Satılık Pop Art Heykeller

38 Satılık Orijinal Çağdaş Heykeller:

Pop art tarzı nasıl tanımlanır?

Pop Art, ilk olarak 1950'lerde ortaya çıkan ve 1960'larda hem Amerika'da hem de İngiltere'de zirveye ulaşan, popüler ve ticari kültür kaynaklarından ilham alan bir sanat akımıdır. Hakim olan sanat, kültür ve sanatın ne olması gerektiği teorilerine karşı bir tepki olarak başladı. Genç sanatçılar, sanat okulunda öğrendiklerinin ve müzelerde gözlemlediklerinin günlük hayatlarıyla veya çevreleriyle çok az ilgisi olduğuna inanıyorlardı. Bunun yerine, Hollywood filmlerinden, çizgi romanlar, reklamlar, ürün ambalajları ve diğer ticari medya dahil olmak üzere popüler kültürden görüntüler kullandılar ve geleneksel sanatsal teknikten çarpıcı bir kopuşla gündelik hayatı en gerçek anlamıyla kucaklayan resim ve heykeller ürettiler. Pop Art, belki de ticari imgelerin dahil edilmesinin bir sonucu olarak, en etkili çağdaş sanat hareketlerinden biri haline geldi.

Hareket, popüler ve kitlesel kültürlerden ikonografi kullanarak yüksek sanat geleneklerine meydan okudu. Sanatta popüler kültürden görüntülerin kullanımı yoluyla, çoğu zaman alay yoluyla, herhangi bir medeniyetin banal veya temel unsurlarını vurguluyor. Ayrıca sanatçıların mekanik çoğaltma veya tasvir için kullandıkları yöntemlerle de ilgilenmek zorundadır. Pop art'ta öğeler bazen açıkça izole edilir, birleştirilir veya olağan bağlamlarından çıkarılır.

Sanat akımlarında zaman içinde çok sayıda değişiklik olmuş ve her dönem sanatçılar tarafından yeni ve yenilikçi sanat eserleri üretilmiştir. Her yaratıcı girişim, yeni formlar icat ederek aynı anda geleceğe giden yolu belirlerken geçmişe saygı gösterir. Pop Art hareketi, yüksek ve düşük kültürün kaynaşmasına öncülük etti ve 20. yüzyılın en unutulmaz sanat eserlerinden bazılarını yarattı. Resim ve heykel, Fransa, İngiltere, İtalya, İsveç ve Amerika Birleşik Devletleri de dahil olmak üzere Avrupa'nın her yerinden sanatçılar tarafından, daha önce sanatın konusu veya içeriği olarak hiç ciddiye alınmamış yaygın, seri üretilen öğeleri göstererek devrim yarattı.

Pop Art'ın en ünlü sanatçıları arasında Roy Lichtenstein, Keith Haring, Robert Rauschenberg, Richard Hamilton, Andy Warhol, David Hockney, Robert Indiana, James Rosenquist, Alex Katz ve Takashi Murakami bulunmaktadır.

Pop Art Heykeli

Pop Art hareketi, pop kültür ikonlarının resimlerini ve heykellerini üreterek "yüksek" sanat ile "düşük" kültür arasındaki ayrımı bulanıklaştırmaya çalıştı. Pop Art'ın en etkili yönlerinden biri, kültürler arasında hiyerarşi olmadığı ve sanatın herhangi bir kaynaktan ödünç alınabileceği fikridir. Pop Art'ı satın almak isteyenler, ahşap veya bronz gibi "asil malzemelerin" yerini daha az değerli malzemelerin aldığını ve günlük nesnelerle harmanlandığını biliyorlardı. Bu, pop art heykel için yeni olanaklar açmış ve bugün bildiklerimizin gelişmesine yol açmıştı.

Robert Indiana'nın AŞK heykeli, Andy Warhol'un heykelsi Brillo ve Campbell'ın sanat dünyasını çok güçlü bir şekilde sarsan ve sanatı oluşturan şeyin sınırlarını zorlayan domates suyu kutuları kadar, hareketin tartışmasız en tanınmış sanat eseridir, ancak yumuşak heykeller gibi diğer başarılar Claes Oldenburg tarafından anıtsal boyutlara sahip günlük nesneleri temsil eden, hareketin gelişimine büyük katkı sağladı. George Segal, Jeff Koons ve hatta Richard Orlinski gibi diğer heykeltraşlar da Pop Art heykel tarihine damgasını vuracak.

Pop Art Heykeltıraşları

Eduardo Paolozzi (1924 - 2005)

İngiliz savaş sonrası avangardında önemli bir figür, İskoç heykeltıraş ve sanatçı Eduardo Paolozzi idi. Pop sanatın ilk öncülerinden biri olarak kabul edilir. Bir ucuz kurgu kitap kapağı, bir Coca-Cola reklamı ve bir askeri askere alma posteri gibi popüler kültür öğelerini birleştiren “Ben Zengin Bir Adamın Oyuncağıydım” kolajı, Pop Art hareketinin çok önemli bir temel parçası olarak hizmet etti. Parça, Amerikan popüler kültürünün ışıltısı ve zenginliği ile İngiliz gerçekliğinin ekonomik ve politik sefaleti arasındaki zıtlığa daha çok odaklanan İngiliz Pop Sanatının karanlık tarafının mükemmel bir örneğidir. Teknoloji ve kitle kültürünün yüksek sanat üzerindeki etkisi, gevşek bağlı Independent Group'un bir üyesi olan Paolozzi tarafından vurgulandı. Kariyeri boyunca birçok başka mecrada çalışmasına ve çalışmalarından her zaman sürrealist sanat olarak söz etmesine rağmen, heykelle daha güçlü bir bağ kurdu.

Claes Oldenburg (1929 - 2022)

Amerikalı heykeltıraş Claes Oldenburg, kamusal sanat enstalasyonlarında kullandığı gündelik nesnelerin büyük ölçekli kopyalarıyla tanınır. Gündelik nesnelerin yumuşak heykel versiyonları, çalışmalarında bir başka önemli temadır. Oldenburg, yiyecek ve cansız nesnelerin mizahi bir şekilde gülünç heykellerini yaratmasıyla ünlüdür. Bu tür parçalardan oluşan ünlü koleksiyonu ilk olarak sanatçının 1961 tarihli New York, Aşağı Doğu Yakası'ndaki "Mağaza" adlı enstalasyonunda gösterildi. Oldenburg, proje için alçı heykeller olarak çilekli kek ve elma şekerleri üretti. Oldenburg'un geleneksel bir varyete dükkânı gibi kurulan ve tüketim mallarını kopyalamanın yanı sıra mallarını düşük maliyetlerle satan enstalasyonu, sanat objeleri ve metalar arasındaki ilişkiye dair bir açıklama yaptı. "Mağaza"daki heykeller, sanki seri üretimmiş gibi sunulmalarına karşın, özenle el yapımıydı ve Pasta Kutusu'ndaki nesneleri kaplayan gösterişli, etkileyici fırça darbeleri, dönemin yaygın bir konusu olan Soyut Dışavurumculuğun ciddiyetini parodi yapıyor gibi görünüyor. Pop sanat. Çok ironik bir ortamda, Oldenburg emtia öğesini duygusal bir dışavurumcu jestle harmanlıyor.

Robert İndiana (1928 - 2018)

Amerikalı sanatçı Robert Indiana, pop art hareketinin bir parçasıydı. Sanat dünyasındaki çeşitli arkadaş ve tanıdıklarına dağıttığı bir kart şeklinde, ilk olarak 1964'te ikonik LOVE resmini geliştirdi. Robert Indiana'dan 1965'te Museum of Modern Art'ın yıllık Noel kartı için bir sanat eseri yaratması istendi. Indiana, SEVGİ resmi için üç adet 12" kare tuval üzerine yağlıboya varyantı sundu. Kırmızı, mavi ve yeşil, müze tarafından en güçlü renk kombinasyonları olarak seçildi. Kısa sürede müzenin şimdiye kadarki en popüler kartlarının zirvesine yükseldi. 1966'da Indiana, LOVE serisini inşa etmeye devam ederken alüminyumdan ilk LOVE heykelini yaratmak için Multiples, Inc.'den Marian Goodman ile işbirliği yaptı.

George Segal (1924 - 2000)

Amerikalı ressam ve heykeltıraş George Segal, pop art akımının bir parçasıydı. Sanat kariyerine bir ressam olarak başlamasına rağmen, Segal en çok gerçek boyutlu figürleri ve göründükleri tablolarla tanınır. Segal, heykelsi bir ortam olarak alçı bandajların (ortopedik kalıplar üretmek için alçı emdirilmiş gazlı bez şeritler) kullanımını icat etti. geleneksel döküm yöntemlerinin yerine

Marisol (1930 - 2016)

Amerikan Pop Art'ına erkekler hakim olurken, aralarında Marisol'un da bulunduğu birkaç kadın da yanlarında sergilere katıldı. Bununla birlikte, kreasyonları her zaman Pop'un katı ikonografisine bağlı kalmadı. Modaya, aileye ve film yıldızlarına nüktedan bir şekilde atıfta bulunan blok gibi hareketsiz heykelleri, en çok halk sanatını ve asamblajını birleştirmesiyle tanınır.

Jasper Johns (1930 doğumlu)

Dünyanın yaşayan en ünlü sanatçılarından biri Jasper Johns'tur. 1950'lerden günümüze neredeyse tüm sanatsal hareketler, Soyut Dışavurumculuk, Neo Dada ve Pop Art hareketi dahil olmak üzere resim, heykel ve baskı resim çalışmalarından etkilenmiştir. Johns, Pop Art hareketinin tüketim toplumunu kucaklamasına yardımcı olan sanatçılardan biriydi. Pop Art eserlerinde öncelikle bayraklar, hedefler ve haritalar gibi işaretler bulunur. Aslında, Pop Art hareketinin en tanınmış parçalarından biri olan Bayrak resmi, onun en bilinen eseridir. Amerikan bayrağını rüyasında gördükten sonra yaptığına inanılıyor. Kreasyonları, müzayede ve satışta sürekli olarak milyonlarca dolar alıyor ve yaşayan bir sanatçının bir eseri için şimdiye kadar ödenen en yüksek meblağ için sık sık rekorlar kırıyorlar.

Jeff Koons (1955 doğumlu)

Amerikalı sanatçı Jeff Koons, popüler kültürle ilgili çalışmaları ve ayna yüzeyli paslanmaz çelikten yapılmış balon hayvanlar gibi günlük nesneleri içeren heykelleriyle ünlüdür. Heykelleri yüksek fiyatlar kazandı ve en az ikisi yaşayan sanatçıların eserleri için müzayede rekorları kırdı: 2013'te Balon Köpek (Turuncu) 58,4 milyon ABD dolarına ve Tavşan 2019'da 91,1 milyon ABD dolarına satıldı.

Keith Haring (1958 - 1990)

Amerikalı sanatçı Keith Haring'in pop sanatı, 1980'lerin New York City grafiti sahnesinden doğdu. Animasyonlu estetiği, iyi bilinen bir görsel dil haline geldi. Sanatının büyük bir kısmı, AIDS farkındalığını ve güvenli seksi teşvik etmek için görüntüleri kullanarak sosyal eyleme dönüşen cinsel imalar içeriyor. Haring'in itibarı, New York metrosundaki çıplak siyah reklam noktalarında insanları, köpekleri ve diğer stilize motifleri kendiliğinden tebeşirle çizmesinin bir sonucu olarak arttı. Tanındıktan sonra, birçoğu sipariş edilen canlı, büyük ölçekli duvar resimleri yaptı. 1982 ile 1989 yılları arasında, çoğu hastaneler, kreşler ve okullar için ücretsiz olan 50'den fazla kamu eseri yaptı. 1986'da Pop Shop'u açarak pratiğini genişletti. Kendi ikonografisi aracılığıyla, daha sonraki çalışmaları sıklıkla politik ve sosyolojik temaları dile getirdi - crack karşıtı, apartheid karşıtı, güvenli seks, eşcinsellik ve AIDS.

Discover contemporary artworks on Artmajeur

Contemporary art is a vibrant constellation of artistic expressions. This creative universe encompasses a wide array of mediums, from paintings, sculpture, and photography to drawing, printmaking, textile art, and digital art, each medium a star shining with its own distinct radiance. Artists use diverse supports and materials to bring their visions to life, such as canvas, wood, metal, and even innovative digital canvases for the creation of virtual masterpieces. 

A contemporary painting, for instance, may weave its story through the masterful strokes of acrylic or oil, while a contemporary sculpture might sing its song in the language of stone, bronze, or found objects. The photographic arts capture and manipulate light to produce striking images, while printmaking employs techniques like lithography and screen-printing to produce multiples of a single, impactful image. Textile art plays with fabrics and fibers, whereas digital art pushes the boundaries of creation with innovative technology. 

The allure of contemporary art lies in its boundary-pushing nature, its relentless quest for experimentation and its constant reflection of the evolving human experience. This boundless creativity, coupled with its strong social and personal commentary, makes every piece of contemporary art a unique emblem of its time, a mirror held up to the realities and dreams of our complex world. It whispers to us, moves us, provokes thought, and kindles a deep emotional response, stirring the soul of anyone willing to listen. It is, indeed, the language of emotions and ideas, spoken in the dialect of our era.

Origins and history of contemporary art

The story of contemporary art unfolds in the mid-20th century, marked by seismic shifts in artistic expression. Post-World War II, around the 1950s and 1960s, artists began experimenting beyond traditional confines, challenging the norms of what art could be. This revolutionary epoch birthed myriad new movements and artistic forms such as abstract expressionism, pop art, and minimalism. Paintings, once confined by realism, embraced abstraction, as artists used color and form to express emotions and ideas. Notable periods like the advent of pop art in the late 1950s and early 1960s saw artworks mimicking popular culture and mass media, reflecting society’s shifting focus.

The sculptural arts, too, witnessed a metamorphosis. Sculptors started to experiment with new materials and forms, often creating artworks that interacted with the viewer and the surrounding space, fostering a sense of engagement. Drawing, a timeless practice, also evolved, with artists incorporating innovative techniques and concepts to redefine its role in contemporary art.

Photography, a relatively new medium, emerged as a powerful tool in the contemporary art landscape. Born in the 19th century, it truly came into its own in the latter half of the 20th century, blurring the lines between fine art and documentation. Printmaking, a practice dating back to ancient times, saw renewed interest and experimentation with techniques like lithography, etching, and screen printing gaining prominence.

The realm of textile art expanded dramatically, as artists began to appreciate the versatility and tactile quality of fabric and fibers. Artists began using textiles to challenge the boundaries between fine art, craft, and design. 

The dawn of digital technology in the late 20th century heralded a new age for contemporary art. Digital art emerged as artists started leveraging new technologies to create immersive, interactive experiences, often blurring the line between the virtual and the physical world.

Through these transformative periods, the essence of contemporary art has remained the same: a dynamic, evolving reflection of the times we live in, continually pushing boundaries and embracing the new, always questioning, always exploring.

Evolutions of theses contemporary works in the art market

As we navigate through the 21st century, the dynamic landscape of contemporary art continues to evolve and expand, reflecting our ever-changing world. Contemporary paintings, once primarily confined to two-dimensional canvases, now embrace a multitude of forms and techniques, ranging from mixed media installations to digital creations, each piece a rich a weaving of thoughts, emotions, and narratives. Sculpture, too, has ventured far beyond traditional stone and bronze, with artists incorporating light, sound, and even motion, embodying the ephemerality and flux of the modern world.

Photography, in the hands of contemporary artists, has expanded its horizons, seamlessly blending with digital technology to create breathtaking imagery that challenges our perception of reality. Drawing, as well, has transcended the borders of paper, incorporating multimedia elements and exploratory techniques to redefine its role in the artistic discourse. Printmaking continues to flourish, with contemporary artists using traditional methods in innovative ways to deliver potent social and personal commentaries.

Textile art, once considered a craft, now holds a prominent place in the contemporary art world, with artists using it to explore issues of identity, tradition, and cultural heritage. Meanwhile, digital art, the newest member of the contemporary art family, has revolutionized the way we create and interact with art, presenting immersive experiences that blur the boundary between the virtual and the physical.

These diverse forms of contemporary art hold significant value in the current art market, not only due to their aesthetic appeal but also their ability to encapsulate and communicate complex ideas and emotions. Collectors, curators, and art lovers worldwide seek these works, drawn to their inherent dynamism, their innovative use of materials, and their eloquent expressions of our shared human experience. As a testimonial to our times, these contemporary artworks encapsulate the pulse of our society and the resonance of individual voices, forever etching our collective narrative into the annals of art history.

Famous Contemporary Artists

As we delve into the vibrant realm of contemporary art, we encounter an array of artists who shape this dynamic field. Each a master in their medium - painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile, or digital art - they push artistic boundaries, reflecting our era and challenging perceptions. Let’s explore these remarkable contributors and their groundbreaking works.

1. Gerhard Richter - Known for his multi-faceted approach to painting, Richter challenges the boundaries of the medium, masterfully oscillating between abstract and photorealistic styles. His works, whether featuring squeegee-pulled pigments or blurred photographic images, engage in a fascinating dialogue with perception.

2. Jeff Koons - A significant figure in contemporary sculpture, Koons crafts monumental pieces that explore themes of consumerism, taste, and popular culture. His iconic balloon animals, constructed in mirror-polished stainless steel, captivate with their playful yet profound commentary.

3. Cindy Sherman - An acclaimed photographer, Sherman uses her lens to explore identity and societal roles, particularly of women. Renowned for her conceptual self-portraits, she assumes myriad characters, pushing the boundaries of photography as a medium of artistic expression.

4. David Hockney - Hockney, with his prolific output spanning six decades, is a pivotal figure in contemporary drawing. His bold use of color and playful exploration of perspective convey an intoxicating sense of joy and an unabashed celebration of life.

5. Kiki Smith - An innovative printmaker, Smith’s work explores the human condition, particularly the female body and its social and cultural connotations. Her etchings and lithographs speak to universal experiences of life, death, and transformation.

6. El Anatsui - A master of textile art, Anatsui creates stunning tapestry-like installations from discarded bottle caps and aluminum scraps. These shimmering, flexible sculptures blend traditional African aesthetic with contemporary art sensibilities, speaking to themes of consumption, waste, and the interconnectedness of our world.

7. Rafael Lozano-Hemmer - A leading figure in digital art, Lozano-Hemmer utilizes technology to create interactive installations that blend architecture and performance art. His work, often participatory in nature, explores themes of surveillance, privacy, and the relationship between people and their environments.

Notable contemporary artworks

The contemporary art landscape is a dynamic patchwork of diverse expressions and groundbreaking ideas, each artwork a unique dialog with its audience. Here are a selection of some renowned contemporary artworks, spanning various media such as painting, sculpture, photography, drawing, printmaking, textile art, and digital art, that have profoundly influenced this vibrant movement.

1. "Cloud Gate" by Anish Kapoor, 2006 - This monumental stainless steel sculpture, also known as "The Bean," mirrors and distorts the Chicago skyline and onlookers in its seamless, liquid-like surface, creating an interactive experience that blurs the line between the artwork and the viewer.

2. "Marilyn Diptych" by Andy Warhol, 1962 - An iconic piece of pop art, this silkscreen painting features fifty images of Marilyn Monroe. Half brightly colored, half in black and white, it reflects the dichotomy of celebrity life and its influence on popular culture.

3. "Rhein II" by Andreas Gursky, 1999 - This photographic artwork, a digitally-altered image of the Rhine River, is celebrated for its minimalist aesthetic. It strips the landscape to its bare essentials, invoking a sense of tranquility and vastness.

4. "Black Square" by Kazimir Malevich, 1915 - A revolutionary painting in the realm of abstract art, this piece, featuring nothing more than a black square on a white field, challenges traditional notions of representation, symbolizing a new era in artistic expression.

5. "Puppy" by Jeff Koons, 1992 - This giant sculpture, a West Highland Terrier blanketed in flowering plants, explores themes of innocence, consumer culture, and the interplay between high art and kitsch. It’s a delightful blend of traditional sculpture and garden craft.

6. "Re-projection: Hoerengracht" by Ed and Nancy Kienholz, 1983-1988 - A room-sized tableau representing Amsterdam’s red-light district, this work combines elements of sculpture, painting, lighting, and found objects. It engages viewers in a stark commentary on commodification and objectification.

7. "Untitled" (Your body is a battleground) by Barbara Kruger, 1989 - This photomontage, combining black-and-white photography with impactful text, explores issues of feminism, identity, and power. Its potent, confrontational message is a prime example of the power of text in contemporary visual art.

8. "For the Love of God" by Damien Hirst, 2007 - This sculpture, a platinum cast of a human skull encrusted with 8,601 diamonds, probes themes of mortality, value, and the human fascination with luxury and decadence. It’s a compelling blend of macabre and magnificence.

9. "Physical impossibility of Death in the Mind of Someone Living" by Damien Hirst, 1991 - This artwork, featuring a tiger shark preserved in formaldehyde, blurs the line between traditional sculpture and biological specimen. It prompts viewers to contemplate mortality and nature’s ferocity.

10. "One and Three Chairs" by Joseph Kosuth, 1965 - A piece of conceptual art, it presents a physical chair, a photograph of a chair, and a dictionary definition of a chair, thus exploring the relationship between language, picture, and referent in art.

These pieces, in their diversity, exemplify the rich tapestry of contemporary art, each piece a unique commentary on our world and a testament to the limitless potential of creative expression.