판매용 컨셉 아트

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종종 개념주의로 알려진 개념 예술은 기본 아이디어 또는 개념이 최종 제품보다 더 관련이 있는 예술입니다. 개념미술가들은 1960년대 중반부터 1970년대 중반까지 기존의 미술 관념을 근본적으로 거부하는 작품과 글을 창작했다.

아이디어를 전달하기 위해 개념 예술가들은 자신에게 가장 적합한 매체와 형식을 선택했습니다. 이것은 공연에서 글쓰기, 일상적인 물건에 이르기까지 무엇이든 닮을 수 있는 다양한 예술 작품으로 이어졌습니다. 예술가들은 눈에 보이지 않는 시스템, 구조, 프로세스, 언어적, 수학적, 프로세스 지향적 마음의 요소를 사용하여 개념으로서의 예술과 지식으로서의 예술의 가능성을 탐구했습니다. 설치라고도 하는 일부 개념 예술 작품은 일련의 서면 지침에 따라 누구나 간단하게 만들 수 있습니다.

예술적 능력의 문제는 개념 예술과 보다 "전통적인" 유형의 예술 제작 사이의 주요 차이점입니다. 전통 매체 사용에 대한 전문 지식이 개념 미술에서 작은 역할을 하는 경우가 많지만, 개념 작품이 항상 재능이 부족하거나 그것을 만드는 데 기술이 필요하지 않다고 주장하기는 어렵습니다.

개념 미술의 기원

Marcel Duchamp가 개념 미술을 창시한 것으로 널리 알려져 있습니다. "개념 미술"이라는 용어는 1960년대까지 만들어지지 않았지만 이 운동의 뿌리는 1917년 Marcel Duchamp가 배관 상점에서 소변기를 구입하여 뉴욕의 열린 조각 전시회에 조각품으로 출품한 것으로 유명합니다. 배심원단은 그것이 부도덕하다고 생각하고 그것을 예술로 받아들이지 않을 것이라고 생각했기 때문에 그 작품을 실격 처리했습니다. 뒤샹은 예술의 한계를 탐구하고 예술계를 비판함으로써 개념미술의 길을 개척했다. 나중에 미국 예술가 Joseph Kosuth는 1969년 에세이인 Art after Philosophy에서 뒤샹의 관련성과 이론적 중요성을 인정하면서 다음과 같이 말했습니다. "

플럭서스 운동의 구성원들은 이미 1960년대 초반부터 "컨셉 아트"라는 용어를 사용하고 있었습니다. 이 운동의 주요 목표는 모더니즘의 배타성에서 벗어나 예술에 대한 열린 태도를 촉진하는 것이었습니다. 플럭서스 운동에 참여한 예술가들은 대상에서 소리 또는 행동에 이르기까지 모든 것을 포함하도록 미학의 기준점을 확장하는 데 관심이 있었습니다. Fluxus는 의심할 여지 없이 개념 예술의 영향 중 하나이지만 항상 운동의 일부로 간주되지는 않습니다. 이는 개념주의와 견줄 수 있는 중요한 경향이었고, 그 실천가들은 흔히 개념미술가로 불린다.

부분적으로는 뉴욕의 유명한 미술 평론가인 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)가 묘사한 형식주의에 대한 반응으로 1960년대에 개념 미술이 하나의 운동으로 등장했습니다. 그린버그에 따르면 현대 미술은 지속적인 축소와 정제 과정을 통해 각 매체의 근본적이고 형식적인 성격을 확립하려는 목적을 추구했다. 이러한 성질에 반대되는 구성 요소는 최소화되어야 했습니다. 예를 들어, 그림이 하는 일은 그림이 어떤 종류의 대상인지를 적절하게 설명하는 것입니다.

많은 예술가 자신을 포함한 다른 사람들은 개념 예술을 그린버그의 형식주의 모더니즘 유형에서 근본적인 단절로 보았습니다. 어떤 사람들은 개념 예술이 사물의 필요성을 완전히 제거함으로써 예술의 이러한 "비물질화"를 확장했다고 제안했습니다. 후기 예술가들은 환상에 대한 혐오와 자기 비판적인 예술에 대한 선호를 동일하게 가지고 있습니다.

1960년대 말까지 예술을 각 매체의 매개변수 내에서 유지하고 관련 없는 주제를 배제하는 그린버그의 규칙이 더 이상 유효하지 않다는 것이 분명해졌습니다. 예술의 무대이자 중재자로서의 화랑이나 미술관, 그리고 예술의 소유자이자 판매자인 미술시장을 약화시키려는 노력으로 개념미술도 미술의 상업화에 대항했다.

언어 기반 예술

1960년대와 1970년대 초 개념미술가 1세대의 주요 관심사는 언어였다. 예술에서 텍스트를 사용하는 것이 새로운 것은 아니지만 Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry 및 Art & Language와 같은 예술가들이 언어를 통해서만 예술을 만들기 시작한 것은 1960년대가 되어서였습니다. 개념 예술가들은 브러시와 캔버스 대신 언어를 사용하고 언어가 다른 시각적 요소의 한 유형으로 묘사되고 전체 구성에 종속되었던 과거(예: 합성 입체파 ).

영국의 철학자이자 개념 예술 이론가인 Peter Osborne에 따르면 20세기 중반 영미 분석 철학과 구조주의 및 포스트 구조주의 대륙 철학 모두에서 언어적 의미 이론으로의 전환은 중력에 영향을 준 많은 요인 중 하나였습니다. 언어 기반 예술을 지향합니다. 이러한 언어적 변화는 개념 예술가들의 경로 선택을 "지원하고 합법화"했습니다. 오스본에 따르면 초기 개념주의자들은 예술 분야에서 학위 기반의 학업 교육을 이수한 1세대 예술가였습니다. 나중에 공개 강의에서 Osborne은 현대 미술이 개념 이후라고 말했습니다. 그것은 예술적 생산의 존재론과 관련하여 만들어진 주장이다(스타일이나 움직임의 서술적 수준에서 말하는 것이 아니라).

유명한 개념 예술가

조셉 보이스

1950년대부터 1980년대 초반까지 유럽과 미국에서 활동한 독일 예술가 요제프 보이스(Joseph Beuys, 1921~1986)는 당시 국제적인 개념미술과 플럭서스 운동으로 이름을 알렸다. Beuys의 광범위한 작업은 드로잉, 페인팅, 조각과 같은 전통적인 미디어뿐만 아니라 프로세스 지향 또는 시간 기반 "액션" 아트를 모두 포함하며, 그 퍼포먼스는 심리적, 사회적 문제를 해결할 때 예술이 치유 효과를 가질 수 있는 방법을 제안했습니다. , 또는 정치적 문제(아티스트와 청중 모두).

조셉 코수트

Joseph Kosuth(b. 1945)는 미국의 개념 예술가이자 이론가입니다. 1960년대 중반에 Joseph Kosuth는 개념 미술의 창시자 중 한 명으로 1970년대까지 번성하여 오늘날에도 계속 영향을 미치고 있는 중요한 운동으로 성장했습니다. 그는 아이디어와 이를 전달하는 데 사용되는 이미지 및 단어 사이의 관계를 조사했으며 모든 유형의 시각적 이미지 대신 단어를 사용하는 선구자였습니다. 그는 1970년대부터 인간이 단어를 경험하고 이해하고 반응하는 방식을 지속적으로 조사하는 다양한 장소 특정적 설치물을 제작했습니다.

솔 르윗

Sol LeWitt(1928 - 2007)는 미국의 개념 미술가이자 화가였습니다. 개념 운동에서 그의 주도적인 역할로 인해 그는 미술사 연대기에서 한 자리를 차지했습니다. 예술가의 창작 과정에 대한 그의 믿음은 근대에서 포스트모던 시대로의 전환에 결정적인 역할을 했습니다. LeWitt의 개념 예술에 대한 지적이고 실용적인 행위의 정의는 예술가의 작업에 추상 표현주의의 낭만주의와는 상당히 다른 새로운 측면을 제공했습니다. LeWitt의 예술 작품에는 창작 과정의 개념이나 구성 요소에 불과한 거의 전적으로 개념적인 창작물 외에도 조각, 회화 및 소묘가 포함되었습니다.

로버트 스미스슨

1960년대에 발전한 그룹의 다른 어떤 구성원보다 더 많은 젊은 예술가들이 Robert Smithson(1938–1973)의 영향을 받았습니다. 그는 공상 과학, 광물학, 천주교에 관심이 있는 재능 있는 예술가이자 작가였습니다. 그의 초기 작업에는 콜라주와 그림이 포함되었지만 1960년대 초반의 미니멀리즘과 개념주의에 대한 반응으로 곧 조각으로 관심을 돌렸습니다. 그는 또한 자신의 예술을 갤러리 외부와 풍경 속으로 가져오기 시작했습니다.

데미안 허스트

Damien Hirst(b. 1965)는 영국의 예술가이자 1990년대 예술의 아이콘이자 20세기 후반의 가장 큰 선동가이자 현대 미술사에서 분열적인 인물입니다. Hirst의 썩어가는 동물 시체의 잠재력을 알아보고 그에게 계속할 수 있는 거의 무제한의 현금을 준 광고계의 거물 Charles Saatchi는 젊고 본질적으로 알려지지 않은 예술가가 멀리 그리고 빠르게 성장하도록 도왔습니다.

죽음의 주제는 Hirst의 많은 작품을 지배합니다. 그는 상어, 양, 소를 포함하여 포름알데히드에 보존된, 때때로 해부된 죽은 동물을 특징으로 하는 일련의 작업으로 유명해졌습니다. 그들 중 가장 잘 알려진 것은 The Physical Impossibility of Death in the Mind of someone Living이라는 유리 전시 케이스에 담긴 4.3m 길이의 포름알데히드에 잠긴 호랑이 상어였습니다.

살아 있는 예술가로서 Hirst는 2008년 9월 자신의 오랜 갤러리를 건너뛰고 소더비 경매에서 자신의 전시회 전체인 Beautiful Inside My Head Forever를 판매하면서 역사를 창조했습니다. 이 경매는 1억 1,100만 파운드(1억 9,800만 달러)를 모금함으로써 단일 아티스트 경매 기록을 경신했습니다.

월터 드 마리아

Walter de Maria(1935 - 2013)는 미국의 조각가이자 개념 예술가였습니다. Walter de Maria는 인터랙티브 조각 설치물을 만들고 대규모 조각 작업에 대한 개념적 지원을 제공하여 1960년대 인기를 끌었던 여러 예술 활동 그룹을 연결했습니다. 후기 작품에서 그는 또한 시각적 측면을 환경 자체에 통합하거나 자연 요소를 갤러리 설정에 통합하여 시청자와 자연 세계 사이의 연결을 만들었습니다. 그의 가장 야심찬 작품은 물리적인 크기뿐만 아니라 전시 기간 측면에서도 매우 큰 규모였으며, 내부와 외부 모두 수십 년 동안 지속되었습니다.

제니 홀저

Jenny Holzer(b. 1950)는 미국의 신개념 미술가입니다. 그녀의 작업은 주로 공공 장소에서 아이디어와 단어를 전달하는 데 중점을 두며 대규모 설치, 광고 게시판, 건물 및 기타 구조물에 대한 프로젝션, 조명 전자 디스플레이를 포함합니다. Jenny Holzer의 텍스트 기반 작품은 티셔츠, 광고판, 주차 미터기 및 LED 표지판(Holzer의 트레이드마크 매체) 등 예상치 못한 곳에서 찾을 수 있습니다.

예술가이자 정치 활동가인 Holzer는 사람들이 불리한 출처의 정보를 수동적으로 소비하는 것을 막고자 합니다. 전 세계 공공 장소에 전시된 그녀의 작품의 야망과 규모는 그녀의 명성과 함께 확장되었습니다. 홀처는 모더니즘(본질적으로 전통에 대한 투쟁)의 시작부터 21세기까지 강력한 권력 냉소주의를 통해 예술계의 반권위주의자 대열에 합류한다.

로렌스 와이너

Lawrence Weiner(1942 - 2001)는 미국의 개념 예술가이자 개념주의 시대의 예술로서의 텍스트의 선구자 중 한 명입니다. 그의 단어 사용은 시, 현실 세계와의 기묘한 접촉, 독특하고 종종 활기차고 종종 유머러스한 시각적 형식으로 인해 주목할 만합니다. 노동 계급 예술가 Weiner는 자신의 그림을 관람자가 주변 세계, 특히 다른 사람 및 권력 체계와의 관계를 재평가하도록 초대하는 것으로 간주했습니다.

개념 예술가 인용문

솔 르윗

“개념 미술에서 아이디어나 개념은 작품의 가장 중요한 측면입니다. 예술가가 개념적 예술 형식을 사용한다는 것은 모든 계획과 결정이 사전에 이루어지고 실행이 형식적인 일임을 의미합니다. 아이디어는 예술을 만드는 기계가 됩니다.”

“새로운 재료는 현대 미술의 큰 고충 중 하나입니다. 어떤 예술가들은 새로운 재료와 새로운 아이디어를 혼동합니다.”

“예술가는 비평가들에게 생각해야 할 것을 가르칩니다. 비평가들은 예술가들이 가르치는 것을 반복합니다.”

"개념 미술에서 아이디어 또는 개념은 작업의 가장 중요한 측면입니다."

조셉 코수트

“모든 것이 예술이 될 수 있습니다. 예술은 관계들 사이의 관계이지 사물들 사이의 관계가 아니다.”

"모든 예술(Duchamp 이후)은 개념적으로만 존재하기 때문에 개념적입니다."

데미안 허스트

"예술가가 되려면 큰 자아가 필요합니다."

“박물관은 죽은 예술가들을 위한 곳입니다. 나는 Tate에서 내 작품을 보여주지 않을 것입니다. 당신은 저를 절대 그 자리에 두지 않을 것입니다.”

월터 드 마리아

"진정한 미니멀리스트가 되려면 자신이 거의 보이지 않아야 한다고 생각합니다."

"모든 좋은 작품에는 적어도 10가지 의미가 있어야 합니다."

제니 홀저

"카리스마 부족은 치명적일 수 있습니다."

“행복해지는 것이 무엇보다 중요합니다.”

"모든 것은 섬세하게 연결되어 있습니다."

"당신은 당신이 따르는 규칙의 희생자입니다."

로렌스 와이너

“내가 관심을 갖는 유일한 예술은 바로 이해하지 못하는 예술입니다. 당장 이해하면 향수 외에는 정말 아무 소용이 없습니다.”

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우리의 온라인 아트 갤러리는 전 세계의 신진 및 유명 예술가들의 독점적인 작품 pièces uniques 선택을 포함하여 온라인에서 가장 큰 원본 작품 컬렉션을 제공합니다. Artmajeur는 오늘날 가장 위대한 현대 예술가들의 그림, 조각 및 사진과 같은 수백만 점의 작품을 실제로 제공합니다!

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종종 개념주의로 알려진 개념 예술은 기본 아이디어 또는 개념이 최종 제품보다 더 관련이 있는 예술입니다. 개념미술가들은 1960년대 중반부터 1970년대 중반까지 기존의 미술 관념을 근본적으로 거부하는 작품과 글을 창작했다.

아이디어를 전달하기 위해 개념 예술가들은 자신에게 가장 적합한 매체와 형식을 선택했습니다. 이것은 공연에서 글쓰기, 일상적인 물건에 이르기까지 무엇이든 닮을 수 있는 다양한 예술 작품으로 이어졌습니다. 예술가들은 눈에 보이지 않는 시스템, 구조, 프로세스, 언어적, 수학적, 프로세스 지향적 마음의 요소를 사용하여 개념으로서의 예술과 지식으로서의 예술의 가능성을 탐구했습니다. 설치라고도 하는 일부 개념 예술 작품은 일련의 서면 지침에 따라 누구나 간단하게 만들 수 있습니다.

예술적 능력의 문제는 개념 예술과 보다 "전통적인" 유형의 예술 제작 사이의 주요 차이점입니다. 전통 매체 사용에 대한 전문 지식이 개념 미술에서 작은 역할을 하는 경우가 많지만, 개념 작품이 항상 재능이 부족하거나 그것을 만드는 데 기술이 필요하지 않다고 주장하기는 어렵습니다.

개념 미술의 기원

Marcel Duchamp가 개념 미술을 창시한 것으로 널리 알려져 있습니다. "개념 미술"이라는 용어는 1960년대까지 만들어지지 않았지만 이 운동의 뿌리는 1917년 Marcel Duchamp가 배관 상점에서 소변기를 구입하여 뉴욕의 열린 조각 전시회에 조각품으로 출품한 것으로 유명합니다. 배심원단은 그것이 부도덕하다고 생각하고 그것을 예술로 받아들이지 않을 것이라고 생각했기 때문에 그 작품을 실격 처리했습니다. 뒤샹은 예술의 한계를 탐구하고 예술계를 비판함으로써 개념미술의 길을 개척했다. 나중에 미국 예술가 Joseph Kosuth는 1969년 에세이인 Art after Philosophy에서 뒤샹의 관련성과 이론적 중요성을 인정하면서 다음과 같이 말했습니다. "

플럭서스 운동의 구성원들은 이미 1960년대 초반부터 "컨셉 아트"라는 용어를 사용하고 있었습니다. 이 운동의 주요 목표는 모더니즘의 배타성에서 벗어나 예술에 대한 열린 태도를 촉진하는 것이었습니다. 플럭서스 운동에 참여한 예술가들은 대상에서 소리 또는 행동에 이르기까지 모든 것을 포함하도록 미학의 기준점을 확장하는 데 관심이 있었습니다. Fluxus는 의심할 여지 없이 개념 예술의 영향 중 하나이지만 항상 운동의 일부로 간주되지는 않습니다. 이는 개념주의와 견줄 수 있는 중요한 경향이었고, 그 실천가들은 흔히 개념미술가로 불린다.

부분적으로는 뉴욕의 유명한 미술 평론가인 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)가 묘사한 형식주의에 대한 반응으로 1960년대에 개념 미술이 하나의 운동으로 등장했습니다. 그린버그에 따르면 현대 미술은 지속적인 축소와 정제 과정을 통해 각 매체의 근본적이고 형식적인 성격을 확립하려는 목적을 추구했다. 이러한 성질에 반대되는 구성 요소는 최소화되어야 했습니다. 예를 들어, 그림이 하는 일은 그림이 어떤 종류의 대상인지를 적절하게 설명하는 것입니다.

많은 예술가 자신을 포함한 다른 사람들은 개념 예술을 그린버그의 형식주의 모더니즘 유형에서 근본적인 단절로 보았습니다. 어떤 사람들은 개념 예술이 사물의 필요성을 완전히 제거함으로써 예술의 이러한 "비물질화"를 확장했다고 제안했습니다. 후기 예술가들은 환상에 대한 혐오와 자기 비판적인 예술에 대한 선호를 동일하게 가지고 있습니다.

1960년대 말까지 예술을 각 매체의 매개변수 내에서 유지하고 관련 없는 주제를 배제하는 그린버그의 규칙이 더 이상 유효하지 않다는 것이 분명해졌습니다. 예술의 무대이자 중재자로서의 화랑이나 미술관, 그리고 예술의 소유자이자 판매자인 미술시장을 약화시키려는 노력으로 개념미술도 미술의 상업화에 대항했다.

언어 기반 예술

1960년대와 1970년대 초 개념미술가 1세대의 주요 관심사는 언어였다. 예술에서 텍스트를 사용하는 것이 새로운 것은 아니지만 Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry 및 Art & Language와 같은 예술가들이 언어를 통해서만 예술을 만들기 시작한 것은 1960년대가 되어서였습니다. 개념 예술가들은 브러시와 캔버스 대신 언어를 사용하고 언어가 다른 시각적 요소의 한 유형으로 묘사되고 전체 구성에 종속되었던 과거(예: 합성 입체파 ).

영국의 철학자이자 개념 예술 이론가인 Peter Osborne에 따르면 20세기 중반 영미 분석 철학과 구조주의 및 포스트 구조주의 대륙 철학 모두에서 언어적 의미 이론으로의 전환은 중력에 영향을 준 많은 요인 중 하나였습니다. 언어 기반 예술을 지향합니다. 이러한 언어적 변화는 개념 예술가들의 경로 선택을 "지원하고 합법화"했습니다. 오스본에 따르면 초기 개념주의자들은 예술 분야에서 학위 기반의 학업 교육을 이수한 1세대 예술가였습니다. 나중에 공개 강의에서 Osborne은 현대 미술이 개념 이후라고 말했습니다. 그것은 예술적 생산의 존재론과 관련하여 만들어진 주장이다(스타일이나 움직임의 서술적 수준에서 말하는 것이 아니라).

유명한 개념 예술가

조셉 보이스

1950년대부터 1980년대 초반까지 유럽과 미국에서 활동한 독일 예술가 요제프 보이스(Joseph Beuys, 1921~1986)는 당시 국제적인 개념미술과 플럭서스 운동으로 이름을 알렸다. Beuys의 광범위한 작업은 드로잉, 페인팅, 조각과 같은 전통적인 미디어뿐만 아니라 프로세스 지향 또는 시간 기반 "액션" 아트를 모두 포함하며, 그 퍼포먼스는 심리적, 사회적 문제를 해결할 때 예술이 치유 효과를 가질 수 있는 방법을 제안했습니다. , 또는 정치적 문제(아티스트와 청중 모두).

조셉 코수트

Joseph Kosuth(b. 1945)는 미국의 개념 예술가이자 이론가입니다. 1960년대 중반에 Joseph Kosuth는 개념 미술의 창시자 중 한 명으로 1970년대까지 번성하여 오늘날에도 계속 영향을 미치고 있는 중요한 운동으로 성장했습니다. 그는 아이디어와 이를 전달하는 데 사용되는 이미지 및 단어 사이의 관계를 조사했으며 모든 유형의 시각적 이미지 대신 단어를 사용하는 선구자였습니다. 그는 1970년대부터 인간이 단어를 경험하고 이해하고 반응하는 방식을 지속적으로 조사하는 다양한 장소 특정적 설치물을 제작했습니다.

솔 르윗

Sol LeWitt(1928 - 2007)는 미국의 개념 미술가이자 화가였습니다. 개념 운동에서 그의 주도적인 역할로 인해 그는 미술사 연대기에서 한 자리를 차지했습니다. 예술가의 창작 과정에 대한 그의 믿음은 근대에서 포스트모던 시대로의 전환에 결정적인 역할을 했습니다. LeWitt의 개념 예술에 대한 지적이고 실용적인 행위의 정의는 예술가의 작업에 추상 표현주의의 낭만주의와는 상당히 다른 새로운 측면을 제공했습니다. LeWitt의 예술 작품에는 창작 과정의 개념이나 구성 요소에 불과한 거의 전적으로 개념적인 창작물 외에도 조각, 회화 및 소묘가 포함되었습니다.

로버트 스미스슨

1960년대에 발전한 그룹의 다른 어떤 구성원보다 더 많은 젊은 예술가들이 Robert Smithson(1938–1973)의 영향을 받았습니다. 그는 공상 과학, 광물학, 천주교에 관심이 있는 재능 있는 예술가이자 작가였습니다. 그의 초기 작업에는 콜라주와 그림이 포함되었지만 1960년대 초반의 미니멀리즘과 개념주의에 대한 반응으로 곧 조각으로 관심을 돌렸습니다. 그는 또한 자신의 예술을 갤러리 외부와 풍경 속으로 가져오기 시작했습니다.

데미안 허스트

Damien Hirst(b. 1965)는 영국의 예술가이자 1990년대 예술의 아이콘이자 20세기 후반의 가장 큰 선동가이자 현대 미술사에서 분열적인 인물입니다. Hirst의 썩어가는 동물 시체의 잠재력을 알아보고 그에게 계속할 수 있는 거의 무제한의 현금을 준 광고계의 거물 Charles Saatchi는 젊고 본질적으로 알려지지 않은 예술가가 멀리 그리고 빠르게 성장하도록 도왔습니다.

죽음의 주제는 Hirst의 많은 작품을 지배합니다. 그는 상어, 양, 소를 포함하여 포름알데히드에 보존된, 때때로 해부된 죽은 동물을 특징으로 하는 일련의 작업으로 유명해졌습니다. 그들 중 가장 잘 알려진 것은 The Physical Impossibility of Death in the Mind of someone Living이라는 유리 전시 케이스에 담긴 4.3m 길이의 포름알데히드에 잠긴 호랑이 상어였습니다.

살아 있는 예술가로서 Hirst는 2008년 9월 자신의 오랜 갤러리를 건너뛰고 소더비 경매에서 자신의 전시회 전체인 Beautiful Inside My Head Forever를 판매하면서 역사를 창조했습니다. 이 경매는 1억 1,100만 파운드(1억 9,800만 달러)를 모금함으로써 단일 아티스트 경매 기록을 경신했습니다.

월터 드 마리아

Walter de Maria(1935 - 2013)는 미국의 조각가이자 개념 예술가였습니다. Walter de Maria는 인터랙티브 조각 설치물을 만들고 대규모 조각 작업에 대한 개념적 지원을 제공하여 1960년대 인기를 끌었던 여러 예술 활동 그룹을 연결했습니다. 후기 작품에서 그는 또한 시각적 측면을 환경 자체에 통합하거나 자연 요소를 갤러리 설정에 통합하여 시청자와 자연 세계 사이의 연결을 만들었습니다. 그의 가장 야심찬 작품은 물리적인 크기뿐만 아니라 전시 기간 측면에서도 매우 큰 규모였으며, 내부와 외부 모두 수십 년 동안 지속되었습니다.

제니 홀저

Jenny Holzer(b. 1950)는 미국의 신개념 미술가입니다. 그녀의 작업은 주로 공공 장소에서 아이디어와 단어를 전달하는 데 중점을 두며 대규모 설치, 광고 게시판, 건물 및 기타 구조물에 대한 프로젝션, 조명 전자 디스플레이를 포함합니다. Jenny Holzer의 텍스트 기반 작품은 티셔츠, 광고판, 주차 미터기 및 LED 표지판(Holzer의 트레이드마크 매체) 등 예상치 못한 곳에서 찾을 수 있습니다.

예술가이자 정치 활동가인 Holzer는 사람들이 불리한 출처의 정보를 수동적으로 소비하는 것을 막고자 합니다. 전 세계 공공 장소에 전시된 그녀의 작품의 야망과 규모는 그녀의 명성과 함께 확장되었습니다. 홀처는 모더니즘(본질적으로 전통에 대한 투쟁)의 시작부터 21세기까지 강력한 권력 냉소주의를 통해 예술계의 반권위주의자 대열에 합류한다.

로렌스 와이너

Lawrence Weiner(1942 - 2001)는 미국의 개념 예술가이자 개념주의 시대의 예술로서의 텍스트의 선구자 중 한 명입니다. 그의 단어 사용은 시, 현실 세계와의 기묘한 접촉, 독특하고 종종 활기차고 종종 유머러스한 시각적 형식으로 인해 주목할 만합니다. 노동 계급 예술가 Weiner는 자신의 그림을 관람자가 주변 세계, 특히 다른 사람 및 권력 체계와의 관계를 재평가하도록 초대하는 것으로 간주했습니다.

개념 예술가 인용문

솔 르윗

“개념 미술에서 아이디어나 개념은 작품의 가장 중요한 측면입니다. 예술가가 개념적 예술 형식을 사용한다는 것은 모든 계획과 결정이 사전에 이루어지고 실행이 형식적인 일임을 의미합니다. 아이디어는 예술을 만드는 기계가 됩니다.”

“새로운 재료는 현대 미술의 큰 고충 중 하나입니다. 어떤 예술가들은 새로운 재료와 새로운 아이디어를 혼동합니다.”

“예술가는 비평가들에게 생각해야 할 것을 가르칩니다. 비평가들은 예술가들이 가르치는 것을 반복합니다.”

"개념 미술에서 아이디어 또는 개념은 작업의 가장 중요한 측면입니다."

조셉 코수트

“모든 것이 예술이 될 수 있습니다. 예술은 관계들 사이의 관계이지 사물들 사이의 관계가 아니다.”

"모든 예술(Duchamp 이후)은 개념적으로만 존재하기 때문에 개념적입니다."

데미안 허스트

"예술가가 되려면 큰 자아가 필요합니다."

“박물관은 죽은 예술가들을 위한 곳입니다. 나는 Tate에서 내 작품을 보여주지 않을 것입니다. 당신은 저를 절대 그 자리에 두지 않을 것입니다.”

월터 드 마리아

"진정한 미니멀리스트가 되려면 자신이 거의 보이지 않아야 한다고 생각합니다."

"모든 좋은 작품에는 적어도 10가지 의미가 있어야 합니다."

제니 홀저

"카리스마 부족은 치명적일 수 있습니다."

“행복해지는 것이 무엇보다 중요합니다.”

"모든 것은 섬세하게 연결되어 있습니다."

"당신은 당신이 따르는 규칙의 희생자입니다."

로렌스 와이너

“내가 관심을 갖는 유일한 예술은 바로 이해하지 못하는 예술입니다. 당장 이해하면 향수 외에는 정말 아무 소용이 없습니다.”

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