Pablo Villaizán

Aneta Ciesielska (Katowice 1984) Explora a través de su pintura el ejercicio de las relaciones interpersonales enmarcadas en la posmodernidad, avizora un viaje interior inconsciente y alejado de estereotipos, inhibe tópicos generacionales, constituye en sus trabajos más recientes temas centrales como el desamor , el individualismo excarcelado; las dicotomías conducidas por el capital humano, como si fuese un estudio criminológico del capitalismo desmedido y su condición situacional de los últimos tiempos.

Presenta en esta nueva individual una serie de pinturas de pequeño formato que complementan el trabajo de estos últimos meses, sus personajes cuentan la atmósfera de los tiempos que corren en donde los grados de conexión son puntos sustanciales pero ausentes o inconexos, donde el páramo de los individuos transita innecesario y programático, cuasi divididos, en tiempos globalizados.

Su postura es un ejercicio de dinámicas sociales, campos de acción en las sociedades postmodernas, sus colores transcriben la premura de los hechos, de la accidentalidad; su pintura distorsiona las formas y asume así nuevas convicciones emocionales y replanteamientos.

La reflexiones inscritas en las imágenes y su confrontación contextualizan una mirada dentro de ejes actuales que conlleva, como un catalizador, ha encontrar y asumir puntos de encuentro de índole racional o de fines naturales.

©Pablo Villaizán
Barcelona, octubre del 2012

El Centro Cultural El Olivar de la Municipalidad de San Isidro presenta la exposición Atavismos por la fotografía, una selección de trabajos entre la experimentación más certera y el oficio signado por la fotografía; Son diez artistas que exponen su más reciente producción, afianzada bajo cánones cognitivos de la memoria.

Pensar la fotografía de manera histórica, experimental o contemporánea podría ser sin lugar a duda una tarea compleja, en donde la formulación de esta se vea signada por la globalidad más voraz, ahí también, adyacente se encuentra nuestra pronta y cercana realidad territorial, para unos este orden domestico podría estar plagado de ficción, de una fantasía mágica o de una realidad brutal, sin embargo ese orden figurativo pretende una información de por si codificada y resuelta, contraponiendo íntegramente el recuerdo organizado entre percepción y pensamiento

Para la presente exposición se ha querido proponer aquella fotografía experimental surgida de estructuras secretas, arcanas quizás, como las de La caja de Pandora, donde la razón de la fotografía asume aquel fuego , aquella luz que necesita para vibrar, la poética que encumbra el color y las formas de su sincero lenguaje , de aquella creación memoriosa que el mundo tecnológico llevo a su masificación y encumbro a su mecanización y a sus ganas de inmediatez y versatilidad, asumiéndola como el contenedor innato del recuerdo, la alusión y la añoranza.

Los presentes expositores asumen el reto de revelar aquel interior mundo en el que esa luz se ejerce fuerte y amable y evocativa, capturando el momento, la emoción, la intuición o la sola lógica producida por la ciencia.

©Pablo Villaizán
Barcelona, noviembre del 2012

Dante Garcia presenta un conjunto de 8 esculturas de mediano formato trabajadas en travertino romano, dorado y blanco, en las que pone de manifiesto su singular manejo de la piedra; el artista consigue transmitir LEVEDAD PÉTREA en sus obras perfilando la curvatura y limpieza de sus superficies a través de un pulido fino y preciosista. GARCÍA se vale de líneas sinuosas y limpias, algunas veces conteniendo formas geométricas, otras en desafiante balance, para crear piezas de sensualidad mesurada, creando un perfecto equilibrio entre energía y materia – abstracción y figuración.

… No poseer una figuración en las formas podría sugerir una difícil descodificación, sin embargo, aquella libertad nos invita libremente a comprender el carácter dinámico del trabajo. De cómo las piezas estructuralmente limpias y prístinas concatenan de manera armoniosa, proyectando el camino infinito de su condición suntuosa, amalgamando la textura sumamente lograda en ciertas piezas, propiciadas para tales fines como si los que las formaran fuesen diminutos animales dispuestos para tales resultados. En suma, sugerir es la mejor forma de encontrar si es que se requiere así las respuestas a dichas singularidades, que inmersos en este universo de lenguaje puedan propiciar de manera desinteresada el complemento a la evocación final, de todas estas formas que moldean de sobremanera los contornos y el centro de un fin que concluye como ente regulador y sugerentemente sin lugar a duda de manera eroscópica…

Pablo Villaizán, España, octubre 2012.

Cerrando con broche de oro las exitosas exposiciones que durante 2012 se presentaron en la Sala de exposiciones de la Municipalidad de San Isidro, el miércoles 12 de diciembre a las 7:30 p.m. se inaugurará Atavismos por la fotografía en el Centro, Cultural El Olivar. El ingreso es libre.

Una selección de trabajos, entre la experimentación más certera y el oficio signado para la fotografía, es el resultado del trabajo de nueve artistas quienes exponen su más reciente producción, afianzada bajo cánones cognitivos de la memoria. Los soportes presentados son la fotografía, dibujo, arte digital y objetos.

Se propone aquella fotografía experimental surgida de estructuras secretas, arcanas quizás, como en La caja de Pandora, que en palabras de Pablo Villaizán “la razón de la fotografía asume aquel fuego, aquella luz que necesita para vibra la poética que encumbra el color y las formas de su sincero lenguaje, de aquella creación memoriosa que el mundo tecnológico llevó a su masificación y encumbró a su mecanización y sus ganas de inmediatez y versatilidad, asumiéndola como el contenedor innato del recuerdo, la alusión y la añoranza”.

Los involucrados asumen el reto de revelar aquel interior mundo en el que esa luz se ejerce fuerte y amable y evocativa, capturando el momento, la emoción, la intuición o la sola lógica producida por la ciencia. Lidera el colectivo artístico el reconocido artista Joseph de Utia y los artistas participantes: César Cáceres, Cecilia Carrión, Joseph De Utia, Mario Flores, Bibiana Jáuregui, Fabián Rivera-Fernández, Iván Sanczewski, Juan Sinfe, Pablo Villaizán.

Hasta el 30 de diciembre usted puede visitar la exposición en la Sala Multiusos del Centro Cultural El Olivar, Calle La República 455, El Olivar de San Isidro, de lunes a sábado de 10 a.m. a 8 p.m.

José Carlos Ramos se mueve en un mundo fantástico, donde también el inconsciente dicta la norma, de los acontecimientos que en la realidad se suscitan, en su plástica afloran dimensiones complejas, gustos y tendencias de lo humano, formulas visionarias que pareciera maquinan la mente de un hombre alado.
Su universalidad se enmarca en el vuelo ágil de sus simbolismos, en el orden mágico de su cosmogonía a la hora de ejercer la pintura, siempre con audacia y perspectivas claras, y donde sus visiones sorprendentes traslucen aquella narrativa.

Con Los caballos que vienen del cielo Ramos a querido disponer la sensualidad del gesto, lo ha hecho con un gran despliegue e ingenio, intuitivamente de conocimiento, sumido con surreal idea. Los caballos entusiastas brillan con luz propia, están hechos para que surquen el espacio y traigan la virtud a los pueblos.

Los caballos blancos son la encarnación inmortal de la luz, en ellos el ascenso y la amplitud del ver un mundo de montañas en el ande, en el orbe, alegres dueños de indescifrables exploraciones infinitas; Mensajeros laboriosos que confirman el discurso de lo humano.

Es necesario saber que tras esas cabriolas inagotables hay la preocupación de un deseo desencadenado, de la juventud, de la fertilidad, del esplendor de la poesía; porque esa naturaleza no sucumbe a la ficción, sino que se complementa imaginativa y señala un camino de percepciones soñadas, en donde se quiere celebrar la existencia de un mundo nuevo.


©Pablo Villaizán
Barcelona, Abril del 2012

Él símbolo es el elemento iconográfico que permite la lectura de la obra artística. Tras su descripción se ha de llegar a identificar los elementos, ponerlos en parangón con otros similares que establezcan una misma lectura estando sujetos a idéntico contexto semántico” [1]



La imagen ha supuesto a lo largo de la historia un rol expresivo, simbólico y comunicativo, en el cual las sociedades se han inscrito reflejadas y constituidas por un lenguaje independiente y lógico, llevado siempre por sus propias normativas y códigos de interpretación.

La simbología de la imagen se vuelve imprescindible en la Historia del Arte puesto que hace de ésta algo más que un lujo estético, convirtiéndola en una intelectualización de la propia historia del hombre.
El repertorio visual de los artistas que aquí aparecen esta sostenido bajo premisas esencialmente descriptivas, en las que se desea profundiza el significado último de la imagen, sea este histórico, filosófico o social, en la cual se desea generar un dialogo con el espectador, estableciendo una relación entre pensamiento e imagen,y por la cual también veamos como el artista supera la fantasía o la imitación de su propia obra, es decir entre lo que se ve y lo que yace oculto.

Ponofsky [2] decía que el arte en su forma más elevada prescinde totalmente del modelo sensible y que llega a emanciparse por completo de la impresión de lo que realmente percibimos, formulando así una perspectiva de orden simbólico en la cual hay una determina concepción del mundo.

La presenta muestra pretende exponer fehacientemente estructuras visuales objetivas , percepciones universales, construcciones particulares realizadas bajo premisas sociales ,por las cuales los artistas puedan ejercer variadas formulaciones interpretativas en las cuales se represente el panorama de una cultura global y su visión del mundo.

©Pablo Villaizán
Barcelona, Mayo del 2012


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[1] González de Zárate: Jesús Mª González de Zárate es catedrático de Historia del Arte en la Universidad del País Vasco. Ha contribuido a la difusión de temas artísticos con la elaboración de más de 30 libros y numerosos artículos.

[2] Erwin Panofsky (Hannover, 30 de marzo de 1892 - Princeton (Nueva Jersey), 14 de marzo de 1968) fue un historiador del arte y ensayista alemán., exiliado en los EE. UU. Su obra más conocida es Estudios sobre iconología, pero sus monografías sobre Durero, Tiziano, los artistas flamencos o el arte funerario son trabajos fundamentales en la estética del siglo XX

"Lo que vino a predominar en el cuento y a marcar su huella de una manera perdurable fue la consideración del hombre como misterio en medio de datos realistas. Una adivinación poética o una negación poética de la realidad. Lo que a falta de otra palabra podrá llamarse un realismo mágico" ‘[1]


La narración siempre estará signada bajo acontecimientos reales o fantásticos, hechos históricos que podrían estar conectados indudablemente a leyendas y mitos; cuentos expresados de forma oral, visual o escrita vinculados ciertamente por simbologías que asumen su interpretación.
El hombre en su afán de comunicar desarrollo a través del tiempo y en sus diferentes vertientes la narración como un instrumento, asignándole acontecimientos que en principio se consideraban perdurables.

En nuestro continente el realismo mágico se define como una preocupación estilística y como el interés de mostrar lo irreal o extraño como algo cotidiano y común; El crítico de arte Franz Roh [2], quien inicialmente fue el que utilizo este concepto de metalenguaje, suscribiéndolo principalmente para la pintura, y en el cual se asumió la nueva objetividad, por la que se buscaba “El objeto con la habilidad eterna de encarnar las leyes externas de la existencia en las esferas artísticas”

Es aquí en principio en donde el realismo mágico se vuelve una de las respuestas al dilema del hombre moderno, que vive en un mundo asistido entre otras cosas por lo tecnológico, en este intento de escapar de toda aquella condición es que se desea redescubrir el elemento mágico que existe en la realidad, a través del cual nace la intención de un reflejo de ideas nuevas, tales como las filosófico-psicológicas de Carl Jung[3], quien afirmaba desde comienzos del siglo la necesidad del hombre de complementarse, juntando lo irracional con lo racional.

Es así como Enrique Polanco nos transporta al Barranco de finales de los años veinte, bajo la premisa y lirismo de la Casa de Cartón, en la cual habita un sutil pero sistemático rechazo del narrador hacia la experiencia de la modernidad, con Castilla- Bambaren la historia es otra ,con sus ominosos personajes de cuentos apócrifos , en que la ficción de infantes va mas allá de la edad; Flavia Meléndez hace lo propio presentándonos aquel universo de personificaciones femeninas, Joseph de Utia nos hace con sus cuentos de hadas un señalamiento signado por la gran pantalla, Michelle Llona quien en esta ocasión nos propone una cenicienta moderna provista de subconsciente deseo ,Jaime Higa nos trae a la Caperuza de Perrault bajo su estilo lúdico y Pop ,Carolina Cardich desde la fotografía nos introduce en un cuento de Cortázar, por el cual se enuncia la evocación de gotas al caer, y finalmente Lucia Fernández que con sus dibujos a tinta de constitución binaria nos acerca a historias Bonaerenses.

Todos ellos realizan un itinerario de imágenes que conforman el trayecto hacia aquella temporalidad, modelada en percepciones y conceptos por los cuales se avizora la inquietud de la edad temprana junto con la moderna, combinando atmosferas psicológicas con características físicas en un momento en que las sociedades han ido olvidando el elemento mágico y misterioso que existe en la realidad.

©Pablo Villaizán
Lima, Marzo del 2012



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[1] Arturo Uslar Pietri (Caracas; 16 de mayo de 1906 - Caracas; 26 de febrero del 2001), abogado, periodista, escritor, productor de televisión y político venezolano. Es considerado como uno de los intelectuales más importantes del siglo XX en su país.

[2] Franz Roh (21 de febrero de 1890 - 30 de diciembre de 1965) fue un historiador, crítico de arte y fotógrafo alemán, quien acuñó en 1925 el término "realismo mágico" como respuesta a la nuevas tendencias en el mundo plástico después del expresionismo.

[3] Carl Jung (26 de julio de 1875, Kesswil, cantón de Turgovia, Suiza - 6 de junio de 1961, Küsnacht, cantón de Zúrich,) fue un médico psiquiatra, psicólogo y ensayista suizo, figura clave en la etapa inicial del psicoanálisis; posteriormente, fundador de la escuela de psicología analítica, también llamada psicología de los complejos y psicología profunda.

Es gibt zwei Arten von Dichter, sagte Wilde. Die einen stellen Fragen, die anderen geben Antworten. Man muss wissen, ob man zu denen gehört, die antworten, oder zu denen, die fragen; denn derjenige, der fragt ist niemals derselbe wie der, der antwortet. Es gibt Werke, die warten, sagt uns Wilde , Werke die lange Zeit nicht verstanden werden, die Antworten auf Fragen geben, die noch nicht gestellt worden sind, da die Frage lange nach der Antwort auftritt.

Unter zeitgenössischer deutscher Lyrik wird diejenige verstanden, die nach dem deutschen Jahr Null, 1945, veröffentlicht wurde, einem Jahr, ab dem neue Tendenzen und Stimmen auftraten, unter ihnen der Naturalismus Hans Benders, Peter Huchels oder J. Bobroskis, die hermetische Dichtung mit der Paul Celans als einer der herausragensten, oder die konkrete Dichtung mit Franz Mon und G. Ruhn als Vertretern; von Bedeutung war ebenfalls der Experimentalismus Heissenbüttels, Beckers und Kriwets, sowie, als jüngster Beitrag, die als bürgerlich verstandene Dichtung von Günter Grass und H.M. Enzensberger. Deutschland wird oft „das Land der Dichter und Denker“ genannt, eine Bezeichnung, die niemals unverdient gegeben worden ist.

Sie ist in der Tat nur die Bestätigung der Werte, die zur Erschaffung neuer Gedankenstrukturen, der Gestalt, enstehen; welche die Erinnerung an das Wort und die Welt herbeiführt und ihnen einen Raum zur Koexistenz gibt. Man sagt, das vollkommene Glück sei frei von Erinnerungen, die Gegenwart des Verbs sei das perfekte Morgen, der Fall des Menschen habe der Sprache Erinnerungsvermögen und Träume gegeben, den Wunsch, eine unschätzbare Reserve an Erinnerungen intakt und im Gleichgewicht zu halten.

Der Maler führt die Bedürfnisse der Dichtung auf einen Weg der Begegnung, den er erschafft, und der im Bewusstsein ein visuelles Element ergibt, das entgegen der Vorhersage möglichst genau erfassen kann, was der Dichter vorher bereits erreicht hat; auf diesem Weg scheint das Innere dessen durch, der bewusst gewisse Unvollkommenheiten hinnimt, dadurch, dass er sich einer anderen Art Sprache bedient.

Die Künstler lassen hier im Rahmen des Zugeteilten die Tendenzen des Dichterischen durchscheinen, indem sie sich in der Realität des Geistes positionieren und so den Raum der Sprache durchdringen; die Poetik bringt Situationen hervor, die näher am Mysterium sind, an der Träumerei, und an Ideen von Schönheit und Vollkommenheit, von denen die letzten beiden auch vom Maler geprägt sind, der sowohl Gefühls- als auch philosophische, metaphysische oder soziale Fragen anschneidet.

Das Vermögen zur Synthese im visuellen Ausdruck konfrontiert (findet), wie in der Metapher, subtile Affinitäten; das Bild ist Konstruktion einer neuen semantischen Realität mittels Bedeutungen, die unzweifelhaft einen eindeutigen und gleichzeitig verschiedenen und fremden Sinn suggerieren.

Paul Celan erwähnte die Idee der „Sprache Adams“. Diese mythische Sprache, die immer die Wahrheit spricht und die, aus einem unwiederruflichen Frieden heraus, immer die Dinge aus ihremTraum erweckt, gab ihnen einen Namen und machte sie lebendig. Die „Sprache Adams“ ist nichts als die genaue Gerechtigkeit der Dinge.

Wenn es einen gemeinsamen Nenner gibt, auf den man die deutsche Poesie der letzten dreissig Jahre bringen kann, dann das Antonym Personalisierung – Entpersönlichung, schreibt Felipe Boso. Genauer gesagt, der unlösbare Widerspruch, der „ein Paradigma der Personalisierung in ihrer absoluten Form, der Verschlossenheit, und ihrer bezugnehmenden Form, des Naturalismus“ enstehen lässt. „Absolut entpersönlicht ist die Kunst der konkreten und experimentellen Künstler in ihrer Entidealisierung der Sprache, und bezugnehmend die der Popkünstler und bürgerlichen Dichter, für die die menschliche und soziale Umgebung der beste lyrische Katalysator ist.“

In der Kunst ist es schlussendlich so, dass der Maler wie der Dichter in sich gleichermaßen den Katalysator enthalten, der das Chaos ordnet, das sie in der Realität vorfinden; aus ihrem Inneren intervenieren individuelles und kollektives Bewusstsein und bringen rein visuelle Metaphern hervor, die sich in bewusste und einzigartige Organismen verwandeln, voll von Sinn, Kraft und Emotionalität und die, sei es auch nur für einen Moment, in den Raum des Heiligen eintreten.


Pablo Villaizán/ Kurator
Lima,September 2008

DIGITART
Porta-retratos de la Vida Urbana
en la Galería Pancho Fierro

Inauguración: miércoles 7 de mayo, 7:00 p.m.

La Subgerencia de Cultura de la Municipalidad Metropolitana de Lima, en el marco de la V Cumbre América Latina, El Caribe y la Unión Europea (ALC-UE), presenta la exposición Digitart, Porta-retratos de la Vida Urbana del artista visual Joseph De Utia en la Galería Municipal de Arte Pancho Fierro, del 7 al 25 de mayo 2008.

A través del retrato, la exposición relata la cotidianeidad del tema urbano en un mundo cada vez más global e interconectado. El artista, desde la visión de su entorno inmediato, local e introspectivo, desarrolla una propuesta creativa que procura desafiar la sabiduría convencional mostrando las dimensiones menos conocidas de la plasticidad con recursos digitales hasta obtener el encanto de lo visual en cada retrato.

La muestra, que cuenta con la curaduría de Pablo Villaizán, presenta veinticinco obras realizadas en técnica mixta y diversos soportes que retratan personajes públicos de nuestra sociedad: políticos, artistas, deportistas periodistas, modelos, poetas, cantantes, entre otros. La exposición cuenta además con un video y una instalación.

Joseph De Utia ha realizado exposiciones en el Perú y extranjero, como Visiones de Quijotes en el Museo de la Nación y Congreso de la República y Mundo Borgeano en la 11° Feria Nacional del Libro, en homenaje al escritor Jorge Luis Borges, en la que participaron destacados artistas nacionales y argentinos. Invitado a participar en la Primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo, Chapingo 08 en México en noviembre del 2008.


AGRADECIDOS POR SU DIFUSIÓN

Lucía Fernández
Oficina de Prensa de la Subgerencia de Cultura
Municipalidad Metropolitana de Lima
Teléfono: 315-1300 anexo 1715
E-mail:



GALERÍA MUNICIPAL DE ARTE PANCHO FIERRO
Dirección: Pasaje Santa Rosa 114-Plaza de Armas-Lima
Teléfono: 315-1543
E-mail:
Horario: lunes y martes, 10:00-1:00 y 2:00-6:00
miércoles a domingo, 10:00-1:00 y 2:00-8:00
INGRESO LIBRE

Cultural


La vida urbana en galería Pancho Fierro

En el marco de la V Cumbre América Latina, El Caribe y la Unión Europea (ALC-UE), la Subgerencia de Cultura de la Municipalidad de Lima presenta la exposición Digitart, Portarretratos de la Vida Urbana, del artista visual Joseph De Utia en la Galería Municipal de Arte Pancho Fierro, del 7 al 25 de mayo.
A través del retrato, la exposición relata la cotidianeidad del tema urbano en un mundo cada vez más global e interconectado. El artista, desde la visión de su entorno inmediato, local e introspectivo, desarrolla una propuesta creativa que procura desafiar la sabiduría convencional mostrando las dimensiones menos conocidas de la plasticidad con recursos digitales hasta obtener el encanto de lo visual en cada retrato.

La muestra, que cuenta con la curaduría de Pablo Villaizán, presenta veinticinco obras realizadas en técnica mixta y diversos soportes que retratan personajes públicos de nuestra sociedad: políticos, artistas, deportistas periodistas, modelos, poetas, cantantes, entre otros. La exposición cuenta además con un video y una instalación.
Joseph de Utia ha realizado exposiciones en el Perú y el extranjero, como Visiones de Quijotes en el Museo de la Nación y Congreso de la República y Mundo Borgeano en la 11° Feria Nacional del Libro.


La Razon.
Lima sábado, 3 de Mayo del 2008

CIRCUITO DE ARTE COLECTIVA, PERFORMANCE, E INTERVENCION URBANA
PERFORMANCE, E INTERVENCION URBANA POR FRAU DIAMANDA

Inauguración: 15 de Mayo 2008.Va hasta el 31 de mayo Hora: 8.00 p.m. Av. Pedro de Osma 106 - Barranco Curaduría: Pablo Villaizán - 01/05/2008

Galería Café ISKAY presentará la exhibición de CIRCUITO DE ARTE, una muestra apoyada por la Revista Circuito de Arte y la Municipalidad de Barranco. El propósito es impulsar eventos artísticos de nuestro país y promover la creación artística de los exponentes del Arte Contemporáneo.

CIRCUITO DE ARTE contará con varios exponentes como Jorge Castilla-Bambarén, Jaime Higa, Patricia Eyzaguirre, Miguel Lescano, Ximena Santillana, Flavia Meléndez, Jorge Miyagui, Iván Fernández-Dávila, Gustavo Emé con propuestas con diversos recursos y nuevas tecnologías como medios directos.
I
NTERVENCION Y PERFORMANCE: Por la reconocida performer Frau Diamanda sobre la intervención del cuerpo, presentada en la urbe barranquina. La propuesta es atrevida y explora las posibilidades y asimilaciones estéticas a través de una colorida performance en la plaza mayor de Barranco Turístico.

La curaduría estará a cargo de Pablo Villaizán presentará la muestra en este nuevo recinto cultural de Barranco.

Una exposición colectiva donde se toman como eje temático la Poesía Alemana Contemporánea se presentará en el Instituto Goethe (Nazca 722, Jesús María) desde el 2 de octubre. La muestra comprende un portafolio de más de 16 obras de diversos soportes y formatos audiovisuales.

Aurelio De La Guerra, Joseph De Utia, Lucía Fernández, Iván Fernández-Dávila, Jaime Higa, Miguel Lescano y Natalia Revilla,Pablo Villaizan son algunos de los artísticas que participan en esta muestra. “Finalmente en el arte, el pintor como el poeta contienen en si mismos el catalizador que organiza el caos de la realidad, interviniendo desde aquel lugar conciencias individuales y colectivas, profiriendo emerger metáforas visuales puras que se conviertan en organismos concientes y únicos, llenos de sentido, fuerza y emocionalidad, logrando aunque sea por un instante entrar en el espacio de lo sagrado”, manifiesta Pablo Villaizán, curador de la exhibición.

MUESTRA COLECTIVA POESIE

Diálogo creativo

A partir de las imágenes y conceptos desplegados en los versos de un poema, un grupo de artistas ha urdido, cada uno según su propia mirada y estilo, una interpretación plástica del texto poético.

De esta manera, se ha articulado la muestra colectiva Poesie, en la que cada participante ha elegido un poema determinado, extraído de la poesía contemporánea alemana, y ha creado, a través de la fotografía, la letragrafía, el óleo, el acrílico, el grabado o la instalación, una obra de arte independiente y, al mismo tiempo, en constante diálogo con el texto que le dio origen.

En la muestra han participado los artistas José Luis Carranza, Jorge Castilla-Bambarén, Aurelio De La Guerra, Joseph De Utia, Patricia Eyzaguirre, Lucía Fernández, Iván Fernández-Dávila, Jaime Higa, Miguel Lescano, Flavia Meléndez, Martín Moratillo, Vladimir Ramos, Natalia Revilla, Alejandro Romaní y Ximena Santillana. La curaduría ha estado a cargo de Pablo Villaizán.

LOS ARTISTAS. Joseph De Utia, por ejemplo, eligió el poema Si hubiéramos ganado la guerra, del poeta Erich Kästner, para entregarnos un cuadro de óleo sobre tela en la que aparecen unos aviones de guerra que surcan el cielo incendiándose. Erich Kästner es un autor que trata sobre la conciencia de Alemania, durante su época más dura, la época del nazismo -nos cuenta De Utia-. Y él salió a la luz diciendo no a la guerra, no a la atrocidad. Entonces, leyendo varios poemas que me habían dado, escogí el poema de Kästner: Si hubiésemos ganado la guerra.

Lucía Fernández, por su parte, ha optado por el poema Entrega, de la poeta Else Lasker-Schuler. Fernández nos presenta un políptico elaborado en base a tinta sobre MDF en donde, fiel a su estilo particular de utilizar la grafía como fuente de aquellos trazos de evidente carga simbólica, recrea lo que los versos de Lasker-Schuler le sugieren. Me interesó la poesía de Else Lasker-Schuler, pero sobre todo este poema que, a mi modo de entender, es el más universal, pues en la temática que aborda hay una reflexión muy filosófica. Y es muy humano, pues habla de dudas femeninas. Y mezcla varias interrogantes que, entiendo, empiezan a surgir en el ser humano cuando despierta su conciencia en la adolescencia, enfatiza, Lucía.

Poesíe: interacción con la poesía alemana contemporánea es una muestra colectiva que traza un diálogo feliz entre dos formas de expresión artística que se entrelazan en perfecta armonía estética.

La muestra a cargo de quince artistas se presenta en el Goethe Institut hasta el 25 de octubre.
La poesía alemana contemporánea es el eje temático de la exposición colectiva “Poesie”, que reúne dieciséis obras plasmadas en diversos soportes y formatos audiovisuales, bajo la curaduría de Pablo Villaizán, en el Goethe Institut.

La muestra cuenta con la participación de los artistas José Luis Carranza, Jorge Castilla-Bambarén, Aurelio de la Guerra, Joseph de Utia, Patricia Eyzaguirre, Lucía Fernández, Iván Fernández-Dávila, Jaime Higa, Miguel Lescano, Flavia Meléndez, Martín Moratillo, Vladimir Ramos, Natalia Revilla, Alejandro Romaní y Ximena Santillana.

Los artistas traslucen en “Poesie” las tendencias en lo poético, situándose en la realidad del espíritu, trascendiendo así el ámbito de la lengua y del lenguaje. Esta poética genera situaciones que están más cercanas al misterio, la ensoñación, las ideas de belleza y perfección, estas últimas signadas también para el pintor quien aborda tanto cuestiones sentimentales como filosóficas, metafísicas o sociales.

La capacidad de síntesis en la expresión visual, como en la metáfora, encuentra y confronta sutiles afinidades, la imagen es la construcción de una nueva realidad semántica, mediante significados que indudablemente sugieren un sentido unívoco y a la vez distinto y extraño.

Y es que finalmente en el arte, tanto el pintor como el poeta contienen en sí, de igual forma el catalizador que organiza el caos que encuentran en la realidad, interviniendo desde aquel lugar conciencias individuales y colectivas, profiriendo emerger metáforas visuales puras que se conviertan en organismos conscientes y únicos, llenos de sentido, fuerza y emocionalidad logrando aunque sea por un instante entrar en el espacio de lo sagrado.

“Poesie” se presenta hasta el 25 de octubre en el Espacio de Artes Visuales del Goethe Institut (Ca. Nazca 722, Jesús María), de lunes a sábado de 8am a 8pm. El ingreso es libre

La obra de Joseph de Uthia (Lima ,1968) artista plástico y visual toma esta vez como punto de partida la experimentación con soportes digitales para su mas reciente producción, en este camino hacia una nueva formulación del lenguaje en su devenir pictórico es que ha ido abriéndose paso a las vertientes de la figuración, ejecutando en esta entrega imágenes reconocibles propias de nuestro medio e iconos representativos universales.

Uno de los puntos fuertes del arte digital es su capacidad para crear mundos alternativos, aunque no físicos, como forma de expresión, pero con una realidad excepcional. Aquí aquella realidad se ejerce a partir de los cambios que proyectaron en su debido momento cada uno de los retratados, es la pulsión del autor de traer aquellos mundos particulares como precedentes de la memoria colectiva, la re-presentación de cada uno trae consigo en lo particular una carga en la cual va adherida el ejercicio de afinidad para quien ve.

El autor avizora en la imagen cierta manipulación propia por así decirlo de las nuevas tecnologías, producto de los procesos de globalización en la vertiente del mainstream, una especie de intervención en la imagen, propia de las nuevas tendencias y la influencia de los medios.

La reducción expresiva del mundo en contraposición con el origen de la vertiente primaria desaparece dando paso al manejo de las imágenes, tomando así una direccionalidad final hacia el pop-art en el cual se subraya el valor iconográfico de las sociedades de consumo.

Es en este, en donde Uthia alimenta su paleta en un acercamiento a los recursos del arte digital procurando no desligarse por completo de la pintura, obteniendo así un resultado visual
lleno de color y expresión dotando a cada retrato de la impresión requerida.

Digitart propone finalmente una continuidad en donde surge infinidad de posibilidades, centrándose en topicos cercanos al Cyberpunk o al steampunk los cuales llevan a De Uthia en un preámbulo a proseguir hurgando en referentes cinematograficos que van marcando la pauta a travez de los años.

Las imágenes aquí ,forman un cúmulo de expresiones sociales , sensaciones que no escapan de una arte humano resuelto por ideas y visiones enraizadas en una sociedad global ,que trasciende y conlleva a vernos irrefutablemente incluidos en ella.



Pablo Villaizán
Lima, Mayo 2008

Juntar a diez pintores circundando un mismo tema es una conexión arriesgada que encuentra en la inclusión la maximización de las propuestas adquiridas, sin embargo la libertad de encontrar un nexo entre los creadores sin dar un ideario a cambio conduce para quien ve, hacia la búsqueda de la interconexión que se encuentra dentro del determinado espacio.

Aquel planteamiento nos conlleva a saber que el trabajo aquí, esta por un momento finalizado y que es propio de quien ve, tiente a la búsqueda de aquella relación que como una trama o una urdimbre, escapa a primera vista.

Tentar como en una mesa servida la relación satisfactoria de los elementos, salir bien librado
de la observación o el deguste para los sentidos, conocer lo inesperado que somos a veces y a veces cuando realmente somos al proponérnoslo.

Es la justa medida el saber que el espectador hace su parte, decodificando los patrones del porque cada pieza en su justa medida contempla su lugar, los trabajos aquí presentes persisten en sus viajes como piezas de un ajedrez con pronto destino y final indescifrable, talvez abandonarnos en su cauce nos lleve a replantearnos en nuestro próximo lugar.

El circuito de arte por segundo ano consecutivo nos presenta en esta muestra a diez artistas con un imaginario diverso, sin afán de introducirnos en un tema especifico, procurando que el espectador sea quien diga el porque de porque todos estamos acá.


Pablo Villaizán
Lima, Mayo 2008

Hay dos especies de poetas, decía Wilde. Los primeros aportan las preguntas; los otros, las respuestas. Hay que saber si uno es de los que responden o de los que preguntan, pues el que pregunta nunca es el mismo que contesta. Hay obras que esperan, nos advertía Wilde, y que no son comprendidas durante mucho tiempo; traen respuestas a preguntas aún no formuladas, pues la pregunta llega mucho tiempo después que la respuesta.

La poesía alemana contemporánea, es entendida por tal ,a la publicada con posterioridad al año cero Alemán, 1945 a partir del cual surgieron nuevas tendencias y voces, entre ellas el naturalismo de Hans Bender, Peter Huchel o J. Bobroski, en la poesía hermética Paul Celan fue uno de sus máximos exponentes o la concreta con Franz Mon y G. Ruhn, también fue importante el experimentalismo de Heissenbüttel, Becker y Kriwet y en su aporte mas cercano, entendido como poesía civil la de Günter Grass y la de H. M. Enzensberger.
Alemania es a menudo llamada Das Land der Dichter und Denker (la tierra de poetas y pensadores) y aquellas nunca han sido palabras gratuitas.

Es solo la confirmación de los valores en el quehacer de las estructuras de pensamiento, la Gestalt, la cual origina la evocación de la palabra y el mundo asignándolos a una misma natura. Se dice que en la felicidad plena no hay recuerdos, el tiempo presente del verbo es el mañana perfecto, la caída del hombre le dio al lenguaje la memoria y los sueños, el deseo de mantener intacta y central una reserva incalculable de recuerdos.

El pintor aboca estos requerimientos de la poesía al plasmar un camino de encuentro que sume en la conciencia el elemento visual que buenamente pueda englobar contra pronostico lo que de antemano a logrado el poeta, en este camino se deja permeable el interior de quien mas aun por darse a otro lenguaje asume ciertas imperfecciones.

Los artista aquí traslucen dentro de lo asignado las tendencias en lo poético, situándose en la realidad del espíritu, trascendiendo así el ámbito de la lengua y del lenguaje, la poética genera situaciones que están mas cercanas al misterio, la ensoñación, las ideas de belleza y perfección, estas ultimas signadas también para el pintor quien aborda tanto cuestiones sentimentales como filosóficas, metafísicas o sociales.

La capacidad de síntesis en la expresión visual como en la metáfora encuentra y confronta sutiles afinidades, la imagen es la construcción de una nueva realidad semántica mediante significados que indudablemente sugieren un sentido univoco y a la vez distinto y extraño.

Paul Celan mencionó la idea de la lengua adánica. Ese idioma mítico que siempre dijo la verdad y que, por algún irrevocable estado de gracia, siempre despertó a las cosas de su sueño, les dio un nombre y las hizo vivir. La lengua adánica no es sino la justicia exacta de las cosas.

Si hay un denominador común que abarque la poesía alemana de los últimos treinta años, tiene que ser la antinomia personalización-despersonalización», escribe Felipe Boso. Es decir la contradicción irresoluble que origina «Un paradigma de la personalización en su forma absoluta, el hermetismo, y en su forma relativa, el naturismo. Despersonalizados absolutos son los concretos y experimentales en su desidealización del lenguaje, y relativos, los popistas y poetas civiles, para quienes el entorno humano y social es el catalizador lírico por excelencia»

Y es que finalmente en el arte, el pintor como el poeta contienen en si, de igual forma el catalizador que organiza el caos que encuentran en la realidad, interviniendo desde aquel lugar conciencias individuales y colectivas, profiriendo emerger metáforas visuales puras que se conviertan en organismos concientes y únicos, llenos de sentido, fuerza y emocionalidad logrando aunque sea por un instante entrar en el espacio de lo sagrado.


Pablo Villaizán
Lima, Agosto del 2008

La vanguardia procede del francés Avant-garde, término del léxico militar que designa a la parte más adelantada del ejército, la que confrontará antes con el enemigo. Metafóricamente, en el terreno artístico la vanguardia es la primera línea de creación, la renovación coherente y radical en las formas y contenidos para el tiempo mismo, en donde se sustituyen las tendencias anteriores, enfrentando lo establecido , realizando aportes originales, desplegando procesos renovadores y creando un nuevo y original aporte hacia las artes.

Este movimiento aparecido en Europa en las primeras décadas del Siglo XX extendiéndose en gran medida al resto del mundo (reconociéndose su lugar dentro de la historia de la humanidad), Norteamérica, Centroamérica y America del Sur, siendo esta crisol y fermento en respuesta a los tiempos carentes de sustancia y de símbolo liberador; Tomando en ella una postura que anteponga el destino del hombre en relación con sus estadíos internos.

La poesía de vanguardia Peruana entre 1916 -1930 estuvo signada por devenires políticos, sociales y culturales que marcaron la historia de la vida republicana, dentro de estos 14 anos en la cual el vanguardismo produjo sus pensadores más representativos, como José Carlos Mariategui quien difundió y promovió la Vanguardia por medio de la revista Amauta desde 1927 y en la cual se extiende la voluntad de crear un Perú nuevo dentro del mundo nuevo.

Mirko Lauer concita en Antología de la poesía vanguardista Peruana algunos nombres si bien no olvidados poco recordados *, los cuales también diseminaron su voz y ejercieron un aporte representativo, luego de nuestros vates mas importantes como Cesar Vallejo, Martín Adán, Carlos Oquendo de Amat, Cesar Moro están aquellos como Magda Portal o Alberto Hidalgo con los cuales se recoge la fuerte impresión del arraigo y la importancia que concitó la vanguardia en el interior del país. Lauer nos hace recordar también que si bien el vanguardismo en el Perú tomó elementos de los diversos ismos europeos, en muchas cosas estuvo en las antípodas de ellos.

Entre otros, Nelson Osorio en su estudio sobre la Vanguardia en Latinoamérica, ya había subrayado los rasgos específicos que el movimiento adquiere en el Perú, la cual dice adopta sus propias técnicas, pero también es heredera de los Poemas humanos vallejianos, revelando así su particular luz y sus voces propias de humanismo.

Es importante también mencionar la obra de Jorge Eduardo Eielson quien con su Arte Poética sembró y mantuvo un legado congruente y sin paráfrasis.

En el complejo momento en el que se multiplican las relaciones internacionales, la esencia heredada de la vanguardia se percibe como un movimiento que coincide con la propia evolución del modernismo, siguiendo su particular senda de autoria que a su vez sorprende en sus diferentes campos de creación ,sean estas para las artes de la plástica en sus diferentes campos o la literatura Latina-Hispana-Iberoamericana, y es que decodificar un mundo fraccionado, desfasado e inconexo es ir tras la búsqueda de una unidad equivalente que ajuste correlativamente el quehacer de lo prístino y real , que aborde en sus preocupaciones la lectura de sus transformaciones y la independencia de tornar por cualquier medio lo acontecido en su latitud.

Y es que la esencia de la vanguardia se ve reflejada no solo en las paginas colmadas con fehaciente disposición sino también se pueden encontrar como reflejo vivo y vital en la presente exposición, la que nos dispone a visualizar una vertiente original en la que se reitera y se reivindica un legado de poema y pensamiento, siempre signado con el ritmo de las transformaciones y la claridad que contienen los creadores para interrogarnos e interpelarse a si mismos.



©Pablo Villaizán
Konstanz, Marzo 2009



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*Xavier Abril, Emilio Armaza, Armando Bazán, Federico Bolaños, Blanca Luz Brum, Enrique Bustamante y Ballivián, Mario Chabes, Nazario Chávez Aliaga, Gamaliel Churata, Nicanos de la Fuente, Serafín Delmar, Alberto Guillén, Juan José Lora, Rafael Méndez Dorich, César Alfredo Miró Quesada, Juan Parra del Riego, Enrique Peña Barrenechea, Alejandro Peralta, Julián Petrovick, Luis de Rodrigo, César Atahualpa Rodríguez, José Varallanos, Adalberto Varallanos y finalmente Juan Luis Velásquez

Y un día la poesía hipnotizó a 18 artistas, los agrupó durante dos meses y los hizo debatir y profundizar sobre sus ideas. La poesía vanguardista de autores como César Vallejo, Martín Adán, César Moro y Carlos Oquendo de Amat, entre otros, fue de este modo absorbida y reinterpretada por la plasticidad de creadores de distintas promociones de la Escuela Nacional de Bellas Artes.

“La poesía vanguardista me cautivó porque fueron autores que se atrevieron mucho, entonces investigué durante dos años y decidí hacer el proyecto. Las propuestas parten de su filosofía o de un libro”, cuenta Alejandro Romaní, promotor de la muestra colectiva “Trabajozucio: lapoesíaperuanavanguardista”, que se inaugura mañana, a las 7:00 p.m., en el C.C. Bellas Artes (Jr. Huallaga 402, Cercado de Lima). Así, tenemos a artistas como John Chauca con un retrato de Vallejo, y a Braulio Bernales, cuya creación parte de algunos libros de José María Arguedas. También participan Carlos Ostolaza, Iván Huerto, Luis Angulo, Juan Carlos Mejía y Vladimir Ramos, entre otros.

Muestra colectiva en el centro cultural de Bellas Artes. Exposición de pinturas es una suerte de homenaje a la poesía de vanguardia peruana.

Pedro Escribano.

Alejandro Romaní (Lima, 1974) rumió sus lecturas sobre la poesía vanguardista peruana, aquella que en los años veinte hizo trizas los cristales de la tradición y la academia. Aquella que, a contracorriente, surgió nueva, innovadora y no poco irreverente con la sociedad y el arte tradicional. Vallejo, Oquendo de Amat, César Moro, solo para citar los más representativos.

Ese fue el sustento para que Romaní, egresado de la Escuela de Bellas Artes, se plantee el proyecto “TrabajoZucio. La poesía peruana vanguardista”, cuyo resultado es una muestra colectiva que mañana se inaugura en la galería del Centro Cultural de Bellas Artes, en el corazón de Lima.

Pero Romaní no quiso hacer ese “trabajo zucio” solo. Lo había concebido para hacerlo en grupo, de manera que, a través de Internet, hizo una convocatoria y les expuso la idea.

La lista de los “zucios”

De todo el grupo que concurrió o se interesó por el proyecto, quedaron 17. Ellos, además de Romaní, son: Iván Huerto, Luis Angulo, Juan Machaca, Coqui Vela, Eduardo Cochachín y Franco Domenak. También Juan Carlos Mejía, Vladimir Ramos, Pablo Villaizán, Luis Salvatierra y Jhon Chauca. Asimismo, Alejandro Alcázar, Mónica López, Iván Fernández-Dávila, Anahí Vásquez-de-Velasco y Braulio Bernales.

“Lo que intentamos con el proyecto es revalorar la actitud que tuvo la vanguardia (los poetas vanguardistas) en nuestro país –señala Romaní–. Quienes eran fieles a la tradición, supuestamente hacían el trabajo ‘limpio’, jamás ellos iban a hacer el trabajo sucio de ir contra los cánones, la sociedad, el orden, las reglas o la academia. Ese trabajo, el supuestamente ‘sucio’, lo hicieron los artistas vanguardistas”.

Los trabajos que reúne la muestra, si bien conservan el estilo personal de cada uno de los artistas, en su conjunto, en tanto es proyecto, suscriben la idea de esta suerte de homenaje a los poetas de los años veinte, que, sin otra arma que la imaginación, lucharon contra lo viejo y tradicional del arte y de la sociedad.