in ihren Interaktionen mit anderen Kulturen eher „aufgeschlossen“ als „kreativ“ waren. Spätere Ausgrabungen und Entdeckungen in Myanmar und Thailand veranlassten einige Gelehrte, gegen die akzeptierte Theorie zu argumentieren, dass die Zivilisation in prähistorischen Zeiten von China nach Südostasien gezogen sei. Stattdessen, argumentierten sie, kultivierten die Menschen auf dem südostasiatischen Festland Pflanzen, stellten Töpferwaren her und arbeiteten in Bronze etwa zur gleichen Zeit wie die Menschen im alten Nahen Osten, und so breitete sich die Zivilisation ein Jahrtausend früher vom südostasiatischen Festland nach China aus. Weil sie sich immer mehr für die praktische Aufgabe interessieren, schöne Dinge zu schaffen, haben Südostasiaten kein reiches Erbe an Kunsttheorie, Literatur- oder Theaterkritik.
Es ist nicht möglich, die Entstehung und Entwicklung der Kunstformen in Südostasien Schritt für Schritt nachzuvollziehen, da die Menschen, insbesondere in der westlichen Hälfte des Festlandes, mit nicht haltbaren Materialien arbeiteten. Angesichts der Geschichte der dichten Bewaldung des Gebiets liegt es nahe, dass Holz das früheste Material war, das aus ästhetischen Gründen verwendet wurde. Trotz ihrer neu entdeckten Kenntnisse im Umgang mit Metall und Stein haben sie die traditionelle Praxis der Holzschnitzerei nie aufgegeben, die auch nach dem Ende der großen Zeit der Steinskulptur und des Steinbaus (etwa im 13. Jahrhundert) weiter florierte. Im westlichen Shan-Staat Myanmars entdeckten Archäologen entlang des Salween-Flusses prähistorische Höhlenzeichnungen, die eine verblüffende Ähnlichkeit mit späteren Naga-Skulpturen auf Hauspfosten aufweisen. Ähnlich wie das Sonnensymbol als Kunstmotiv in ganz Südostasien zu finden ist und Schnitzereien unter den Traufen von Naga-Häusern auf Ehrfurcht, Triumph und Freude über den Erwerb eines menschlichen Kopfes anspielen, hallt die spätere ästhetische Tradition Südostasiens wider Höhlenmalereien mit einem Paar menschlicher Hände mit offenen Handflächen, die die Sonne und einen menschlichen Schädel halten. Die Höhlenmalerei ist ein Beweis dafür, dass die Kunst der Gegend schon immer mit ihrer magisch-religiösen Vergangenheit verflochten war.
Früher wurde angenommen, dass die in Dong Son in der Nähe von Hanoi angewandte Bronzetrommelgusstechnik aus China stammt. Neue Ausgrabungen in Thailand haben jedoch gezeigt, dass sowohl die Trommeln als auch die sogenannte Dong-Son-Zivilisation auf dem südostasiatischen Festland beheimatet sind. Unabhängig davon zeigen die von den Karen über Jahrtausende bis in die frühen Jahre des 20. Jahrhunderts gegossenen Bronzetrommeln die Kontinuität des ästhetischen Erbes Südostasiens. Die Metallverarbeitung muss sich schon früh entwickelt haben, da die Berge des südostasiatischen Festlandes Gold, Silber und andere Metalle lieferten. Die Bergvölker Südostasiens haben eine lange Geschichte in der Herstellung und Verwendung exquisiter Silberknöpfe, Gürtel und Schmuck. Textilmuster folgen der gleichen ästhetischen Linie. Lieder, Tänze und andere Formen des musikalischen Ausdrucks wurden traditionell bei Stammeszeremonien verwendet.
Unter der Unterstützung der Herrscher in ganz Südostasien blühten die Künste auf. Um die Zeit von Christi Geburt begannen sich Stammesstämme nach Jahren des sesshaften Lebens als Reisproduzenten offiziell in Stadtkönigreichen oder Ansammlungen von Dörfern zu organisieren. Aus dieser Sicht war ein König kaum mehr als ein oberster Stammeshäuptling. Da die Stämme bereits eine Tradition der Geisterverehrung hatten, suchten die Monarchen nach einer neuen Gottheit, die für alle zum Gegenstand der Verehrung werden sollte. Diese Sehnsucht nach neuen nationalen Göttern trug zur Öffnung Südostasiens gegenüber den Göttern des Hinduismus und Buddhismus bei. Könige in Südostasien waren für die Verbreitung neuer Religionen verantwortlich, daher erlebten die Tempel der Region vom ersten bis zum dreizehnten Jahrhundert ein goldenes Zeitalter.
Tempel wurden zu Zentren kultureller Aktivitäten, und ihre Wände wurden zu Leinwänden für Architektur, Skulpturen und religiöse Wandmalereien. Gelehrte des Sanskrit, der Sprache der heiligen Texte des Hinduismus, waren Höflinge in den alten Reichen Ostindochinas und der Inseln, wo sie eine lokale Sanskrit-Literatur schufen. Erst durch die großen hinduistischen Epen Mahabharata und Ramayana gelangte dieses literarische Unterfangen jemals zum einfachen Volk. Geschichten über hinduistische Götter, Teufel und mächtige Männer waren wesentlich, um den Hinduismus dem allgemeinen Volk zu erklären, als die Sanskrit-Schriften außerhalb ihrer Reichweite waren. Auf der gesamten Halbinsel im Pyu-Burmesischen Reich von Prome, das vor dem 8 eines Gottkönigs noch eines erblichen Adels.
Spätere heidnische Könige waren von Pali-Experten umgeben, aber das Studium von Pali wurde nicht im Palast, sondern in Klöstern im ganzen Reich durchgeführt, wodurch die Lehren des Buddha selbst in die entlegensten Dörfer gebracht wurden. Buddhistische Mönche und Akademiker aus aller Welt reisten nach Pagan, um Pali zu studieren, während die Höfe der Könige in Kambodscha und Java nur regionale Zentren der Sanskrit-Forschung blieben. Jataka-Geschichten (Buddhas Geburt) wurden verwendet, um den einfachen Leuten, die die Pali-Schriften nicht lesen konnten, den Buddhismus zu erklären, genau wie indische Epen verwendet wurden, um den Massen den Hinduismus zu erklären. Tempel in Kambodscha und Java waren mit Schnitzereien und Fresken geschmückt, die Szenen aus den Jatakas darstellten, ähnlich wie jene, die Ereignisse aus den großen Epen darstellen.
Die Ankunft des Islam auf der Insel Südostasien nach der Majapahit-Dynastie etablierte eine dritte kulturelle Schicht über den bereits bestehenden indigenen und hinduistisch-buddhistischen Schichten. Ein neues burmesisches Reich entwickelte sich aus der Asche des alten und führte die Mission fort, den Buddhismus auf dem südostasiatischen Festland zu verbreiten. Die birmanische Invasion in Siam im 18. Jahrhundert brachte die hinduistische Kultur mit sich, die dazu beitrug, die Entwicklung des birmanischen Spiels zu fördern. Von China zurückerobert, wurde Vietnam auf der anderen Seite der Halbinsel zunehmend von der chinesischen Kultur beeinflusst. Nach einer kurzen Blütezeit der islamischen Kultur waren die Ureinwohner der Inselstaaten Südostasiens gezwungen, sich der Fremdherrschaft zu unterwerfen. Nur in Burma und Siam, zwei Regierungen Südostasiens, die aus jahrelangen Kämpfen als mächtige Königreiche hervorgegangen sind, blühten die einheimischen Künste weiter auf.
Religion und Nationalgeschichte spielen seit langem eine zentrale Rolle in der südostasiatischen Kunst. Abgesehen vom Leben und Charakter des Buddha und der Götter des Hinduismus stand die religiöse Lehre nicht im Vordergrund. Nachdem die großen Imperien gefallen waren, aber ihre Erinnerung an Ruhm und Stärke fortbestand, tauchte ein neues Thema in der nationalen Geschichte auf: die Verehrung legendärer Helden aus der Vergangenheit.
Während sich das Buddha-Bild im Laufe der Zeit weiterentwickelte, war es weiterhin ein beliebtes Motiv für Künstler. Neben der Einführung von Lokalkolorit durch die Verwendung von Szenen aus der eigenen Zeit des Künstlers als Hintergrund diente die Darstellung von Szenen aus seinem früheren Leben in Fresken und Reliefskulpturen dem Zweck, den Menschen buddhistische Ethik zu lehren, da die Jatakas bestimmte moralische Tugenden betonten der Buddha in seinen früheren Leben.
Dasselbe galt für Darstellungen von Ereignissen aus den hinduistischen Epen, die dem Künstler eine ähnliche Chance boten und eine ähnliche Funktion erfüllten. Im Laufe der Zeit verschmolzen buddhistische und hinduistische Schriftfiguren wie Götter und Göttinnen, Helden und Prinzessinnen, Einsiedler und Zauberer, Dämonen und Drachen, fliegende Pferde und geflügelte Jungfrauen und so weiter mit ähnlichen einheimischen Figuren, und Märchenhandlungen wurden in die übergreifende religiöse Themen.
Verschiedene Darstellungen der Naga, einer Art übermenschlichem Geist, entstanden in verschiedenen Teilen der Welt, als die Naga aus buddhistischen und hinduistischen Schriften übernommen und mit nationalen Analoga verschmolzen wurden. Die Naga von Burma hat einen markanten Kamm auf dem Kopf. Für die Mon war Naga ein Krokodil, aber für die Khmer und Indonesier war es eine neunköpfige Schlange.
Obwohl die Dämonen Südostasiens unter dem Pali-Sanskrit-Begriff Yakkha oder Yaksha zusammengefasst wurden, sind ihre unterschiedlichen Identitäten in der Skulptur und Malerei jedes Landes erhalten geblieben. Der dem Monsunwald unbekannte Löwe wurde dennoch zu einem beliebten einheimischen Emblem und Thema, da er mit den Göttern der hinduistischen und buddhistischen Mythologie in Verbindung gebracht wird. Selbst nachdem das Khmer-Reich die Anbetung des Schlangendrachen als Gott der Fruchtbarkeit aufgegeben hatte, war die neunköpfige Naga zu einem Symbol des Schutzes und der königlichen Macht geworden, und steinerne Nagas wachten über den königlichen Palästen und heiligen Tempeln. Naga-Verehrung war bei Buddhisten verpönt.
In der gesamten burmesischen und Mon-Kunstgeschichte wurde die Naga immer in einer dem Buddha unterwürfigen Rolle dargestellt, oft machte sie aus seinen Windungen einen Sitz für den Buddha oder hob seine massive Kapuze, um ihn vor den Elementen zu schützen. Die Wächterfigur eines Mon-Tempels wurde traditionell als Löwe mit zwei Körpern und einem menschlichen Kopf dargestellt, während die Wächterfigur eines burmesischen Tempels traditionell als Löwe mit Haube dargestellt wurde. Trotz des Anspruchs der Tai, die Kunsttraditionen der Khmer und der Mon-Naga zu erben, diente der gute Dämon in diesen Kulturen als Tempelwächter.
Die indischen Tiere wurden Teil der alten Symbolik und Tierbilder, die in die Kunst eindrangen. Zum Beispiel wählten die Mons den roten Brandharken als ihr Emblem, die Burmesen formten die Sonne zu ihrem Lieblingsvogel, dem Pfau, um, weil der Pfau in der buddhistischen Mythologie mit der Sonne in Verbindung gebracht wird, und in Indonesien der mythische Vogel namens Garuda. das Fahrzeug von Vishnu, wurde mit dem lokalen Adler verschmolzen. Die Darstellungen dieser Vögel haben als Ornament Verwendung gefunden. Stilisierte Versionen der Tiere, die einst die Strohdächer und Holzwände südostasiatischer Häuser schmückten, fanden ihren Weg in die opulenteren Paläste und Tempel. Designs von Bäumen, Früchten und Blumen aus den Monsunwäldern wurden mit indischen Blumenmustern und alten geometrischen Motiven kombiniert.
Die südostasiatische Kunst unterscheidet sich vollständig von der Kunst anderer Regionen, mit Ausnahme Indiens. Obwohl Burma historisch gesehen eine wichtige Handelsverbindung zu China war, fehlen chinesische Einflüsse überraschenderweise in der traditionellen birmanischen Kunst. Die Tai kamen spät in Südostasien an und brachten einige chinesische künstlerische Traditionen mit, aber sie gaben diese Praktiken schnell zugunsten der Khmer und Mon auf. Heute sind die einzigen Spuren dieser früheren Kontakte in den architektonischen Merkmalen der Tempel zu sehen, insbesondere im spitz zulaufenden Dach und in den Lackarbeiten.
Da Vietnam ein Jahrtausend lang eine Kolonie Chinas war, beeinflusste die chinesische Kultur die vietnamesische Kunst. Archäologische Beweise für den Hinduismus im heutigen Südvietnam stammen aus der Zeit der alten Champa-Monarchie, die im 15. Jahrhundert von Vietnam erobert wurde. Chinesische Einflüsse sind in den buddhistischen Statuen im Norden Vietnams zu sehen. Ein Vergleich der Tempelgräber von Kambodscha und Indonesien mit denen der vietnamesischen Kaiser oder der opulenten und würdevollen Buddha-Statuen Vietnams mit denen von Kambodscha und Burmas asketischen und anmutigen Buddha-Statuen offenbart die grundlegenden Unterschiede in ästhetischem Anspruch und Stil zwischen den Künsten Ostasiens und Asiens denen Südostasiens. Auch die islamische Kunst, die Tier- und Menschenfiguren ablehnt und die Realität hinter der illusorischen Schönheit der Alltagswelt sichtbar machen will, hat mit südostasiatischer Kunst wenig gemein. Die südostasiatische Kunst ignorierte die Lehren des Hinduismus und Buddhismus, dass die sinnliche Welt illusorisch und unbeständig sei.
In der südostasiatischen Kunst koexistieren Realität und Fantasie, und eine positive Lebenseinstellung durchdringt jedes Stück. Einige haben festgestellt, dass sich die klassische Khmer- und indonesische Kunst darauf konzentrierte, das tägliche Leben der Götter darzustellen, doch aus südostasiatischer Sicht war das tägliche Leben der Götter dasselbe wie ihr eigenes: fröhlich, erdig und göttlich. Die südostasiatische Kunst spiegelte nicht nur nicht die europäische Auffassung von „Kunst um der Kunst willen“ wider, sondern spiegelte auch nicht die europäische Teilung der Kunst in weltliche und religiöse Kategorien wider. Die gleichen Motive, die einen prächtigen Tempel und einen Lackteller zierte, wurden auf die Oberschenkel eines Burmesen tätowiert. Der südostasiatische Künstler musste keine Modelle verwenden, da er im Gegensatz zu seinen europäischen Kollegen nicht auf Genauigkeit in jedem anatomischen Aspekt Wert legte. Die Verwendung fantastischer Elemente und die Betonung, das Gute im menschlichen Leben zu feiern, zeichnen die südostasiatische Kunst aus.
Es gibt eine Vielzahl von Kunstformen und Medien, die mit der japanischen Kunst in Verbindung stehen, von antiken Keramiken und Skulpturen über Tuschemalerei und Kalligraphie auf Seide und Papier, Ukiyo-e-Gemälde und Holzschnitte, Keramik und Origami bis hin zu zeitgenössischen Manga und Anime. Von den ersten Anzeichen menschlicher Existenz in Japan im 10. Jahrtausend v. Chr. bis zum heutigen Tag hat Japan eine reiche und abwechslungsreiche Geschichte.
Japan hat sowohl einen schnellen Zustrom ausländischer Ideen als auch eine lange Isolation vom Rest der Welt erlebt. Die Japaner haben eine lange Geschichte der Assimilation und Anpassung von Aspekten anderer Kulturen, die sie als ästhetisch ansprechend empfinden. Im siebten und achten Jahrhundert entstand in Japan als Reaktion auf die Verbreitung des Buddhismus anspruchsvolle Kunst. Als die Japaner im 9. Jahrhundert von China wegzogen und ihre eigenen einzigartigen Ausdrucksstile entwickelten, gewannen die weltlichen Künste an Bedeutung; Von da an bis zum Ende des 15. Jahrhunderts blühten sowohl religiöse als auch weltliche Künste auf. Als der Nin-Krieg in Japan ausbrach (1467–1477), leitete er über ein Jahrhundert politischer, sozialer und wirtschaftlicher Umwälzungen ein. Kunstwerke, die die Säuberungen des Tokugawa-Shogunats überlebten, waren größtenteils weltlich, und die Religion spielte im Alltag eine viel geringere Rolle. Die plötzliche Einführung westlicher Stile war ein bedeutendes Ereignis während der Meiji-Zeit (1868-1912).
In Japan beschäftigen sich sowohl Amateure als auch Experten mit der Malerei als ihrer primären Form des künstlerischen Ausdrucks. Die Japaner sind auf die Werte und Ästhetik der Malerei besonders eingestellt, weil sie bis in die Neuzeit einen Pinsel statt einer Feder benutzten. Während der Edo-Zeit wurde der Holzschnitt zu einer wichtigen Kunstform, und die Methoden zur Erstellung seiner lebendigen Drucke wurden verfeinert, um den Bedürfnissen einer wachsenden Populärkultur gerecht zu werden. Als die religiöse Bedeutung des traditionellen japanischen Buddhismus in dieser Zeit nachließ, empfanden die Japaner die Skulptur als weniger ansprechendes Medium, um ihre kreative Vision auszudrücken.
Es besteht allgemein Einigkeit darüber, dass japanische Keramik von höchster künstlerischer Qualität ist und einige der frühesten Artefakte aus Japan enthält; Der Porzellanexport aus Japan war zu verschiedenen Zeiten eine bedeutende wirtschaftliche Aktivität. Japanische Lackwaren, exquisit mit Maki-e verziert, sind seit langem ein beliebter Exportartikel nach Europa und China, und dieser Trend setzte sich im gesamten 19. Jahrhundert fort. Die traditionelle japanische Architektur zeichnet sich durch natürliche Materialien und die Integration von Innen- und Außenleben aus.
Ukiyo-e oder japanische Holzschnitte erfreuen sich im Westen wachsender Beliebtheit. Ihr Name kommt von dem Ausdruck „Bilder der schwebenden Welt“, der ihr Thema beschreibt. Der buddhistische Glaube, dass Glück vergänglich ist und dass nur die Abwesenheit von Verlangen zur Erleuchtung führen kann, lieferte die Inspiration für ihr schwebendes, schwereloses Bild.
Die Shogune des feudalen Japans waren maßgeblich an der Entwicklung der japanischen Druckgrafik beteiligt, die in der Edo-Region (dem heutigen Tokio) begann. Unter der Sakoku-Politik, was wörtlich „abgeschiedenes oder geschlossenes Land“ bedeutet, hat sich Japan vom Rest der Welt abgeschottet. Perry, ein amerikanischer General, besuchte 1853 Japan, um mit der Meiji-Regierung zu verhandeln. Viele Drucke von Ukiyo-e, einer zeitgenössischen Kunstform, die blühte, als Perry Edo besuchte, konnten auf den Bürgersteigen der Stadt zum Verkauf angeboten werden.
Szenen aus der japanischen Geschichte und Legende wurden häufig in Ukiyo-e dargestellt, ebenso wie Porträts von Kabuki-Darstellern, Szenen aus dem Theater, verliebte Paare, berühmte Kurtisanen und Landschaften. Reisende aus dem Westen fanden sofort Gefallen an Ukiyo-e-Drucken, daher ist es nicht verwunderlich, dass sie sie mit nach Hause brachten und der Welt Japans einzigartigen Kunststil vorstellten.
Ukiyo-e-Kunstdrucke wurden hergestellt, indem eingefärbte Holzblöcke auf Papier gepresst wurden, nachdem die Bilder rückwärts in die Blöcke geschnitzt worden waren. Als der Druck anfing, wurde alles in Schwarzweiß gemacht. Okomura Masanobu und Suzuki Harunobu waren Pioniere auf dem Gebiet des Farbholzschnittdrucks, der für jede Farbe einen separaten Druckstock benötigte.
Ein Schlüsselblock für die Konturen und einzelne Blöcke für jeden Farbton waren erforderlich. Da außerdem eine kleine Anzahl von Drucken von einem einzelnen Block gemacht werden kann, müsste eine beträchtliche Anzahl von Blöcken geschnitzt werden, um eine beträchtliche Anzahl von Kopien zu drucken. Der Künstler war nur einer von vielen Profis, die an der Herstellung japanischer Kunstdrucke beteiligt waren. Andere waren Designer, Formplaner, Formschneider und Formpressen.
Um 1912 begann die als Ableger von Ukio-e bekannte Druckgrafikbewegung zu verschwinden, aber bald bildeten sich zwei andere Druckgrafikschulen, um die Lücke zu füllen. Sosaku Hanga und Shin Hanga sind die beiden Namen für sie. Es gibt zwei Denkrichtungen, wenn es um den Druckprozess geht: Sosaku Hanga, das davon ausgeht, dass der Künstler bei jedem Schritt eine zentrale Rolle spielen muss, und Shin Hanga, das traditioneller ist und der Meinung ist, dass der Verleger am zentralsten, so unterschiedlich ist Künstler können für die Gestaltung, Blockierung und den Druck verantwortlich sein.
Um Ukiyo-e-Drucke kaufen und verkaufen zu können, ist es wichtig, einige japanische Fachbegriffe zu kennen, um diese faszinierende Kunstform richtig einschätzen und wertschätzen zu können. Wenn man sich auf einen japanischen Druck bezieht, weist der Begriff "Atozuri" darauf hin, dass er gedruckt wurde, nachdem der erste Lauf beendet war, aber immer noch die ursprünglichen Holzstöcke verwendet wurden. Shozuri-Drucke sind Erstausgaben, während Fukkoku-Drucke Kopien sind. Künstlersignaturen und Druckausgabennummern wurden in der Regel erst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in die letzten Schritte des japanischen Druckherstellungsprozesses aufgenommen. Stattdessen hatte jeder Druck einen Stempel, der seinen Schöpfer sowie seinen Verleger und Bildhauer nannte.
Als die Europäer jedoch von Japans einzigartiger Kultur erfuhren, entstand eine Modeerscheinung für alles Japanische, und Ende der 1860er-Jahre wurden riesige Lieferungen japanischer Kunstdrucke auf den Kontinent geschickt. Verlage in Japan erkannten schnell, dass sie Reproduktionen der bekannteren Holzschnitte herstellen mussten, um die wachsende Nachfrage zu befriedigen.
Aufgrund von Stempeln und anderen Marginalien ist leicht zu erkennen, welche Drucke authentisch und welche Duplikate sind. Die Originalität eines Dokuments lässt sich oft anhand seines Papier- und Farbzustands feststellen. Da der durchschnittliche Kunstsammler wahrscheinlich keine japanischen Schriftzeichen lesen kann, sollte er sich vor dem Kauf eines authentischen japanischen Kunstdrucks von einem Experten beraten lassen.
Seit der Jungsteinzeit haben Künstler in China Pflanzen in ihren Kunstwerken dargestellt. Blumen, Vögel und Insekten werden zur Verzierung verwendet, und zwar nicht nur, weil sie schön sind; Sie tragen auch eine Fülle von Bedeutungen. Während der Song-Dynastie (960-1279) festigte ein Anstieg der Anzahl von Gemälden mit dem Titel „Vogel und Blume“ den Status von Blumenbildern als herausragendes Thema in der chinesischen Kunst. Anders als auf Rollbildern ist dieses Thema auf einer Vielzahl von dreidimensionalen Kunstwerken zu sehen, darunter Porzellan, Lackwaren, Jadeskulpturen, Textilien, Möbel und mehr.
Während wir uns darauf vorbereiten, den Frühling willkommen zu heißen, werden wir die Symbolik von Blumen in der chinesischen Kunst untersuchen, indem wir uns eine Auswahl von Gemälden aus der Sammlung asiatischer Kunst des AGGV aus dem 19. Jahrhundert ansehen. Die Artworks dieses Albums sind alle punktgenaue Darstellungen von Blumen und Schmetterlingen, basierend auf ihrer tatsächlichen Flora und Fauna. Wahrscheinlich tauchte die Kombination erstmals im 18. Jahrhundert auf Waren auf, die speziell für Geburtstagsgeschenke in Auftrag gegeben wurden. Schmetterlings-Rebusse können verwendet werden, um mehrere gute Wünsche gleichzeitig auszudrücken. Diese Gegenstände, die auch mit einem langen Leben verbunden sind, sind großartige Geburtstagssymbole. Schmetterlinge standen im Daoismus für die Entfesselung des Geistes. Blumen repräsentieren viele positive Dinge, und ihre Einbeziehung in diese Kunstwerke trägt nur zu ihren positiven Konnotationen bei.
Laut einem chinesischen Volksmärchen über zwei Liebende, die auf tragische Weise durch den Krieg auseinandergerissen wurden, steht die Mohnblume für Treue und Loyalität zwischen Partnern in einer romantischen Beziehung. Die Geschichte dreht sich um Mohnblumen, die an der Stelle wuchsen, an der sich die Ehefrau nach dem Tod ihres Soldatenmannes verschrieben hatte.
Der Ausdruck huakaifugui legt nahe, dass Kamelien, die während des chinesischen Neujahrs (Ende Januar bis Mitte Februar) blühen, zur Verschönerung des eigenen Zuhauses verwendet werden sollten, um das Glück im kommenden Jahr willkommen zu heißen. Aufgrund der langjährigen Vorliebe Europas für die Rose, Die Blume wird häufig auf Gegenständen abgebildet, die anderswo zum Verkauf bestimmt sind. Da die Chinesische Rose das ganze Jahr über häufig blüht, hat sich ihr der Name „Dauerfrühlingsblume“ eingebürgert.
Stolz des Morgens Die trompetenförmigen Blüten der Prunkwinde, die in leuchtendem Purpur erblühen, wurden ursprünglich im 15. Jahrhundert als dekoratives Element für blaue und weiße Waren der Ming verwendet. Es wird behauptet, dass diese Blume das Glück in der Ehe symbolisiert. In China gibt es viele Arten von Azaleen, die alle eine einzigartige Blütezeit haben. In Verbindung mit Schmetterlingen hat die Azalee die Bedeutung von "kreativem Talent in der Kunst" und steht für die weibliche Schönheit, die in der Kunst so weit verbreitet ist.
Orientalismus bezieht sich auf die Praxis der Nachahmung oder Stereotypisierung von Elementen aus dem Osten und findet sich in den Bereichen Kunstgeschichte, Literatur und Kulturwissenschaften. Am häufigsten sind westliche Autoren, Designer und Maler für diese Darstellungen verantwortlich. Von den verschiedenen Subgenres der im 19. Jahrhundert populären akademischen Kunst war die orientalistische Malerei, die sich auf die Darstellung des Nahen Ostens konzentrierte, eine der bekanntesten. Ebenso zeigte die westliche Literatur jener Zeit ein reges Interesse an der Exotik des Orients.
In akademischen Kreisen ist der Begriff „Orientalismus“ seit der Veröffentlichung von Edward Saids Orientalism im Jahr 1978 alltäglich geworden. Dieser Begriff wird verwendet, um eine herablassende westliche Perspektive auf asiatische und afrikanische Kulturen zu beschreiben. Der Westen, so Said, essentialisiert diese Kulturen als stagnierend und unterentwickelt und erschafft ein Bild der orientalischen Kultur, das im Dienste der imperialen Autorität erforscht, dargestellt und reproduziert werden kann. Wie Said betont, beruht diese Unwahrheit auf der Annahme, dass die westliche Gesellschaft fortschrittlich, intelligent, anpassungsfähig und überlegen ist. Dies gibt Westlern die Freiheit, sich „östliche“ Kulturen und Menschen sowohl als exotisch als auch als gefährlich vorzustellen.
Der Begriff „Orientalismus“ wird in der Kunstgeschichte verwendet, um das Werk westlicher Künstler zu beschreiben, die im Laufe des 19. Jahrhunderts geschaffen wurden und sich als Ergebnis ihrer Erkundungen Westasiens auf östliche Themen und Motive konzentrierten. Damals wurden Künstler und Akademiker oft spöttisch als „Orientalisten“ bezeichnet, ein Begriff, der von dem französischen Kunstkritiker Jules-Antoine Castagnary populär gemacht wurde. Die Französische Gesellschaft orientalistischer Maler mit Jean-Léon Gérôme als Ehrenpräsident wurde 1893 gegründet, trotz weit verbreiteter gesellschaftlicher Missbilligung des Genres; Im Gegensatz dazu bedeutete „Orientalist“ in Großbritannien einfach „Künstler“.
Die Perspektiven der Künstler änderten sich gegen Ende des 19. Jahrhunderts mit der Gründung der French Orientalist Painters Society, die es den Mitgliedern ermöglichte, sich als Teil einer größeren künstlerischen Bewegung zu erkennen. Obwohl während der Blütezeit der Bewegung im 19. Jahrhundert zahlreiche unterschiedliche orientalistische Malstile entstanden, wird der Begriff "orientalistische Malerei" normalerweise verwendet, um sich auf ein einzelnes Subgenre der akademischen Kunst zu beziehen. Viele Kunsthistoriker klassifizieren orientalistische Maler in zwei Kategorien: diejenigen, die aus direkter Beobachtung heraus malten, und diejenigen, die in ihren Ateliers fantastische Umgebungen schufen. Es ist allgemein anerkannt, dass die prominentesten Persönlichkeiten der orientalistischen Bewegung französische Künstler wie Eugène Delacroix (1798-1863) und Jean-Léon Gérôme (1824-1904) waren.
Napoleons verheerender Einmarsch in Ägypten und Syrien in den Jahren 1798-1801 beeinflusste die französische orientalistische Malerei und wurde in den folgenden Jahren von Napoleons Hofmalern, insbesondere Antoine-Jean Gros, dokumentiert, obwohl Gros nicht mit der Armee in den Nahen Osten reiste . Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa (1804) und Battle of Abukir (1806) drehen sich beide um den Kaiser, wie er zu dieser Zeit war, zeigen aber auch viele ägyptische Personen. Auch der weniger erfolgreiche Napoleon in der Pyramidenschlacht hat viele Ägypter (1810). Bedeutend war auch La Révolte du Caire (1810) von Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Die französische Regierung produzierte zwischen 1809 und 1828 zwanzig Bände einer illustrierten Beschreibung der ägyptischen Altertümer unter dem Titel Description de l'Égypte.
Bevor Eugène Delacroix jemals einen Fuß nach Griechenland oder in den Osten setzte, hatte er seinen ersten großen Hit mit The Massacre at Chios (1824), das, wie The Floß of the Medusa seines Freundes Théodore Géricault, eine jüngste Tragödie an einem weit entfernten Ort darstellte, die sich erhoben hatte öffentliche Meinung. Während die Griechen noch um die Freiheit von den Osmanen kämpften, war das Land ebenso exotisch wie die fernöstlicheren Teile des Reiches. Delacroix malte dann Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi (1827), um an eine Belagerung zu erinnern, die im Jahr zuvor stattgefunden hatte, und The Death of Sardanapalus (1828), das von Lord Byron inspiriert wurde und angeblich das erste Kunstwerk war Sex, Gewalt, Faulheit und Exotik zu kombinieren. Im Jahr 1832 reiste Delacroix schließlich im Rahmen einer diplomatischen Mission beim Sultan von Marokko in das heutige Algerien, ein Gebiet, das gerade von den Franzosen erobert wurde. Er war zutiefst bewegt von dem, was er erlebte, zog Parallelen zwischen der nordafrikanischen Lebensweise und der der alten Römer und malte nach seiner Rückkehr nach Frankreich Themen von seiner Reise weiter. Viele seiner Bilder zeigten Juden oder Krieger auf Pferden, weil es ihm, wie vielen späteren orientalistischen Malern, schwer fiel, Frauen darzustellen. Nur wenige folgende Haremsszenen konnten den gleichen Anspruch auf Realismus erheben, aber er war anscheinend in der Lage, Zugang zu den Frauenquartieren (oder Harems) eines Hauses zu erhalten, um zu skizzieren, was Frauen von Algier wurden.
Es war Ingres, Direktor der französischen Académie de Peinture, der durch seine nebulöse Verallgemeinerung der Frauenfiguren in seiner farbenprächtigen Darstellung eines türkischen Bades (die alle dasselbe Modell gewesen sein könnten) einen erotisierten Orient populär machte. Im mysteriösen Orient wurden offenkundigere Zurschaustellungen von Sexualität toleriert. Henri Matisses Halbaktbilder aus der Zeit Nizzas und seine Verwendung orientalischer Kostüme und Muster sind Beispiele für diese fortgesetzte Verwendung dieses Motivs bis ins frühe 20. Jahrhundert. Das Dampfschiff machte das Reisen viel einfacher, und viele Künstler besuchten den Nahen Osten und darüber hinaus, um eine breite Palette orientalischer Szenen zu malen. Vor seinem Besuch im Osten hatte Théodore Chassériau (1819-1856), ein Schüler von Ingres, bereits mit seinem Akt The Toilette of Esther (1841, Louvre) und dem Reiterporträt von Ali-Ben-Hamet, Kalif von Konstantin und Oberhaupt von, Erfolge erzielt der Haractas, gefolgt von seiner Eskorte
Viele dieser Werke setzten eine stereotype, exotische und sexualisierte Darstellung des Orients fort. Kunstwerke dieser Art konzentrierten sich oft auf die arabischen, jüdischen und anderen semitischen Kulturen, da französische Maler dorthin reisten, um mehr über die Geschichte und Entwicklung der Region zu erfahren, als das kaiserliche Frankreich seinen Einfluss in Nordafrika ausbaute. Mehrere französische Künstler wie Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme und Jean-Auguste-Dominique Ingres haben Odalisken in ihren Gemälden der islamischen Kultur dargestellt. Sie betonten Trägheit und auffällige Optik. Insbesondere Genrebilder wurden dafür kritisiert, europäischen Beispielen desselben Themas zu ähnlich zu sein oder ein orientalistisches Weltbild im saidianischen Sinne auszudrücken. Gérôme war der Stammvater und oft der Meister einer Gruppe französischer Maler des späten Jahrhunderts, die für ihre offensichtlich sexuellen Darstellungen von Harems, öffentlichen Bädern und Sklavenauktionen (die beiden letzteren sind auch mit klassischem Dekor erhältlich) und für ihren Beitrag zu „the Gleichsetzung des Orientalismus mit dem Akt im pornografischen Modus“.
Ab dem späten 15. Jahrhundert war der maurische Stil der Renaissance-Verzierung eine europäische Adaption der islamischen Arabeske, die in bestimmten Bereichen, wie zum Beispiel als Buchbinderei, bis praktisch bis heute verwendet wurde. Der Begriff "Indo-Saracenic Revival" beschreibt die frühe westliche Verwendung indischer Architekturthemen. Die Fassade der Londoner Guildhall stammt aus dieser Zeit (1788–1789). Ab etwa 1795, als Ansichten von Indien von William Hodges und William und Thomas Daniell veröffentlicht wurden, erlangte der Stil im Westen Popularität. Zu den bekanntesten Beispielen der „Hindu“-Architektur gehören das Sezincote House (ca. 1805) in Gloucestershire, das für einen kürzlich aus Bengalen zurückgekehrten Nabob gebaut wurde, und der Royal Pavilion in Brighton.
Die Verwendung "türkischer" Stile in der dekorativen Kunst, die gelegentliche Übernahme türkischer Gewänder und das Interesse an Kunst, die das Osmanische Reich darstellt, waren alle Teil der Turquerie-Bewegung, die im späten 15. Jahrhundert begann und mindestens bis zum 18. Jahrhundert andauerte. Auch wenn Frankreich nach dem 18. Jahrhundert an Bedeutung gewann, war der ursprüngliche Knotenpunkt Venedig, die langjährige Handelsbeziehung der Osmanen.
Der Name „Chinoiserie“ bezieht sich auf den allgemeinen Dekorationsstil mit chinesisch inspirierten Elementen, der ab dem 17. Jahrhundert in Westeuropa beliebt war und in mehreren Wellen vor allem während des Rokoko (ca. 1740–1770) seinen Höhepunkt erreichte. Die technische Komplexität chinesischer Keramik wurde von westlichen Designern von der Renaissance bis zum 18. Jahrhundert versucht und nur teilweise erfolgreich. Im 17. Jahrhundert begannen Länder wie England (mit seiner East India Company), Dänemark (mit seiner East India Company), die Niederlande (mit seiner East India Company) und Frankreich (mit seiner East India Company) Anzeichen zu zeigen der Chinoiserie (Französische Ostindien-Kompanie). Zu Beginn des 17. Jahrhunderts begannen Töpfer in Delft und anderen niederländischen Städten, dasselbe authentische blau-weiße Porzellan zu verwenden, das in China während der Ming-Dynastie hergestellt worden war. Geschirr, Vasen und Teegeschirr aus den frühesten Orten der echten Porzellanherstellung wie Meissen ahmten traditionelle chinesische Formen nach (siehe chinesisches Exportporzellan).
Die formalen Parterres der deutschen Paläste des Spätbarock und Rokoko hatten Lustpavillons im "chinesischen Geschmack", und Fliesentafeln in Aranjuez bei Madrid zeigten ähnliche Strukturen. Insbesondere Teetische und Porzellanschränke wurden 1753–1770 von Thomas Chippendale mit durchbrochenen Verglasungen und Geländern geschmückt. Eine Einbürgerung erfolgte auch in den düsteren Hommagen an die Möbel der frühen Xing-Gelehrten, wie dem Tang, der zu einem mittelgeorgischen Beistelltisch wurde, und quadratischen Sesseln mit Rückenlehne, die sowohl für englische Herren als auch für chinesische Gelehrte geeignet waren.
Nicht alle westlichen Interpretationen traditioneller chinesischer Ästhetik gelten als „Chinoiserie“. Beispiele für Chinoiserie-Medien sind Keramikfiguren und Tischornamente, frühe bemalte Tapeten in Blattform und Imitationen von Lack und bemaltem Blech (tôle), die an Japan erinnern. Pagoden in voller Größe wurden in Gärten installiert, während Miniaturversionen auf Kaminsimsen platziert wurden. Die von William Chambers geschaffene Große Pagode ist ein beeindruckendes Bauwerk in Kew. Die Wilhelma (1846) in Stuttgart ist ein Gebäude im maurischen Stil. Das Leighton House wurde für den Künstler Frederic Leighton erbaut und verfügt über ein traditionelles Äußeres, aber ein kunstvolles Interieur im arabischen Stil mit echten islamischen Fliesen und anderen Komponenten und orientalisierenden viktorianischen Arbeiten.
Zum großen Teil aufgrund der Einführung von Ukiyo-e-Drucken im Westen blühte die als Japonismus bekannte ästhetische Bewegung nach 1860 auf. Besonders einflussreich auf moderne französische Künstler wie Claude Monet und Edgar Degas war die japanische Ästhetik. Japanische Drucke inspirierten die amerikanische Künstlerin Mary Cassatt, die in Frankreich lebte und arbeitete. Sie hat die Verwendung von geschichteten Mustern, flachen Ebenen und dynamischer Perspektive in ihre eigene Arbeit integriert. Einige der besten Beispiele japanisch inspirierter Kunst finden sich in The Peacock Room, einer Sammlung von Gemälden von James Abbott McNeill Whistler. Das Gamble House und andere Gebäude von Greene and Greene aus Kalifornien wurden von japanischer Architektur beeinflusst.
Die ägyptische Wiederbelebungsarchitektur war im frühen und mittleren 19. Jahrhundert ein beliebter Stil und blieb bis ins frühe 20. Jahrhundert als Nebenstil erhalten. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts gehörten Synagogen zu den Hauptnutznießern des maurischen Wiederbelebungsstils, der seinen Ursprung in den deutschen Staaten hatte. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts entstand im britischen Raj ein architektonischer Stil, der als Indo-Saracenic Revival bekannt ist.
Die Ästhetik des orientalischen Dekors gehört zu den faszinierendsten der Welt. Beliebt in der Möbel- und Innenausbaubranche ist die Verwendung von orientalischen Dekorelementen auf dem Vormarsch. Diese Sammlung asiatischer Kunstformen ist seit Jahrtausenden gefragt und umfasst Werke aus den unterschiedlichsten asiatischen Ländern.
Der Begriff „Orientalische Kunst“ beschwört oft Bilder von Geisha-Mädchen in Japan oder chinesische Aquarelle herauf, aber das sind nicht die einzigen Beispiele. Mit ihren lebendigen Farben und ihrer Liebe zum Detail haben orientalische Schriftrollen, Vasen und Gemälde Jahrhunderte überdauert. Regenschirme, Fächer und Lampen sind weitere Beispiele für andere Formen orientalischer Kunst.
Einer der Gründe, warum orientalische Kunst so beliebt ist, sind ihre klaren Linien und lebendigen Farben. Sowohl die östliche als auch die westliche Hemisphäre haben Elemente des orientalischen Dekors in ihre Innenräume integriert. Aufgrund seiner Eleganz und Funktionalität kann es in Umgebungen verwendet werden, die sonst aus dem Rahmen fallen. Das Hinzufügen eines Stücks orientalischer Kunst zu Ihrem Zuhause ist eine großartige Möglichkeit, ihm ein einzigartiges Aussehen und Gefühl zu verleihen. Der Wandfächer ist ein ikonisches Beispiel orientalischer Kunst. Mit Gegenständen aus dem Orient zu dekorieren ist eine tolle Idee, weil sie sowohl stilvoll als auch preiswert sind.
Wie viele Spezialisten auf diesem Gebiet vermuten lassen, sind Auktionen eine der besten Möglichkeiten, Werke orientalischer Kunst zu beschaffen. Daher können Sie einfach in Auktionskatalogen stöbern und beginnen, Ihr Zuhause mit orientalisch angehauchten Stücken zu dekorieren. Über japanische Kunst werden jedoch oft auch Drucke, Keramiken, Rüstungen und mehr versteigert.
Zu den berühmten Werken des chinesischen Künstlers Gu Kaizhi gehören „Ermahnungen der Gouvernante an die Hofdamen“ und „Anweisungen an illustre Frauen“. Er war auch Dichter und Kunsttheoretiker. Er war ein taoistischer Philosoph, der ein buntes Leben führte und manchmal großen Zynismus an den Tag legte. Gu Kaizhi (ca. 344-406) war seit 366 Regierungsbeamter und wurde in Wuxi in der Provinz Jiangsu geboren, aber seine Talente reichten weit über die Politik hinaus. Er war auch ein versierter Dichter, Essayist, Maler und Praktiker der chinesischen Kalligrafie. Drei Werke, On Painting, Introduction to the Famous Paintings of the Wei and Jin Dynasties und Painting Mount Yuntai, fassen Gus zahlreiche Theorien über das Medium zusammen. Sein Lebenswerk ist in mehr als 70 Gemälden dokumentiert, die menschliche und göttliche Figuren, Tiere, Landschaften und Gewässer in den Mittelpunkt stellen. Buddha des Nanjing-Tempels (erschaffen, um Geld für den Bau des Tempels zu generieren), Ermahnungen der Gouvernante an die Damen des Hofes und Die Nymphe des Luo-Flusses sind alles Werke, die ihm allgemein zugeschrieben werden. Werke von Gu Kaizhi sind heute in Sammlungen auf der ganzen Welt zu finden. Zwischen etwa 220 n. Chr. und 581 n. Chr. gab es ein goldenes Zeitalter der chinesischen Malerei. Trotz der Kriege und dynastischen Veränderungen, die in China im Laufe von 300 Jahren stattfanden, blieb das kulturelle Leben des Landes lebendig. Das lag nicht zuletzt an den vielen verschiedenen Schulen, die der künstlerischen Entwicklung des Landes wichtige Impulse verliehen. In dieser Zeit gibt es mehrere Beispiele für Virtuosität in der chinesischen Kalligraphie und Kunst, darunter Grabmalereien, Stein- und Ziegelskulpturen und Lackmalereien. Ebenfalls theoretisiert werden die Bildregeln, die wir unter der zeitgenössischen chinesischen Malerei sehen, Regeln wie die Grafiktheorie und die Theorie der sechs Regeln. Einer der einflussreichsten und bekanntesten dieser Künstler ist Gu Kaizhi, der oft als Begründer der traditionellen chinesischen Malerei angesehen wird. Seine Werke verkörpern die Zeit, in der er lebte.
Von 990 bis 1020 war Fan Kuan ein bekannter taoistischer Maler im "nördlichen Stil" in China. Ihm werden unter anderem die schönsten Meister des 10. und 11. Jahrhunderts zugeschrieben. Eine vertikale Schriftrolle mit dem Titel Travelers amid Mountains and Streams von Fan Kuan gilt weithin als das grundlegende Kunstwerk der Northern Song School. Es setzt einen Standard für gigantische Landschaftsmalerei, an dem sich viele Künstler später orientieren würden. Es ist klar, dass hier die alte chinesische Vorstellung von drei Dimensionen, Nähe, Mitte (dargestellt durch Wasser und Nebel) und Ferne am Werk ist. Im Gegensatz zu den frühesten Beispielen chinesischer Landschaftsmalerei steht die Pracht der Natur eher im Mittelpunkt als im Nachhinein. Am Fuß des Monolithen ist eine Reihe Packpferde zu sehen, die aus den Büschen hervorkommen. Konventionen aus der älteren Tang-Dynastie können im visuellen Stil des Kunstwerks gesehen werden.
Es ist der Ukiyo-e-Stil, den Katsushika Hokusai als Maler und Grafiker in Japan populär gemacht hat. Er war ein präziser und exzentrischer Maler, der vor allem für seine Drucke bekannt ist. Er arbeitete jedoch sein ganzes Leben lang in beiden Medien. Nach mehr als sechzig Jahren seiner Karriere hatte er bereits mit Holzschnitten experimentiert, die theatralische Themen darstellten, Grußdrucke für den privaten Umlauf (Surimono) und, beginnend in den 1830er Jahren, Landschaftsserien, wie Werke wie Ansichten berühmter Brücken und berühmter Wasserfälle in belegen Verschiedene Provinzen und 36 Ansichten des Berges Fuji, was zum Teil eine persönliche Verbundenheit mit dem berühmten Vulkan widerspiegelt. The Great Kanagawa Wave, ebenfalls Teil dieses Kanons, ist ein zugehöriges Werk. Nach einer Zeit großer Not, die durch eine Reihe von familiären Problemen verursacht wurde, von denen nicht zuletzt die Neigung seines Neffen zum Glücksspiel war, veröffentlichte er eine Reihe von Zeichen- und Manga-Anleitungen, die sich sowohl an Amateure als auch an Profis richteten. Das Schreiben und Zeichnen einer breiten Palette von Kriminalbüchern und Kurzgeschichten für Frauen und Kinder sowie die Arbeit an der Illustration großer literarischer Meisterwerke wurde von seiner lebenslangen Liebe zur Literatur inspiriert, die wahrscheinlich während seiner Jugend als Laufbursche auf Reisen begann Bibliothek. Die Haiku, die er schrieb, waren auch ziemlich gut. Aufgrund des weitreichenden Einflusses seiner Kunst auf europäische Impressionisten wie Claude Monet und Postimpressionisten wie Vincent van Gogh und den französischen Maler Paul Gauguin wurden zwischen 1896 und 1914 drei Biografien über Hokusai auf Französisch von den führenden Kritikern der Zeit veröffentlicht, darunter Edmond de Goncourt. Laut den Geschichten, die über ihn erzählt wurden, zog er mehr als neunzig Mal um und benutzte im Laufe seiner Karriere mehrere verschiedene Künstlernamen.
Der japanische Maler und Drucker Hiroshi Yoshida. Seine Drucke vom Taj Mahal, den Schweizer Alpen und dem Grand Canyon gehören zu den berühmtesten Beispielen der Shin-Hanga-Kunst und rufen beim Betrachter starke Emotionen hervor. Am 19. September 1876 begann in der Stadt Kurume, Präfektur Fukuoka auf der Insel Kysh, das Leben von Hiroshi Yoshida, geboren Hiroshi Ueda. Sein Adoptivvater, ein Kunstlehrer an einer öffentlichen Schule, förderte sein frühes künstlerisches Talent. Nachdem er drei Jahre in Tokio verbracht hatte, um bei Koyama Shotaro zu lernen, wurde er mit 19 Jahren nach Kyoto versetzt, um bei dem renommierten westlichen Malmeister Tamura Shoryu zu studieren. 1899 richtete Yoshida seine erste Ausstellung im damaligen Detroit Museum of Art aus, das heute Detroit Institute of Arts heißt. Hiroshi Yoshida war ein versierter Ölmaler, der das Medium seit seiner Einführung in Japan in der Meiji-Ära verwendet hatte. Die Sailing Boats-Serie von 1921 und die Taj Mahal-Drucke (von denen es sechs gibt) sind beide Beispiele für Yoshidas Angewohnheit, dasselbe Bild in verschiedenen Farben zu reproduzieren, um die Stimmung zu verändern.
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Es gibt eine Vielzahl von künstlerischen Traditionen aus ganz Asien, die die Geschichte der asiatischen Kunst ausmachen. Zentralasien, Ostasien, Südasien, Südostasien und Westasien sind die bekanntesten Teile des asiatischen Kontinents.
Die ostasiatische Kunst umfasst die Kulturen Chinas, Japans und Koreas, während die zentralasiatische Kunst von Schöpfungen der Turkvölker der eurasischen Steppe dominiert wird. Südostasiatische Kunst besteht aus den Künsten Thailands, Laos, Vietnams, Singapurs, Indonesiens und der Philippinen, während sich südasiatische Kunst auf die Künste des indischen Subkontinents bezieht. Kunst aus dem Nahen Osten oder Westasien umfasst mesopotamische Kunst aus der Antike und islamische Kunst aus der Neuzeit.
Die Entwicklung der asiatischen Kunst ähnelt in vielerlei Hinsicht der westlichen Kunst. Kulturen vermischten sich durch Mittel wie den Kunsttransfer der Seidenstraße, den kulturellen Austausch während des Zeitalters der Entdeckung und Kolonialisierung sowie durch das Internet und die aktuelle Globalisierung. Wenn wir die Kunst der Steinzeit ausschließen, ist die Kunst Mesopotamiens die früheste Kunst in Asien.
Das heutige Kirgisistan, Kasachstan, Usbekistan, Turkmenistan, Aserbaidschan, Tadschikistan, Afghanistan, Pakistan und einige Regionen der heutigen Mongolei, China und Russland gelten alle als Teil der zentralasiatischen Region, die eine reiche Geschichte beheimatet und eine Vielzahl künstlerischer Traditionen. Zentralasiatische Kunst von der Antike bis zum Mittelalter veranschaulicht die vielfältige Bevölkerung und das kulturelle Erbe der Region. Das kulturelle Erbe Zentralasiens spiegelt die multikulturelle Zusammensetzung der Region auf überraschende Weise wider, wie die künstlerischen Artefakte der Region belegen. Skythische Kunst, griechisch-buddhistische Kunst, serindische Kunst und sogar die moderne persische Kultur sind alle Teil dieser verschlungenen Geschichte, zu der auch die Übertragung von Kunst über die Seidenstraße gehört.
Wandernde Hirten, die gemischte Ökonomien an der Peripherie sesshafter Gemeinschaften praktizierten, haben die Graslandschaften Zentralasiens (vom Kaspischen Meer bis Zentralchina und von Südrussland bis Nordindien) seit dem späten 2. Jahrtausend v. Die prähistorische „Tierstil“-Kunst dieser Hirtennomaden offenbart nicht nur ihre zoomorphen Mythen und schamanischen Rituale, sondern auch ihre Offenheit, die Symbole der sesshaften Kultur in ihre eigenen Praktiken zu integrieren.
Kulturen aus der ganzen Welt haben sich in Zentralasien getroffen und verschmolzen und es zum Nervenzentrum der alten Seidenstraße gemacht, die China mit dem Mittelmeer verband. Wachsende Gemeinden im dritten und zweiten Jahrtausend v. Chr. waren Teil eines riesigen Handelsnetzes, das Zentralasien mit dem Indus-Tal, Mesopotamien und Ägypten verband.
Die islamische Kunst hatte in den letzten Jahrhunderten einen großen Einfluss auf die westliche Kunst, aber ältere Kulturen ließen sich von einer Vielzahl von Quellen inspirieren, darunter die Kunst Chinas, Persiens und Griechenlands sowie der Tierstil, der unter den Nomaden von entstand die Steppen.
Kulturelle Praktiken aus Ostasien umfassen die bildende Kunst, Literatur und darstellende Kunst Chinas, Koreas und Japans. Da sie keinen praktischen Zweck haben und keine manuelle Arbeit beinhalten, erhalten in China nur Malerei und Kalligrafie den Status "echter bildender Kunst". Als Handwerk gelten die Bildhauerei, das Gießen und Schnitzen von Bronze sowie die Herstellung von Keramik, Textilien, Metallurgie und Lackwaren. Traditionelle chinesische Gebäude bestehen fast oft aus Holz und haben eine Plattform, einen Pfosten-und-Sturz-Rahmen, dachtragende Klammern und ein schweres, geneigtes Dach.
Drei Faktoren, darunter die buddhistische Ikonographie, indigene japanische Themen und Traditionen sowie die chinesische bildende Kunst, hatten erhebliche Auswirkungen auf die japanische visuelle Kultur. Der im siebten Jahrhundert erbaute Hry-Tempel war das erste Bauwerk, das die asymmetrischen Grundrisse verwendete, die später die japanische Architektur charakterisieren würden. Der polychrome Holzschnitt, der sich zum ikonischen Ukiyo-e-Druck entwickelte, und die Sieb- und Tafelbilder des 16. bis 18. Jahrhunderts sind Paradebeispiele für die Beschäftigung japanischer Maler mit der Abstraktion von der Natur. Die Verwendung von Stein im Bauwesen und in der Bildhauerei und die Entwicklung einer exquisiten Seladon-Glasur sind zwei der markantesten Beiträge Koreas zur Kunst.
Unter den Literaturen der Welt hat China die längste ununterbrochene Geschichte (mehr als 3.000 Jahre). Seine Geschichte ist eng mit der der Schriftsprache verwoben, die es mit Korea und Japan teilt. Balladen, Legenden, Maskendramen, Puppentheatertexte und P'ansori-Texte ("Geschichtengesang") sind alle Teil der reichen Oral History Koreas, und das Land hat auch eine robuste schriftliche Tradition der Poesie (insbesondere Hyangga- und Sijo-Formen). . Da weder Japan noch Korea über eine eigene Schriftsprache verfügten, lehnten sich die literarischen Traditionen beider Länder stark an China an (obwohl japanische Silbensysteme um 1000 entstanden und das koreanische Hangul im 15. Jahrhundert entwickelt wurde). Gedichte aus Japan, insbesondere in Haiku-Form, sind weltweit für ihre feine Sensibilität bekannt und reichen bis ins 7. Jahrhundert zurück, zusammen mit den vielen literarischen Schätzen des Landes wie The Tale of Genji.
Ostasiatische Musik hat wie westliche Musik eine pentatonische Tonleiter geschaffen, die auf einem 12-Ton-Vokabular basiert, aber ihre Grundlage ist unterschiedlich. Ostasiatische Ensembles sind in der Regel relativ klein, und Komponisten in der Region geben normalerweise Melodie und Rhythmus Vorrang vor harmonischer Komplexität. Es ist erwähnenswert, dass Musik, Tanz und Schauspiel in ostasiatischen Ländern oft miteinander verbunden sind und es keine Hinweise auf eine ausgeprägte Formentwicklung in den zugehörigen Kategorien des ostasiatischen Tanzes und Theaters gibt. Getanzte Prozessionen, Tanzoper (jingxi oder "Peking" und andere Arten chinesischer Opern), Schattentheater, Puppentheater und Dialogspiele mit Musik und Tanz sind nur einige der vielen Spielarten ostasiatischer darstellender Künste (z. B. japanische Kabuki). Die Werke von Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun und Murasaki Shikibu sind ebenfalls eine Untersuchung wert, ebenso wie Ikebana, Papierfalten im Jgan-Stil, Rollenmalerei, Shinden-Zukuri, Shoin-Zukuri, Sukiya-Stil, Architektur im Tempyu-Stil und im Tori-Stil.
Kunst aus Indien, Pakistan, Bangladesch und Sri Lanka wird oft als Südasien bezeichnet. Eine Fülle alter Textliteratur in Sanskrit, Prkrit und regionalen Sprachen hat dazu beigetragen, die Menschen des indischen Subkontinents zusammenzubringen, ebenso wie eine gemeinsame kulturelle und ethische Perspektive. Trotz der Teilung der Region in ein Kaleidoskop politischer Muster im Laufe der Jahrhunderte hat der Subkontinent als Ganzes gemeinsame Musik- und Tanztraditionen, rituelle Rituale, religiöse Praktiken und literarische Ideen.
Die Epen Südasiens wie das Rmyaa und das Mahbhrata geben Einblick in das komplexe Beziehungsgeflecht zwischen den vielen Völkern der Region. Es gibt eindeutige Beweise für eine familiäre Beziehung zwischen den Göttern und Helden weit voneinander entfernter Orte, und viele der Ortsnamen selbst spielen auf gemeinsame Vorfahren an. Es gab auch anhaltende Bemühungen, eine einheitliche politische Ordnung auf dem Gebiet zu etablieren. Im dritten Jahrhundert v. Chr. kontrollierte beispielsweise Kaiser Aoka den größten Teil dieses Gebiets; im 11. Jahrhundert n. Chr. eroberte Rajendra I. von Chai einen Großteil Indiens und Südostasiens; und im 16. Jahrhundert n. Chr. tat der große Mogul Akbar dasselbe. Die Grenzen sind im Laufe der südasiatischen Geschichte gewachsen und geschrumpft und haben sich offiziell als vollständige Regionen verbunden und getrennt, aber die Kultur ist durchweg konsistent geblieben.
Die Schönheit der Berge und Flüsse der Region wurde aufgrund ihrer gemeinsamen physischen Umgebung weithin geschätzt. Der Himalaya, der entlang der nördlichen Grenze verläuft, ist das höchste Gebirge der Welt und repräsentiert ein kulturelles Ideal von Erhabenheit, Reinheit und unberührtem Schnee. Flüsse wie der Brahmaputra und der Indus werden in ihren jeweiligen Regionen wegen ihres Wasserreichtums als „Mütter“ verehrt.
Es ist ein weit verbreiteter Glaube, dass Wassergeister und Waldfeen, bekannt als Ngas und Yakas, die Seen und Quellen der Region bewohnen. Der Name einer frühen Dynastie in Kaschmir, Karkoa, ist selbst ein Symbol für die Nga-Verehrung. Antike religiöse Artefakte wie Statuen von Ngas und Yakas, die an verschiedenen Orten ausgegraben wurden, deuten auf ein gemeinsames hingebungsvolles Ethos hin, ebenso wie religiöse Texte, die seit Jahrhunderten mündlich überliefert wurden, ohne ihre ursprüngliche Intonation zu verlieren. Skulpturen, die einen ähnlichen klassischen Tanz darstellen, sind in den pakistanischen Städten Gandhra, Bhrhut und Amarvat zu finden.
In Südasien ist es unabdingbar, sich in mehreren verschiedenen Künsten auszukennen, bevor man sich auf nur eine spezialisieren kann. Da Bildhauerei, wie Malerei und Tanz, die ganze Welt abbildet, liegt es auf der Hand, dass man die eine Kunstform nicht beherrschen kann, ohne zuerst die andere zu beherrschen. Tanzen ist eine Ausdrucksform durch Bewegung und Rhythmus; Daher ist ein Verständnis des musikalischen Rhythmus von entscheidender Bedeutung. Kenntnisse in Literatur und Rhetorik werden als wichtig für das Erregen von Emotionen in Musik und Tanz angesehen; Der Geschmack (rasa), der in Musik, Tanz, Skulptur oder Malerei ausgedrückt werden soll, erfordert eine gewisse Vertrautheit mit dem geschriebenen Wort. Die Künste sind also auf vielen Ebenen miteinander verbunden.
Die Künste in Südasien wurden nicht nur als respektable Freizeitbeschäftigung um ihrer selbst willen praktiziert, sondern auch als Akt der Hingabe und Verehrung einer höheren Macht. Es gibt literarische Hinweise auf Fürsten, die Kunstwerke auf Fehler untersuchen. Die Errungenschaften und Ambitionen des Künstlers in Theorie und Praxis werden durch eine einzige Inschrift veranschaulicht, die den Namen des stra-dhra ("Architekten") des Mallikrjuna-Tempels in Pattadakal erwähnt, der im achten Jahrhundert erbaut wurde.
Südasiatische Kulturen haben Künstlern seit langem einen privilegierten Status zuerkannt. Der Hof war voller Dichter, Musiker und Tänzer. Ein brillanter Tänzer wurde von Rjendra Ca gelobt, und der Architekt des Tempels in Tiruvoiyr, der ebenfalls von Rjendra unterstützt wurde, wurde in einer Inschrift für sein umfassendes Verständnis von Architektur und Kunst gelobt. Dennoch gab es eine starke Verbindung zwischen der Volkskunst und den hohen Künsten. Ähnlichkeiten bestanden zum Beispiel zwischen Stammesgruppentänzen und westlicher klassischer Kunst, Tanz und Musik. Der indische Subkontinent hat eine reiche künstlerische Geschichte, wobei sowohl die Rundskulptur (citra) als auch die Reliefskulptur (ardhacitra) eine bedeutende Stellung einnehmen.
Citrbhsa, was übersetzt „das Erscheinen einer Skulptur“ bedeutet, ist die dritthöchste Kunstform. Ein Vers aus einem Drama des Dichters Klidsa aus dem 5. Jahrhundert erklärt, wie das Auge über die Höhen und Tiefen stolpert, die in der Modellierung eines Gemäldes dargestellt sind, und zeigt, wie wesentlich der Einfluss von Hell-Dunkel (dh die Verwendung von Licht und Schatten zum Ausdruck der Modellierung) war . Den größten Wert legen die Meister auf die Strichführung eines Gemäldes, die fest und anmutig gezeichnet sein muss, gefolgt von der Schattierung und der Darstellung von Modellierungen, die von anderen geschätzt werden, dem dekorativen Element, das den weiblichen Geschmack anspricht, und der Farbpracht , die den allgemeinen Geschmack anspricht. Es ist sehr beeindruckend, dass Sie mit so wenig Zeichnung so viel Form zeigen konnten. Es gibt zahlreiche literarische Beispiele erfolgreicher Porträtmalerei in der südasiatischen Malerei und Skulptur, die die zentrale Bedeutung der Porträtmalerei für die bildende Kunst der Region demonstrieren. Das Viudharmottara, geschrieben im sechsten Jahrhundert, teilt die Porträtmalerei in vier Kategorien ein: natürlich, lyrisch, anspruchsvoll und gemischt. Es kategorisiert auch verschiedene Arten von Menschen basierend auf ihren Haar- und Augenformen und -farben. Es enthält einen Überblick über die vielen künstlerischen Perspektiven sowie eine Erläuterung der Grundlagen der Verkürzung. Wie ein Gedicht den Dichter widerspiegelt, dachte man, dass Gemälde und Skulpturen die Eigenschaften ihrer Schöpfer annehmen würden.
Trotz der langen Geschichte Südasiens, in der es fremden Einflüssen ausgesetzt war, hat die Region immer Wege gefunden, diese Elemente in indigene Praktiken zu integrieren und so eine einzigartige Synthese statt einer bloßen Kopie zu schaffen. Dies spiegelt sich auch in der Kunst der pakistanischen Region Gandhra wider, die zu dieser Zeit (4. Jahrhundert v. Chr.) Von der griechisch-römischen Kultur durchdrungen war. Die Einbeziehung indischer Motive und Stile in den vorherrschenden westlichen Stil ist ein Markenzeichen der Skulptur dieser Epoche.
Nach der Kushan-Invasion im ersten Jahrhundert n. Chr. gab es einen deutlichen Einfluss von außen, aber letztendlich triumphierte die indigene Kultur. Das Mogulreich, das Südasien ab dem 16. Jahrhundert regierte und aus Muslimen aus Zentralasien bestand, vereinte die Region kulturell, indem es seinen Untertanen eine überwiegend indische Bildung aufzwang. Die muslimische Kunst blühte unter der Herrschaft des zweiten Mogulkaisers Humayn auf, der Künstler vom Hof des persischen Schahs holte und eine Geschichte der Verschmelzung indischer und persischer Stile schuf.
Die Kunst jeder Region spiegelt ihre eigenen politischen Strukturen, moralischen und ethischen Normen und sozialen Strukturen wider. Bereits im 3. Jahrhundert v. Chr. zeigten Herrscher den Willen, dem Volk zu dienen und es fast wie Nachkommen zu behandeln. Prächtige Münzen aus dem Gupta-Reich in Nordindien im 4. bis 6. Jahrhundert zeigen das Ideal des Monarchen als konkurrenzlosen Bogenschützen, Vereiniger, großen und stattlichen edlen Geist, Opferer für das Wohlergehen der Untertanen und der Held von ihm Menschen (die ihn auf einem stattlichen Elefanten sehen). Kunstwerke, die nur Eroberung und nur Kriegsführung darstellen. Krieg und Eroberung, symbolische Pferdeopfer, der Königsrat, diplomatische Empfänge, Friedensverhandlungen, Tempelbau, Wertschätzung der schönen Künste (einschließlich Tanz und Musik) und die Krönung von Königen sind nur einige der vielen staatlichen Aktivitäten, die in der umfangreichen dargestellt werden Reihe von Skulpturen, die die Geschichte der südindischen Pallava-Dynastie des 4. bis 9. Jahrhunderts darstellen.
Ähnlich wie Skulpturen, die Dharma, die Konventionen oder Gesetze, die die Verpflichtung leiten, betonen, moralische Einstellungen widerspiegeln, spiegeln dies auch Skulpturen wider, die moralische Handlungen darstellen. Eine übliche Art und Weise, wie das Prinzip von Ahimsa oder Gewaltlosigkeit gegenüber anderen visualisiert wird, ist das Bild eines Hirsches, und das Ideal einer heiligen Stätte wird typischerweise als ein Ort dargestellt, an dem sich der Hirsch frei bewegen kann. Kunstwerke zeigen oft Szenen, in denen die Motive ihre eigenen Opfer oder die anderer schwelgen. Geschichten aus dem Paca-Tantra, einer der frühesten Fabelsammlungen der Welt, werden auf einfache, aber wirkungsvolle Weise in Skulpturen dargestellt. Die südasiatische Kunst zeigt konsequent die Frömmigkeit, den Glauben und den Respekt vor der Moral, die die soziale Struktur des Subkontinents seit Generationen durchdrungen haben.
Die Künste Südostasiens umfassen ihre schriftlichen, mündlichen und visuellen Formen. Obwohl die indische Kultur einen bedeutenden Einfluss auf die Entwicklung der Region hatte, gibt es einige gemeinsame Merkmale, die vor dieser Zeit entstanden. Kunststile, die nicht aus Indien stammen, wie Batikstoffe, Gamelan-Orchester und das Wayang-Puppentheater, bleiben beliebt. Indigener Nassreis- (oder Padi-) Anbau, Metallurgie, Schifffahrt, Ahnenkulte und Bergverehrung waren allgegenwärtig.
Südostasien umfasst die riesige Halbinsel Indochina sowie die anderen Inseln der Region, die oft als Ostindien bekannt sind. Südostasien lässt sich in zwei unterschiedliche Teile unterteilen: das Festland und die Inseln. Myanmar (Birma), Thailand, Laos, Kambodscha, Vietnam, Malaysia, Singapur, Indonesien und die Philippinen sind die Regierungseinheiten, die dieses Gebiet bilden. Obwohl die Philippinen ursprünglich nicht als Teil Südostasiens betrachtet wurden, werden sie aufgrund ihrer Nähe zu China und Japan und der engen kulturellen Ähnlichkeiten mit den Kulturen Südostasiens heute allgemein als Teil der Region angesehen.
Ganz Südostasien hat ein ähnliches Klima und eine ähnliche Topographie, was die Geschichte und Kultur der Region geprägt hat. Kulturell unterscheiden sich die Menschen, die in den Bergen leben, von denen, die in den Tälern leben.
Ursprünglich wurde angenommen, dass die Menschen in Südostasien einen Mangel an Originalität teilten, der bis in prähistorische Zeiten zurückreicht, und dass sie in ihren Interaktionen mit anderen Kulturen eher „aufgeschlossen“ als „kreativ“ waren. Spätere Ausgrabungen und Entdeckungen in Myanmar und Thailand veranlassten einige Gelehrte, gegen die akzeptierte Theorie zu argumentieren, dass die Zivilisation in prähistorischen Zeiten von China nach Südostasien gezogen sei. Stattdessen, argumentierten sie, kultivierten die Menschen auf dem südostasiatischen Festland Pflanzen, stellten Töpferwaren her und arbeiteten in Bronze etwa zur gleichen Zeit wie die Menschen im alten Nahen Osten, und so breitete sich die Zivilisation ein Jahrtausend früher vom südostasiatischen Festland nach China aus. Weil sie sich immer mehr für die praktische Aufgabe interessieren, schöne Dinge zu schaffen, haben Südostasiaten kein reiches Erbe an Kunsttheorie, Literatur- oder Theaterkritik.
Es ist nicht möglich, die Entstehung und Entwicklung der Kunstformen in Südostasien Schritt für Schritt nachzuvollziehen, da die Menschen, insbesondere in der westlichen Hälfte des Festlandes, mit nicht haltbaren Materialien arbeiteten. Angesichts der Geschichte der dichten Bewaldung des Gebiets liegt es nahe, dass Holz das früheste Material war, das aus ästhetischen Gründen verwendet wurde. Trotz ihrer neu entdeckten Kenntnisse im Umgang mit Metall und Stein haben sie die traditionelle Praxis der Holzschnitzerei nie aufgegeben, die auch nach dem Ende der großen Zeit der Steinskulptur und des Steinbaus (etwa im 13. Jahrhundert) weiter florierte. Im westlichen Shan-Staat Myanmars entdeckten Archäologen entlang des Salween-Flusses prähistorische Höhlenzeichnungen, die eine verblüffende Ähnlichkeit mit späteren Naga-Skulpturen auf Hauspfosten aufweisen. Ähnlich wie das Sonnensymbol als Kunstmotiv in ganz Südostasien zu finden ist und Schnitzereien unter den Traufen von Naga-Häusern auf Ehrfurcht, Triumph und Freude über den Erwerb eines menschlichen Kopfes anspielen, hallt die spätere ästhetische Tradition Südostasiens wider Höhlenmalereien mit einem Paar menschlicher Hände mit offenen Handflächen, die die Sonne und einen menschlichen Schädel halten. Die Höhlenmalerei ist ein Beweis dafür, dass die Kunst der Gegend schon immer mit ihrer magisch-religiösen Vergangenheit verflochten war.
Früher wurde angenommen, dass die in Dong Son in der Nähe von Hanoi angewandte Bronzetrommelgusstechnik aus China stammt. Neue Ausgrabungen in Thailand haben jedoch gezeigt, dass sowohl die Trommeln als auch die sogenannte Dong-Son-Zivilisation auf dem südostasiatischen Festland beheimatet sind. Unabhängig davon zeigen die von den Karen über Jahrtausende bis in die frühen Jahre des 20. Jahrhunderts gegossenen Bronzetrommeln die Kontinuität des ästhetischen Erbes Südostasiens. Die Metallverarbeitung muss sich schon früh entwickelt haben, da die Berge des südostasiatischen Festlandes Gold, Silber und andere Metalle lieferten. Die Bergvölker Südostasiens haben eine lange Geschichte in der Herstellung und Verwendung exquisiter Silberknöpfe, Gürtel und Schmuck. Textilmuster folgen der gleichen ästhetischen Linie. Lieder, Tänze und andere Formen des musikalischen Ausdrucks wurden traditionell bei Stammeszeremonien verwendet.
Unter der Unterstützung der Herrscher in ganz Südostasien blühten die Künste auf. Um die Zeit von Christi Geburt begannen sich Stammesstämme nach Jahren des sesshaften Lebens als Reisproduzenten offiziell in Stadtkönigreichen oder Ansammlungen von Dörfern zu organisieren. Aus dieser Sicht war ein König kaum mehr als ein oberster Stammeshäuptling. Da die Stämme bereits eine Tradition der Geisterverehrung hatten, suchten die Monarchen nach einer neuen Gottheit, die für alle zum Gegenstand der Verehrung werden sollte. Diese Sehnsucht nach neuen nationalen Göttern trug zur Öffnung Südostasiens gegenüber den Göttern des Hinduismus und Buddhismus bei. Könige in Südostasien waren für die Verbreitung neuer Religionen verantwortlich, daher erlebten die Tempel der Region vom ersten bis zum dreizehnten Jahrhundert ein goldenes Zeitalter.
Tempel wurden zu Zentren kultureller Aktivitäten, und ihre Wände wurden zu Leinwänden für Architektur, Skulpturen und religiöse Wandmalereien. Gelehrte des Sanskrit, der Sprache der heiligen Texte des Hinduismus, waren Höflinge in den alten Reichen Ostindochinas und der Inseln, wo sie eine lokale Sanskrit-Literatur schufen. Erst durch die großen hinduistischen Epen Mahabharata und Ramayana gelangte dieses literarische Unterfangen jemals zum einfachen Volk. Geschichten über hinduistische Götter, Teufel und mächtige Männer waren wesentlich, um den Hinduismus dem allgemeinen Volk zu erklären, als die Sanskrit-Schriften außerhalb ihrer Reichweite waren. Auf der gesamten Halbinsel im Pyu-Burmesischen Reich von Prome, das vor dem 8 eines Gottkönigs noch eines erblichen Adels.
Spätere heidnische Könige waren von Pali-Experten umgeben, aber das Studium von Pali wurde nicht im Palast, sondern in Klöstern im ganzen Reich durchgeführt, wodurch die Lehren des Buddha selbst in die entlegensten Dörfer gebracht wurden. Buddhistische Mönche und Akademiker aus aller Welt reisten nach Pagan, um Pali zu studieren, während die Höfe der Könige in Kambodscha und Java nur regionale Zentren der Sanskrit-Forschung blieben. Jataka-Geschichten (Buddhas Geburt) wurden verwendet, um den einfachen Leuten, die die Pali-Schriften nicht lesen konnten, den Buddhismus zu erklären, genau wie indische Epen verwendet wurden, um den Massen den Hinduismus zu erklären. Tempel in Kambodscha und Java waren mit Schnitzereien und Fresken geschmückt, die Szenen aus den Jatakas darstellten, ähnlich wie jene, die Ereignisse aus den großen Epen darstellen.
Die Ankunft des Islam auf der Insel Südostasien nach der Majapahit-Dynastie etablierte eine dritte kulturelle Schicht über den bereits bestehenden indigenen und hinduistisch-buddhistischen Schichten. Ein neues burmesisches Reich entwickelte sich aus der Asche des alten und führte die Mission fort, den Buddhismus auf dem südostasiatischen Festland zu verbreiten. Die birmanische Invasion in Siam im 18. Jahrhundert brachte die hinduistische Kultur mit sich, die dazu beitrug, die Entwicklung des birmanischen Spiels zu fördern. Von China zurückerobert, wurde Vietnam auf der anderen Seite der Halbinsel zunehmend von der chinesischen Kultur beeinflusst. Nach einer kurzen Blütezeit der islamischen Kultur waren die Ureinwohner der Inselstaaten Südostasiens gezwungen, sich der Fremdherrschaft zu unterwerfen. Nur in Burma und Siam, zwei Regierungen Südostasiens, die aus jahrelangen Kämpfen als mächtige Königreiche hervorgegangen sind, blühten die einheimischen Künste weiter auf.
Religion und Nationalgeschichte spielen seit langem eine zentrale Rolle in der südostasiatischen Kunst. Abgesehen vom Leben und Charakter des Buddha und der Götter des Hinduismus stand die religiöse Lehre nicht im Vordergrund. Nachdem die großen Imperien gefallen waren, aber ihre Erinnerung an Ruhm und Stärke fortbestand, tauchte ein neues Thema in der nationalen Geschichte auf: die Verehrung legendärer Helden aus der Vergangenheit.
Während sich das Buddha-Bild im Laufe der Zeit weiterentwickelte, war es weiterhin ein beliebtes Motiv für Künstler. Neben der Einführung von Lokalkolorit durch die Verwendung von Szenen aus der eigenen Zeit des Künstlers als Hintergrund diente die Darstellung von Szenen aus seinem früheren Leben in Fresken und Reliefskulpturen dem Zweck, den Menschen buddhistische Ethik zu lehren, da die Jatakas bestimmte moralische Tugenden betonten der Buddha in seinen früheren Leben.
Dasselbe galt für Darstellungen von Ereignissen aus den hinduistischen Epen, die dem Künstler eine ähnliche Chance boten und eine ähnliche Funktion erfüllten. Im Laufe der Zeit verschmolzen buddhistische und hinduistische Schriftfiguren wie Götter und Göttinnen, Helden und Prinzessinnen, Einsiedler und Zauberer, Dämonen und Drachen, fliegende Pferde und geflügelte Jungfrauen und so weiter mit ähnlichen einheimischen Figuren, und Märchenhandlungen wurden in die übergreifende religiöse Themen.
Verschiedene Darstellungen der Naga, einer Art übermenschlichem Geist, entstanden in verschiedenen Teilen der Welt, als die Naga aus buddhistischen und hinduistischen Schriften übernommen und mit nationalen Analoga verschmolzen wurden. Die Naga von Burma hat einen markanten Kamm auf dem Kopf. Für die Mon war Naga ein Krokodil, aber für die Khmer und Indonesier war es eine neunköpfige Schlange.
Obwohl die Dämonen Südostasiens unter dem Pali-Sanskrit-Begriff Yakkha oder Yaksha zusammengefasst wurden, sind ihre unterschiedlichen Identitäten in der Skulptur und Malerei jedes Landes erhalten geblieben. Der dem Monsunwald unbekannte Löwe wurde dennoch zu einem beliebten einheimischen Emblem und Thema, da er mit den Göttern der hinduistischen und buddhistischen Mythologie in Verbindung gebracht wird. Selbst nachdem das Khmer-Reich die Anbetung des Schlangendrachen als Gott der Fruchtbarkeit aufgegeben hatte, war die neunköpfige Naga zu einem Symbol des Schutzes und der königlichen Macht geworden, und steinerne Nagas wachten über den königlichen Palästen und heiligen Tempeln. Naga-Verehrung war bei Buddhisten verpönt.
In der gesamten burmesischen und Mon-Kunstgeschichte wurde die Naga immer in einer dem Buddha unterwürfigen Rolle dargestellt, oft machte sie aus seinen Windungen einen Sitz für den Buddha oder hob seine massive Kapuze, um ihn vor den Elementen zu schützen. Die Wächterfigur eines Mon-Tempels wurde traditionell als Löwe mit zwei Körpern und einem menschlichen Kopf dargestellt, während die Wächterfigur eines burmesischen Tempels traditionell als Löwe mit Haube dargestellt wurde. Trotz des Anspruchs der Tai, die Kunsttraditionen der Khmer und der Mon-Naga zu erben, diente der gute Dämon in diesen Kulturen als Tempelwächter.
Die indischen Tiere wurden Teil der alten Symbolik und Tierbilder, die in die Kunst eindrangen. Zum Beispiel wählten die Mons den roten Brandharken als ihr Emblem, die Burmesen formten die Sonne zu ihrem Lieblingsvogel, dem Pfau, um, weil der Pfau in der buddhistischen Mythologie mit der Sonne in Verbindung gebracht wird, und in Indonesien der mythische Vogel namens Garuda. das Fahrzeug von Vishnu, wurde mit dem lokalen Adler verschmolzen. Die Darstellungen dieser Vögel haben als Ornament Verwendung gefunden. Stilisierte Versionen der Tiere, die einst die Strohdächer und Holzwände südostasiatischer Häuser schmückten, fanden ihren Weg in die opulenteren Paläste und Tempel. Designs von Bäumen, Früchten und Blumen aus den Monsunwäldern wurden mit indischen Blumenmustern und alten geometrischen Motiven kombiniert.
Die südostasiatische Kunst unterscheidet sich vollständig von der Kunst anderer Regionen, mit Ausnahme Indiens. Obwohl Burma historisch gesehen eine wichtige Handelsverbindung zu China war, fehlen chinesische Einflüsse überraschenderweise in der traditionellen birmanischen Kunst. Die Tai kamen spät in Südostasien an und brachten einige chinesische künstlerische Traditionen mit, aber sie gaben diese Praktiken schnell zugunsten der Khmer und Mon auf. Heute sind die einzigen Spuren dieser früheren Kontakte in den architektonischen Merkmalen der Tempel zu sehen, insbesondere im spitz zulaufenden Dach und in den Lackarbeiten.
Da Vietnam ein Jahrtausend lang eine Kolonie Chinas war, beeinflusste die chinesische Kultur die vietnamesische Kunst. Archäologische Beweise für den Hinduismus im heutigen Südvietnam stammen aus der Zeit der alten Champa-Monarchie, die im 15. Jahrhundert von Vietnam erobert wurde. Chinesische Einflüsse sind in den buddhistischen Statuen im Norden Vietnams zu sehen. Ein Vergleich der Tempelgräber von Kambodscha und Indonesien mit denen der vietnamesischen Kaiser oder der opulenten und würdevollen Buddha-Statuen Vietnams mit denen von Kambodscha und Burmas asketischen und anmutigen Buddha-Statuen offenbart die grundlegenden Unterschiede in ästhetischem Anspruch und Stil zwischen den Künsten Ostasiens und Asiens denen Südostasiens. Auch die islamische Kunst, die Tier- und Menschenfiguren ablehnt und die Realität hinter der illusorischen Schönheit der Alltagswelt sichtbar machen will, hat mit südostasiatischer Kunst wenig gemein. Die südostasiatische Kunst ignorierte die Lehren des Hinduismus und Buddhismus, dass die sinnliche Welt illusorisch und unbeständig sei.
In der südostasiatischen Kunst koexistieren Realität und Fantasie, und eine positive Lebenseinstellung durchdringt jedes Stück. Einige haben festgestellt, dass sich die klassische Khmer- und indonesische Kunst darauf konzentrierte, das tägliche Leben der Götter darzustellen, doch aus südostasiatischer Sicht war das tägliche Leben der Götter dasselbe wie ihr eigenes: fröhlich, erdig und göttlich. Die südostasiatische Kunst spiegelte nicht nur nicht die europäische Auffassung von „Kunst um der Kunst willen“ wider, sondern spiegelte auch nicht die europäische Teilung der Kunst in weltliche und religiöse Kategorien wider. Die gleichen Motive, die einen prächtigen Tempel und einen Lackteller zierte, wurden auf die Oberschenkel eines Burmesen tätowiert. Der südostasiatische Künstler musste keine Modelle verwenden, da er im Gegensatz zu seinen europäischen Kollegen nicht auf Genauigkeit in jedem anatomischen Aspekt Wert legte. Die Verwendung fantastischer Elemente und die Betonung, das Gute im menschlichen Leben zu feiern, zeichnen die südostasiatische Kunst aus.
Es gibt eine Vielzahl von Kunstformen und Medien, die mit der japanischen Kunst in Verbindung stehen, von antiken Keramiken und Skulpturen über Tuschemalerei und Kalligraphie auf Seide und Papier, Ukiyo-e-Gemälde und Holzschnitte, Keramik und Origami bis hin zu zeitgenössischen Manga und Anime. Von den ersten Anzeichen menschlicher Existenz in Japan im 10. Jahrtausend v. Chr. bis zum heutigen Tag hat Japan eine reiche und abwechslungsreiche Geschichte.
Japan hat sowohl einen schnellen Zustrom ausländischer Ideen als auch eine lange Isolation vom Rest der Welt erlebt. Die Japaner haben eine lange Geschichte der Assimilation und Anpassung von Aspekten anderer Kulturen, die sie als ästhetisch ansprechend empfinden. Im siebten und achten Jahrhundert entstand in Japan als Reaktion auf die Verbreitung des Buddhismus anspruchsvolle Kunst. Als die Japaner im 9. Jahrhundert von China wegzogen und ihre eigenen einzigartigen Ausdrucksstile entwickelten, gewannen die weltlichen Künste an Bedeutung; Von da an bis zum Ende des 15. Jahrhunderts blühten sowohl religiöse als auch weltliche Künste auf. Als der Nin-Krieg in Japan ausbrach (1467–1477), leitete er über ein Jahrhundert politischer, sozialer und wirtschaftlicher Umwälzungen ein. Kunstwerke, die die Säuberungen des Tokugawa-Shogunats überlebten, waren größtenteils weltlich, und die Religion spielte im Alltag eine viel geringere Rolle. Die plötzliche Einführung westlicher Stile war ein bedeutendes Ereignis während der Meiji-Zeit (1868-1912).
In Japan beschäftigen sich sowohl Amateure als auch Experten mit der Malerei als ihrer primären Form des künstlerischen Ausdrucks. Die Japaner sind auf die Werte und Ästhetik der Malerei besonders eingestellt, weil sie bis in die Neuzeit einen Pinsel statt einer Feder benutzten. Während der Edo-Zeit wurde der Holzschnitt zu einer wichtigen Kunstform, und die Methoden zur Erstellung seiner lebendigen Drucke wurden verfeinert, um den Bedürfnissen einer wachsenden Populärkultur gerecht zu werden. Als die religiöse Bedeutung des traditionellen japanischen Buddhismus in dieser Zeit nachließ, empfanden die Japaner die Skulptur als weniger ansprechendes Medium, um ihre kreative Vision auszudrücken.
Es besteht allgemein Einigkeit darüber, dass japanische Keramik von höchster künstlerischer Qualität ist und einige der frühesten Artefakte aus Japan enthält; Der Porzellanexport aus Japan war zu verschiedenen Zeiten eine bedeutende wirtschaftliche Aktivität. Japanische Lackwaren, exquisit mit Maki-e verziert, sind seit langem ein beliebter Exportartikel nach Europa und China, und dieser Trend setzte sich im gesamten 19. Jahrhundert fort. Die traditionelle japanische Architektur zeichnet sich durch natürliche Materialien und die Integration von Innen- und Außenleben aus.
Ukiyo-e oder japanische Holzschnitte erfreuen sich im Westen wachsender Beliebtheit. Ihr Name kommt von dem Ausdruck „Bilder der schwebenden Welt“, der ihr Thema beschreibt. Der buddhistische Glaube, dass Glück vergänglich ist und dass nur die Abwesenheit von Verlangen zur Erleuchtung führen kann, lieferte die Inspiration für ihr schwebendes, schwereloses Bild.
Die Shogune des feudalen Japans waren maßgeblich an der Entwicklung der japanischen Druckgrafik beteiligt, die in der Edo-Region (dem heutigen Tokio) begann. Unter der Sakoku-Politik, was wörtlich „abgeschiedenes oder geschlossenes Land“ bedeutet, hat sich Japan vom Rest der Welt abgeschottet. Perry, ein amerikanischer General, besuchte 1853 Japan, um mit der Meiji-Regierung zu verhandeln. Viele Drucke von Ukiyo-e, einer zeitgenössischen Kunstform, die blühte, als Perry Edo besuchte, konnten auf den Bürgersteigen der Stadt zum Verkauf angeboten werden.
Szenen aus der japanischen Geschichte und Legende wurden häufig in Ukiyo-e dargestellt, ebenso wie Porträts von Kabuki-Darstellern, Szenen aus dem Theater, verliebte Paare, berühmte Kurtisanen und Landschaften. Reisende aus dem Westen fanden sofort Gefallen an Ukiyo-e-Drucken, daher ist es nicht verwunderlich, dass sie sie mit nach Hause brachten und der Welt Japans einzigartigen Kunststil vorstellten.
Ukiyo-e-Kunstdrucke wurden hergestellt, indem eingefärbte Holzblöcke auf Papier gepresst wurden, nachdem die Bilder rückwärts in die Blöcke geschnitzt worden waren. Als der Druck anfing, wurde alles in Schwarzweiß gemacht. Okomura Masanobu und Suzuki Harunobu waren Pioniere auf dem Gebiet des Farbholzschnittdrucks, der für jede Farbe einen separaten Druckstock benötigte.
Ein Schlüsselblock für die Konturen und einzelne Blöcke für jeden Farbton waren erforderlich. Da außerdem eine kleine Anzahl von Drucken von einem einzelnen Block gemacht werden kann, müsste eine beträchtliche Anzahl von Blöcken geschnitzt werden, um eine beträchtliche Anzahl von Kopien zu drucken. Der Künstler war nur einer von vielen Profis, die an der Herstellung japanischer Kunstdrucke beteiligt waren. Andere waren Designer, Formplaner, Formschneider und Formpressen.
Um 1912 begann die als Ableger von Ukio-e bekannte Druckgrafikbewegung zu verschwinden, aber bald bildeten sich zwei andere Druckgrafikschulen, um die Lücke zu füllen. Sosaku Hanga und Shin Hanga sind die beiden Namen für sie. Es gibt zwei Denkrichtungen, wenn es um den Druckprozess geht: Sosaku Hanga, das davon ausgeht, dass der Künstler bei jedem Schritt eine zentrale Rolle spielen muss, und Shin Hanga, das traditioneller ist und der Meinung ist, dass der Verleger am zentralsten, so unterschiedlich ist Künstler können für die Gestaltung, Blockierung und den Druck verantwortlich sein.
Um Ukiyo-e-Drucke kaufen und verkaufen zu können, ist es wichtig, einige japanische Fachbegriffe zu kennen, um diese faszinierende Kunstform richtig einschätzen und wertschätzen zu können. Wenn man sich auf einen japanischen Druck bezieht, weist der Begriff "Atozuri" darauf hin, dass er gedruckt wurde, nachdem der erste Lauf beendet war, aber immer noch die ursprünglichen Holzstöcke verwendet wurden. Shozuri-Drucke sind Erstausgaben, während Fukkoku-Drucke Kopien sind. Künstlersignaturen und Druckausgabennummern wurden in der Regel erst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts in die letzten Schritte des japanischen Druckherstellungsprozesses aufgenommen. Stattdessen hatte jeder Druck einen Stempel, der seinen Schöpfer sowie seinen Verleger und Bildhauer nannte.
Als die Europäer jedoch von Japans einzigartiger Kultur erfuhren, entstand eine Modeerscheinung für alles Japanische, und Ende der 1860er-Jahre wurden riesige Lieferungen japanischer Kunstdrucke auf den Kontinent geschickt. Verlage in Japan erkannten schnell, dass sie Reproduktionen der bekannteren Holzschnitte herstellen mussten, um die wachsende Nachfrage zu befriedigen.
Aufgrund von Stempeln und anderen Marginalien ist leicht zu erkennen, welche Drucke authentisch und welche Duplikate sind. Die Originalität eines Dokuments lässt sich oft anhand seines Papier- und Farbzustands feststellen. Da der durchschnittliche Kunstsammler wahrscheinlich keine japanischen Schriftzeichen lesen kann, sollte er sich vor dem Kauf eines authentischen japanischen Kunstdrucks von einem Experten beraten lassen.
Seit der Jungsteinzeit haben Künstler in China Pflanzen in ihren Kunstwerken dargestellt. Blumen, Vögel und Insekten werden zur Verzierung verwendet, und zwar nicht nur, weil sie schön sind; Sie tragen auch eine Fülle von Bedeutungen. Während der Song-Dynastie (960-1279) festigte ein Anstieg der Anzahl von Gemälden mit dem Titel „Vogel und Blume“ den Status von Blumenbildern als herausragendes Thema in der chinesischen Kunst. Anders als auf Rollbildern ist dieses Thema auf einer Vielzahl von dreidimensionalen Kunstwerken zu sehen, darunter Porzellan, Lackwaren, Jadeskulpturen, Textilien, Möbel und mehr.
Während wir uns darauf vorbereiten, den Frühling willkommen zu heißen, werden wir die Symbolik von Blumen in der chinesischen Kunst untersuchen, indem wir uns eine Auswahl von Gemälden aus der Sammlung asiatischer Kunst des AGGV aus dem 19. Jahrhundert ansehen. Die Artworks dieses Albums sind alle punktgenaue Darstellungen von Blumen und Schmetterlingen, basierend auf ihrer tatsächlichen Flora und Fauna. Wahrscheinlich tauchte die Kombination erstmals im 18. Jahrhundert auf Waren auf, die speziell für Geburtstagsgeschenke in Auftrag gegeben wurden. Schmetterlings-Rebusse können verwendet werden, um mehrere gute Wünsche gleichzeitig auszudrücken. Diese Gegenstände, die auch mit einem langen Leben verbunden sind, sind großartige Geburtstagssymbole. Schmetterlinge standen im Daoismus für die Entfesselung des Geistes. Blumen repräsentieren viele positive Dinge, und ihre Einbeziehung in diese Kunstwerke trägt nur zu ihren positiven Konnotationen bei.
Laut einem chinesischen Volksmärchen über zwei Liebende, die auf tragische Weise durch den Krieg auseinandergerissen wurden, steht die Mohnblume für Treue und Loyalität zwischen Partnern in einer romantischen Beziehung. Die Geschichte dreht sich um Mohnblumen, die an der Stelle wuchsen, an der sich die Ehefrau nach dem Tod ihres Soldatenmannes verschrieben hatte.
Der Ausdruck huakaifugui legt nahe, dass Kamelien, die während des chinesischen Neujahrs (Ende Januar bis Mitte Februar) blühen, zur Verschönerung des eigenen Zuhauses verwendet werden sollten, um das Glück im kommenden Jahr willkommen zu heißen. Aufgrund der langjährigen Vorliebe Europas für die Rose, Die Blume wird häufig auf Gegenständen abgebildet, die anderswo zum Verkauf bestimmt sind. Da die Chinesische Rose das ganze Jahr über häufig blüht, hat sich ihr der Name „Dauerfrühlingsblume“ eingebürgert.
Stolz des Morgens Die trompetenförmigen Blüten der Prunkwinde, die in leuchtendem Purpur erblühen, wurden ursprünglich im 15. Jahrhundert als dekoratives Element für blaue und weiße Waren der Ming verwendet. Es wird behauptet, dass diese Blume das Glück in der Ehe symbolisiert. In China gibt es viele Arten von Azaleen, die alle eine einzigartige Blütezeit haben. In Verbindung mit Schmetterlingen hat die Azalee die Bedeutung von "kreativem Talent in der Kunst" und steht für die weibliche Schönheit, die in der Kunst so weit verbreitet ist.
Orientalismus bezieht sich auf die Praxis der Nachahmung oder Stereotypisierung von Elementen aus dem Osten und findet sich in den Bereichen Kunstgeschichte, Literatur und Kulturwissenschaften. Am häufigsten sind westliche Autoren, Designer und Maler für diese Darstellungen verantwortlich. Von den verschiedenen Subgenres der im 19. Jahrhundert populären akademischen Kunst war die orientalistische Malerei, die sich auf die Darstellung des Nahen Ostens konzentrierte, eine der bekanntesten. Ebenso zeigte die westliche Literatur jener Zeit ein reges Interesse an der Exotik des Orients.
In akademischen Kreisen ist der Begriff „Orientalismus“ seit der Veröffentlichung von Edward Saids Orientalism im Jahr 1978 alltäglich geworden. Dieser Begriff wird verwendet, um eine herablassende westliche Perspektive auf asiatische und afrikanische Kulturen zu beschreiben. Der Westen, so Said, essentialisiert diese Kulturen als stagnierend und unterentwickelt und erschafft ein Bild der orientalischen Kultur, das im Dienste der imperialen Autorität erforscht, dargestellt und reproduziert werden kann. Wie Said betont, beruht diese Unwahrheit auf der Annahme, dass die westliche Gesellschaft fortschrittlich, intelligent, anpassungsfähig und überlegen ist. Dies gibt Westlern die Freiheit, sich „östliche“ Kulturen und Menschen sowohl als exotisch als auch als gefährlich vorzustellen.
Der Begriff „Orientalismus“ wird in der Kunstgeschichte verwendet, um das Werk westlicher Künstler zu beschreiben, die im Laufe des 19. Jahrhunderts geschaffen wurden und sich als Ergebnis ihrer Erkundungen Westasiens auf östliche Themen und Motive konzentrierten. Damals wurden Künstler und Akademiker oft spöttisch als „Orientalisten“ bezeichnet, ein Begriff, der von dem französischen Kunstkritiker Jules-Antoine Castagnary populär gemacht wurde. Die Französische Gesellschaft orientalistischer Maler mit Jean-Léon Gérôme als Ehrenpräsident wurde 1893 gegründet, trotz weit verbreiteter gesellschaftlicher Missbilligung des Genres; Im Gegensatz dazu bedeutete „Orientalist“ in Großbritannien einfach „Künstler“.
Die Perspektiven der Künstler änderten sich gegen Ende des 19. Jahrhunderts mit der Gründung der French Orientalist Painters Society, die es den Mitgliedern ermöglichte, sich als Teil einer größeren künstlerischen Bewegung zu erkennen. Obwohl während der Blütezeit der Bewegung im 19. Jahrhundert zahlreiche unterschiedliche orientalistische Malstile entstanden, wird der Begriff "orientalistische Malerei" normalerweise verwendet, um sich auf ein einzelnes Subgenre der akademischen Kunst zu beziehen. Viele Kunsthistoriker klassifizieren orientalistische Maler in zwei Kategorien: diejenigen, die aus direkter Beobachtung heraus malten, und diejenigen, die in ihren Ateliers fantastische Umgebungen schufen. Es ist allgemein anerkannt, dass die prominentesten Persönlichkeiten der orientalistischen Bewegung französische Künstler wie Eugène Delacroix (1798-1863) und Jean-Léon Gérôme (1824-1904) waren.
Napoleons verheerender Einmarsch in Ägypten und Syrien in den Jahren 1798-1801 beeinflusste die französische orientalistische Malerei und wurde in den folgenden Jahren von Napoleons Hofmalern, insbesondere Antoine-Jean Gros, dokumentiert, obwohl Gros nicht mit der Armee in den Nahen Osten reiste . Bonaparte Visiting the Plague Victims of Jaffa (1804) und Battle of Abukir (1806) drehen sich beide um den Kaiser, wie er zu dieser Zeit war, zeigen aber auch viele ägyptische Personen. Auch der weniger erfolgreiche Napoleon in der Pyramidenschlacht hat viele Ägypter (1810). Bedeutend war auch La Révolte du Caire (1810) von Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. Die französische Regierung produzierte zwischen 1809 und 1828 zwanzig Bände einer illustrierten Beschreibung der ägyptischen Altertümer unter dem Titel Description de l'Égypte.
Bevor Eugène Delacroix jemals einen Fuß nach Griechenland oder in den Osten setzte, hatte er seinen ersten großen Hit mit The Massacre at Chios (1824), das, wie The Floß of the Medusa seines Freundes Théodore Géricault, eine jüngste Tragödie an einem weit entfernten Ort darstellte, die sich erhoben hatte öffentliche Meinung. Während die Griechen noch um die Freiheit von den Osmanen kämpften, war das Land ebenso exotisch wie die fernöstlicheren Teile des Reiches. Delacroix malte dann Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi (1827), um an eine Belagerung zu erinnern, die im Jahr zuvor stattgefunden hatte, und The Death of Sardanapalus (1828), das von Lord Byron inspiriert wurde und angeblich das erste Kunstwerk war Sex, Gewalt, Faulheit und Exotik zu kombinieren. Im Jahr 1832 reiste Delacroix schließlich im Rahmen einer diplomatischen Mission beim Sultan von Marokko in das heutige Algerien, ein Gebiet, das gerade von den Franzosen erobert wurde. Er war zutiefst bewegt von dem, was er erlebte, zog Parallelen zwischen der nordafrikanischen Lebensweise und der der alten Römer und malte nach seiner Rückkehr nach Frankreich Themen von seiner Reise weiter. Viele seiner Bilder zeigten Juden oder Krieger auf Pferden, weil es ihm, wie vielen späteren orientalistischen Malern, schwer fiel, Frauen darzustellen. Nur wenige folgende Haremsszenen konnten den gleichen Anspruch auf Realismus erheben, aber er war anscheinend in der Lage, Zugang zu den Frauenquartieren (oder Harems) eines Hauses zu erhalten, um zu skizzieren, was Frauen von Algier wurden.
Es war Ingres, Direktor der französischen Académie de Peinture, der durch seine nebulöse Verallgemeinerung der Frauenfiguren in seiner farbenprächtigen Darstellung eines türkischen Bades (die alle dasselbe Modell gewesen sein könnten) einen erotisierten Orient populär machte. Im mysteriösen Orient wurden offenkundigere Zurschaustellungen von Sexualität toleriert. Henri Matisses Halbaktbilder aus der Zeit Nizzas und seine Verwendung orientalischer Kostüme und Muster sind Beispiele für diese fortgesetzte Verwendung dieses Motivs bis ins frühe 20. Jahrhundert. Das Dampfschiff machte das Reisen viel einfacher, und viele Künstler besuchten den Nahen Osten und darüber hinaus, um eine breite Palette orientalischer Szenen zu malen. Vor seinem Besuch im Osten hatte Théodore Chassériau (1819-1856), ein Schüler von Ingres, bereits mit seinem Akt The Toilette of Esther (1841, Louvre) und dem Reiterporträt von Ali-Ben-Hamet, Kalif von Konstantin und Oberhaupt von, Erfolge erzielt der Haractas, gefolgt von seiner Eskorte
Viele dieser Werke setzten eine stereotype, exotische und sexualisierte Darstellung des Orients fort. Kunstwerke dieser Art konzentrierten sich oft auf die arabischen, jüdischen und anderen semitischen Kulturen, da französische Maler dorthin reisten, um mehr über die Geschichte und Entwicklung der Region zu erfahren, als das kaiserliche Frankreich seinen Einfluss in Nordafrika ausbaute. Mehrere französische Künstler wie Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme und Jean-Auguste-Dominique Ingres haben Odalisken in ihren Gemälden der islamischen Kultur dargestellt. Sie betonten Trägheit und auffällige Optik. Insbesondere Genrebilder wurden dafür kritisiert, europäischen Beispielen desselben Themas zu ähnlich zu sein oder ein orientalistisches Weltbild im saidianischen Sinne auszudrücken. Gérôme war der Stammvater und oft der Meister einer Gruppe französischer Maler des späten Jahrhunderts, die für ihre offensichtlich sexuellen Darstellungen von Harems, öffentlichen Bädern und Sklavenauktionen (die beiden letzteren sind auch mit klassischem Dekor erhältlich) und für ihren Beitrag zu „the Gleichsetzung des Orientalismus mit dem Akt im pornografischen Modus“.
Ab dem späten 15. Jahrhundert war der maurische Stil der Renaissance-Verzierung eine europäische Adaption der islamischen Arabeske, die in bestimmten Bereichen, wie zum Beispiel als Buchbinderei, bis praktisch bis heute verwendet wurde. Der Begriff "Indo-Saracenic Revival" beschreibt die frühe westliche Verwendung indischer Architekturthemen. Die Fassade der Londoner Guildhall stammt aus dieser Zeit (1788–1789). Ab etwa 1795, als Ansichten von Indien von William Hodges und William und Thomas Daniell veröffentlicht wurden, erlangte der Stil im Westen Popularität. Zu den bekanntesten Beispielen der „Hindu“-Architektur gehören das Sezincote House (ca. 1805) in Gloucestershire, das für einen kürzlich aus Bengalen zurückgekehrten Nabob gebaut wurde, und der Royal Pavilion in Brighton.
Die Verwendung "türkischer" Stile in der dekorativen Kunst, die gelegentliche Übernahme türkischer Gewänder und das Interesse an Kunst, die das Osmanische Reich darstellt, waren alle Teil der Turquerie-Bewegung, die im späten 15. Jahrhundert begann und mindestens bis zum 18. Jahrhundert andauerte. Auch wenn Frankreich nach dem 18. Jahrhundert an Bedeutung gewann, war der ursprüngliche Knotenpunkt Venedig, die langjährige Handelsbeziehung der Osmanen.
Der Name „Chinoiserie“ bezieht sich auf den allgemeinen Dekorationsstil mit chinesisch inspirierten Elementen, der ab dem 17. Jahrhundert in Westeuropa beliebt war und in mehreren Wellen vor allem während des Rokoko (ca. 1740–1770) seinen Höhepunkt erreichte. Die technische Komplexität chinesischer Keramik wurde von westlichen Designern von der Renaissance bis zum 18. Jahrhundert versucht und nur teilweise erfolgreich. Im 17. Jahrhundert begannen Länder wie England (mit seiner East India Company), Dänemark (mit seiner East India Company), die Niederlande (mit seiner East India Company) und Frankreich (mit seiner East India Company) Anzeichen zu zeigen der Chinoiserie (Französische Ostindien-Kompanie). Zu Beginn des 17. Jahrhunderts begannen Töpfer in Delft und anderen niederländischen Städten, dasselbe authentische blau-weiße Porzellan zu verwenden, das in China während der Ming-Dynastie hergestellt worden war. Geschirr, Vasen und Teegeschirr aus den frühesten Orten der echten Porzellanherstellung wie Meissen ahmten traditionelle chinesische Formen nach (siehe chinesisches Exportporzellan).
Die formalen Parterres der deutschen Paläste des Spätbarock und Rokoko hatten Lustpavillons im "chinesischen Geschmack", und Fliesentafeln in Aranjuez bei Madrid zeigten ähnliche Strukturen. Insbesondere Teetische und Porzellanschränke wurden 1753–1770 von Thomas Chippendale mit durchbrochenen Verglasungen und Geländern geschmückt. Eine Einbürgerung erfolgte auch in den düsteren Hommagen an die Möbel der frühen Xing-Gelehrten, wie dem Tang, der zu einem mittelgeorgischen Beistelltisch wurde, und quadratischen Sesseln mit Rückenlehne, die sowohl für englische Herren als auch für chinesische Gelehrte geeignet waren.
Nicht alle westlichen Interpretationen traditioneller chinesischer Ästhetik gelten als „Chinoiserie“. Beispiele für Chinoiserie-Medien sind Keramikfiguren und Tischornamente, frühe bemalte Tapeten in Blattform und Imitationen von Lack und bemaltem Blech (tôle), die an Japan erinnern. Pagoden in voller Größe wurden in Gärten installiert, während Miniaturversionen auf Kaminsimsen platziert wurden. Die von William Chambers geschaffene Große Pagode ist ein beeindruckendes Bauwerk in Kew. Die Wilhelma (1846) in Stuttgart ist ein Gebäude im maurischen Stil. Das Leighton House wurde für den Künstler Frederic Leighton erbaut und verfügt über ein traditionelles Äußeres, aber ein kunstvolles Interieur im arabischen Stil mit echten islamischen Fliesen und anderen Komponenten und orientalisierenden viktorianischen Arbeiten.
Zum großen Teil aufgrund der Einführung von Ukiyo-e-Drucken im Westen blühte die als Japonismus bekannte ästhetische Bewegung nach 1860 auf. Besonders einflussreich auf moderne französische Künstler wie Claude Monet und Edgar Degas war die japanische Ästhetik. Japanische Drucke inspirierten die amerikanische Künstlerin Mary Cassatt, die in Frankreich lebte und arbeitete. Sie hat die Verwendung von geschichteten Mustern, flachen Ebenen und dynamischer Perspektive in ihre eigene Arbeit integriert. Einige der besten Beispiele japanisch inspirierter Kunst finden sich in The Peacock Room, einer Sammlung von Gemälden von James Abbott McNeill Whistler. Das Gamble House und andere Gebäude von Greene and Greene aus Kalifornien wurden von japanischer Architektur beeinflusst.
Die ägyptische Wiederbelebungsarchitektur war im frühen und mittleren 19. Jahrhundert ein beliebter Stil und blieb bis ins frühe 20. Jahrhundert als Nebenstil erhalten. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts gehörten Synagogen zu den Hauptnutznießern des maurischen Wiederbelebungsstils, der seinen Ursprung in den deutschen Staaten hatte. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts entstand im britischen Raj ein architektonischer Stil, der als Indo-Saracenic Revival bekannt ist.
Die Ästhetik des orientalischen Dekors gehört zu den faszinierendsten der Welt. Beliebt in der Möbel- und Innenausbaubranche ist die Verwendung von orientalischen Dekorelementen auf dem Vormarsch. Diese Sammlung asiatischer Kunstformen ist seit Jahrtausenden gefragt und umfasst Werke aus den unterschiedlichsten asiatischen Ländern.
Der Begriff „Orientalische Kunst“ beschwört oft Bilder von Geisha-Mädchen in Japan oder chinesische Aquarelle herauf, aber das sind nicht die einzigen Beispiele. Mit ihren lebendigen Farben und ihrer Liebe zum Detail haben orientalische Schriftrollen, Vasen und Gemälde Jahrhunderte überdauert. Regenschirme, Fächer und Lampen sind weitere Beispiele für andere Formen orientalischer Kunst.
Einer der Gründe, warum orientalische Kunst so beliebt ist, sind ihre klaren Linien und lebendigen Farben. Sowohl die östliche als auch die westliche Hemisphäre haben Elemente des orientalischen Dekors in ihre Innenräume integriert. Aufgrund seiner Eleganz und Funktionalität kann es in Umgebungen verwendet werden, die sonst aus dem Rahmen fallen. Das Hinzufügen eines Stücks orientalischer Kunst zu Ihrem Zuhause ist eine großartige Möglichkeit, ihm ein einzigartiges Aussehen und Gefühl zu verleihen. Der Wandfächer ist ein ikonisches Beispiel orientalischer Kunst. Mit Gegenständen aus dem Orient zu dekorieren ist eine tolle Idee, weil sie sowohl stilvoll als auch preiswert sind.
Wie viele Spezialisten auf diesem Gebiet vermuten lassen, sind Auktionen eine der besten Möglichkeiten, Werke orientalischer Kunst zu beschaffen. Daher können Sie einfach in Auktionskatalogen stöbern und beginnen, Ihr Zuhause mit orientalisch angehauchten Stücken zu dekorieren. Über japanische Kunst werden jedoch oft auch Drucke, Keramiken, Rüstungen und mehr versteigert.
Zu den berühmten Werken des chinesischen Künstlers Gu Kaizhi gehören „Ermahnungen der Gouvernante an die Hofdamen“ und „Anweisungen an illustre Frauen“. Er war auch Dichter und Kunsttheoretiker. Er war ein taoistischer Philosoph, der ein buntes Leben führte und manchmal großen Zynismus an den Tag legte. Gu Kaizhi (ca. 344-406) war seit 366 Regierungsbeamter und wurde in Wuxi in der Provinz Jiangsu geboren, aber seine Talente reichten weit über die Politik hinaus. Er war auch ein versierter Dichter, Essayist, Maler und Praktiker der chinesischen Kalligrafie. Drei Werke, On Painting, Introduction to the Famous Paintings of the Wei and Jin Dynasties und Painting Mount Yuntai, fassen Gus zahlreiche Theorien über das Medium zusammen. Sein Lebenswerk ist in mehr als 70 Gemälden dokumentiert, die menschliche und göttliche Figuren, Tiere, Landschaften und Gewässer in den Mittelpunkt stellen. Buddha des Nanjing-Tempels (erschaffen, um Geld für den Bau des Tempels zu generieren), Ermahnungen der Gouvernante an die Damen des Hofes und Die Nymphe des Luo-Flusses sind alles Werke, die ihm allgemein zugeschrieben werden. Werke von Gu Kaizhi sind heute in Sammlungen auf der ganzen Welt zu finden. Zwischen etwa 220 n. Chr. und 581 n. Chr. gab es ein goldenes Zeitalter der chinesischen Malerei. Trotz der Kriege und dynastischen Veränderungen, die in China im Laufe von 300 Jahren stattfanden, blieb das kulturelle Leben des Landes lebendig. Das lag nicht zuletzt an den vielen verschiedenen Schulen, die der künstlerischen Entwicklung des Landes wichtige Impulse verliehen. In dieser Zeit gibt es mehrere Beispiele für Virtuosität in der chinesischen Kalligraphie und Kunst, darunter Grabmalereien, Stein- und Ziegelskulpturen und Lackmalereien. Ebenfalls theoretisiert werden die Bildregeln, die wir unter der zeitgenössischen chinesischen Malerei sehen, Regeln wie die Grafiktheorie und die Theorie der sechs Regeln. Einer der einflussreichsten und bekanntesten dieser Künstler ist Gu Kaizhi, der oft als Begründer der traditionellen chinesischen Malerei angesehen wird. Seine Werke verkörpern die Zeit, in der er lebte.
Von 990 bis 1020 war Fan Kuan ein bekannter taoistischer Maler im "nördlichen Stil" in China. Ihm werden unter anderem die schönsten Meister des 10. und 11. Jahrhunderts zugeschrieben. Eine vertikale Schriftrolle mit dem Titel Travelers amid Mountains and Streams von Fan Kuan gilt weithin als das grundlegende Kunstwerk der Northern Song School. Es setzt einen Standard für gigantische Landschaftsmalerei, an dem sich viele Künstler später orientieren würden. Es ist klar, dass hier die alte chinesische Vorstellung von drei Dimensionen, Nähe, Mitte (dargestellt durch Wasser und Nebel) und Ferne am Werk ist. Im Gegensatz zu den frühesten Beispielen chinesischer Landschaftsmalerei steht die Pracht der Natur eher im Mittelpunkt als im Nachhinein. Am Fuß des Monolithen ist eine Reihe Packpferde zu sehen, die aus den Büschen hervorkommen. Konventionen aus der älteren Tang-Dynastie können im visuellen Stil des Kunstwerks gesehen werden.
Es ist der Ukiyo-e-Stil, den Katsushika Hokusai als Maler und Grafiker in Japan populär gemacht hat. Er war ein präziser und exzentrischer Maler, der vor allem für seine Drucke bekannt ist. Er arbeitete jedoch sein ganzes Leben lang in beiden Medien. Nach mehr als sechzig Jahren seiner Karriere hatte er bereits mit Holzschnitten experimentiert, die theatralische Themen darstellten, Grußdrucke für den privaten Umlauf (Surimono) und, beginnend in den 1830er Jahren, Landschaftsserien, wie Werke wie Ansichten berühmter Brücken und berühmter Wasserfälle in belegen Verschiedene Provinzen und 36 Ansichten des Berges Fuji, was zum Teil eine persönliche Verbundenheit mit dem berühmten Vulkan widerspiegelt. The Great Kanagawa Wave, ebenfalls Teil dieses Kanons, ist ein zugehöriges Werk. Nach einer Zeit großer Not, die durch eine Reihe von familiären Problemen verursacht wurde, von denen nicht zuletzt die Neigung seines Neffen zum Glücksspiel war, veröffentlichte er eine Reihe von Zeichen- und Manga-Anleitungen, die sich sowohl an Amateure als auch an Profis richteten. Das Schreiben und Zeichnen einer breiten Palette von Kriminalbüchern und Kurzgeschichten für Frauen und Kinder sowie die Arbeit an der Illustration großer literarischer Meisterwerke wurde von seiner lebenslangen Liebe zur Literatur inspiriert, die wahrscheinlich während seiner Jugend als Laufbursche auf Reisen begann Bibliothek. Die Haiku, die er schrieb, waren auch ziemlich gut. Aufgrund des weitreichenden Einflusses seiner Kunst auf europäische Impressionisten wie Claude Monet und Postimpressionisten wie Vincent van Gogh und den französischen Maler Paul Gauguin wurden zwischen 1896 und 1914 drei Biografien über Hokusai auf Französisch von den führenden Kritikern der Zeit veröffentlicht, darunter Edmond de Goncourt. Laut den Geschichten, die über ihn erzählt wurden, zog er mehr als neunzig Mal um und benutzte im Laufe seiner Karriere mehrere verschiedene Künstlernamen.
Der japanische Maler und Drucker Hiroshi Yoshida. Seine Drucke vom Taj Mahal, den Schweizer Alpen und dem Grand Canyon gehören zu den berühmtesten Beispielen der Shin-Hanga-Kunst und rufen beim Betrachter starke Emotionen hervor. Am 19. September 1876 begann in der Stadt Kurume, Präfektur Fukuoka auf der Insel Kysh, das Leben von Hiroshi Yoshida, geboren Hiroshi Ueda. Sein Adoptivvater, ein Kunstlehrer an einer öffentlichen Schule, förderte sein frühes künstlerisches Talent. Nachdem er drei Jahre in Tokio verbracht hatte, um bei Koyama Shotaro zu lernen, wurde er mit 19 Jahren nach Kyoto versetzt, um bei dem renommierten westlichen Malmeister Tamura Shoryu zu studieren. 1899 richtete Yoshida seine erste Ausstellung im damaligen Detroit Museum of Art aus, das heute Detroit Institute of Arts heißt. Hiroshi Yoshida war ein versierter Ölmaler, der das Medium seit seiner Einführung in Japan in der Meiji-Ära verwendet hatte. Die Sailing Boats-Serie von 1921 und die Taj Mahal-Drucke (von denen es sechs gibt) sind beide Beispiele für Yoshidas Angewohnheit, dasselbe Bild in verschiedenen Farben zu reproduzieren, um die Stimmung zu verändern.
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Zeitgenössische Orientalische Kunst wird oft mit Materialien wie Reispapier, Tinte und Aquarell geschaffen. Diese Materialien werden kombiniert, um atemberaubende Werke zu schaffen, die sowohl zart als auch kraftvoll sind. Die Träger, die für diese Werke verwendet werden, können variieren, von traditionellen Rollbildern und Fächern bis hin zu modernen Leinwänden und Rahmen. Unabhängig von der Art des verwendeten Trägers ist das Endergebnis immer ein Meisterwerk, das Generationen überdauern wird.
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