Francesca Borgo: Ik heb altijd graag getekend en geschilderd

Wat inspireerde je om kunst te maken en kunstenaar te worden? (gebeurtenissen, gevoelens, ervaringen…)

Ik heb altijd genoten van tekenen en schilderen sinds ik een kind was en ben het tot 6-7 jaar geleden als hobby blijven doen. Toen had ik een medische aandoening waardoor ik wekenlang niet thuis kon blijven. Mijn enige manier om zowel ‘in sync’ te zijn met mijn emoties als opgelucht te zijn, was schilderen. Vanaf dat moment werd schilderen een dagelijkse behoefte, een integraal onderdeel van mijn leven, geen hobby meer. Het is altijd een manier geweest om mezelf in vrijheid uit te drukken, zonder zorgen of zorgen. Als ik schilder, ben ik gewoon mezelf en voel ik me op mijn gemak in mijn vel.

Wat is je artistieke achtergrond, de technieken en onderwerpen waarmee je tot nu toe hebt geëxperimenteerd?

Ik ben een autodidactisch kunstenaar en heb jarenlang getekend. Sinds ik professioneel ben gaan werken, heb ik vooral acrylverf en zand gebruikt om dromerige landschappen, wolkenlandschappen en 'wavescapes' te creëren… Ze laten me mezelf in veel verschillende vormen voorstellen.

Pas sinds kort ben ik weer begonnen met tekenen met houtskool. Dit werd veroorzaakt door mijn angst om een kunstbeurs in New York te starten zonder een van mijn schilderijen op canvas - vanwege problemen met de internationale scheepvaart. Ik wilde de beurs niet met een lege stand beginnen, dus ging ik naar een kunstwinkel en kocht houtskool en papier. Ik heb twee dagen bijna non-stop getekend, ik vond het erg leuk en ik heb er ook veel verkocht tijdens de beurs! Trouwens, mijn schilderijen op canvas zijn uiteindelijk aangekomen en dankzij de hulp en vrijgevigheid van veel kunstenaars en mensen in New York kon ik ze vanaf de tweede dag laten zien (sindsdien samen met houtskooltekeningen).

Wat zijn de 3 aspecten die jou onderscheiden van andere kunstenaars, waardoor jouw werk uniek is?

Ik probeer zo authentiek en origineel mogelijk te zijn en probeer het gevoel van rustgevende kalmte weer te geven dat ik ervaar als ik omringd ben door wind, gras, water, rotsen... Ik vind deze manier om de natuur weer te geven behoorlijk innovatief.

Ik gebruik graag zand- en acrylverf om 3D-/diepte-effecten te verkrijgen waardoor het schilderij gedurende de dag kan veranderen, afhankelijk van de verlichting in de kamer. Het is ook een manier om fysiek aarde op het doek te brengen (dit is niet zo origineel, daar ben ik me van bewust :).

Ik geloof dat mijn kunst in de loop van de tijd langzaam is geëvolueerd en ik voel me graag vrij om mezelf te blijven uiten zonder angst voor verandering - ondanks de lijn van continuïteit die volgens mij te vinden is vanaf de eerste schilderijen tot de meest recente.

Waar komt jouw inspiratie vandaan?

De natuur is mijn belangrijkste inspiratiebron: alles wat een ritme en zachte beweging heeft, geeft mij een soort rustige energie - dat is wat ik probeer vast te leggen in mijn werken. Het kan van alles zijn, ook hele kleine en gewone dingen zoals licht trillende bladeren op een boomtak, de golvende bewegingen van onderwatergras in een rivier, vogels die door de lucht vliegen… Voor mij zijn die ritmes heel rustgevend maar ook heel krachtig.

Wat is jouw artistieke aanpak? Welke visioenen, sensaties of gevoelens wil je bij de kijker oproepen?

Met gefluister en gratie probeer ik de kijker te interesseren, met het idee dat hij zich op zijn gemak voelt voor het schilderij. Dit roept vaak oude herinneringen op, glimlacht, het gevoel dat we allemaal die kalmte in ons eigen leven kunnen brengen. Schilderijen kunnen stille herinneringen aan dat gevoel zijn, ondanks de complexiteit van ons dagelijks leven.

Wat is het proces van het maken van uw werken? Spontaan of met een lang voorbereidingsproces (technisch, inspiratie uit kunstklassiekers of andere)?

Ik begin met een vrij intuïtieve benadering van het canvas, met veel actie. Vervolgens doe ik volledig afstand van de controle en laat ik water, kleur en zand op elkaar inwerken. Dan wordt het proces steeds meer gecontroleerd en erg langzaam (niet leuk om naar te kijken - geloof ik - omdat er al een hele tijd niets lijkt te gebeuren :).

Maakt u gebruik van een bepaalde werktechniek? Zo ja, kunt u dit uitleggen?

Ik begin met veel krachtige actie wanneer ik het gestructureerde 'zandige' oppervlak op het canvas creëer. Vervolgens komt de hoofdconfiguratie voort uit de interactie van zand en zeer verdunde acrylverf. Vervolgens geef ik de golven en de chromatische overgangen vorm met behulp van verdunde kleuren, vervolgens dikkere lagen, sluiers en wassingen, terwijl alleen de laatste hand wordt gelegd aan zeer dikke kleuren tot aan de droge kwast.

Zijn er vernieuwende aspecten in uw werk? Kunt u ons vertellen welke?

Meer gedefinieerde en expliciete 'golven' zijn typerend voor mijn meest recente werken, die volgens mij meer het idee van langzame bewegingen oproepen. Vroeger creëerde ik meer 'vage en onbepaalde' sferen.

Heeft u een formaat of medium waar u het meest vertrouwd mee bent? zo ja, waarom?

Ik houd ervan om acryl en zand te mengen, omdat het mij de kans geeft om op een oneffen, zeer tastbaar oppervlak te werken, zonder te sterk en impactvol te zijn. Hoewel dit mijn leven ook ingewikkelder maakt, omdat het vormgeven van golven op zand erg lastig is :)

Waar produceer je je werken? Thuis, in een gedeelde werkplaats of in je eigen werkplaats? En hoe organiseer je in deze ruimte je creatieve werk?

Ik heb de studio aan huis, in een speciale (erg rommelige) kamer. Meestal werk ik aan meer dan één schilderij tegelijk, omdat dit mij verhindert 'geautomatiseerd' te worden.

Brengt uw werk u ertoe te reizen om nieuwe verzamelaars te ontmoeten, voor beurzen of tentoonstellingen? Zo ja, wat levert het je op?

Sinds 2019 heb ik de kans gehad om veel verzamelaars te ontmoeten tijdens directe kunstbeurzen (waar de kunstenaar zijn/haar eigen stand opzet en onderhoudt): ik ben verschillende keren in Londen (VK) geweest en recentelijk in New York (VS). ). De volgende stop is Los Angeles in september.

Ik hou ervan vanwege de kans om met kunstliefhebbers te praten, te zien wat ze leuk en niet leuk vinden, hoe het schilderij hen bepaalde emoties geeft.

Schilderen kan heel eenzaam zijn, omdat ik urenlang alleen in de studio blijf (met altijd muziek aan). Maar ik geloof dat het maken van een schilderij als een vreemde dialoog is, waarbij ik een gesprek begin dat alleen eindigt als nieuwe ogen naar het schilderij kijken en hun eigen emoties en gedachten eruit halen. Het is alsof je deel uitmaakt van een communicatie die onzichtbare en vaak onverwachte gevolgen heeft die soms uitmonden in vriendschappen.

En als ik dan een foto krijg en zie waar het schilderij heeft opgehangen, dat het geliefd is… dan geeft dat zo’n heerlijk gevoel van voldoening.

Hoe stelt u zich de evolutie van uw werk en uw carrière als kunstenaar in de toekomst voor?

Ik heb verschillende ideeën over nieuwe esthetische ontwikkelingen.

Ik ben ook van plan mijn aanwezigheid in de VS te consolideren met een aantal nieuwe kunstbeurzen in 2024.

Op een ander terrein zou ik graag een aantal samenwerkingen willen verkennen met groepen die actief zijn op het gebied van milieuthema's.

Wat is het thema, de stijl of de techniek van je nieuwste artistieke productie?

Het hoofdthema is het creëren van denkbeeldige plekken die tegelijkertijd zowel bergen als golven, water en vogels, gras en wind kunnen zijn. Ik geloof dat dit plekken zijn waar we ons geabsorbeerd kunnen voelen, ons deel kunnen voelen van de natuur en hopelijk vrede kunnen hebben.

Kunt u ons vertellen over uw belangrijkste beurservaring?

Vorig jaar heb ik een van mijn schilderijen (Breathe me) laten selecteren door de Royal Academy of Arts in Londen, VK, voor de zomertentoonstelling 2022. Het is twee maanden tentoongesteld in een museum - waar Turner (een van mijn favoriete kunstenaars ooit) had zijn 'debat' met Constable. Het was geweldig om het schilderij te zien samen met zoveel anderen van zowel opkomende als gevestigde kunstenaars in een ruimte gewijd aan milieuthema's en letterlijk vol wolken aan een muur gehangen.

Als je een beroemd werk uit de kunstgeschiedenis had kunnen maken, welk werk zou je dan kiezen? En waarom ?

Er is een schilderij van Turner (Sunrise, Norham Castle, te zien in Tate Britain) waarop hij zijn techniek ongelooflijk uitbreidde. Maar meer dan dat, het heeft zo'n betoverend licht, schoonheid en intensiteit. Het brengt me naar een griezelige plek in de geest die ik niet mag vergeten.

Als je een beroemde kunstenaar (dood of levend) zou kunnen uitnodigen voor een diner, wie zou dat dan zijn? Hoe zou je hem voorstellen de avond door te brengen?

Ik zou Rothko graag uitnodigen en hem vragen hoe hij zich voor het eerst zijn meest representatieve abstracte schilderijen voorstelde, hun gevoel van onbepaaldheid en uitgestrektheid in de tijd. Ik zou hem ook willen vragen over angst en moed, wat zijn favoriete dichters waren, hoe hij zijn kleuren mengde...