As mulheres de que vamos falar aqui não são " mulheres de ", já eram artistas antes de conhecerem os maridos, tinham estilos e ambições próprios e eram tão hábeis e talentosas como as suas companheiras.
Elin Danielson-Gambogi, No Fim do Café da Manhã , 1890.
1. Josephine Hopper ( e Edward Hopper )
Todo mundo conhece Edward Hopper, mas quem se lembra de sua esposa, Jo?
Seu nome verdadeiro Josephine Verstille Nivison, ela estava, no entanto, destinada a um futuro muito promissor. Nascida em Manhattan em 1883, desde muito jovem se voltou para a carreira artística , expressando-se com facilidade através do desenho e do teatro nos bancos da universidade. Em 1905, quando ela tinha apenas 22 anos, ela conheceu Robert Henri , uma figura importante do realismo americano . Depois de pedir a ela que posasse para um de seus retratos ( The Art Student , 1906), ele se tornou seu professor de desenho e estabeleceu com ela uma relação tão amigável quanto profissional.
Ela então trabalhou como professora para meninas e dedicou seu tempo livre à pintura a óleo. Até os 40 anos, ela desfrutou de uma vida de total independência , associando-se a muitos artistas, viajando pela Europa com seu professor de desenho e seus colegas pintores, e participando de colônias artísticas na Nova Escócia, Inglaterra, durante cada verão. Começou a ter notória visibilidade graças à exposição de algumas das suas obras em galerias de Nova Iorque, ao lado de artistas conceituados como Pablo Picasso , Amedeo Modigliani ou Man Ray . É nesse microcosmo artístico que ela conhece seu futuro marido Edward, primeiro na escola de arte, depois durante várias colônias artísticas nos Estados Unidos.
Robert Henri, O Estudante de Arte (Retrato de Josephine Nivison) , 1906.
Os amantes se casaram em 1924 . Josephine V. Nivison torna-se Jo Hopper e participa da construção de um casal tão tumultuado quanto inspirador . Eles viajam pela América e pintam juntos, mas a fantasia do romance criativo rapidamente se transforma em um fardo conjugal para Josephine . A dupla luta regularmente, e essas tensões recorrentes enfraquecem sua ambição. Aos poucos, ela foi deixando de lado a paixão de se tornar a empresária do marido e cuidou da maioria das tarefas domésticas para lhe oferecer o máximo de tempo possível para a criação.
Seu marido rapidamente se tornou lendário, durante sua vida, graças a obras enigmáticas, refinadas e silenciosas , que descrevem o cotidiano de uma América remota e profundamente solitária. No entanto, sem a ajuda de sua esposa, Edward Hopper nunca teria sido capaz de alcançar o sucesso que hoje é reconhecido por ele . Muito mais do que um simples modelo ou uma musa comum, Josephine contribuiu enormemente para a ascensão artística de seu marido. Por ser tímido e reservado, ela o ajudou a se relacionar com profissionais do mercado de Arte, a fim de divulgar seu trabalho.
Se você alguma vez ficou triste com a renúncia de Josephine, segure firme, porque há muito, muito mais angustiante nesta história :
Edward Hopper morreu em 1967, aos 84 anos, sem descendência. Sua viúva, Josephine, sobreviverá a ele por um ano, antes de morrer também aos 84 anos, em 1968, em indiferença geral . Ela aproveitará esses poucos meses de luto para organizar a posteridade de sua obra e a de seu marido. Assim, ela documentará o trabalho deles e legará ao Whitney Museum de Nova York um número considerável de obras do casal . Hoje, são apresentadas todas as obras assinadas pela mão de Eduardo, mas nenhum vestígio das centenas de obras produzidas e legadas por Joséphine .
Jo Hopper, Untitled (Estudo da paisagem ao redor da Hopper House com a baía de Cape Cod à distância).
Obras armazenadas nas reservas do museu? Se apenas…
Na verdade, a grande maioria das obras de Joséphine agora desapareceu completamente . Desde sua morte, o Whitney Museum nunca expôs uma única obra do artista e, pior ainda, fez questão de se livrar desse estoque fantasma, justificando a falta de espaço nas reservas do museu. O museu queimou algumas das obras e cedeu a outra parte a hospitais, que, por falta de espaço, também as destruíram, na sua maior parte . De uma centena de obras produzidas, apenas algumas gravuras, aquarelas e fotografias em preto e branco permanecem até hoje.
Recompensa sinistra para uma mulher que sacrificou seu destino para estabelecer o triunfo de seu marido.
2. Margaret Keane (e Walter Keane)
Margaret Keane, In The Garden , 1963.
Você reconhece aqueles olhos grandes?
Certamente alguns de vocês conhecem essa história, já que foi tema de um sublime longa-metragem dirigido por Tim Burton em 2014: Big Eyes (já citado em nosso artigo Quando o cinema homenageia obras-primas. Obra de História da Arte ).
É o roubo de identidade mais desconcertante desde o advento da arte moderna : um épico emancipatório que mistura machismo , malícia e indecência . Aguente firme, nós o levamos ao mundo sombrio e luminoso de Margaret Keane .
Esta curiosa artista nasceu com o lindo nome de Peggy Doris Hawkins , em 1927, em Nashville ( Tennessee ). Quando ela tinha apenas 2 anos, ela sofreu um acidente durante uma operação médica aparentemente benigna, que danificou irreparavelmente seu tímpano direito . Desde cedo manifestou profundo interesse pelo desenho , atividade que exerceu enormemente. Aos 10 anos, matriculou-se em uma escola de desenho para aprofundar seus conhecimentos e técnica. Ela já estava fazendo suas primeiras pinturas a óleo nesta época. Seu tímpano ferido o impede de ouvir corretamente. Esta deficiência vai prendê-lo numa solidão particular, e vai obrigá-lo a concentrar-se no olhar dos seus interlocutores para melhor compreendê-los (vejam a ligação que vem com os famosos olhos grandes ). Tímida e reservada, vai aos poucos se isolando em uma bolha de solidão , que se faz sentir na escolha de seus temas ( crianças, mulheres, gatos, cachorros, cavalos ), bem como na escolha das cores e da técnica empregada ( pintura em óleo misturado com acrílico ).
Seu estilo incomum fica na fronteira entre o surrealismo kitsch e a arte ingênua .
Discreta, desconhecida e distante do mundo da arte, foi aos 25 anos, em meados da década de 1950, que seu destino mudou radicalmente . Ela conhece um artista com técnica medíocre, mas sucesso crescente: Walter Keane . Embora sejam ambos casados, eles se apaixonam e se unem em 1955 em Honolulu.
Bob Campbell, Margaret Keane e Walter Keane , The Chronicle.
Walter Keane é um personagem atípico : ele é carismático , sedutor , falante e inconfundivelmente egocêntrico . Um bom exemplo de masculinidade tóxica à medida que fazemos mais ( e sem arrependimentos ). Ele rapidamente fica pasmo com as telas de olhos arregalados de sua amada e secretamente com ciúmes de seu domínio do pincel . Ele sabe que suas pinturas são únicas e podem ser vendidas por um bom preço. Com seu carisma e sua experiência comercial, ele decide então fazer o que Margaret, tímida demais, não foi capaz de fazer: divulgar e vender seu trabalho .
Um marido que ajuda a esposa, uma artista reservada, a vender suas obras: onde está o mal?
Para atrair compradores, Walter expôs as obras de sua esposa em um clube em San Francisco. Diante do grande sucesso dessa operação e dos inúmeros admiradores que buscam saber mais sobre a assinatura que acompanha esses estranhos retratos, o marido decide então, sem o conhecimento da companheira, reivindicar ser o autor dessas obras . Foi o início de um grande engano que duraria vários anos e faria Margaret sofrer enorme sofrimento. Frágil demais para se defender das imposturas e ameaças do marido, ela permanecerá calada e chegará ao ponto de confirmar em público que ele é realmente o autor dessas magníficas faces de olhos de corça.
Aos poucos, Walter Keane se fecha na ilusão de sucesso . Por ser um comercial muito bom, a obra flui cada vez mais rápido e o dinheiro flui livremente. Ele, portanto, começa a inventar uma mitologia em torno de " seu " trabalho e aprisiona Margaret em suas próprias mentiras, canalizando seu ardor emancipatório com grandes reforços de ameaças e intimidação , e forçando-a a pintar o dia todo (às vezes até 16 horas por dia ) . Por outro lado, grandes galerias americanas estão abocanhando suas pinturas, e até Andy Warhol cai sob seu feitiço .
Bill Ray, Margaret e Walter Keane , Life Magazine, 1965.
Felizmente, um belo dia, a pressão se torna insuportável para Margaret. Ela decide deixar Walter e, em 1970, anuncia ao vivo no rádio que é a verdadeira criadora dessas pinturas de olhos grandes . Após um longo período de polêmica e cruzada judicial, Margaret é finalmente reconhecida por seu talento, e o olhar triste e melancólico das crianças que ela pintou quando foi vítima da crueldade de seu marido dá lugar a ternos, retratos florescentes e coloridos , símbolos de uma renovada joie de vivre . Um final feliz bem merecido , ao contrário da triste posteridade de Josephine Hopper.
E se você nunca viu Big Eyes , o filme de Tim Burton que retrata a vida tumultuada de Margaret Keane, nós o recomendamos!
3. Sophie Taeuber-Arp (e Jean Arp)
Embora desconhecida do público em geral, a artista suíça Sophie Taeuber-Arp teve uma carreira tão deslumbrante quanto excepcional . À vontade em (muitíssimas) disciplinas: pintura, escultura, moda, arquitetura, artes aplicadas e dança, atendeu os maiores artistas do início do século 20, e foi protagonista do movimento Dada, Construtivismo e arte concreta.
Sophie Taeuber-Arp, Tête Dada , 1920. Museum of Modern Art, New York.
No entanto, poucas coisas predestinaram a jovem Sophie Taeuber a uma grande carreira artística . Ela nasceu em 1889 em Davos, Suíça. Seu pai, farmacêutico de profissão, morreu quando ela tinha apenas 2 anos. Ela então cresceu com sua mãe, designer e fotógrafa, e seus irmãos na profunda e bucólica zona rural da Suíça , ao lado de tecelões que lhe ensinaram a arte da costura.
Sua mãe o incentivou a desenvolver seus primeiros dons artísticos e até serviu de modelo. Quando Sophie morreu, quando Sophie tinha apenas 20 anos, ela decidiu assumir seu destino e foi estudar artes aplicadas em Munique e depois em Hamburgo , na Alemanha. Ela descobriu ( entre outras coisas ) a arte da cerâmica, o torneamento de objetos de madeira, o design e a confecção de roupas.
Em 1915, durante a Primeira Guerra Mundial, ela foi forçada a voltar para a Suíça. Ela se estabeleceu em Zurique e fez muitos amigos artistas , eles próprios refugiados à força, fugindo da devastação de um conflito que eles não toleram. Lá, ela diz seus talentos artísticos , e conhece Jean Arp, com quem se casou em 1922. Mesmo que nem tudo seja tão alegre no casal Taueber-Arp, estamos longe da tensão entre Edward e Jo Hopper, ou das manipulações exercidas por Walter Keane em seu companheiro. A dupla sobrevive com a renda de Sophie, mas criou juntos e inspiram um ao outro.
Sophie Taeuber-Arp e Jean Arp, Ascona (Espanha), 1925.
Em 1929, Sophie e Jean obtiveram a nacionalidade francesa. Eles aproveitam este novo começo para se estabelecerem em Meudon, perto de Paris. Jean já é muito conhecido na cena parisiense , e faz Sophie conhecer muitos artistas influentes da época, que se tornarão seus amigos: em particular Max Ernst , além de Sonia e Robert Delaunay . Os convidados se acotovelam na porta de sua casa-oficina em Meudon, e as ambições de Sophie começam a ser amputadas pelo sucesso de seu marido . Naquela época, ela era vista mais como a anfitriã e esposa de Jean Arp, que ainda é o centro das atenções . Ela produziu muitos trabalhos nesse período, mas ousou apresentá-los cada vez menos, preferindo o conforto do retraimento à arrogância dos holofotes que percebia no olhar do marido .
A união entre Sophie e Jean estava longe das tensões tóxicas que uniam os casais Hopper e Keane. Quando Sophie morreu de envenenamento por monóxido de carbono causado por um fogão a lenha defeituoso em 1943, seu marido permaneceu inconsolável . Levará anos para ela voltar a uma vida normal, e toda a sua produção artística será influenciada pela perda do amor . Ele também exigirá que seus próprios trabalhos só possam ser exibidos ao lado dos de Sophie. Um pedido virtuoso com consequências paradoxais , pois para sempre o nome de Sophie Taeuber, esposa mas artista independente , será associado ao de Jean Arp.
Sophie Taeuber-Arp, Composição de Círculos e Ângulos Sobrepostos , 1930.
Apesar de todos esses esforços, Sophie rapidamente será esquecida pelo público em geral , que se interessará apenas pelas obras de Jean Arp. A falha de um sistema : instituições, museus, galerias e colecionadores que não desejam reconhecer a importância de uma obra tão poderosa, porque é produzida por uma mulher. Redescoberta recentemente, no final do século 20, seu rosto é hoje a passagem dada de 50 francos suíços, e instituições internacionais tiraram suas obras radicais , únicas e originais.
4. Lee Krasner (e Jackson Pollock)
Lee Krasner, Combat , 1965. Galeria Nacional de Victoria, Melbourne .
Lee Krasner é considerada hoje uma pioneira do expressionismo abstrato nos Estados Unidos, embora por muito tempo tenha sido eclipsada pela aura ainda vigorosa de seu marido, Jackson Pollock , que entra em pânico nas salas de leilão todos os anos. Aparecimento de um dos seus gotejamento lendária .
Nascida nos Estados Unidos em 1908 em uma família de imigrantes judeus ucranianos que fugiram do anti-semitismo e da guerra, ela demonstrou desde muito cedo um forte interesse pela prática artística . Como suas irmãs Jo Hopper, Sophie Taeuber e Margaret Keane, ela queria seguir uma carreira artística desde cedo, e por isso matriculou-se em uma escola para meninas em Washington que tem um curso artístico. Ela rapidamente obteve um diploma de professora em arte e aos poucos forjou uma rede de artistas e amigos profissionais do mundo da arte , que estimularam sua criatividade e ambição.
Em 1933, juntou-se ao movimento American Abstract Artists e conheceu os talentos criativos da época: Willem de Kooning , Arshile Gorky , Adolph Gottlieb , Mark Rothko , Barnett Newman ou mesmo Clyfford Still , para citar alguns. Ela cria obras abstratas, gestuais e expressivas em grandes formatos , e experimenta as mais diversas técnicas: pintura, carvão, colagem, mosaico ... Muito exigente com seu próprio trabalho, ela regularmente destrói suas telas , e às vezes recupera peças para elas. adicionar novas conquistas. Como resultado, o número de obras sobreviventes é muito modesto : seu catálogo raisonné lista cerca de 600 obras conhecidas , o que é bastante limitado para uma artista que produziu por quase 50 anos .
Jackson Pollock e Lee Krasner em seu estúdio, 1950. Foto de Lawrence Larkin
Ela conheceu Jackson Pollock em 1941. Eles se apaixonaram e se casaram 4 anos depois, em 1945. Criativamente, os dois seres inspiram um ao outro , aventurando-se em campos semelhantes sem serem copiadores vulgares. Lee traz sua experiência e seu conhecimento, ela dará tudo o que puder para promover o trabalho de seu marido . Suas abordagens são diferentes, mas suas ambições são as mesmas. Graças à sua esposa, Jackson Pollock encontrará críticos e galeristas influentes, como Peggy Guggenheim ou Clement Greenberg . A relação decorre de uma troca real : Lee aconselha Jackson a parar de dar títulos a suas obras para que o público possa contemplar suas pinturas sem buscar referências externas, enquanto Jackson ajuda sua esposa a correr mais riscos na realização de suas obras.
Porém, mesmo que dentro da oficina as coisas estejam indo bem, lá fora os sentimentos são muito diferentes. Lee Krasner sofrerá regularmente com a recepção pública de sua identidade. Os contempladores farão sistematicamente a ligação entre o trabalho dela e o do marido. Os críticos, por sua vez, vão considerá-la uma musa inspiradora , ou pior, uma imitadora banal , sem nunca procurar analisar sua obra independentemente da do marido , ou em pé de igualdade. Mesmo após a morte macabra de Jackson Pollock (que já mencionamos em nosso artigo sobre 3 artistas torturados com destinos trágicos ), ela terá dificuldade em se afirmar como uma artista independente , apesar de uma evolução em sua autonomia ao longo de sua vida. e sua recusa em usar o sobrenome do marido. Um crítico vai até chamá-la de " Action Widow ", uma contração de Action Painting (uma prática artística da qual Jackson Pollock era a figura principal), e de viúva , para insistir na dependência particular de Lee Krasner em relação a seu falecido marido. Uma atitude profundamente misógina, sintomática de uma sociedade patriarcal completamente desinibida.
Lee Krasner, Siren , 1966. Barbican Centre, London.
Concluindo, lembremos que esses 4 talentosos artistas não são as únicas vítimas colaterais do triunfo de seu marido . A lista nunca pode ser exaustiva, mas citemos por exemplo Dorothea Tanning , esposa de Max Ernst, Jean Cooke , esposa de John Bratby, ou Elaine de Kooning , esposa de Willem de Kooning ...
Na verdade, eles são tão numerosos que seu desfavor não pode ser simplesmente devido ao acaso . É o símbolo amargo de um comportamento comumente aceito, de uma época em que os homens, por medo ou desprezo, não desejavam reconhecer às mulheres artistas o lugar que, no entanto, mereciam. Hoje as coisas estão mudando e a cada dia podemos descobrir a história de uma nova artista , redescoberta em sua época e reabilitada em sua influência.
Então, vamos torcer para que o passado só pertença ao passado e que os erros do passado não voltem a acontecer tanto.
Bastien Alleaume (Crapsule Project)