Original Land Art Werke zum Verkauf

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Land Art, auch Earth Art genannt, entsteht direkt in der Landschaft, indem man sie modelliert oder dort Strukturen aus Naturmaterialien baut. Die Anfänge der Umweltbewegung und die weit verbreitete Kommerzialisierung amerikanischer Kunst Ende der 1960er Jahre wirkten sich auf Ideen und Werke aus, die in unterschiedlichem Maße vom Kunstmarkt entfremdet wurden. Die Bewegung war eine Weiterentwicklung des Konzeptualismus und des Minimalismus.

Die Hauptanliegen der Kunstbewegung waren ihre Opposition gegen die Kommerzialisierung der Künste und ihre Begeisterung für die neu entstehende Ökologiebewegung. Die Vorherrschaft der Anti-Urban-Stimmung und ihrer entgegenwirkenden Leidenschaft für das Landleben fiel mit der Kunstbewegung zusammen. Zu diesen Impulsen gehörten spirituelle Bestrebungen, dass die Erde als Heimat der Menschheit dienen sollte.

Aus dem anfänglichen Trend in der Bildhauerei, natürliche Materialien wie Erde, Steine zu integrieren, entwickelte sich schnell eine prozessbasierte Methode des Kunstschaffens, bei der der Künstler Exkursionen in die Umgebung unternahm, um entweder Objekte zu sammeln oder ortsspezifische Interventionen durchzuführen , und Pflanzen. Während einige Künstler temporäre, begrenzte Eingriffe in die Landschaft schufen, verwendeten andere mechanische Erdbewegungsgeräte, um ihre Erdarbeiten zu erstellen. Für die Präsentation in Galerien verwendeten Künstler häufig Fotografien, Filme und Karten, um ihre Erdarbeiten zu dokumentieren. Durch die Kombination organischer Elemente aus der Umgebung zu Skulpturen und Installationen schufen Landartisten Land Art in den Galerien.

Geschichte der Landart

Land Art war ein Protest gegen die "rücksichtslose Kommerzialisierung" der Kunst in Amerika in den 1960er und 1970er Jahren. Fotografische Dokumentationen wurden jedoch häufig in konventionellen Galerieräumen ausgestellt. Während dieser Zeit lehnten die Befürworter der Land Art das Museum oder die Galerie als Schauplatz künstlerischer Aktivitäten ab und schufen monumentale Landschaftsprojekte, die außerhalb des Rahmens der traditionellen transportablen Skulptur und des kommerziellen Kunstmarktes lagen. Minimalistische und konzeptionelle Kunst sowie zeitgenössische Strömungen wie De Stijl, Kubismus, Minimalismus und die Werke von Constantin Brâncuși und Joseph Beuys dienten als Inspiration für die Land Art.

Die erste Land Art wurde 1967 an der Skowhegan School of Painting and Sculpture von Douglas Leichter und Richard Saba geschaffen, so der Artikel der Kunstkritikerin Grace Glueck in der New York Times. Das plötzliche Aufkommen der Land Art im Jahr 1968 kann einer Generation von Künstlern zugeschrieben werden, von denen die meisten Ende 20 waren, die auf den verstärkten politischen Aktivismus des Jahres sowie die schnell wachsenden Umwelt- und Frauenbefreiungsbewegungen reagierten.

Ein Beispiel für Land Art, das dazu diente, eine Gruppe wegweisender Künstler öffentlich zu identifizieren, war eine Gruppenausstellung namens „Earthworks“ von 1968, die in der Dwan Gallery in New York stattfand. „Earthworks“ zeigte die Dokumentation ortsspezifischer Projekte von Künstlern wie Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim und Stephen Kaltenbach, da einige der Künstler in der Ausstellung Schwierigkeiten hatten, geeignetes Land für ihre ortsspezifischen Arbeiten zu finden. Anhand von Karten, Fotos, Folien und Zeichnungen katalogisierte die Ausstellung, wie ihre Arbeit konzipiert wurde. Ironischerweise mussten diese Künstler trotz ihrer Bemühungen, konventionelle Institutionen abzulehnen, häufig Fördermittel von ihnen annehmen, um ihre Projekte zu entwickeln.

Robert Smithson war vielleicht der bekannteste Künstler, der in diesem Genre arbeitet. Als Reaktion auf die Loslösung der Moderne von sozialen Themen bot sein Essay „The Sedimentation of the Mind: Earth Projects“ von 1968 einen kritischen Rahmen für die Bewegung. Die Spiral Jetty (1970), die Smithson als langen (1500 Fuß) spiralförmigen Steg geschaffen hat, der in den Great Salt Lake im Norden von Utah, USA, ragt, ist sein bekanntestes und wahrscheinlich berühmtestes Stück Land Art. Wie viel von der Arbeit, wenn überhaupt, sichtbar ist, hängt von den sich ändernden Wasserständen ab.

Das erste amerikanische Museum, das eine Ausstellung über Erdkunst mit dem einfachen Titel Earth Art präsentierte, war das Herbert F. Johnson Museum of Art an der Cornell University im Februar 1969. Die Kunstwerke waren sowohl im Museum als auch auf dem gesamten Ithaca-Campus der Cornell University zu sehen , die einen Ort für Stücke bot, die später den Status der Kunst als Ware weiter in Frage stellten, insbesondere jene Installationen, die die Grenzen zwischen dem Kontext eines Objekts und seiner Umgebung verwischten.

Die Rezession hatte Mitte der 1970er Jahre erhebliche Auswirkungen auf die Finanzierung von Erdkunst. Viele Künstler verließen sich auf Sponsoren, um teure Grundstücke zu bezahlen, damit sie groß angelegte Werke fertigstellen konnten. Die Bewegung verlor eine ihrer bedeutendsten Persönlichkeiten, als Robert Smithson 1973 bei einem Flugzeugabsturz starb, und endete damit. Diejenigen, deren Ruf auf Erdkunst basierte, wie De Maria, Heizer, Morris und Andre, änderten den Schwerpunkt ihrer Arbeit, um sie in institutionelle und Galerieumgebungen zu integrieren. Obwohl konzeptionell nicht mit den Avantgarde-Werken der Pioniere der Land Art verwandt, ist das Wort „Land Art“ in den Mainstream der öffentlichen Kunst eingetreten und wird manchmal missbraucht, um jede Form von Kunst in der Natur zu beschreiben.

Schlüsselkünstler der Land Art

Robert Smithson (1938-1973)

Die Pionierarbeit von Robert Smithson muss in jede Analyse der Land Art einbezogen werden. Um dreidimensionale skulpturale Kompositionen zu schaffen, begann er, verschiedene Materialien zu kombinieren. Dies führte zu einer Reihe von "Non-Sites"-Arbeiten, bei denen Skulpturen aus Erde und Steinen, die von Expeditionen mitgebracht wurden, in Galerien platziert wurden. Zu diesen Skulpturen gehörten häufig Karten, Mülleimer, Spiegel, Glas und Neon. Smithsons Erdarbeiten Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) und Amarillo Ramp (1973) sind seine berühmtesten Kreationen (1973). Indem er Kunst vollständig aus dem Galeriekontext entfernte und sie in das natürliche Terrain integrierte, veränderte er für immer vorgefasste Vorstellungen von skulpturalen Formen in der zeitgenössischen Kunst.

Andy Goldsworthy (geboren 1956)

Andy Goldsworthy ist ein bekannter Land-Art-Bildhauer und Fotograf, der in und mit der Natur arbeitet. Sein Output kann in permanente und temporäre Projekte eingeteilt werden. Letztere sollen am Ende des Lebenszyklus verschwinden und sind aus organischen und flüchtigen Bestandteilen aufgebaut. Aus Ästen, Blättern, Steinen und Eis erschafft er eine Reihe sich wiederholender Designs, darunter Spiralen, Kreise und Schlangenlinien. Die Vergänglichkeit im Zentrum dieser Initiativen spiegelt eine fragile Ökologie und eine sich ständig verändernde natürliche Umgebung wider.

Nancy Holt (1938-2014)

Obwohl Holt von ihrem berühmten Ehemann Robert Smithson überschattet wurde, schuf sie ein Werk, das einzigartig von seinem war und futuristischere Untertöne hatte. Einige der besten Arbeiten von Holt sind kaum vorhanden, wenn eine Leave-no-Trace-Strategie angewendet wird. Früher und klarer als die anderen Land Artists erkannte Holt die Verbindung zwischen Kunst und Öko-Aktivismus.

Maya Lin (geboren 1959)

Eine der bekanntesten Sehenswürdigkeiten ist das von Maya Lin entworfene Vietnam Veterans Memorial in Washington, DC. Ihr Markenzeichen war die Verwendung einer einfachen, niedrigen Wand, um den Konturen des umgebenden Geländes zu folgen. Ihre minimalistische Herangehensweise an die Kunst im öffentlichen Raum besteht darin, etwas hinzuzufügen, das scheinbar nachträglich hinzugefügt wurde, sich aber dennoch einfügt.

Ihre Installationen im Freien zeigen kleine, kaum wahrnehmbare Erdhügel, die unbemerkt bleiben könnten, wenn man sie nicht aus großer Höhe oder Entfernung betrachtet. Ihre jüngste Aufmerksamkeit galt Innenskulpturen, die intellektuell und visuell das hügelige Gelände weit entfernter geografischer Gebiete hervorrufen und ein implizites Umweltbewusstsein bewahren.

Ana Mendieta (1948-1985)

Eine einflussreiche Figur in der Entwicklung der Land Art, insbesondere in Bezug darauf, wie der menschliche Körper mit der Natur interagiert und zu ihr zurückkehrt, war die kubanische feministische Künstlerin Ana Mendieta. Mendieta produzierte über 200 Stücke, wobei sie ihren Körper und die Erde als Medium für ihre provokanten Skulpturen verwendete. Ihre Arbeit ist vielschichtig, zutiefst philosophisch und mit verschiedenen Kunsttraditionen verbunden, darunter Konzeptualismus, Land Art, Performance und Körperkunst. Mendieta etablierte sich durch ihre Foto- und Videoserie Silueta (1973–1980) als Pionierin der Erdkunst. Um die untrennbare Verbindung zwischen dem Planeten und der menschlichen Natur zu demonstrieren, hat die Künstlerin für ihr Projekt ihren Körper in mehrere Landschaften geformt.

Walter de Maria (1935-2013)

In seinen Skulpturen, Installationen und Landarbeiten verwendete Walter de Maria geometrische Formen, um eine Reihe von Wiederholungen zu erzeugen, die die Verbindung zwischen dem Relativen und dem Absoluten erforschten. Lighting Field (1977), sein bekanntestes Stück Land Art, ist ein Raster aus 1 Meile mal 1 Kilometer großen Quadraten, das in einem abgelegenen Teil der Wüste von New Mexico aufgestellt wurde. Vierhundert Stangen aus poliertem Edelstahl, die über sechs Meter hoch sind und spitze Spitzen haben, die eine horizontale Ebene definieren – den Anziehungspunkt für Blitzeinschläge – bilden das Gitter. Der Besucher kann das Raster physisch betreten oder es aus der Ferne beobachten, in einer Reihe von kraftvollen optischen Täuschungen, die mit Zeit und Raum variieren, Kunst, Landschaft und Natur kollidieren.

Michael Heizer (geboren 1944)

Michael Heizer ist eine bedeutende Figur in der Land-Art-Bewegung. Er ist bekannt für seine Fähigkeit, großformatige Werke zu konstruieren und das Wechselspiel zwischen positivem und negativem Raum zu erforschen. Er begann seine künstlerische Karriere mit einer Reihe gebogener Leinwände, die er „Negativmalerei“ nannte. In den späten 1960er Jahren schuf er sein erstes negatives Landstück, das „Norden, Osten, Süden und Westen“ war. Dieses Projekt war sein erster Versuch groß angelegter Erdarbeiten und bestand aus einer Sammlung von Löchern mit geometrischen Formen, die in der Wüste der Sierra Nevada gegraben wurden.

Richard Lang (geboren 1945)

In den späten 1960er Jahren begann der Künstler seine direkte Interaktion mit der Natur, indem er seinen Spaziergang als Medium nutzte, motiviert durch den Wunsch, die Landschaft auf neue Weise zu nutzen. Long versuchte, die Sprache und die Bestrebungen der Kunst zu untergraben und sie durch eine Abfolge sich wiederholender Gesten oder langwieriger Solo-Spaziergänge auf eine grundlegendere, intimere und fundamentalere Ebene zu bringen. Sein Ziel war es, die Möglichkeiten eines unverfälschten Dialogs zwischen Mensch und Umwelt an sich selbst vorzuleben. Zeit, Raum und Entfernung sind die Themen dieses bahnbrechenden konzeptionellen Land-Art-Projekts, und sie werden massiv erweitert.

Dennis Oppenheim (1938-2011)

Neben Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson und Oppenheim gehörte Oppenheim zur ersten Generation von Land-Künstlern. In den 1960er Jahren schufen sie dieses brandneue Kunstgenre mit der Erde selbst als Medium. Oppenheims frühe Eingriffe in die Natur waren im Gegensatz zu denen vieler seiner Zeitgenossen die Form des Abnehmens, die Rückbesinnung auf das traditionelle bildhauerische Prinzip des Schnitzens durch, wie der Künstler es ausdrückt, „wegnehmen statt hinzufügen“. Geopolitische Grenzen, Zeitzonen und natürliche Degradation sind nur einige Beispiele für die sozialen und natürlichen Systeme, auf die in Annual Rings (1968), einer ortsspezifischen Arbeit, Bezug genommen und hervorgehoben wird. Die Reproduktion der Karte dient dazu, zu demonstrieren, wie die Kartierung dazu beiträgt, unnatürliche und häufig gewalttätige Grenzen zwischen Staaten zu schaffen, und der Fluss, eine natürliche Grenze, dient als Werkzeug für diese internationalen Grenzen.

Oppenheim hinterfragte "die relativen Werte der Ordnungssysteme, nach denen wir leben", indem er natürliche Elemente mit künstlichen Ideen wie Nationalität und Zeitzonen gegenüberstellte. Gleichzeitig produzierten Erdkünstler wie Robert Smithson und Walter de Maria auch ortsspezifische Erdarbeiten, bei denen natürliche Umgebungen mit künstlichen Eingriffen in Konflikt gebracht wurden.

Zitate von Landkünstlern

Robert Smithson

„Die Namen der Mineralien und die Mineralien selbst unterscheiden sich nicht voneinander, denn am Grund sowohl des Materials als auch des Drucks befindet sich der Anfang einer abgrundtiefen Anzahl von Rissen. Wörter und Gesteine enthalten eine Sprache, die einer Syntax von Spalten und folgt Betrachten Sie jedes Wort lange genug, und Sie werden sehen, wie es sich in eine Reihe von Verwerfungen öffnet, in ein Terrain aus Partikeln, von denen jedes seine eigene Leere enthält.“

Andy Goldsworthy

„Ich bin kein Performer, aber gelegentlich arbeite ich bewusst im öffentlichen Kontext. Einige Skulpturen brauchen die Bewegung der Menschen um sie herum, um zu funktionieren.“

„Auch im Winter hat ein isoliertes Schneefeld eine besondere Qualität.“

Nancy Holt

"Du bist ein kleiner Fleck in diesem riesigen Raum."

Maya Lin

„Kunst ist sehr knifflig, weil es das ist, was man für sich selbst tut. Es ist viel schwieriger für mich, diese Werke zu machen als die Denkmäler oder die Architektur. ”

Ana Mendieta

„Meine Kunst basiert auf dem Glauben an eine universelle Energie, die alles durchdringt: vom Insekt zum Menschen, vom Menschen zum Gespenst, vom Gespenst zur Pflanze, von der Pflanze zur Galaxie. Meine Werke sind die Bewässerungsadern dieser universellen Flüssigkeit sie steigen auf den Saft der Vorfahren, die ursprünglichen Überzeugungen, die ursprünglichen Ansammlungen, die unbewussten Gedanken, die die Welt beleben.“

Walter DeMaria

„Ich mag Naturkatastrophen und denke, dass sie die höchstmögliche Kunstform darstellen, die man erleben kann.“

„Jedes gute Werk sollte mindestens zehn Bedeutungen haben.“

Michael Heizer

„Ein starkes Kunstwerk macht wirklich sprachlos. Sie sind ein bisschen wütend, weil sie es nicht verstehen.“

Richard Lange

„Eine Skulptur, eine Karte, ein Foto; Alle Formen meiner Arbeit sind gleichwertig und ergänzen sich. Das Wissen um meine Handlungen, in welcher Form auch immer, ist die Kunst. Meine Kunst ist die Essenz meiner Erfahrung, keine Repräsentation davon.“

Dennis Oppenheim

„Der größte Teil meiner Arbeit entsteht aus Ideen. Normalerweise kann ich nur ein paar Versionen jeder Idee machen. Land Art und Body Art waren besonders starke Konzepte, die viele Permutationen zuließen. Aber nichtsdestotrotz wollte ich zu etwas anderem übergehen.“

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Um Gemälde für Ihre Sammlung auszuwählen, die Ihrem Geschmack und Stil entsprechen, können Sie die seitlichen Menüoptionen verwenden. Durch einfaches Auswählen von Optionen wie Farbe, Thema, Preis oder Thema wird Ihre Auswahl automatisch aktualisiert. Sie können auch beliebige Kunstwerke als Favoriten speichern. So können Sie Ihre persönlichen Favoriten für die zukünftige Verwendung aufbewahren. Wenn Sie Ihre Kunstwerke mit anderen teilen möchten, können Sie Ihre Sammlungen auch öffentlich machen. Dies ist eine kreative Möglichkeit, Ihre bevorzugte Kunst mit anderen Kunstliebhabern, Freunden oder sogar Kunden zu teilen.

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Wir haben eine Plattform geschaffen, auf der Künstler ihre Kunstwerke direkt auf unsere Website hochladen können, um Ihnen bei der Suche nach dem perfekten Stück zu helfen. Stöbern Sie durch Tausende von Drucken, Skulpturen und Gemälden der besten Künstler von heute. Die Preise reichen von sehr erschwinglichen Kunstwerken bis hin zu sehr wertvollen Stücken, in die Sie investieren können, je nach Art und Grösse des gesuchten Kunstwerks und Ihrem Platzbedarf. Es ist erstaunlich, die Vielfalt an Original Kunstwerken zu sehen, die online verfügbar sind. Artmajeur hat alles, egal ob Sie ein schönes und teures Ölgemälde oder ein Möbelstück für Ihr Zuhause suchen.

Land Art, auch Earth Art genannt, entsteht direkt in der Landschaft, indem man sie modelliert oder dort Strukturen aus Naturmaterialien baut. Die Anfänge der Umweltbewegung und die weit verbreitete Kommerzialisierung amerikanischer Kunst Ende der 1960er Jahre wirkten sich auf Ideen und Werke aus, die in unterschiedlichem Maße vom Kunstmarkt entfremdet wurden. Die Bewegung war eine Weiterentwicklung des Konzeptualismus und des Minimalismus.

Die Hauptanliegen der Kunstbewegung waren ihre Opposition gegen die Kommerzialisierung der Künste und ihre Begeisterung für die neu entstehende Ökologiebewegung. Die Vorherrschaft der Anti-Urban-Stimmung und ihrer entgegenwirkenden Leidenschaft für das Landleben fiel mit der Kunstbewegung zusammen. Zu diesen Impulsen gehörten spirituelle Bestrebungen, dass die Erde als Heimat der Menschheit dienen sollte.

Aus dem anfänglichen Trend in der Bildhauerei, natürliche Materialien wie Erde, Steine zu integrieren, entwickelte sich schnell eine prozessbasierte Methode des Kunstschaffens, bei der der Künstler Exkursionen in die Umgebung unternahm, um entweder Objekte zu sammeln oder ortsspezifische Interventionen durchzuführen , und Pflanzen. Während einige Künstler temporäre, begrenzte Eingriffe in die Landschaft schufen, verwendeten andere mechanische Erdbewegungsgeräte, um ihre Erdarbeiten zu erstellen. Für die Präsentation in Galerien verwendeten Künstler häufig Fotografien, Filme und Karten, um ihre Erdarbeiten zu dokumentieren. Durch die Kombination organischer Elemente aus der Umgebung zu Skulpturen und Installationen schufen Landartisten Land Art in den Galerien.

Geschichte der Landart

Land Art war ein Protest gegen die "rücksichtslose Kommerzialisierung" der Kunst in Amerika in den 1960er und 1970er Jahren. Fotografische Dokumentationen wurden jedoch häufig in konventionellen Galerieräumen ausgestellt. Während dieser Zeit lehnten die Befürworter der Land Art das Museum oder die Galerie als Schauplatz künstlerischer Aktivitäten ab und schufen monumentale Landschaftsprojekte, die außerhalb des Rahmens der traditionellen transportablen Skulptur und des kommerziellen Kunstmarktes lagen. Minimalistische und konzeptionelle Kunst sowie zeitgenössische Strömungen wie De Stijl, Kubismus, Minimalismus und die Werke von Constantin Brâncuși und Joseph Beuys dienten als Inspiration für die Land Art.

Die erste Land Art wurde 1967 an der Skowhegan School of Painting and Sculpture von Douglas Leichter und Richard Saba geschaffen, so der Artikel der Kunstkritikerin Grace Glueck in der New York Times. Das plötzliche Aufkommen der Land Art im Jahr 1968 kann einer Generation von Künstlern zugeschrieben werden, von denen die meisten Ende 20 waren, die auf den verstärkten politischen Aktivismus des Jahres sowie die schnell wachsenden Umwelt- und Frauenbefreiungsbewegungen reagierten.

Ein Beispiel für Land Art, das dazu diente, eine Gruppe wegweisender Künstler öffentlich zu identifizieren, war eine Gruppenausstellung namens „Earthworks“ von 1968, die in der Dwan Gallery in New York stattfand. „Earthworks“ zeigte die Dokumentation ortsspezifischer Projekte von Künstlern wie Sol LeWitt, Robert Morris, Claes Oldenburg, Dennis Oppenheim und Stephen Kaltenbach, da einige der Künstler in der Ausstellung Schwierigkeiten hatten, geeignetes Land für ihre ortsspezifischen Arbeiten zu finden. Anhand von Karten, Fotos, Folien und Zeichnungen katalogisierte die Ausstellung, wie ihre Arbeit konzipiert wurde. Ironischerweise mussten diese Künstler trotz ihrer Bemühungen, konventionelle Institutionen abzulehnen, häufig Fördermittel von ihnen annehmen, um ihre Projekte zu entwickeln.

Robert Smithson war vielleicht der bekannteste Künstler, der in diesem Genre arbeitet. Als Reaktion auf die Loslösung der Moderne von sozialen Themen bot sein Essay „The Sedimentation of the Mind: Earth Projects“ von 1968 einen kritischen Rahmen für die Bewegung. Die Spiral Jetty (1970), die Smithson als langen (1500 Fuß) spiralförmigen Steg geschaffen hat, der in den Great Salt Lake im Norden von Utah, USA, ragt, ist sein bekanntestes und wahrscheinlich berühmtestes Stück Land Art. Wie viel von der Arbeit, wenn überhaupt, sichtbar ist, hängt von den sich ändernden Wasserständen ab.

Das erste amerikanische Museum, das eine Ausstellung über Erdkunst mit dem einfachen Titel Earth Art präsentierte, war das Herbert F. Johnson Museum of Art an der Cornell University im Februar 1969. Die Kunstwerke waren sowohl im Museum als auch auf dem gesamten Ithaca-Campus der Cornell University zu sehen , die einen Ort für Stücke bot, die später den Status der Kunst als Ware weiter in Frage stellten, insbesondere jene Installationen, die die Grenzen zwischen dem Kontext eines Objekts und seiner Umgebung verwischten.

Die Rezession hatte Mitte der 1970er Jahre erhebliche Auswirkungen auf die Finanzierung von Erdkunst. Viele Künstler verließen sich auf Sponsoren, um teure Grundstücke zu bezahlen, damit sie groß angelegte Werke fertigstellen konnten. Die Bewegung verlor eine ihrer bedeutendsten Persönlichkeiten, als Robert Smithson 1973 bei einem Flugzeugabsturz starb, und endete damit. Diejenigen, deren Ruf auf Erdkunst basierte, wie De Maria, Heizer, Morris und Andre, änderten den Schwerpunkt ihrer Arbeit, um sie in institutionelle und Galerieumgebungen zu integrieren. Obwohl konzeptionell nicht mit den Avantgarde-Werken der Pioniere der Land Art verwandt, ist das Wort „Land Art“ in den Mainstream der öffentlichen Kunst eingetreten und wird manchmal missbraucht, um jede Form von Kunst in der Natur zu beschreiben.

Schlüsselkünstler der Land Art

Robert Smithson (1938-1973)

Die Pionierarbeit von Robert Smithson muss in jede Analyse der Land Art einbezogen werden. Um dreidimensionale skulpturale Kompositionen zu schaffen, begann er, verschiedene Materialien zu kombinieren. Dies führte zu einer Reihe von "Non-Sites"-Arbeiten, bei denen Skulpturen aus Erde und Steinen, die von Expeditionen mitgebracht wurden, in Galerien platziert wurden. Zu diesen Skulpturen gehörten häufig Karten, Mülleimer, Spiegel, Glas und Neon. Smithsons Erdarbeiten Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) und Amarillo Ramp (1973) sind seine berühmtesten Kreationen (1973). Indem er Kunst vollständig aus dem Galeriekontext entfernte und sie in das natürliche Terrain integrierte, veränderte er für immer vorgefasste Vorstellungen von skulpturalen Formen in der zeitgenössischen Kunst.

Andy Goldsworthy (geboren 1956)

Andy Goldsworthy ist ein bekannter Land-Art-Bildhauer und Fotograf, der in und mit der Natur arbeitet. Sein Output kann in permanente und temporäre Projekte eingeteilt werden. Letztere sollen am Ende des Lebenszyklus verschwinden und sind aus organischen und flüchtigen Bestandteilen aufgebaut. Aus Ästen, Blättern, Steinen und Eis erschafft er eine Reihe sich wiederholender Designs, darunter Spiralen, Kreise und Schlangenlinien. Die Vergänglichkeit im Zentrum dieser Initiativen spiegelt eine fragile Ökologie und eine sich ständig verändernde natürliche Umgebung wider.

Nancy Holt (1938-2014)

Obwohl Holt von ihrem berühmten Ehemann Robert Smithson überschattet wurde, schuf sie ein Werk, das einzigartig von seinem war und futuristischere Untertöne hatte. Einige der besten Arbeiten von Holt sind kaum vorhanden, wenn eine Leave-no-Trace-Strategie angewendet wird. Früher und klarer als die anderen Land Artists erkannte Holt die Verbindung zwischen Kunst und Öko-Aktivismus.

Maya Lin (geboren 1959)

Eine der bekanntesten Sehenswürdigkeiten ist das von Maya Lin entworfene Vietnam Veterans Memorial in Washington, DC. Ihr Markenzeichen war die Verwendung einer einfachen, niedrigen Wand, um den Konturen des umgebenden Geländes zu folgen. Ihre minimalistische Herangehensweise an die Kunst im öffentlichen Raum besteht darin, etwas hinzuzufügen, das scheinbar nachträglich hinzugefügt wurde, sich aber dennoch einfügt.

Ihre Installationen im Freien zeigen kleine, kaum wahrnehmbare Erdhügel, die unbemerkt bleiben könnten, wenn man sie nicht aus großer Höhe oder Entfernung betrachtet. Ihre jüngste Aufmerksamkeit galt Innenskulpturen, die intellektuell und visuell das hügelige Gelände weit entfernter geografischer Gebiete hervorrufen und ein implizites Umweltbewusstsein bewahren.

Ana Mendieta (1948-1985)

Eine einflussreiche Figur in der Entwicklung der Land Art, insbesondere in Bezug darauf, wie der menschliche Körper mit der Natur interagiert und zu ihr zurückkehrt, war die kubanische feministische Künstlerin Ana Mendieta. Mendieta produzierte über 200 Stücke, wobei sie ihren Körper und die Erde als Medium für ihre provokanten Skulpturen verwendete. Ihre Arbeit ist vielschichtig, zutiefst philosophisch und mit verschiedenen Kunsttraditionen verbunden, darunter Konzeptualismus, Land Art, Performance und Körperkunst. Mendieta etablierte sich durch ihre Foto- und Videoserie Silueta (1973–1980) als Pionierin der Erdkunst. Um die untrennbare Verbindung zwischen dem Planeten und der menschlichen Natur zu demonstrieren, hat die Künstlerin für ihr Projekt ihren Körper in mehrere Landschaften geformt.

Walter de Maria (1935-2013)

In seinen Skulpturen, Installationen und Landarbeiten verwendete Walter de Maria geometrische Formen, um eine Reihe von Wiederholungen zu erzeugen, die die Verbindung zwischen dem Relativen und dem Absoluten erforschten. Lighting Field (1977), sein bekanntestes Stück Land Art, ist ein Raster aus 1 Meile mal 1 Kilometer großen Quadraten, das in einem abgelegenen Teil der Wüste von New Mexico aufgestellt wurde. Vierhundert Stangen aus poliertem Edelstahl, die über sechs Meter hoch sind und spitze Spitzen haben, die eine horizontale Ebene definieren – den Anziehungspunkt für Blitzeinschläge – bilden das Gitter. Der Besucher kann das Raster physisch betreten oder es aus der Ferne beobachten, in einer Reihe von kraftvollen optischen Täuschungen, die mit Zeit und Raum variieren, Kunst, Landschaft und Natur kollidieren.

Michael Heizer (geboren 1944)

Michael Heizer ist eine bedeutende Figur in der Land-Art-Bewegung. Er ist bekannt für seine Fähigkeit, großformatige Werke zu konstruieren und das Wechselspiel zwischen positivem und negativem Raum zu erforschen. Er begann seine künstlerische Karriere mit einer Reihe gebogener Leinwände, die er „Negativmalerei“ nannte. In den späten 1960er Jahren schuf er sein erstes negatives Landstück, das „Norden, Osten, Süden und Westen“ war. Dieses Projekt war sein erster Versuch groß angelegter Erdarbeiten und bestand aus einer Sammlung von Löchern mit geometrischen Formen, die in der Wüste der Sierra Nevada gegraben wurden.

Richard Lang (geboren 1945)

In den späten 1960er Jahren begann der Künstler seine direkte Interaktion mit der Natur, indem er seinen Spaziergang als Medium nutzte, motiviert durch den Wunsch, die Landschaft auf neue Weise zu nutzen. Long versuchte, die Sprache und die Bestrebungen der Kunst zu untergraben und sie durch eine Abfolge sich wiederholender Gesten oder langwieriger Solo-Spaziergänge auf eine grundlegendere, intimere und fundamentalere Ebene zu bringen. Sein Ziel war es, die Möglichkeiten eines unverfälschten Dialogs zwischen Mensch und Umwelt an sich selbst vorzuleben. Zeit, Raum und Entfernung sind die Themen dieses bahnbrechenden konzeptionellen Land-Art-Projekts, und sie werden massiv erweitert.

Dennis Oppenheim (1938-2011)

Neben Michael Heizer, Nancy Holt, Walter De Maria, Robert Smithson und Oppenheim gehörte Oppenheim zur ersten Generation von Land-Künstlern. In den 1960er Jahren schufen sie dieses brandneue Kunstgenre mit der Erde selbst als Medium. Oppenheims frühe Eingriffe in die Natur waren im Gegensatz zu denen vieler seiner Zeitgenossen die Form des Abnehmens, die Rückbesinnung auf das traditionelle bildhauerische Prinzip des Schnitzens durch, wie der Künstler es ausdrückt, „wegnehmen statt hinzufügen“. Geopolitische Grenzen, Zeitzonen und natürliche Degradation sind nur einige Beispiele für die sozialen und natürlichen Systeme, auf die in Annual Rings (1968), einer ortsspezifischen Arbeit, Bezug genommen und hervorgehoben wird. Die Reproduktion der Karte dient dazu, zu demonstrieren, wie die Kartierung dazu beiträgt, unnatürliche und häufig gewalttätige Grenzen zwischen Staaten zu schaffen, und der Fluss, eine natürliche Grenze, dient als Werkzeug für diese internationalen Grenzen.

Oppenheim hinterfragte "die relativen Werte der Ordnungssysteme, nach denen wir leben", indem er natürliche Elemente mit künstlichen Ideen wie Nationalität und Zeitzonen gegenüberstellte. Gleichzeitig produzierten Erdkünstler wie Robert Smithson und Walter de Maria auch ortsspezifische Erdarbeiten, bei denen natürliche Umgebungen mit künstlichen Eingriffen in Konflikt gebracht wurden.

Zitate von Landkünstlern

Robert Smithson

„Die Namen der Mineralien und die Mineralien selbst unterscheiden sich nicht voneinander, denn am Grund sowohl des Materials als auch des Drucks befindet sich der Anfang einer abgrundtiefen Anzahl von Rissen. Wörter und Gesteine enthalten eine Sprache, die einer Syntax von Spalten und folgt Betrachten Sie jedes Wort lange genug, und Sie werden sehen, wie es sich in eine Reihe von Verwerfungen öffnet, in ein Terrain aus Partikeln, von denen jedes seine eigene Leere enthält.“

Andy Goldsworthy

„Ich bin kein Performer, aber gelegentlich arbeite ich bewusst im öffentlichen Kontext. Einige Skulpturen brauchen die Bewegung der Menschen um sie herum, um zu funktionieren.“

„Auch im Winter hat ein isoliertes Schneefeld eine besondere Qualität.“

Nancy Holt

"Du bist ein kleiner Fleck in diesem riesigen Raum."

Maya Lin

„Kunst ist sehr knifflig, weil es das ist, was man für sich selbst tut. Es ist viel schwieriger für mich, diese Werke zu machen als die Denkmäler oder die Architektur. ”

Ana Mendieta

„Meine Kunst basiert auf dem Glauben an eine universelle Energie, die alles durchdringt: vom Insekt zum Menschen, vom Menschen zum Gespenst, vom Gespenst zur Pflanze, von der Pflanze zur Galaxie. Meine Werke sind die Bewässerungsadern dieser universellen Flüssigkeit sie steigen auf den Saft der Vorfahren, die ursprünglichen Überzeugungen, die ursprünglichen Ansammlungen, die unbewussten Gedanken, die die Welt beleben.“

Walter DeMaria

„Ich mag Naturkatastrophen und denke, dass sie die höchstmögliche Kunstform darstellen, die man erleben kann.“

„Jedes gute Werk sollte mindestens zehn Bedeutungen haben.“

Michael Heizer

„Ein starkes Kunstwerk macht wirklich sprachlos. Sie sind ein bisschen wütend, weil sie es nicht verstehen.“

Richard Lange

„Eine Skulptur, eine Karte, ein Foto; Alle Formen meiner Arbeit sind gleichwertig und ergänzen sich. Das Wissen um meine Handlungen, in welcher Form auch immer, ist die Kunst. Meine Kunst ist die Essenz meiner Erfahrung, keine Repräsentation davon.“

Dennis Oppenheim

„Der größte Teil meiner Arbeit entsteht aus Ideen. Normalerweise kann ich nur ein paar Versionen jeder Idee machen. Land Art und Body Art waren besonders starke Konzepte, die viele Permutationen zuließen. Aber nichtsdestotrotz wollte ich zu etwas anderem übergehen.“

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