판매용 토지 예술 조각품

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랜드 아트 스타일를 어떻게 정의하나요?

땅의 예술이라고도 알려진 대지 예술은 풍경을 조각하거나 거기에 자연 재료 구조를 구축하여 풍경에서 직접 만들어집니다. 대지 예술은 1960년대와 1970년대에 걸쳐 미국 예술의 "무자비한 상업화"에 대한 항의였습니다. 그러나 기존의 갤러리 공간에는 사진 문서가 자주 전시되었습니다. 이 기간 동안 대지 예술 지지자들은 예술 활동을 위한 장소로서의 박물관이나 갤러리를 거부하고 전통적인 운송 가능한 조각과 상업 예술 시장의 범위를 벗어난 기념비적인 조경 프로젝트를 만들었습니다. De Stijl, Cubism, Minimalism, Constantin Brâncuși 및 Joseph Beuys의 작품과 같은 현대적 경향뿐만 아니라 미니멀리스트 및 개념 예술은 Land art의 영감을 제공했습니다.

예술운동의 주요 관심사는 예술의 상업화에 대한 반대와 새롭게 떠오르는 생태운동에 대한 열정이었다. 반도시 정서의 만연과 전원 생활에 대한 상쇄 열정은 예술 운동과 일치했습니다. 지구가 인류의 집이 되기를 바라는 영적 열망이 이러한 충동 중 하나였습니다.

예술가가 주변 환경으로 여행을 떠나 물건을 수집하거나 장소 특정적 개입을 수행하는 예술 창작의 과정 기반 방법은 처음에 흙, 바위와 같은 자연 재료를 통합하는 조각의 경향으로 시작된 것에서 빠르게 발전했습니다. , 그리고 식물. 일부 예술가는 풍경에 일시적이고 제한적인 개입을 하는 반면 다른 예술가는 기계 토공 장비를 사용하여 토공사를 만들었습니다. 갤러리에서 프리젠테이션을 위해 예술가들은 종종 사진, 필름 및 지도를 사용하여 토공사를 기록했습니다. 또한 환경의 유기적 요소를 조각과 설치물에 결합함으로써 대지 예술가들은 갤러리에서 대지 예술을 창조했습니다.

Earth Art라는 제목의 Earth Art 전시회를 개최한 최초의 미국 박물관은 1969년 2월 Cornell University의 Herbert F. Johnson Museum of Art였습니다. 작품은 박물관과 Cornell University의 Ithaca 캠퍼스 전체에서 볼 수 있었습니다. , 나중에 상품으로서의 예술의 지위에 계속해서 도전하게 될 작품, 특히 사물의 맥락과 주변 환경 사이의 경계를 모호하게 만드는 설치물을 위한 장소를 제공합니다.

랜드 아트 조각

그들이 사용하는 재료와 작품의 위치를 통해 Land Artists는 예술의 한계를 탐구했으며 종종 조각과 설치를 만들기 위해 풍경을 적극적으로 변경했습니다. 이러한 예술 작품은 종종 지구에서 직접 조각하거나 사용 가능한 천연 자원을 활용하여 예술가가 Earthwork 예술로 변형했습니다. 이러한 요소의 사용은 위치의 고유성을 존중했으며 현장에서 자주 발견되는 흙, 식물, 바위, 자갈, 돌, 잔가지 및 물을 포함했습니다.

제작된 어스 아트는 예술 세계에 위치 특정성이라는 아이디어를 도입했습니다. 이러한 예술 작품은 방문객이 항상 접근할 수 있는 것은 아니며 때때로 예술가만이 자신의 존재를 인식하는 유일한 사람이라는 사실 때문에 이러한 조각품은 예술가를 작품의 중심에 두었습니다. 결과적으로 예술가들은 종종 사진을 통해 자신의 작업을 연대순으로 기록하고 나중에 미술관에서 실제 작업 대신에 사진을 전시합니다.

1960년대 내내 대지 예술 운동이 예술의 잔인한 상업화에 반대했기 때문에 이러한 설정의 변화는 예술이 관찰 대상으로만 존재한다는 개념에 도전했습니다. 이 작품들은 지구를 인류의 진정한 고향으로 인식하는 환경 운동의 성장을 촉발시킨 자연으로의 회귀를 조사했습니다. 그 결과 대지미술가들은 이 이상을 미화하고 대도시 생활에 대한 철저한 거부를 보여주는 지구미술을 창작하기 시작했다.

예술 활동의 전통적인 장소인 박물관과 갤러리가 버려지면서 예술가들은 전통적인 운송 예술 작품의 범위를 벗어난 기념비적인 조각품을 만들 수 있는 기회를 얻었습니다. 대지 예술가들은 전통적인 갤러리와 박물관 위치 밖에서 조각품과 설치물을 제작하기 위해 값비싼 아이디어를 지원하기 위해 그들이 싫어하는 시스템에 의존할 수밖에 없었습니다. 거대한 조경 설비는 종종 토지 구입과 토공 도구의 사용을 요구했습니다. 부유한 후원자와 사설 재단은 종종 이러한 사치스러운 프로젝트에 자금을 제공했습니다.

대지 예술 조각가

로버트 스미스슨(1938-1973)

미국 예술가 로버트 스미스슨은 아마도 이 운동의 가장 중요한 선구자 중 한 명일 것입니다. 사회 문제에 대한 모더니즘의 이탈에 대한 응답으로 그의 1968년 에세이 "The Sedimentation of the Mind: Earth Projects"는 운동을 위한 중요한 틀을 제공했습니다. 입체적인 조각적 구성을 만들기 위해 다양한 재료를 조합하기 시작했다. 이것은 원정에서 가져온 흙과 바위로 만든 조각품을 갤러리 내부에 배치하는 일련의 "비 사이트"작업으로 이어졌습니다. 이 조각품에는 지도, 상자, 거울, 유리, 네온 등이 자주 포함되었습니다. Smithson의 토공사 Spiral Jetty(1970), Broken Circle/Spiral Hill(1971) 및 Amarillo Ramp(1973)는 그의 가장 유명한 작품(1973)입니다. 갤러리 맥락에서 예술을 완전히 제거하고 자연 지형에 통합함으로써 그는 현대 미술에서 조각 형식에 대한 선입견을 영원히 바꾸었습니다.

월터 드 마리아(1935-2013)

그의 조각, 설치 및 토지 작업에서 Walter de Maria는 상대적인 것과 절대적인 것 사이의 연결을 탐구하는 일련의 반복을 생성하기 위해 기하학적 형태를 사용했습니다. 그의 가장 잘 알려진 대지 예술 작품인 조명 필드(Lighting Field, 1977)는 뉴멕시코 사막의 오지에 놓인 1마일 x 1킬로미터 정사각형의 그리드입니다. 높이가 20피트 이상이고 끝이 뾰족하여 번개가 치는 지점인 수평면을 정의하는 뾰족한 끝이 있는 광택이 나는 스테인리스 스틸로 만든 400개의 기둥이 그리드를 구성합니다. 시간과 공간, 예술, 풍경, 자연이 충돌하는 일련의 강력한 착시 현상 속에서 방문객은 물리적으로 그리드에 들어가거나 멀리서 관찰할 수 있습니다.

데니스 오펜하임(1938-2011)

자연 세계에 대한 오펜하임의 초기 개입은 그의 동시대인들의 것과는 대조적으로 제거의 형태를 취했으며, 예술가 자신의 말을 빌리자면 "추가하기보다는 제거"하는 전통적인 조각 원칙으로 되돌아갑니다. 지정학적 경계, 시간대, 자연적 퇴화는 지역 특정 작업인 Annual Rings(1968)에서 참조하고 강조하는 사회적 자연 시스템의 몇 가지 예에 불과합니다. 지도를 재현하는 것은 지도가 주 사이에 부자연스럽고 자주 폭력적인 경계를 만드는 데 어떤 역할을 하는지 보여주고 자연 경계인 강은 이러한 국제 경계를 위한 도구 역할을 합니다.

오펜하임은 국가 및 시간대와 같은 인위적인 아이디어와 자연 요소를 병치하여 "우리가 살고 있는 질서 체계의 상대적 가치"에 의문을 제기했습니다. 동시에 로버트 스미스슨(Robert Smithson)과 월터 드 마리아(Walter de Maria)와 같은 지구 예술가들은 자연 환경이 인공 개입과 충돌하는 장소 특정적 지구 작업도 제작했습니다.

낸시 홀트(1938~2014)

Holt가 그녀의 경력 전반에 걸쳐 만든 공공 조각, 설치 미술 및 Land Art는 그녀의 실험적인 비디오 및 사진과 함께 가장 잘 알려져 있습니다. 그녀와 그녀의 남편(Robert Smithson) 작품의 창의적이고 호기심 많은 정신을 계승하기 위해 Holt는 2017년 Holt/Smithson 재단을 설립했습니다. 조각 작업을 통해 그들은 세상과 우리의 관계를 탐구하는 새로운 접근 방식을 만들었습니다.

리차드 롱(1945년생)

Land Art 운동에 참여한 유명한 영국 조각가는 Richard Long이었습니다. 1960년대 후반, 작가는 풍경을 새로운 방식으로 활용하고자 하는 열망에서 산책을 매개로 자연과의 직접적인 교감을 시작하였다. 반복적인 제스처의 연속이나 장기간의 단독 보행을 통해 예술의 언어와 열망을 전복하고 보다 기본적이고 친밀하며 근본적인 수준으로 가져오려는 오랜 시도를 했습니다. 그의 목표는 인간과 환경 사이의 순수한 대화의 가능성을 스스로 예증하는 것이 었습니다. 시간, 공간, 거리를 주제로 한 이 획기적인 개념적 대지미술 프로젝트는 거대한 규모로 확장된다.

앤디 골드워시(1956년생)

Andy Goldsworthy는 자연과 함께 작업하는 유명한 대지 예술 조각가이자 사진작가입니다. 그의 산출물은 영구 프로젝트와 임시 프로젝트로 분류할 수 있습니다. 후자는 수명 주기가 끝나면 사라지도록 설계되었으며 유기적이고 일시적인 구성 요소로 구성됩니다. 그는 나뭇가지, 잎사귀, 바위, 얼음으로 나선형, 원, 구불구불한 선을 포함하여 여러 가지 반복적인 디자인을 만듭니다. 이러한 이니셔티브의 중심에 있는 덧없음은 연약한 생태계와 지속적으로 변화하는 자연 환경을 반영합니다.

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