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동양 미술: 다양한 문화의 광범위한 창의성

아시아 미술의 역사를 구성하는 아시아 전역의 다양한 예술 전통이 있습니다. 중앙 아시아, 동아시아, 남아시아, 동남아시아 및 서아시아는 아시아 대륙의 가장 두드러진 부분입니다.

동아시아 예술은 중국, 일본, 한국의 문화로 구성되어 있는 반면, 중앙 아시아 예술은 유라시아 대초원의 투르크계 사람들의 작품이 지배합니다. 동남아시아 예술은 태국, 라오스, 베트남, 싱가포르, 인도네시아, 필리핀의 예술로 구성되며 남아시아 예술은 인도 아대륙의 예술을 말합니다. 근동 또는 서아시아의 예술에는 고대의 메소포타미아 예술과 현대의 이슬람 예술이 포함됩니다.

아시아 미술의 진화는 여러 면에서 서양 미술의 진화와 유사하다. 실크로드 예술의 전승, 발견과 식민화 시대의 문화교류, 인터넷과 세계화 등의 수단을 통해 문화가 뒤섞였다. 석기시대의 예술을 제외한다면 메소포타미아의 예술은 아시아에서 가장 오래된 예술이다.

중앙아시아 미술

현대의 키르기스스탄, 카자흐스탄, 우즈베키스탄, 투르크메니스탄, 아제르바이잔, 타지키스탄, 아프가니스탄, 파키스탄, 그리고 현대의 몽골, 중국, 러시아의 일부 지역은 모두 중앙아시아 지역으로 간주되어 풍부한 역사와 다양한 예술적 전통. 고대부터 중세까지의 중앙아시아 예술은 이 지역의 다양한 인구와 문화 유산을 보여줍니다. 중앙 아시아의 문화 유산은 이 지역의 예술적 유물에서 알 수 있듯이 놀라운 방식으로 이 지역의 다문화 구성을 반영합니다. 스키타이 예술, 그리스-불교 예술, 세린디아 예술, 심지어 현대 페르시아 문화까지 모두 이 복잡한 역사의 일부이며 실크로드를 통한 예술의 전달도 포함합니다.

정주 공동체 주변에서 혼합 경제를 실천한 이주하는 목동들은 기원전 2천년 후반부터 비교적 최근까지 중앙 아시아의 초원(카스피해에서 중국 중부까지, 러시아 남부에서 인도 북부까지)을 고향으로 불렀습니다. 이 목가적인 유목민들의 선사시대 '동물 스타일' 예술은 동물의 신화와 샤머니즘 의식뿐 아니라 정착 문화의 상징을 자신들의 관습에 통합하려는 개방성을 드러냅니다.

전 세계의 문화가 중앙아시아에서 만나 융합되어 중국과 지중해를 연결하는 고대 실크로드의 중추가 되었습니다. 기원전 3천년과 2천년 동안 성장한 공동체는 중앙 아시아와 인더스 계곡, 메소포타미아 및 이집트를 연결하는 광대한 무역 네트워크의 일부였습니다.

이슬람 예술은 최근 수세기 동안 서구 예술에 큰 영향을 미쳤지만 오래된 문화는 중국, 페르시아, 그리스의 예술과 유목민들 사이에서 등장한 동물 스타일을 포함한 다양한 출처에서 영감을 받았습니다. 대초원.

동아시아 미술

동아시아의 문화 관행에는 시각 예술, 문학, 중국, 한국, 일본의 공연 예술이 포함됩니다. 실용적인 목적이 없고 수작업이 필요 없다는 점을 감안할 때 회화와 서예만이 중국에서 '진정한 미술'의 지위를 부여받고 있다. 청동 주조 및 조각과 함께 조각, 도자기, 직물, 야금 및 칠기의 생산은 모두 공예품으로 간주됩니다. 전통적인 중국 건물은 거의 대부분 목재로 만들어지며 플랫폼, 기둥 및 상인방 프레임, 지붕 지지 브래킷 및 무겁고 경사진 지붕이 있습니다.

불교 도상학, 토착 일본 테마 및 전통, 중국 시각 예술을 포함한 세 가지 요소가 일본 시각 문화에 중요한 영향을 미쳤습니다. 7세기에 지어진 Hry 사원은 일본 건축의 특징이 될 비대칭 레이아웃을 사용한 최초의 건축물입니다. 상징적인 우키요에 판화로 발전한 다색 목판화와 16~18세기의 스크린 및 패널 그림은 자연으로부터의 추상화에 대한 일본 화가의 집착을 보여주는 대표적인 예입니다. 건축과 조각에 석재를 사용하고 정교한 청자 유약을 개발한 것은 한국의 예술에 대한 가장 두드러진 두 가지 공헌입니다.

세계 문헌 중 중국이 가장 긴 역사(3000년 이상)를 갖고 있다. 그 역사는 한국과 일본과 공유하는 문자 언어의 역사와 복잡하게 얽혀 있습니다. 발라드, 전설, 가면극, 인형극 텍스트, 판소리("이야기 노래") 텍스트는 모두 한국의 풍부한 구전 역사의 일부이며 한국에는 강력한 시(특히 향가 및 시조 형식)의 문어 전통이 있습니다. . 일본과 한국 모두 고유한 문자가 없었기 때문에 양국의 문학 전통은 중국에서 크게 차용되었습니다(일본의 음절 체계는 약 1000년에 나타났고 한국어 한글은 15세기에 개발되었지만). 특히 하이쿠 형식의 일본 시는 섬세한 감성으로 세계적으로 유명하며, 겐지 이야기와 같은 일본의 많은 문학적 보물과 함께 7세기까지 거슬러 올라갑니다.

동아시아 음악은 서양 음악과 마찬가지로 12음 어휘를 바탕으로 5음계를 만들었지만 그 기반이 뚜렷하다. 동아시아 앙상블은 상대적으로 작은 경향이 있으며 이 지역의 작곡가들은 일반적으로 조화의 복잡성보다 멜로디와 리듬을 우선시합니다. 동아시아 국가에서는 음악, 무용, 드라마가 종종 연결되어 있으며 동아시아 무용과 연극의 관련 범주에서 형태의 뚜렷한 진화의 증거가 없다는 점에 주목할 가치가 있습니다. 춤을 추는 행렬, 무용 경극(경희, 또는 "북경" 및 기타 중국 경극), 그림자 연극, 인형극, 음악과 무용을 사용한 대화극은 동아시아 공연 예술의 다양한 종류 중 극히 일부에 불과합니다(예: 일본 가부키). Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun 및 Murasaki Shikibu의 작품도 조사할 가치가 있으며, 이케바나, Jgan 스타일의 종이 접기, 두루마리 그림, shinden-zukuri, shoin-zukuri, sukiya 스타일, 덴퓨 스타일과 토리 스타일의 건축.

남아시아 미술

인도, 파키스탄, 방글라데시, 스리랑카의 예술은 종종 남아시아로 알려져 있습니다. 산스크리트어, 프크리트어 및 지역 언어로 된 고대 텍스트 문학의 과다는 공유된 문화적 윤리적 관점을 가지고 있는 것처럼 인도 아대륙의 사람들을 하나로 모으는 데 도움이 되었습니다. 수세기에 걸쳐 이 지역이 정치적 패턴의 만화경으로 나뉘었음에도 불구하고 아대륙 전체에는 공통된 음악 및 무용 전통, 의식 의식, 종교적 관습 및 문학적 사상이 있습니다.

Rmya와 Mahbhrata와 같은 남아시아의 서사시는 이 지역의 많은 사람들 사이의 복잡한 관계망에 대한 통찰력을 제공합니다. 멀리 떨어진 지역의 신과 영웅 사이에 가족 관계의 명백한 증거가 있으며 많은 지명 자체가 공유된 선례를 암시합니다. 또한 이 지역에 통일된 정치질서를 확립하기 위한 지속적인 노력이 있어왔다. 예를 들어 기원전 3세기에는 아오카 천황이 이 지역의 대부분을 통제했습니다. 서기 11세기에 차이의 라젠드라 1세는 인도와 동남아시아의 대부분을 점령했습니다. 그리고 16세기에 위대한 무굴 악바르(Mughal Akbar)도 같은 일을 했습니다. 국경은 남아시아 역사를 통해 성장하고 축소되어 공식적으로 완전한 지역으로 합류하고 분리되었지만 문화는 일관되게 유지되었습니다.

공유된 물리적 환경 때문에 이 지역의 산과 강의 아름다움에 대한 광범위한 인식이 있었습니다. 북쪽 국경을 따라 흐르는 히말라야는 세계에서 가장 높은 산으로 웅장함, 순수함, 깨끗한 눈이라는 문화적 이상을 나타냅니다. Brahmaputra와 Indus와 같은 강은 풍부한 물을 제공하기 때문에 해당 지역에서 "어머니"로 존경받습니다.

각각 ngas와 yaka로 알려진 물의 요정과 실반 요정이 이 지역의 호수와 샘에 서식한다는 믿음이 널리 퍼져 있습니다. 카슈미르의 초기 왕조 이름인 Karkoa는 그 자체로 nga 숭배를 상징합니다. 다양한 장소에서 발굴된 ngas 및 yaka 조각상과 같은 고대 종교 유물은 원시 억양을 잃지 않고 오랜 세월 동안 구두로 전승된 종교 문서와 마찬가지로 공통된 신앙 정신을 암시합니다. 파키스탄의 Gandhra, Bhrhut 및 Amarvat 도시에서 유사한 고전 무용을 묘사한 조각품을 찾을 수 있습니다.

남아시아에서는 한 가지만 전문화하기 전에 여러 가지 다양한 예술에 정통해야 합니다. 그림이나 춤과 마찬가지로 조각은 전 세계를 묘사하기 때문에 먼저 다른 예술 형식을 마스터하지 않고는 각 예술 형식에 능숙해질 수 없다는 것이 당연합니다. 춤은 움직임과 리듬을 통한 표현의 한 형태입니다. 따라서 음악적 리듬에 대한 이해가 중요합니다. 문학과 수사학에 대한 지식은 음악과 춤에서 감정을 불러일으키는 데 중요합니다. 음악, 춤, 조각 또는 그림에서 표현되는 풍미(rasa)는 문자에 대한 어느 정도의 친숙함이 필요합니다. 따라서 예술은 여러 수준에서 상호 연결됩니다.

남아시아의 예술은 그 자체로 훌륭한 여가활동으로 행해졌을 뿐만 아니라 더 높은 권력에 대한 헌신과 숭배의 행위로 행해졌다. 왕자가 작품에 결함이 있는지 검사하는 것에 대한 문학적 언급이 있습니다. 이론과 실천 모두에서 예술가의 업적과 야망은 8세기에 지어진 Pattadakal에 있는 Mallikrjuna 사원의 stra-dhra("건축가")의 이름을 언급하는 단일 비문에 의해 예시됩니다.

남아시아 문화는 오랫동안 예술가들에게 특권적 지위를 부여해 왔습니다. 궁정은 시인, 음악가, 무용수로 가득 찼습니다. 뛰어난 무용수는 Rjendra Ca로부터 칭찬을 받았고, 또한 Rjendra의 지원을 받은 Tiruvoiyr의 사원 건축가는 비문에서 건축과 예술에 대한 폭넓은 이해로 찬사를 받았습니다. 그러나 민속 예술과 고급 예술 사이에는 강한 연관성이 있었습니다. 예를 들어, 부족 집단 무용과 서양 고전 예술, 무용, 음악 사이에는 유사점이 존재했습니다. 인도 아대륙은 원형 조각(citra)과 양각 조각(ardhacitra)이 모두 중요한 위치를 차지하는 풍부한 예술적 역사를 가지고 있습니다.

"조각의 모습"으로 번역되는 Citrbhsa는 세 번째로 높은 예술 형식입니다. 5세기 시인 Klidsa의 드라마 한 구절은 그림의 모델링에 묘사된 높이와 깊이에 눈이 어떻게 굴러떨어지는지를 설명하며, 키아로스쿠로(즉, 모델링을 표현하기 위한 빛과 그림자의 사용)의 영향이 얼마나 필수적인지를 보여줍니다. . 대가들은 그림의 선 스케치를 가장 중요시하여 견고하고 우아하게 그려야 하며, 그 다음으로 남이 높이 평가하는 음영과 조형의 묘사, 여성미를 어필하는 장식적 요소, 색채의 화려함을 중요시한다. , 일반적인 취향에 호소합니다. 작은 그림으로 이렇게 많은 형태를 표현할 수 있다는 것이 매우 인상적입니다. 남아시아의 회화와 조각에서 성공적인 초상화의 문학적 사례가 많이 있으며, 이는 이 지역의 시각 예술에서 초상화의 중심성을 보여줍니다. 6세기에 쓰여진 Viudharmottara는 초상화를 자연적, 서정적, 정교함, 혼합의 네 가지 범주로 나눕니다. 또한 머리카락과 눈 모양 및 색상에 따라 다양한 유형의 사람들을 분류합니다. 여기에는 많은 예술적 관점에 대한 개요와 단축법의 기본에 대한 설명이 포함되어 있습니다. 시가 시인을 비추는 것처럼 그림과 조각은 만든 사람의 특성을 띠게 될 것이라고 생각했습니다.

남아시아가 외국의 영향에 노출된 오랜 역사에도 불구하고 이 지역은 항상 이러한 요소를 토착 관습으로 결합하는 방법을 찾아냈고, 단순한 복제물이 아닌 독특한 종합을 만들어냈습니다. 이것은 또한 당시(기원전 4세기) 그리스-로마 문화에 젖어 있던 파키스탄의 간드라 지역의 예술 작품에도 반영되어 있습니다. 인도의 모티브와 스타일을 지배적인 서양 스타일에 통합한 것은 이 시대 조각의 특징입니다.

서기 1세기 쿠샨의 침략 이후 외부의 영향이 분명히 유입되었지만 결국 토착 문화가 승리했습니다. 16세기부터 남아시아를 통치하고 중앙아시아의 이슬람교도들로 구성된 무굴 제국은 지배적인 인도 교육을 그 주제에 부과함으로써 이 지역을 문화적으로 통일했습니다. 이슬람 예술은 페르시아 샤의 궁정에서 예술가들을 불러들여 인도와 페르시아 스타일이 융합된 역사를 만든 두 번째 무굴 황제 후마인의 통치 아래 번성했습니다.

각 지역의 예술은 고유한 정치 구조, 도덕 및 윤리적 규범, 사회 구조를 반영합니다. 일찍이 기원전 3세기에 통치자들은 백성을 섬기고 거의 자손처럼 대우하려는 의지를 보였습니다. 4~6세기 북인도 굽타제국의 장엄한 주화에는 타의 추종을 불허하는 궁수, 통일자, 키가 크고 늠름한 고귀한 정신, 신민의 안녕을 위한 희생, 왕의 영웅으로서의 군주의 이상을 묘사하고 있습니다. 사람들 (위대한 코끼리에 그를 상상하는 사람). 정당한 정복과 정당한 전쟁을 묘사한 작품. 전쟁과 정복, 상징적인 말 희생, 왕의 회의, 외교적 환영, 평화 협상, 사원 건축, 미술품 감상(춤과 음악 포함), 왕의 대관식은 광범한 책에 묘사된 많은 정부 활동 중 일부일 뿐입니다. 4~9세기 남인도 팔라바 왕조의 역사를 묘사한 일련의 조각품.

법이나 의무를 규정하는 관습이나 법률을 강조하는 조각품이 도덕적 태도를 반영하는 것과 마찬가지로 도덕적 행위를 묘사하는 조각품도 마찬가지입니다. 아힘사의 원칙, 즉 타인에 대한 비폭력을 시각화하는 일반적인 방법 중 하나는 사슴의 이미지를 통해 이루어지며 일반적으로 신성한 장소의 이상은 사슴이 자유롭게 돌아 다니는 장소로 묘사됩니다. 작품은 종종 주제가 자신이나 다른 사람의 희생을 즐긴다는 장면을 묘사합니다. 세계 최초의 우화집 중 하나인 Paca-tantra의 이야기는 간단하지만 효과적인 방식으로 조각에 묘사됩니다. 남아시아 예술은 수 세대에 걸쳐 아대륙의 사회 구조에 스며든 경건, 믿음, 도덕 존중을 일관되게 묘사합니다.

동남아 미술

동남아시아의 예술에는 서면, 구두 및 시각 형식이 포함됩니다. 비록 인도 문화가 이 지역의 발전에 상당한 영향을 미쳤지만, 이 시대 이전의 몇 가지 공통된 특징이 있습니다. 바틱 직물, 가믈란 오케스트라, 와양 인형극과 같이 인도에서 파생되지 않은 예술 스타일은 여전히 인기가 있습니다. 토착 벼 재배, 야금술, 항해, 조상 숭배 및 산 숭배는 모두 일반적이었습니다.

동남아시아는 광활한 인도차이나 반도와 종종 동인도 제도로 알려진 이 지역의 다른 섬들을 포함합니다. 동남아시아는 본토와 섬의 두 부분으로 나눌 수 있습니다. 미얀마(버마), 태국, 라오스, 캄보디아, 베트남, 말레이시아, 싱가포르, 인도네시아, 필리핀이 이 지역을 구성하는 정부 기관입니다. 필리핀은 처음에는 동남아시아의 일부로 간주되지 않았지만 중국 및 일본과의 근접성 및 동남아시아 문화와의 밀접한 문화적 유사성으로 인해 현재 일반적으로 이 지역의 일부로 간주됩니다.

동남아시아의 모든 지역은 비슷한 기후와 지형을 공유하여 지역의 역사와 문화를 형성했습니다. 문화적으로 산에 사는 사람들은 계곡에 사는 사람들과 다른 경향이 있습니다.

원래 동남아시아 사람들은 선사 시대로 거슬러 올라가는 독창성 부족을 공유하고 다른 문화와의 상호 작용에서 "창조적"보다 더 "수용적"이라고 믿었습니다. 이후 미얀마와 태국의 발굴과 발견으로 인해 일부 학자들은 선사 시대에 문명이 중국에서 동남아시아로 옮겨갔다는 받아들여지는 이론에 반대하는 주장을 하게 되었습니다. 오히려 동남아시아 본토 사람들은 고대 중동 사람들과 거의 같은 시기에 식물을 재배하고 도기를 만들고 청동 작업을 하고 있었기 때문에 문명이 동남아 본토에서 중국으로 천 년 전에 전파되었다고 주장했습니다. 그들은 항상 아름다운 것을 만드는 실제적인 일에 더 관심이 있기 때문에, 동남아시아인들은 예술 이론, 문학 또는 드라마 비평의 풍부한 유산을 가지고 있지 않습니다.

특히 본토 서부 지역의 사람들이 비내구재를 작업했기 때문에 동남아시아에서 예술 형식의 생성과 진화를 차근차근 추적하는 것은 불가능합니다. 이 지역의 울창한 삼림 역사를 감안할 때, 목재는 미학적 이유로 가장 먼저 사용된 재료였을 것입니다. 금속과 석재에 대한 새로운 능력에도 불구하고 그들은 석조 조각과 석조 건축의 위대한 시대(13세기경)가 지난 후에도 계속 번성한 전통적인 목각 기법을 결코 버리지 않았습니다. 미얀마 서부 샨(Shan) 주에서 살윈 강(Salween River)을 따라 고고학자들은 집 기둥에서 후기의 나가 조각품과 눈에 띄게 닮은 선사 시대 동굴 그림을 발견했습니다. 동남아 전역에서 태양의 상징을 예술 모티브로 볼 수 있는 것과 나가 가옥의 처마 아래 조각이 인간의 머리를 얻은 것에 대한 경외, 승리, 기쁨을 암시하는 것과 마찬가지로, 후기 동남아시아의 미학 전통이 반향을 일으키고 있습니다. 태양과 인간의 두개골을 들고 열린 손바닥으로 한 쌍의 인간 손의 동굴 그림. 동굴 그림은 이 지역의 예술이 항상 마술과 관련된 과거와 얽혀 있다는 증거입니다.

이전에는 하노이 근처의 Dong Son에서 사용된 청동 북 주조 기술이 중국에서 시작되었다고 믿어졌습니다. 그러나 태국의 새로운 발굴은 북과 이른바 Dong Son 문명이 동남아시아 본토 토착이라는 것을 보여주었습니다. 그럼에도 불구하고 20세기 초까지 수천 년 동안 카렌이 주조한 청동 북은 동남아시아의 미학적 유산의 연속성을 보여줍니다. 동남아시아 본토의 산이 금, 은 및 기타 금속을 제공했기 때문에 금속 가공은 일찍부터 발전해야 했습니다. 동남아시아의 산악 민족은 정교한 은 단추, 벨트 및 장신구를 만들고 사용하는 오랜 역사를 가지고 있습니다. 직물 패턴은 동일한 미학적 계보를 따릅니다. 노래, 춤 및 기타 형태의 음악적 표현은 전통적으로 부족 의식에서 사용되었습니다.

동남아시아 전역의 통치자들의 지원 아래 예술은 번성했습니다. 그리스도께서 탄생하실 즈음에 부족 부족들은 쌀 생산자로 정착 생활을 한 후 공식적으로 도시 왕국이나 마을의 집합체로 조직되기 시작했습니다. 이러한 관점에서 왕은 부족의 최고 족장에 불과했습니다. 부족은 이미 영을 숭배하는 전통을 가지고 있었기 때문에 군주는 모든 사람의 신심의 대상이 될 새로운 신을 찾았습니다. 새로운 국가 신에 대한 이러한 열망은 동남아시아가 힌두교와 불교의 신들에게 개방되는 데 기여했습니다. 동남아시아의 왕들은 새로운 종교를 전파하는 책임이 있었기 때문에 이 지역의 사원은 1세기부터 13세기까지 황금기를 누렸습니다.

사원은 문화 활동의 중심지가 되었고, 사원의 벽은 건축, 조각, 종교 벽화의 캔버스가 되었습니다. 힌두교의 신성한 텍스트의 언어인 산스크리트 학자들은 동부 인도차이나와 섬의 고대 제국의 신하였으며 그곳에서 지역 산스크리트 문학을 창작했습니다. 위대한 힌두 서사시인 마하바라타와 라마야나를 통해서만 이 문학적 노력이 서민들에게 전해졌습니다. 힌두교의 신, 악마, 권력자들에 대한 이야기는 산스크리트 경전이 손이 닿지 않는 일반 사람들에게 힌두교를 설명하는 데 필수적이었습니다. 8세기 이전에 번성했던 퓨-버마 제국의 프로메(Prome) 제국에서 반도 전역에서 그러한 발전이 일어나지 않은 이유는 두 가지였습니다. 첫째, 힌두교가 버마에서 널리 받아들여지지 않았고, 둘째, 더 개방적인 버마 사회가 신왕도, 세습 귀족도 아니다.

후기 이교도 왕들은 팔리어 전문가들에게 둘러싸여 있었지만 팔리어 연구는 궁전이 아니라 왕국 전역의 수도원에서 수행되어 가장 먼 마을에도 부처님의 가르침을 전했습니다. 전 세계의 승려와 학자들이 팔리어를 공부하기 위해 이교도를 여행한 반면, 캄보디아와 자바의 왕궁은 산스크리트어 연구의 지역 중심지에 불과했습니다. 인도 서사시가 대중에게 힌두교를 설명하는 데 사용되는 것처럼 자타카(부처의 탄생) 이야기는 팔리어 경전을 읽을 수 없는 일반 사람들에게 불교를 설명하는 데 사용되었습니다. 캄보디아와 자바의 사원은 위대한 서사시의 사건을 묘사하는 것과 마찬가지로 자타카의 장면을 묘사한 조각과 프레스코로 장식되었습니다.

마자파힛 왕조 이후 동남아시아 섬에 이슬람이 도래하면서 이미 존재하는 토착민과 힌두-불교 문화 위에 세 번째 문화 계층이 세워졌습니다. 새로운 버마 제국은 고대의 잿더미에서 발전하여 동남아시아 본토에 불교를 전파하는 사명을 수행했습니다. 18세기에 버마의 시암 침공은 힌두 문화를 가져왔고, 이는 버마 연극의 발전을 촉진하는 데 도움이 되었습니다. 중국에 의해 재정복된 반도 반대편의 베트남은 점점 중국 문화의 영향을 받게 되었습니다. 짧은 이슬람 문화의 전성기에 이어 동남아시아 섬나라의 원주민들은 외국의 지배에 굴복할 수밖에 없었다. 버마와 시암에서만 강력한 왕국으로 수년간의 싸움에서 등장한 동남아시아의 두 정부가 토착 예술이 계속 번성했습니다.

종교와 국가 역사는 오랫동안 동남아시아 예술의 중심이었습니다. 부처와 힌두교의 신들의 삶과 성격을 제외하고는 종교 교리가 주요 관심 대상이 아니었습니다. 대제국이 멸망한 후에도 영광과 힘에 대한 기억이 지속되자 국가 역사에 새로운 주제가 등장했습니다. 바로 과거의 전설적인 영웅에 대한 숭배였습니다.

불상은 시간이 지남에 따라 진화했지만 예술가들에게는 계속 인기 있는 주제였습니다. 작가 자신의 당대 장면을 배경으로 지역색을 도입하는 것 외에도 프레스코와 부조 조각으로 그의 전생을 묘사하는 것은 사람들에게 불교 윤리를 가르치는 목적으로 사용되었습니다. 전생의 부처.

예술가에게 비슷한 기회를 제공하고 유사한 기능을 수행한 힌두교 서사시의 사건 묘사에서도 마찬가지였습니다. 시간이 지남에 따라 신과 여신, 영웅과 공주, 은둔자와 마술사, 악마와 용, 하늘을 나는 말과 날개 달린 소녀 등과 같은 불교와 힌두교의 경전 인물들이 유사한 토착 인물들과 합쳐지고 민담이 동화에 통합되었습니다. 전반적인 종교적 주제.

나가가 불교와 힌두 경전에서 차용되어 국가적 유사체와 융합되었을 때 초인간적인 정신의 일종인 나가에 대한 다양한 표현이 세계 여러 지역에서 나타났습니다. 버마의 나가는 머리에 독특한 볏이 있습니다. 몬족에게 나가는 악어였지만 크메르족과 인도네시아 사람들에게는 머리가 아홉 달린 뱀이었다.

동남아시아의 악마들은 팔리어-산스크리트어 야카(yakkha) 또는 야크샤(yaksha)로 함께 분류되었지만, 그들의 독특한 정체성은 각 나라의 조각과 그림에서 보존되었습니다. 몬순 숲에 익숙하지 않은 사자는 그럼에도 불구하고 힌두교 및 불교 신화의 신들과 관련이 있기 때문에 인기 있는 토착 상징이자 주제가 되었습니다. 크메르 제국이 다산의 신으로 뱀룡을 숭배하는 관습을 버린 후에도 머리가 아홉 달린 나가는 보호와 왕권의 상징이 되었고 석조 나가가 왕궁과 신성한 사원을 경계하고 있었습니다. 나가 숭배는 불교도들에게 눈살을 찌푸리게 했습니다.

버마와 몬 예술사를 통틀어 나가는 항상 부처에게 복종하는 역할로 묘사되어 왔으며, 종종 그의 코일에서 부처를 위한 자리를 만들거나 그의 거대한 후드를 올려서 그를 요소로부터 보호했습니다. 몬 사원의 수호상은 전통적으로 두 개의 몸과 하나의 인간 머리를 가진 사자로 묘사된 반면, 버마 사원의 수호상은 전통적으로 볏이 있는 사자로 묘사되었습니다. 크메르와 몬 나가 예술 전통을 계승한다는 타이의 주장에도 불구하고, 선한 악마는 그 문화에서 사원 수호자 역할을 했습니다.

인도 동물은 예술에 들어온 고대 상징주의와 동물 이미지의 일부가 되었습니다. 예를 들어, Mons는 빨간 sheldrake를 상징으로 선택했고, Burmese는 불교 신화에서 공작이 태양과 관련이 있다는 이유로 태양을 가장 좋아하는 새인 공작으로, 인도네시아에서는 Garuda라고 불리는 신화의 새, Vishnu의 차량은 현지 독수리와 합병되었습니다. 이 새들의 묘사는 장식용으로 사용되었습니다. 한때 동남아시아 주택의 초가 지붕과 나무 벽을 장식했던 동물의 양식화된 버전이 더 호화로운 궁전과 사원으로 향했습니다. 몬순 숲의 나무, 과일, 꽃의 디자인은 인도 꽃 패턴과 고대 기하학적 모티브와 결합되었습니다.

동남아시아 예술은 인도를 제외한 다른 지역의 예술과 완전히 다릅니다. 버마는 역사적으로 중국과의 중요한 무역 링크였지만 놀랍게도 전통적인 버마 예술에는 중국의 영향이 없습니다. 타이족은 중국의 예술적 전통을 가지고 동남아시아에 늦게 도착했지만 크메르족과 몬족에게 유리하게 그러한 관습을 빠르게 포기했습니다. 오늘날, 그 초기 접촉의 유일한 흔적은 사원의 건축적 특징, 특히 가늘어지는 지붕과 칠기에서 볼 수 있습니다.

베트남은 천 년 동안 중국의 식민지였기 때문에 중국 문화는 베트남 미술에 영향을 미쳤습니다. 현대 베트남 남부의 힌두교에 대한 고고학적 증거는 15세기에 베트남이 점령한 고대 참파 왕조 시대로 거슬러 올라갑니다. 중국의 영향은 북부 베트남 불상에서 볼 수 있습니다. 캄보디아와 인도네시아의 사찰릉을 베트남 황제의 고분과 비교하거나 베트남의 호화롭고 위엄 있는 불상을 캄보디아, 버마의 고행하고 고상한 불상과 비교하면 동아시아 예술과 양식의 미학적 목적과 양식의 근본적인 차이를 드러낸다. 동남아 사람들. 동물과 인간의 형상을 거부하고 일상 세계의 환상적 아름다움 이면의 현실을 드러내고자 하는 이슬람 예술도 동남아시아 예술과 거의 공유하지 않습니다. 동남아시아의 예술은 관능적인 세계가 환상적이고 무상하다는 힌두교와 불교의 가르침을 무시했습니다.

동남아 미술은 현실과 환상이 공존하며 삶에 대한 긍정적인 시선이 작품마다 스며든다. 일부 사람들은 고전 크메르와 인도네시아 예술이 신들의 일상을 표현하는 데 중점을 두었지만 동남아시아의 관점에서 신들의 일상은 즐겁고 소박하며 신성한 것과 같았습니다. 동남아시아의 예술은 "예술을 위한 예술"이라는 유럽의 개념을 반영하지 않았을 뿐만 아니라 유럽의 예술을 세속적 범주와 종교적 범주로 나누는 것도 반영하지 않았습니다. 웅장한 사원과 옻칠 접시를 장식하는 동일한 주제가 버마 남자의 허벅지에 문신으로 새겨졌습니다. 동남아 예술가는 유럽 예술가들과 달리 모든 해부학적 측면에서 정확성에 신경을 쓰지 않았기 때문에 모델을 사용할 필요가 없었습니다. 환상적인 요소의 사용과 인간 생활의 선을 축하하는 스트레스는 동남아시아 예술을 차별화하는 요소입니다.

일본 미술에 집중하다

고대 도자기와 조각, 실크와 종이에 수묵화와 서예, 우키요에 그림과 목판화, 도자기와 종이접기에 이르기까지 "일본 미술"이라는 우산 아래에 있는 다양한 예술 형식과 매체가 있습니다. 현대 만화와 애니메이션. 기원전 10000년경 일본에서 인간 존재의 첫 징후부터 현대에 이르기까지 일본은 풍부하고 다양한 역사를 가지고 있습니다.

일본은 외국 사상의 빠른 유입과 다른 세계로부터의 오랜 고립을 경험했습니다. 일본인은 미학적으로 기쁘게 생각하는 다른 문화의 측면을 동화하고 적용한 오랜 역사를 가지고 있습니다. 7세기와 8세기에 일본에서는 불교의 전파에 따라 정교한 예술이 탄생했습니다. 9세기에 일본인이 중국에서 멀어지고 고유한 표현 스타일을 발전시키면서 세속 예술이 두각을 나타내게 되었습니다. 그때부터 15세기 후반까지 종교 예술과 세속 예술이 모두 번성했습니다. 일본에서 닌 전쟁(1467-1477)이 발발했을 때, 그것은 한 세기가 넘는 정치적, 사회적, 경제적 격변을 가져왔습니다. 도쿠가와 막부의 숙청에서 살아남은 예술 작품은 대체로 세속적이었고 종교는 일상 생활에서 훨씬 작은 역할을 했습니다. 서양식의 갑작스러운 도입은 메이지 시대(1868-1912)에 중요한 사건이었습니다.

일본에서는 아마추어와 전문가 모두 그림을 예술 표현의 주요 형식으로 사용합니다. 일본인은 근대까지 펜 대신 붓을 사용했기 때문에 회화의 가치와 미학에 특히 동조했습니다. 에도 시대에는 목판화가 주요 예술 형식이 되었고 생생한 판화를 만드는 데 사용된 방법은 성장하는 대중 문화의 요구에 맞게 개선되었습니다. 이 기간 동안 전통적인 일본 불교의 종교적 중요성이 약해지면서 일본인은 조각이 자신의 창조적 비전을 표현하는 데 덜 매력적인 매체라는 것을 알게 되었습니다.

일반적으로 일본 도자기는 최고 수준의 예술적 품질을 가지고 있으며 일본의 초기 유물 중 일부를 포함하고 있다는 데 동의합니다. 일본의 도자기 수출은 여러 시기에 중요한 경제 활동이었습니다. 마키에(maki-e)로 정교하게 장식된 일본 칠기는 오랫동안 유럽과 중국으로 인기 있는 수출품이었으며 이러한 경향은 19세기 내내 계속되었습니다. 일본의 전통 건축은 천연 재료와 실내외 생활의 통합을 두드러지게 특징으로 합니다.

일본 판화

우키요에(일본식 목판화)는 서양에서 인기를 얻고 있습니다. 그들의 이름은 주제를 설명하는 "떠있는 세계의 그림"이라는 문구에서 따왔습니다. 행복은 덧없고 욕망이 없을 때 비로소 깨달음을 얻을 수 있다는 불교의 믿음은 그들의 우뚝 솟은 무중력 그림에 영감을 주었습니다.

봉건 일본의 쇼군은 에도 지역(현대의 도쿄)에서 시작된 일본 판화의 발전에 중요한 역할을 했습니다. 문자 그대로 "외딴 또는 폐쇄 된 국가"를 의미하는 사코쿠 정책에 따라 일본은 나머지 세계와 단절했습니다. 1853년 미국 장군 페리가 일본을 방문하여 메이지 정부와 협상을 했습니다. 페리가 에도를 방문했을 때 번성했던 현대 미술 형식인 우키요에(Ukiyo-e)의 많은 판화가 도시의 보도에서 판매되고 있었습니다.

일본 역사와 전설의 장면은 가부키 공연자의 초상화, 극장의 장면, 사랑에 빠진 커플, 유명한 창녀, 풍경과 마찬가지로 우키요에에서 자주 묘사되었습니다. 서양에서 온 여행자들은 우키요에 판화를 즉시 좋아하게 되었기 때문에 우키요에 판화를 가지고 집으로 가져와 일본의 독특한 예술 스타일을 세계에 소개한 것은 놀라운 일이 아닙니다.

우키요에 예술 판화는 이미지를 블록에 거꾸로 새긴 후 먹물이 묻은 목판을 종이에 눌러 만들어졌습니다. 인쇄가 처음 시작되었을 때 모든 것이 흑백으로 이루어졌습니다. 오코무라 마사노부(Okomura Masanobu)와 스즈키 하루노부(Suzuki Harunobu)는 색상별로 별도의 블록이 필요한 컬러 목판 인쇄 분야의 개척자였습니다.

윤곽을 위한 키 블록과 각 색조에 대한 개별 블록이 필요했습니다. 또한, 하나의 블록에서 적은 수의 인쇄물이 만들어질 수 있기 때문에 상당한 수의 사본을 인쇄하려면 상당한 수의 블록을 조각해야 합니다. 작가는 일본 미술 판화 제작에 관련된 많은 전문가 중 한 명에 불과했습니다. 다른 사람들은 디자이너, 금형 기획자, 금형 절단기 및 금형 프레스를 포함했습니다.

1912년경 우키오에의 분파(Offshoots of Ukio-e)로 알려진 판화 운동이 쇠퇴하기 시작했지만, 그 공백을 메우기 위해 곧 두 개의 다른 판화 학교가 형성되었습니다. Sosaku Hanga와 Shin Hanga는 두 가지 이름입니다. 인쇄 과정에 대해 두 가지 학파가 있습니다. 즉, 예술가가 모든 단계에서 중심적인 역할을 해야 한다는 소사쿠 한가와 더 전통적이고 발행인이 가장 중심적이라는 신한가는 매우 다릅니다. 아티스트는 디자인, 차단 및 인쇄를 책임질 수 있습니다.

우키요-화 판화를 사고 팔려면 이 매혹적인 예술 형식을 제대로 감상하고 감상하기 위해 몇 가지 일본어 용어를 아는 것이 중요합니다. 일본 판화를 언급할 때 "아토즈리"라는 용어는 초기 인쇄가 끝난 후에 인쇄되었지만 여전히 원래 목판을 사용했음을 나타냅니다. 쇼즈리 판화는 초판이고 후코쿠 판화는 사본입니다. 예술가 서명과 판화 판 번호는 일반적으로 20세기 후반까지 일본 판화 과정의 마지막 단계에 포함되지 않았습니다. 대신, 각 판화에는 제작자와 발행인 및 조각가의 이름이 적힌 우표가 있었습니다.

그러나 유럽인들이 일본의 독특한 문화에 대해 알게 되면서 일본의 모든 것에 대한 유행이 나타났고 1860년대 후반에 일본 미술 판화가 대량으로 대륙으로 보내졌습니다. 일본의 출판사들은 급증하는 수요를 충족시키기 위해 더 유명한 목판화의 복제품을 생산해야 한다는 것을 재빨리 깨달았습니다.

어떤 인쇄물이 진품이고 어떤 인쇄물이 우표 및 기타 주변부로 인해 복제된 것인지 쉽게 구분할 수 있습니다. 문서의 독창성은 종종 종이와 색상 상태에 의해 결정될 수 있습니다. 보통의 미술 수집가는 일본어 문자를 읽을 수 없기 때문에 정통 일본 미술 판화를 구입하기 전에 전문가의 조언을 구해야 합니다.

중국 꽃 예술 의미에 초점

신석기 시대부터 중국의 예술가들은 작품에 식물을 묘사했습니다. 꽃, 새, 곤충은 단순히 아름답기 때문이 아니라 장식용으로 사용됩니다. 그들은 또한 풍부한 의미를 지니고 있습니다. 송나라(960-1279) 동안 "새와 꽃"이라는 제목의 그림 수가 급증하면서 중국 미술에서 중요한 주제로 꽃 이미지의 위상이 공고히 되었습니다. 이 주제는 두루마리 그림 외에도 도자기, 칠기, 옥 조각, 직물, 가구 등을 포함한 다양한 3차원 작품에서 볼 수 있습니다.

우리는 봄을 맞이할 준비를 하면서 19세기 AGGV의 아시아 미술 컬렉션에서 엄선된 그림을 살펴봄으로써 중국 미술에서 꽃의 상징성을 검토할 것입니다. 이 앨범의 삽화는 모두 실제 동식물을 기반으로 한 꽃과 나비의 즉석 표현입니다. 이 조합은 18세기에 생일 선물로 특별히 주문한 상품에 처음 등장했을 가능성이 큽니다. 나비 rebuses는 한 번에 여러 좋은 소원을 표현하는 데 사용할 수 있습니다. 장수와도 직결되는 이 아이템들은 생일을 상징하는 훌륭한 상징물입니다. 도교에서 나비는 영혼의 구속을 의미했습니다. 꽃은 많은 긍정적인 것을 나타내며, 이러한 예술 작품에 포함된 꽃은 긍정적인 의미를 더합니다.

전쟁으로 비극적으로 갈라진 두 연인에 관한 중국 민담에 따르면, 양귀비는 낭만적인 관계에서 파트너 사이의 충실함과 충성심을 나타냅니다. 군인 남편이 죽은 후 아내가 스스로 목숨을 끊은 곳에서 자라난 양귀비를 중심으로 이야기가 전개됩니다.

화카이후구이(huakaifugui)라는 표현은 중국 설날(1월 하순~2월 중순)에 피는 동백을 집안을 아름답게 꾸미는 데 활용하여 내년에 행운을 맞이한다는 의미입니다. 유럽에서 장미를 오랫동안 좋아했기 때문에, 꽃은 다른 곳에서 판매하기 위한 품목에 자주 묘사됩니다. 중국장미는 일 년 내내 자주 피기 때문에 '영원한 봄꽃'이라는 이름이 붙게 되었습니다.

모닝 프라이드. 밝은 자주색으로 피는 나팔꽃 관형 꽃은 원래 15세기 명나라 청화백자에서 장식적인 요소로 사용되었습니다. 꽃은 결혼의 행복을 상징한다고 합니다. 중국에는 다양한 종류의 진달래가 서식하고 있으며 각각 고유한 개화 시기가 있습니다. 진달래는 나비와 짝을 이루어 '창의적인 예술인'이라는 의미를 내포하고 있어 예술에 널리 퍼져 있는 여성미를 상징합니다.

호기심: 오리엔탈리즘이란 무엇인가?

오리엔탈리즘(Orientalism)은 동양의 요소를 모방하거나 정형화하는 관행을 말하며, 미술사, 문학, 문화 연구 분야에서 찾아볼 수 있다. 서양 작가, 디자이너 및 화가는 이러한 묘사에 가장 자주 책임이 있습니다. 19세기에 유행했던 학문적 예술의 다양한 하위장르 중에서 중동을 보여주는 데 초점을 맞춘 오리엔탈리즘 회화가 가장 두드러진 것 중 하나였다. 마찬가지로 당시의 서양 문학은 동양의 이국성에 대한 예리한 관심을 보였다.

1978년 에드워드 사이드(Edward Said)의 오리엔탈리즘(Orientalism)이 출판된 이후 학계에서는 "오리엔탈리즘(Orientalism)"이라는 용어가 보편화되었습니다. 이 용어는 아시아와 아프리카 문화에 대한 경멸적인 서구의 관점을 설명하는 데 사용됩니다. 사이드에 따르면 서구는 이러한 문화를 정체되고 저개발된 것으로 본질화하여 제국의 권위를 위해 연구, 묘사 및 재생산할 수 있는 동양 문화의 그림을 만듭니다. 사이드가 지적한 바와 같이, 이 거짓은 서구 사회가 진보적이고, 지적이고, 적응력 있고, 우월하다는 가정에 근거합니다. 이것은 서양인에게 "동양" 문화와 사람들을 이국적이고 위험한 것으로 상상할 수 있는 자유를 줍니다.

"오리엔탈리즘"이라는 용어는 19세기 전반에 걸쳐 서양 예술가들이 서아시아를 탐험한 결과 동양의 주제와 모티브에 초점을 맞춰 창작한 작품의 본체를 설명하기 위해 미술사에서 사용됩니다. 당시 예술가와 학자들은 종종 프랑스 미술 평론가 Jules-Antoine Castagnary가 대중화한 용어인 "동양주의자"라는 조롱의 대상이 되었습니다. Jean-Léon Gérôme을 명예 회장으로 둔 프랑스 동양화가 협회는 이 장르에 대한 광범위한 사회적 승인에도 불구하고 1893년에 설립되었습니다. 대조적으로, 영국에서 "Orientalist"는 단순히 "예술가"를 의미했습니다.

예술가들의 관점은 19세기 말에 프랑스 오리엔탈리스트 화가 협회가 설립되면서 바뀌었습니다. 19세기 운동의 전성기 동안 수많은 독특한 오리엔탈리즘 회화 스타일이 등장했지만 "동양주의 회화"라는 용어는 일반적으로 학술 예술의 단일 하위 장르를 지칭하는 데 사용됩니다. 많은 미술사가들은 오리엔탈리스트 화가를 두 가지 범주로 분류합니다. 직접적인 관찰을 통해 그린 화가와 스튜디오에서 환상적인 배경을 만든 화가입니다. 일반적으로 오리엔탈리즘 운동의 가장 저명한 인물은 Eugène Delacroix(1798-1863)와 Jean-Léon Gérôme(1824-1904)와 같은 프랑스 예술가들이라는 데 동의합니다.

프랑스 오리엔탈리즘

1798-1801년 나폴레옹의 비참한 이집트와 시리아 침공은 프랑스 오리엔탈리즘 회화에 영향을 주었고, 그로가 군대와 함께 중동으로 여행하지 않았다는 사실에도 불구하고 그 후 몇 년 동안 나폴레옹의 궁정 화가, 특히 앙투안 장 그로에 의해 기록되었습니다. . 자파의 전염병 희생자를 방문하는 보나파르트(1804)와 아부키르 전투(1806)는 모두 당시 황제였던 것처럼 황제를 중심으로 하고 있지만 많은 이집트인도 등장합니다. 피라미드 전투에서 덜 성공한 나폴레옹에게도 많은 이집트인이 있습니다(1810). 또한 Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson의 La Révolte du Caire(1810)도 중요했습니다. 프랑스 정부는 1809년과 1828년 사이에 이집트의 고대 유물에 대한 설명으로 20권을 제작했습니다.

그리스나 동방에 발을 들이기 전에 외젠 들라크루아는 그의 친구 테오도르 제리코의 메두사의 뗏목처럼 최근의 비극을 멀리 떨어진 곳에서 묘사한 키오스 학살(1824)로 그의 첫 번째 주요 히트작을 남겼습니다. 여론. 그리스인들은 여전히 오스만 제국으로부터의 자유를 위해 고군분투하고 있었지만, 그 나라는 제국의 극동 지역만큼이나 이국적이었습니다. 그 후 들라크루아는 전년도에 있었던 포위 공격을 기념하기 위해 미솔롱기 유적에 그리스(1827)를 그리고 바이런 경의 영감을 받아 최초의 예술 작품이라고 전해지는 사르다나팔루스의 죽음(1828)을 그렸습니다. 섹스, 폭력, 게으름, 이국주의를 결합합니다. 1832년 모로코 술탄에 대한 외교 임무의 일환으로 들라크루아는 마침내 프랑스가 새로 점령한 영토인 현재의 알제리로 여행을 떠났습니다. 북아프리카의 생활 방식과 고대 로마인의 생활 방식을 유사하게 그리는 목격담에 깊은 감명을 받았고, 프랑스로 돌아온 후에도 여행에서 주제를 계속 그렸습니다. 그의 많은 이미지에는 유대인이나 말을 탄 전사가 등장했는데, 그 이유는 이후의 많은 오리엔탈리스트 화가들처럼 여성을 묘사하는 것이 어렵다는 것을 알았기 때문입니다. 다음과 같은 하렘 장면은 사실주의에 대한 동일한 주장을 할 수 없었지만 분명히 알제의 여성이 된 것을 스케치하기 위해 집의 여성 숙소(또는 하렘)에 접근할 수 있었습니다.

프랑스인 Académie de peinture의 감독 Ingres는 터키식 목욕탕(모두 같은 모델이었을 수도 있음)을 생생하게 묘사하면서 여성 인물을 모호하게 일반화하여 에로틱한 동양을 대중화했습니다. 신비한 동양에서는 섹슈얼리티의 더 노골적인 표현이 용인되었습니다. 앙리 마티스(Henri Matisse)의 니스(Nice) 시대 반 누드 그림과 동양 의상과 패턴의 사용은 20세기 초까지 이 주제를 계속해서 사용한 예입니다. 증기선은 여행을 훨씬 쉽게 만들었고 많은 예술가들이 중동과 그 너머를 방문하여 광범위한 동양 장면을 그렸습니다. 동방을 방문하기 전에 앵그르의 제자인 테오도르 샤세리오(Théodore Chassériau, 1819-1856)는 누드 에스터의 화장실(1841, 루브르)과 콘스탄틴의 칼리프이자 로마의 추장인 알리 벤하메의 승마 초상화로 이미 성공을 거두었습니다. 그의 호위가 뒤따르는 하락타스

이 작품들 중 많은 부분이 동양에 대한 고정 관념적이고 이국적이며 성적인 묘사를 영속화했습니다. 이 유형의 예술 작품은 종종 아랍, 유대 및 기타 셈족 문화에 초점을 맞추었는데, 이는 프랑스 화가들이 이 지역의 역사와 발전에 대해 배우기 위해 여행한 곳이기 때문에 제국 프랑스가 북아프리카에서 영향력을 확장한 곳이기 때문입니다. Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme, Jean-Auguste-Dominique Ingres와 같은 몇몇 프랑스 예술가들은 이슬람 문화에 대한 그림에서 오달리스크를 묘사했습니다. 그들은 나른함과 화려한 비주얼을 강조했다. 특히 풍속화는 같은 소재의 유럽적 사례와 너무 닮아있다거나 동양주의적 세계관을 사이디안적 의미로 표현했다는 비판을 받아왔다. 제롬은 하렘, 공중목욕탕, 노예 경매에 대한 노골적인 성적 묘사로 알려진 후기 세기의 프랑스 화가 그룹의 시조이자 종종 대가였습니다. 포르노 모드의 누드와 오리엔탈리즘의 방정식".

유럽 건축과 디자인의 오리엔탈리즘

15세기 후반부터 르네상스 장식의 모레스크 스타일은 이슬람 아라베스크의 유럽식 적응으로, 사실상 오늘날까지 제본과 같은 특정 분야에서 계속 사용되었습니다. "Indo-Saracenic Revival"이라는 용어는 인도 건축 테마의 초기 서양 사용법을 설명합니다. 런던 길드홀의 전면은 이 기간(1788-1789)으로 거슬러 올라갑니다. 1795년경부터 William Hodges와 William and Thomas Daniell이 인도에 대한 견해를 발표하면서 이 스타일이 서구에서 인기를 얻었습니다. "힌두" 건축의 가장 잘 알려진 예는 Gloucestershire의 Sezincote House(c. 1805)로, 최근 Bengal에서 돌아온 나밥과 브라이튼의 Royal Pavilion을 위해 건축되었습니다.

장식 예술에서 "터키" 스타일의 사용, 가끔 터키 복장의 채택, 오스만 제국을 묘사하는 예술에 대한 관심은 모두 15세기 후반에 시작되어 적어도 18세기까지 지속된 Turquerie 운동의 일부였습니다. 18세기 이후 프랑스가 더 중요해졌지만, 원래 중심지는 오스만 제국의 오랜 상업 관계인 베니스였습니다.

"Chinoiserie"라는 이름은 17세기에 시작하여 서유럽에서 인기를 얻었으며 특히 로코코 시대(약 1740-1770) 동안 여러 차례에 걸쳐 정점에 도달한 중국에서 영감을 받은 요소로 장식하는 전체 스타일을 나타냅니다. 중국 도자기의 기술적 복잡성은 르네상스부터 18세기까지 서양 디자이너에 의해 시도되었고 부분적으로만 성공했습니다. 영국(동인도 회사 포함), 덴마크(동인도 회사 포함), 네덜란드(동인도 회사 포함), 프랑스(동인도 회사 포함)와 같은 국가들이 징조를 보이기 시작한 것은 17세기였습니다. Chinoiserie (프랑스 동인도 회사)의. 17세기 초에 델프트와 다른 네덜란드 도시의 도공들은 명나라 시대에 중국에서 생산된 것과 동일한 정통 청백자를 사용하기 시작했습니다. Meissen과 같은 최초의 실제 도자기 생산지에서 나온 접시, 꽃병 및 찻잔은 중국 전통 양식을 모방했습니다(중국 수출 도자기 참조).

후기 바로크 양식과 로코코 양식의 독일 궁전의 형식적인 파르테레에는 "중국풍"의 쾌락 전시관이 있었고 마드리드 근처의 Aranjuez에 있는 타일 패널은 비슷한 구조를 묘사했습니다. 특히 티 테이블과 도자기 캐비닛은 1753-1770년에 Thomas Chippendale에 의해 프렛워크 글레이징과 난간으로 장식되었습니다. 귀화는 또한 탱(tang)과 같은 초기 Xing 학자의 가구에 대한 침울한 경의에서 발생했는데, 이것은 그루지야 중기의 사이드 테이블이 되었고 영국 신사와 중국 학자에게 적합한 네모난 등받이 안락의자가 되었습니다.

중국 전통 미학에 대한 모든 서양식 해석이 "시누아즈리"로 간주되는 것은 아닙니다. Chinoiserie 미디어의 예로는 도자기 피규어와 테이블 장식품, 시트 형태의 초기 페인트 벽지, 일본을 연상시키는 옻칠 및 페인트 칠한 주석(tôle) 접시의 모방이 있습니다. 전체 크기의 탑은 정원에 설치되었으며 미니어처 버전은 맨틀피스에 설치되었습니다. William Chambers가 만든 Great Pagoda는 Kew의 멋진 구조물입니다. 슈투트가르트에 위치한 Wilhelma(1846)는 무어 리바이벌 스타일을 보여주는 건물입니다. 예술가 Frederic Leighton을 위해 지어진 Leighton House는 전통적인 외관이지만 실제 이슬람 타일 및 기타 구성 요소와 빅토리아 시대의 오리엔탈라이징 작업으로 장식된 아랍 스타일의 인테리어를 갖추고 있습니다.

서양에 우키요에 판화가 도입된 덕분에 1860년 이후 자포니즘으로 알려진 미학 운동이 번성했습니다. 특히 클로드 모네와 에드가 드가와 같은 현대 프랑스 예술가들에게 영향을 미친 것은 일본 미학이었습니다. 일본 판화는 프랑스에서 거주하며 작업한 미국 예술가 Mary Cassatt에게 영감을 주었습니다. 그녀는 레이어 패턴, 평면 및 동적 관점의 사용을 자신의 작업에 통합했습니다. 일본에서 영감을 받은 예술의 가장 좋은 예는 James Abbott McNeill Whistler의 그림 모음집인 The Peacock Room에서 찾을 수 있습니다. 캘리포니아의 Greene과 Greene의 Gamble House 및 기타 건물은 일본 건축의 영향을 받았습니다.

이집트 부흥 건축은 19세기 초중반에 유행한 양식이었으며, 20세기 초까지 마이너 양식으로 지속되었다. 19세기 초, 회당은 독일 국가에서 시작된 무어 부흥 양식의 주요 수혜자 중 하나였습니다. Indo-Saracenic Revival로 알려진 건축 양식은 19세기 말경 영국 Raj에서 나타났습니다.

동양화로 장식하다

동양 장식의 미학은 세계에서 가장 매혹적인 것 중 하나입니다. 가구 및 인테리어 데코 산업에서 인기를 얻고 있는 오리엔탈 데코 요소의 사용이 증가하고 있습니다. 이 아시아 예술 형식 컬렉션은 수천 년 동안 요구되어 왔으며 다양한 아시아 국가의 작품을 선보입니다.

"동양 예술"이라는 용어는 종종 일본의 게이샤 소녀나 중국 수채화의 이미지를 떠올리게 하지만 이것이 유일한 예는 아닙니다. 생생한 색상과 세부 사항에 대한 관심으로 동양 두루마리, 꽃병 및 그림은 수세기 동안 지속되었습니다. 우산, 부채, 램프는 다른 형태의 동양 예술의 또 다른 예입니다.

동양미술이 사랑받는 이유 중 하나는 깔끔한 선과 선명한 색채 때문이다. 동서양 반구는 모두 동양 장식의 요소를 인테리어에 통합했습니다. 우아함과 기능성으로 인해 평소와 다른 설정에서도 사용할 수 있습니다. 집에 동양 예술 작품을 추가하는 것은 독특한 모양과 느낌을 주는 좋은 방법입니다. 벽 부채는 동양 미술의 상징적 인 예입니다. 동양의 물건으로 장식하는 것은 스타일리시하고 저렴하기 때문에 좋은 아이디어입니다.

이 분야의 많은 전문가들이 말하듯이 경매는 동양 미술품을 조달하는 가장 좋은 방법 중 하나입니다. 따라서 경매 카탈로그를 검색하고 오리엔탈리스트 풍미의 조각으로 집을 장식하기 시작할 수 있습니다. 그러나 일본 미술에 관해서는 종종 판화, 도자기, 갑옷 등을 포함한 경매가 있습니다.

몇몇 유명한 동양화가들

구개지(貴財子, 344년 – 406년경)

중국 예술가 Gu Kaizhi의 유명한 작품으로는 궁녀들에게 보내는 통치자의 훈계(Admonitions of Governess to the Lady of the Court of the Court)와 지침서(Instructions to Illustrious Women)가 있습니다. 그는 시인이자 예술 이론가이기도 했다. 그는 화려한 삶을 살았고 때때로 큰 냉소를 나타내는 도교 철학자였습니다. 366년에 시작된 정부 관리인 Gu Kaizhi(c. 344-406)는 강소성 무석에서 태어났지만 그의 재능은 정치를 훨씬 뛰어넘었습니다. 그는 또한 뛰어난 시인, 수필가, 화가이자 중국 서예의 실천가였습니다. 회화에 대하여, 위진(魏金)나라 명화개론, 운태산화의 세 작품은 매체에 대한 구의 수많은 이론을 요약하고 있다. 그의 삶의 작품은 인간과 신의 인물, 동물, 풍경 및 수로에 초점을 맞춘 70개 이상의 그림에 기록되어 있습니다. Nanjing Temple Buddha(사찰 건축을 위한 돈을 벌기 위해 만들어짐), Admonitions of Governess to the Lady of the Court, The Luo River Nymph는 모두 일반적으로 그에게 귀속된 작품입니다. Gu Kaizhi의 작품은 이제 전 세계 컬렉션에서 찾을 수 있습니다. 서기 220년에서 서기 581년 사이에 중국 회화의 황금기가 있었습니다. 300년 동안 중국에서 일어난 전쟁과 왕조의 변화에도 불구하고 중국의 문화 생활은 활기를 띠었습니다. 이것은 국가의 예술적 발전에 상당한 추진력을 제공한 많은 다른 학교들 덕분이었습니다. 이 기간 동안 중국 서예와 예술의 기교는 무덤 그림, 돌과 벽돌 조각, 옻칠 그림을 포함하여 몇 가지 예가 있습니다. 또한 현대 중국 회화 아래에서 볼 수 있는 그림 규칙, 그래픽 이론 및 육법 이론과 같은 규칙이 이론화되어 있습니다. 이 예술가들 중 가장 영향력 있고 잘 알려진 사람 중 한 사람은 종종 중국 전통 회화의 창시자로 여겨지는 Gu Kaizhi입니다. 그의 작품은 그가 살았던 시대를 잘 보여줍니다.

판관(960 – c. 1030)

990년부터 1020년까지 판관은 중국의 저명한 "북방 스타일" 도교 화가였습니다. 10세기와 11세기의 가장 훌륭한 대가는 무엇보다도 그에게 귀속됩니다. 판관(Fan Kuan)의 '산과 시냇가 속의 여행자'라는 제목의 세로 두루마리는 북송 학교의 기초 예술 작품으로 널리 간주됩니다. 그것은 많은 예술가들이 나중에 지침을 찾을 거대한 풍경화의 표준을 설정합니다. 근거리, 중간(물과 안개로 나타냄) 및 거리라는 3차원의 오래된 중국 개념이 여기에서 작동하고 있음이 분명합니다. 중국 산수화의 초기 사례와 달리 자연 세계의 화려함은 사후 생각보다는 초점입니다. 모놀리스 바닥에는 덤불에서 나온 무리 말 한 줄을 볼 수 있습니다. 고대 당나라의 관습은 작품의 시각적 스타일에서 볼 수 있습니다.

가쓰시카 호쿠사이 ( 1760 – 1849 )

가쓰시카 호쿠사이가 일본에서 화가이자 판화 제작자로 대중화한 우키요에 양식입니다. 그는 그의 판화로 가장 잘 알려진 정확하고 괴상한 화가였습니다. 그러나 그는 평생 동안 두 매체 모두에서 계속 일했습니다. 경력 60년이 넘는 동안 그는 이미 연극 주제를 묘사한 목판화, 사적인 유통을 위한 인사말(수리모노), 그리고 1830년대부터 풍경 시리즈를 실험했습니다. 여러 지방, 그리고 유명한 화산에 대한 개인적인 애착을 부분적으로 반영하는 후지산 36경. 이 캐논의 일부인 가나가와 대파도 관련 작품입니다. 여러 가족 문제로 인해[2] 큰 어려움을 겪은 후 도박에 대한 조카의 성향이 가장 적지만 그는 아마추어와 전문가 모두를 대상으로 하는 많은 그림과 만화 가이드를 출판했습니다. 여성과 어린이를 위한 다양한 미스터리 책과 단편 소설을 쓰고 그림을 그렸을 뿐만 아니라 위대한 문학 걸작을 그리는 작업은 청소년기에 여행 심부름을 하던 소년 시절부터 시작된 평생 동안의 문학 사랑에서 영감을 받았습니다. 도서관. 그가 쓴 하이쿠도 꽤 좋았다. 클로드 모네(Claude Monet)와 같은 유럽 인상파 화가들과 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh)와 프랑스 화가 폴 고갱(Paul Gauguin)과 같은 후기 인상파 화가들에 대한 그의 예술의 광범위한 영향으로 인해 호쿠사이에 대한 3개의 전기가 1896년에서 1914년 사이에 프랑스어로 출판되었는데, 다음을 포함하여 당시의 저명한 비평가들에 의해 에드몽 드 공쿠르. 그에 대한 이야기에 따르면, 그는 90번 이상 이사를 했고 경력 내내 여러 다른 예명을 사용했습니다.

요시다 히로시 (1876 – 1950)

일본의 화가이자 인쇄인 요시다 히로시. 그의 타지마할, 스위스 알프스, 그랜드 캐년의 판화는 신한가 예술의 가장 유명한 예 중 하나이며 보는 사람에게 강렬한 감정을 불러일으킵니다. 1876년 9월 19일 후쿠오카현 구루메시 키시섬에서 요시다 히로시(吉田康吉), 본명은 우에다 히로시. 공립학교 미술 강사인 그의 양아버지는 그의 초기 예술적 재능을 격려했습니다. 3년 동안 도쿄에서 고야마 쇼타로에게 배운 후 19세에 교토로 건너와 유명한 서양화의 거장 타무라 쇼류에게 사사했다. 1899년에 Yoshida는 당시 Detroit Museum of Art라고 불렸지만 지금은 Detroit Institute of Arts라고 불리는 곳에서 첫 번째 전시회를 개최했습니다. 요시다 히로시는 메이지 시대부터 일본에 매체를 사용해 온 뛰어난 유화 화가였습니다. 1921년의 범선 시리즈와 타지마할의 판화(그 중 6점)는 둘 다 기분을 바꾸기 위해 같은 이미지를 다른 색상으로 재현하는 요시다의 습관을 보여주는 사례입니다.

인용 부호

마들렌 랭글

• " 나는 고대 중국 미술에서 위대한 화가들이 항상 의도적인 결함을 작품에 포함했다는 사실을 좋아합니다. 인간의 창조는 결코 완벽하지 않습니다."

아이 웨이웨이

• “부자들은 모두 중국 전통 예술을 수집합니다. 따라서 중국 가정에서 여전히 예술을 최고의 인간 행위로 여기고 자녀를 이 분야에 보내는 것은 매우 자연스러운 일입니다.”

스티븐 가디너

• "일본 미술에서 공간은 지배적인 역할을 했고 그 위치는 선 개념에 의해 강화되었습니다."

앙리 마티스

• "일본 미술의 전성기 작가들은 활동하면서 여러 번 이름을 바꾸지 않았습니까? 나는 그것이 좋아, 그들은 자신의 자유를 지키고 싶었습니다."

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동양 미술: 다양한 문화의 광범위한 창의성

아시아 미술의 역사를 구성하는 아시아 전역의 다양한 예술 전통이 있습니다. 중앙 아시아, 동아시아, 남아시아, 동남아시아 및 서아시아는 아시아 대륙의 가장 두드러진 부분입니다.

동아시아 예술은 중국, 일본, 한국의 문화로 구성되어 있는 반면, 중앙 아시아 예술은 유라시아 대초원의 투르크계 사람들의 작품이 지배합니다. 동남아시아 예술은 태국, 라오스, 베트남, 싱가포르, 인도네시아, 필리핀의 예술로 구성되며 남아시아 예술은 인도 아대륙의 예술을 말합니다. 근동 또는 서아시아의 예술에는 고대의 메소포타미아 예술과 현대의 이슬람 예술이 포함됩니다.

아시아 미술의 진화는 여러 면에서 서양 미술의 진화와 유사하다. 실크로드 예술의 전승, 발견과 식민화 시대의 문화교류, 인터넷과 세계화 등의 수단을 통해 문화가 뒤섞였다. 석기시대의 예술을 제외한다면 메소포타미아의 예술은 아시아에서 가장 오래된 예술이다.

중앙아시아 미술

현대의 키르기스스탄, 카자흐스탄, 우즈베키스탄, 투르크메니스탄, 아제르바이잔, 타지키스탄, 아프가니스탄, 파키스탄, 그리고 현대의 몽골, 중국, 러시아의 일부 지역은 모두 중앙아시아 지역으로 간주되어 풍부한 역사와 다양한 예술적 전통. 고대부터 중세까지의 중앙아시아 예술은 이 지역의 다양한 인구와 문화 유산을 보여줍니다. 중앙 아시아의 문화 유산은 이 지역의 예술적 유물에서 알 수 있듯이 놀라운 방식으로 이 지역의 다문화 구성을 반영합니다. 스키타이 예술, 그리스-불교 예술, 세린디아 예술, 심지어 현대 페르시아 문화까지 모두 이 복잡한 역사의 일부이며 실크로드를 통한 예술의 전달도 포함합니다.

정주 공동체 주변에서 혼합 경제를 실천한 이주하는 목동들은 기원전 2천년 후반부터 비교적 최근까지 중앙 아시아의 초원(카스피해에서 중국 중부까지, 러시아 남부에서 인도 북부까지)을 고향으로 불렀습니다. 이 목가적인 유목민들의 선사시대 '동물 스타일' 예술은 동물의 신화와 샤머니즘 의식뿐 아니라 정착 문화의 상징을 자신들의 관습에 통합하려는 개방성을 드러냅니다.

전 세계의 문화가 중앙아시아에서 만나 융합되어 중국과 지중해를 연결하는 고대 실크로드의 중추가 되었습니다. 기원전 3천년과 2천년 동안 성장한 공동체는 중앙 아시아와 인더스 계곡, 메소포타미아 및 이집트를 연결하는 광대한 무역 네트워크의 일부였습니다.

이슬람 예술은 최근 수세기 동안 서구 예술에 큰 영향을 미쳤지만 오래된 문화는 중국, 페르시아, 그리스의 예술과 유목민들 사이에서 등장한 동물 스타일을 포함한 다양한 출처에서 영감을 받았습니다. 대초원.

동아시아 미술

동아시아의 문화 관행에는 시각 예술, 문학, 중국, 한국, 일본의 공연 예술이 포함됩니다. 실용적인 목적이 없고 수작업이 필요 없다는 점을 감안할 때 회화와 서예만이 중국에서 '진정한 미술'의 지위를 부여받고 있다. 청동 주조 및 조각과 함께 조각, 도자기, 직물, 야금 및 칠기의 생산은 모두 공예품으로 간주됩니다. 전통적인 중국 건물은 거의 대부분 목재로 만들어지며 플랫폼, 기둥 및 상인방 프레임, 지붕 지지 브래킷 및 무겁고 경사진 지붕이 있습니다.

불교 도상학, 토착 일본 테마 및 전통, 중국 시각 예술을 포함한 세 가지 요소가 일본 시각 문화에 중요한 영향을 미쳤습니다. 7세기에 지어진 Hry 사원은 일본 건축의 특징이 될 비대칭 레이아웃을 사용한 최초의 건축물입니다. 상징적인 우키요에 판화로 발전한 다색 목판화와 16~18세기의 스크린 및 패널 그림은 자연으로부터의 추상화에 대한 일본 화가의 집착을 보여주는 대표적인 예입니다. 건축과 조각에 석재를 사용하고 정교한 청자 유약을 개발한 것은 한국의 예술에 대한 가장 두드러진 두 가지 공헌입니다.

세계 문헌 중 중국이 가장 긴 역사(3000년 이상)를 갖고 있다. 그 역사는 한국과 일본과 공유하는 문자 언어의 역사와 복잡하게 얽혀 있습니다. 발라드, 전설, 가면극, 인형극 텍스트, 판소리("이야기 노래") 텍스트는 모두 한국의 풍부한 구전 역사의 일부이며 한국에는 강력한 시(특히 향가 및 시조 형식)의 문어 전통이 있습니다. . 일본과 한국 모두 고유한 문자가 없었기 때문에 양국의 문학 전통은 중국에서 크게 차용되었습니다(일본의 음절 체계는 약 1000년에 나타났고 한국어 한글은 15세기에 개발되었지만). 특히 하이쿠 형식의 일본 시는 섬세한 감성으로 세계적으로 유명하며, 겐지 이야기와 같은 일본의 많은 문학적 보물과 함께 7세기까지 거슬러 올라갑니다.

동아시아 음악은 서양 음악과 마찬가지로 12음 어휘를 바탕으로 5음계를 만들었지만 그 기반이 뚜렷하다. 동아시아 앙상블은 상대적으로 작은 경향이 있으며 이 지역의 작곡가들은 일반적으로 조화의 복잡성보다 멜로디와 리듬을 우선시합니다. 동아시아 국가에서는 음악, 무용, 드라마가 종종 연결되어 있으며 동아시아 무용과 연극의 관련 범주에서 형태의 뚜렷한 진화의 증거가 없다는 점에 주목할 가치가 있습니다. 춤을 추는 행렬, 무용 경극(경희, 또는 "북경" 및 기타 중국 경극), 그림자 연극, 인형극, 음악과 무용을 사용한 대화극은 동아시아 공연 예술의 다양한 종류 중 극히 일부에 불과합니다(예: 일본 가부키). Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun 및 Murasaki Shikibu의 작품도 조사할 가치가 있으며, 이케바나, Jgan 스타일의 종이 접기, 두루마리 그림, shinden-zukuri, shoin-zukuri, sukiya 스타일, 덴퓨 스타일과 토리 스타일의 건축.

남아시아 미술

인도, 파키스탄, 방글라데시, 스리랑카의 예술은 종종 남아시아로 알려져 있습니다. 산스크리트어, 프크리트어 및 지역 언어로 된 고대 텍스트 문학의 과다는 공유된 문화적 윤리적 관점을 가지고 있는 것처럼 인도 아대륙의 사람들을 하나로 모으는 데 도움이 되었습니다. 수세기에 걸쳐 이 지역이 정치적 패턴의 만화경으로 나뉘었음에도 불구하고 아대륙 전체에는 공통된 음악 및 무용 전통, 의식 의식, 종교적 관습 및 문학적 사상이 있습니다.

Rmya와 Mahbhrata와 같은 남아시아의 서사시는 이 지역의 많은 사람들 사이의 복잡한 관계망에 대한 통찰력을 제공합니다. 멀리 떨어진 지역의 신과 영웅 사이에 가족 관계의 명백한 증거가 있으며 많은 지명 자체가 공유된 선례를 암시합니다. 또한 이 지역에 통일된 정치질서를 확립하기 위한 지속적인 노력이 있어왔다. 예를 들어 기원전 3세기에는 아오카 천황이 이 지역의 대부분을 통제했습니다. 서기 11세기에 차이의 라젠드라 1세는 인도와 동남아시아의 대부분을 점령했습니다. 그리고 16세기에 위대한 무굴 악바르(Mughal Akbar)도 같은 일을 했습니다. 국경은 남아시아 역사를 통해 성장하고 축소되어 공식적으로 완전한 지역으로 합류하고 분리되었지만 문화는 일관되게 유지되었습니다.

공유된 물리적 환경 때문에 이 지역의 산과 강의 아름다움에 대한 광범위한 인식이 있었습니다. 북쪽 국경을 따라 흐르는 히말라야는 세계에서 가장 높은 산으로 웅장함, 순수함, 깨끗한 눈이라는 문화적 이상을 나타냅니다. Brahmaputra와 Indus와 같은 강은 풍부한 물을 제공하기 때문에 해당 지역에서 "어머니"로 존경받습니다.

각각 ngas와 yaka로 알려진 물의 요정과 실반 요정이 이 지역의 호수와 샘에 서식한다는 믿음이 널리 퍼져 있습니다. 카슈미르의 초기 왕조 이름인 Karkoa는 그 자체로 nga 숭배를 상징합니다. 다양한 장소에서 발굴된 ngas 및 yaka 조각상과 같은 고대 종교 유물은 원시 억양을 잃지 않고 오랜 세월 동안 구두로 전승된 종교 문서와 마찬가지로 공통된 신앙 정신을 암시합니다. 파키스탄의 Gandhra, Bhrhut 및 Amarvat 도시에서 유사한 고전 무용을 묘사한 조각품을 찾을 수 있습니다.

남아시아에서는 한 가지만 전문화하기 전에 여러 가지 다양한 예술에 정통해야 합니다. 그림이나 춤과 마찬가지로 조각은 전 세계를 묘사하기 때문에 먼저 다른 예술 형식을 마스터하지 않고는 각 예술 형식에 능숙해질 수 없다는 것이 당연합니다. 춤은 움직임과 리듬을 통한 표현의 한 형태입니다. 따라서 음악적 리듬에 대한 이해가 중요합니다. 문학과 수사학에 대한 지식은 음악과 춤에서 감정을 불러일으키는 데 중요합니다. 음악, 춤, 조각 또는 그림에서 표현되는 풍미(rasa)는 문자에 대한 어느 정도의 친숙함이 필요합니다. 따라서 예술은 여러 수준에서 상호 연결됩니다.

남아시아의 예술은 그 자체로 훌륭한 여가활동으로 행해졌을 뿐만 아니라 더 높은 권력에 대한 헌신과 숭배의 행위로 행해졌다. 왕자가 작품에 결함이 있는지 검사하는 것에 대한 문학적 언급이 있습니다. 이론과 실천 모두에서 예술가의 업적과 야망은 8세기에 지어진 Pattadakal에 있는 Mallikrjuna 사원의 stra-dhra("건축가")의 이름을 언급하는 단일 비문에 의해 예시됩니다.

남아시아 문화는 오랫동안 예술가들에게 특권적 지위를 부여해 왔습니다. 궁정은 시인, 음악가, 무용수로 가득 찼습니다. 뛰어난 무용수는 Rjendra Ca로부터 칭찬을 받았고, 또한 Rjendra의 지원을 받은 Tiruvoiyr의 사원 건축가는 비문에서 건축과 예술에 대한 폭넓은 이해로 찬사를 받았습니다. 그러나 민속 예술과 고급 예술 사이에는 강한 연관성이 있었습니다. 예를 들어, 부족 집단 무용과 서양 고전 예술, 무용, 음악 사이에는 유사점이 존재했습니다. 인도 아대륙은 원형 조각(citra)과 양각 조각(ardhacitra)이 모두 중요한 위치를 차지하는 풍부한 예술적 역사를 가지고 있습니다.

"조각의 모습"으로 번역되는 Citrbhsa는 세 번째로 높은 예술 형식입니다. 5세기 시인 Klidsa의 드라마 한 구절은 그림의 모델링에 묘사된 높이와 깊이에 눈이 어떻게 굴러떨어지는지를 설명하며, 키아로스쿠로(즉, 모델링을 표현하기 위한 빛과 그림자의 사용)의 영향이 얼마나 필수적인지를 보여줍니다. . 대가들은 그림의 선 스케치를 가장 중요시하여 견고하고 우아하게 그려야 하며, 그 다음으로 남이 높이 평가하는 음영과 조형의 묘사, 여성미를 어필하는 장식적 요소, 색채의 화려함을 중요시한다. , 일반적인 취향에 호소합니다. 작은 그림으로 이렇게 많은 형태를 표현할 수 있다는 것이 매우 인상적입니다. 남아시아의 회화와 조각에서 성공적인 초상화의 문학적 사례가 많이 있으며, 이는 이 지역의 시각 예술에서 초상화의 중심성을 보여줍니다. 6세기에 쓰여진 Viudharmottara는 초상화를 자연적, 서정적, 정교함, 혼합의 네 가지 범주로 나눕니다. 또한 머리카락과 눈 모양 및 색상에 따라 다양한 유형의 사람들을 분류합니다. 여기에는 많은 예술적 관점에 대한 개요와 단축법의 기본에 대한 설명이 포함되어 있습니다. 시가 시인을 비추는 것처럼 그림과 조각은 만든 사람의 특성을 띠게 될 것이라고 생각했습니다.

남아시아가 외국의 영향에 노출된 오랜 역사에도 불구하고 이 지역은 항상 이러한 요소를 토착 관습으로 결합하는 방법을 찾아냈고, 단순한 복제물이 아닌 독특한 종합을 만들어냈습니다. 이것은 또한 당시(기원전 4세기) 그리스-로마 문화에 젖어 있던 파키스탄의 간드라 지역의 예술 작품에도 반영되어 있습니다. 인도의 모티브와 스타일을 지배적인 서양 스타일에 통합한 것은 이 시대 조각의 특징입니다.

서기 1세기 쿠샨의 침략 이후 외부의 영향이 분명히 유입되었지만 결국 토착 문화가 승리했습니다. 16세기부터 남아시아를 통치하고 중앙아시아의 이슬람교도들로 구성된 무굴 제국은 지배적인 인도 교육을 그 주제에 부과함으로써 이 지역을 문화적으로 통일했습니다. 이슬람 예술은 페르시아 샤의 궁정에서 예술가들을 불러들여 인도와 페르시아 스타일이 융합된 역사를 만든 두 번째 무굴 황제 후마인의 통치 아래 번성했습니다.

각 지역의 예술은 고유한 정치 구조, 도덕 및 윤리적 규범, 사회 구조를 반영합니다. 일찍이 기원전 3세기에 통치자들은 백성을 섬기고 거의 자손처럼 대우하려는 의지를 보였습니다. 4~6세기 북인도 굽타제국의 장엄한 주화에는 타의 추종을 불허하는 궁수, 통일자, 키가 크고 늠름한 고귀한 정신, 신민의 안녕을 위한 희생, 왕의 영웅으로서의 군주의 이상을 묘사하고 있습니다. 사람들 (위대한 코끼리에 그를 상상하는 사람). 정당한 정복과 정당한 전쟁을 묘사한 작품. 전쟁과 정복, 상징적인 말 희생, 왕의 회의, 외교적 환영, 평화 협상, 사원 건축, 미술품 감상(춤과 음악 포함), 왕의 대관식은 광범한 책에 묘사된 많은 정부 활동 중 일부일 뿐입니다. 4~9세기 남인도 팔라바 왕조의 역사를 묘사한 일련의 조각품.

법이나 의무를 규정하는 관습이나 법률을 강조하는 조각품이 도덕적 태도를 반영하는 것과 마찬가지로 도덕적 행위를 묘사하는 조각품도 마찬가지입니다. 아힘사의 원칙, 즉 타인에 대한 비폭력을 시각화하는 일반적인 방법 중 하나는 사슴의 이미지를 통해 이루어지며 일반적으로 신성한 장소의 이상은 사슴이 자유롭게 돌아 다니는 장소로 묘사됩니다. 작품은 종종 주제가 자신이나 다른 사람의 희생을 즐긴다는 장면을 묘사합니다. 세계 최초의 우화집 중 하나인 Paca-tantra의 이야기는 간단하지만 효과적인 방식으로 조각에 묘사됩니다. 남아시아 예술은 수 세대에 걸쳐 아대륙의 사회 구조에 스며든 경건, 믿음, 도덕 존중을 일관되게 묘사합니다.

동남아 미술

동남아시아의 예술에는 서면, 구두 및 시각 형식이 포함됩니다. 비록 인도 문화가 이 지역의 발전에 상당한 영향을 미쳤지만, 이 시대 이전의 몇 가지 공통된 특징이 있습니다. 바틱 직물, 가믈란 오케스트라, 와양 인형극과 같이 인도에서 파생되지 않은 예술 스타일은 여전히 인기가 있습니다. 토착 벼 재배, 야금술, 항해, 조상 숭배 및 산 숭배는 모두 일반적이었습니다.

동남아시아는 광활한 인도차이나 반도와 종종 동인도 제도로 알려진 이 지역의 다른 섬들을 포함합니다. 동남아시아는 본토와 섬의 두 부분으로 나눌 수 있습니다. 미얀마(버마), 태국, 라오스, 캄보디아, 베트남, 말레이시아, 싱가포르, 인도네시아, 필리핀이 이 지역을 구성하는 정부 기관입니다. 필리핀은 처음에는 동남아시아의 일부로 간주되지 않았지만 중국 및 일본과의 근접성 및 동남아시아 문화와의 밀접한 문화적 유사성으로 인해 현재 일반적으로 이 지역의 일부로 간주됩니다.

동남아시아의 모든 지역은 비슷한 기후와 지형을 공유하여 지역의 역사와 문화를 형성했습니다. 문화적으로 산에 사는 사람들은 계곡에 사는 사람들과 다른 경향이 있습니다.

원래 동남아시아 사람들은 선사 시대로 거슬러 올라가는 독창성 부족을 공유하고 다른 문화와의 상호 작용에서 "창조적"보다 더 "수용적"이라고 믿었습니다. 이후 미얀마와 태국의 발굴과 발견으로 인해 일부 학자들은 선사 시대에 문명이 중국에서 동남아시아로 옮겨갔다는 받아들여지는 이론에 반대하는 주장을 하게 되었습니다. 오히려 동남아시아 본토 사람들은 고대 중동 사람들과 거의 같은 시기에 식물을 재배하고 도기를 만들고 청동 작업을 하고 있었기 때문에 문명이 동남아 본토에서 중국으로 천 년 전에 전파되었다고 주장했습니다. 그들은 항상 아름다운 것을 만드는 실제적인 일에 더 관심이 있기 때문에, 동남아시아인들은 예술 이론, 문학 또는 드라마 비평의 풍부한 유산을 가지고 있지 않습니다.

특히 본토 서부 지역의 사람들이 비내구재를 작업했기 때문에 동남아시아에서 예술 형식의 생성과 진화를 차근차근 추적하는 것은 불가능합니다. 이 지역의 울창한 삼림 역사를 감안할 때, 목재는 미학적 이유로 가장 먼저 사용된 재료였을 것입니다. 금속과 석재에 대한 새로운 능력에도 불구하고 그들은 석조 조각과 석조 건축의 위대한 시대(13세기경)가 지난 후에도 계속 번성한 전통적인 목각 기법을 결코 버리지 않았습니다. 미얀마 서부 샨(Shan) 주에서 살윈 강(Salween River)을 따라 고고학자들은 집 기둥에서 후기의 나가 조각품과 눈에 띄게 닮은 선사 시대 동굴 그림을 발견했습니다. 동남아 전역에서 태양의 상징을 예술 모티브로 볼 수 있는 것과 나가 가옥의 처마 아래 조각이 인간의 머리를 얻은 것에 대한 경외, 승리, 기쁨을 암시하는 것과 마찬가지로, 후기 동남아시아의 미학 전통이 반향을 일으키고 있습니다. 태양과 인간의 두개골을 들고 열린 손바닥으로 한 쌍의 인간 손의 동굴 그림. 동굴 그림은 이 지역의 예술이 항상 마술과 관련된 과거와 얽혀 있다는 증거입니다.

이전에는 하노이 근처의 Dong Son에서 사용된 청동 북 주조 기술이 중국에서 시작되었다고 믿어졌습니다. 그러나 태국의 새로운 발굴은 북과 이른바 Dong Son 문명이 동남아시아 본토 토착이라는 것을 보여주었습니다. 그럼에도 불구하고 20세기 초까지 수천 년 동안 카렌이 주조한 청동 북은 동남아시아의 미학적 유산의 연속성을 보여줍니다. 동남아시아 본토의 산이 금, 은 및 기타 금속을 제공했기 때문에 금속 가공은 일찍부터 발전해야 했습니다. 동남아시아의 산악 민족은 정교한 은 단추, 벨트 및 장신구를 만들고 사용하는 오랜 역사를 가지고 있습니다. 직물 패턴은 동일한 미학적 계보를 따릅니다. 노래, 춤 및 기타 형태의 음악적 표현은 전통적으로 부족 의식에서 사용되었습니다.

동남아시아 전역의 통치자들의 지원 아래 예술은 번성했습니다. 그리스도께서 탄생하실 즈음에 부족 부족들은 쌀 생산자로 정착 생활을 한 후 공식적으로 도시 왕국이나 마을의 집합체로 조직되기 시작했습니다. 이러한 관점에서 왕은 부족의 최고 족장에 불과했습니다. 부족은 이미 영을 숭배하는 전통을 가지고 있었기 때문에 군주는 모든 사람의 신심의 대상이 될 새로운 신을 찾았습니다. 새로운 국가 신에 대한 이러한 열망은 동남아시아가 힌두교와 불교의 신들에게 개방되는 데 기여했습니다. 동남아시아의 왕들은 새로운 종교를 전파하는 책임이 있었기 때문에 이 지역의 사원은 1세기부터 13세기까지 황금기를 누렸습니다.

사원은 문화 활동의 중심지가 되었고, 사원의 벽은 건축, 조각, 종교 벽화의 캔버스가 되었습니다. 힌두교의 신성한 텍스트의 언어인 산스크리트 학자들은 동부 인도차이나와 섬의 고대 제국의 신하였으며 그곳에서 지역 산스크리트 문학을 창작했습니다. 위대한 힌두 서사시인 마하바라타와 라마야나를 통해서만 이 문학적 노력이 서민들에게 전해졌습니다. 힌두교의 신, 악마, 권력자들에 대한 이야기는 산스크리트 경전이 손이 닿지 않는 일반 사람들에게 힌두교를 설명하는 데 필수적이었습니다. 8세기 이전에 번성했던 퓨-버마 제국의 프로메(Prome) 제국에서 반도 전역에서 그러한 발전이 일어나지 않은 이유는 두 가지였습니다. 첫째, 힌두교가 버마에서 널리 받아들여지지 않았고, 둘째, 더 개방적인 버마 사회가 신왕도, 세습 귀족도 아니다.

후기 이교도 왕들은 팔리어 전문가들에게 둘러싸여 있었지만 팔리어 연구는 궁전이 아니라 왕국 전역의 수도원에서 수행되어 가장 먼 마을에도 부처님의 가르침을 전했습니다. 전 세계의 승려와 학자들이 팔리어를 공부하기 위해 이교도를 여행한 반면, 캄보디아와 자바의 왕궁은 산스크리트어 연구의 지역 중심지에 불과했습니다. 인도 서사시가 대중에게 힌두교를 설명하는 데 사용되는 것처럼 자타카(부처의 탄생) 이야기는 팔리어 경전을 읽을 수 없는 일반 사람들에게 불교를 설명하는 데 사용되었습니다. 캄보디아와 자바의 사원은 위대한 서사시의 사건을 묘사하는 것과 마찬가지로 자타카의 장면을 묘사한 조각과 프레스코로 장식되었습니다.

마자파힛 왕조 이후 동남아시아 섬에 이슬람이 도래하면서 이미 존재하는 토착민과 힌두-불교 문화 위에 세 번째 문화 계층이 세워졌습니다. 새로운 버마 제국은 고대의 잿더미에서 발전하여 동남아시아 본토에 불교를 전파하는 사명을 수행했습니다. 18세기에 버마의 시암 침공은 힌두 문화를 가져왔고, 이는 버마 연극의 발전을 촉진하는 데 도움이 되었습니다. 중국에 의해 재정복된 반도 반대편의 베트남은 점점 중국 문화의 영향을 받게 되었습니다. 짧은 이슬람 문화의 전성기에 이어 동남아시아 섬나라의 원주민들은 외국의 지배에 굴복할 수밖에 없었다. 버마와 시암에서만 강력한 왕국으로 수년간의 싸움에서 등장한 동남아시아의 두 정부가 토착 예술이 계속 번성했습니다.

종교와 국가 역사는 오랫동안 동남아시아 예술의 중심이었습니다. 부처와 힌두교의 신들의 삶과 성격을 제외하고는 종교 교리가 주요 관심 대상이 아니었습니다. 대제국이 멸망한 후에도 영광과 힘에 대한 기억이 지속되자 국가 역사에 새로운 주제가 등장했습니다. 바로 과거의 전설적인 영웅에 대한 숭배였습니다.

불상은 시간이 지남에 따라 진화했지만 예술가들에게는 계속 인기 있는 주제였습니다. 작가 자신의 당대 장면을 배경으로 지역색을 도입하는 것 외에도 프레스코와 부조 조각으로 그의 전생을 묘사하는 것은 사람들에게 불교 윤리를 가르치는 목적으로 사용되었습니다. 전생의 부처.

예술가에게 비슷한 기회를 제공하고 유사한 기능을 수행한 힌두교 서사시의 사건 묘사에서도 마찬가지였습니다. 시간이 지남에 따라 신과 여신, 영웅과 공주, 은둔자와 마술사, 악마와 용, 하늘을 나는 말과 날개 달린 소녀 등과 같은 불교와 힌두교의 경전 인물들이 유사한 토착 인물들과 합쳐지고 민담이 동화에 통합되었습니다. 전반적인 종교적 주제.

나가가 불교와 힌두 경전에서 차용되어 국가적 유사체와 융합되었을 때 초인간적인 정신의 일종인 나가에 대한 다양한 표현이 세계 여러 지역에서 나타났습니다. 버마의 나가는 머리에 독특한 볏이 있습니다. 몬족에게 나가는 악어였지만 크메르족과 인도네시아 사람들에게는 머리가 아홉 달린 뱀이었다.

동남아시아의 악마들은 팔리어-산스크리트어 야카(yakkha) 또는 야크샤(yaksha)로 함께 분류되었지만, 그들의 독특한 정체성은 각 나라의 조각과 그림에서 보존되었습니다. 몬순 숲에 익숙하지 않은 사자는 그럼에도 불구하고 힌두교 및 불교 신화의 신들과 관련이 있기 때문에 인기 있는 토착 상징이자 주제가 되었습니다. 크메르 제국이 다산의 신으로 뱀룡을 숭배하는 관습을 버린 후에도 머리가 아홉 달린 나가는 보호와 왕권의 상징이 되었고 석조 나가가 왕궁과 신성한 사원을 경계하고 있었습니다. 나가 숭배는 불교도들에게 눈살을 찌푸리게 했습니다.

버마와 몬 예술사를 통틀어 나가는 항상 부처에게 복종하는 역할로 묘사되어 왔으며, 종종 그의 코일에서 부처를 위한 자리를 만들거나 그의 거대한 후드를 올려서 그를 요소로부터 보호했습니다. 몬 사원의 수호상은 전통적으로 두 개의 몸과 하나의 인간 머리를 가진 사자로 묘사된 반면, 버마 사원의 수호상은 전통적으로 볏이 있는 사자로 묘사되었습니다. 크메르와 몬 나가 예술 전통을 계승한다는 타이의 주장에도 불구하고, 선한 악마는 그 문화에서 사원 수호자 역할을 했습니다.

인도 동물은 예술에 들어온 고대 상징주의와 동물 이미지의 일부가 되었습니다. 예를 들어, Mons는 빨간 sheldrake를 상징으로 선택했고, Burmese는 불교 신화에서 공작이 태양과 관련이 있다는 이유로 태양을 가장 좋아하는 새인 공작으로, 인도네시아에서는 Garuda라고 불리는 신화의 새, Vishnu의 차량은 현지 독수리와 합병되었습니다. 이 새들의 묘사는 장식용으로 사용되었습니다. 한때 동남아시아 주택의 초가 지붕과 나무 벽을 장식했던 동물의 양식화된 버전이 더 호화로운 궁전과 사원으로 향했습니다. 몬순 숲의 나무, 과일, 꽃의 디자인은 인도 꽃 패턴과 고대 기하학적 모티브와 결합되었습니다.

동남아시아 예술은 인도를 제외한 다른 지역의 예술과 완전히 다릅니다. 버마는 역사적으로 중국과의 중요한 무역 링크였지만 놀랍게도 전통적인 버마 예술에는 중국의 영향이 없습니다. 타이족은 중국의 예술적 전통을 가지고 동남아시아에 늦게 도착했지만 크메르족과 몬족에게 유리하게 그러한 관습을 빠르게 포기했습니다. 오늘날, 그 초기 접촉의 유일한 흔적은 사원의 건축적 특징, 특히 가늘어지는 지붕과 칠기에서 볼 수 있습니다.

베트남은 천 년 동안 중국의 식민지였기 때문에 중국 문화는 베트남 미술에 영향을 미쳤습니다. 현대 베트남 남부의 힌두교에 대한 고고학적 증거는 15세기에 베트남이 점령한 고대 참파 왕조 시대로 거슬러 올라갑니다. 중국의 영향은 북부 베트남 불상에서 볼 수 있습니다. 캄보디아와 인도네시아의 사찰릉을 베트남 황제의 고분과 비교하거나 베트남의 호화롭고 위엄 있는 불상을 캄보디아, 버마의 고행하고 고상한 불상과 비교하면 동아시아 예술과 양식의 미학적 목적과 양식의 근본적인 차이를 드러낸다. 동남아 사람들. 동물과 인간의 형상을 거부하고 일상 세계의 환상적 아름다움 이면의 현실을 드러내고자 하는 이슬람 예술도 동남아시아 예술과 거의 공유하지 않습니다. 동남아시아의 예술은 관능적인 세계가 환상적이고 무상하다는 힌두교와 불교의 가르침을 무시했습니다.

동남아 미술은 현실과 환상이 공존하며 삶에 대한 긍정적인 시선이 작품마다 스며든다. 일부 사람들은 고전 크메르와 인도네시아 예술이 신들의 일상을 표현하는 데 중점을 두었지만 동남아시아의 관점에서 신들의 일상은 즐겁고 소박하며 신성한 것과 같았습니다. 동남아시아의 예술은 "예술을 위한 예술"이라는 유럽의 개념을 반영하지 않았을 뿐만 아니라 유럽의 예술을 세속적 범주와 종교적 범주로 나누는 것도 반영하지 않았습니다. 웅장한 사원과 옻칠 접시를 장식하는 동일한 주제가 버마 남자의 허벅지에 문신으로 새겨졌습니다. 동남아 예술가는 유럽 예술가들과 달리 모든 해부학적 측면에서 정확성에 신경을 쓰지 않았기 때문에 모델을 사용할 필요가 없었습니다. 환상적인 요소의 사용과 인간 생활의 선을 축하하는 스트레스는 동남아시아 예술을 차별화하는 요소입니다.

일본 미술에 집중하다

고대 도자기와 조각, 실크와 종이에 수묵화와 서예, 우키요에 그림과 목판화, 도자기와 종이접기에 이르기까지 "일본 미술"이라는 우산 아래에 있는 다양한 예술 형식과 매체가 있습니다. 현대 만화와 애니메이션. 기원전 10000년경 일본에서 인간 존재의 첫 징후부터 현대에 이르기까지 일본은 풍부하고 다양한 역사를 가지고 있습니다.

일본은 외국 사상의 빠른 유입과 다른 세계로부터의 오랜 고립을 경험했습니다. 일본인은 미학적으로 기쁘게 생각하는 다른 문화의 측면을 동화하고 적용한 오랜 역사를 가지고 있습니다. 7세기와 8세기에 일본에서는 불교의 전파에 따라 정교한 예술이 탄생했습니다. 9세기에 일본인이 중국에서 멀어지고 고유한 표현 스타일을 발전시키면서 세속 예술이 두각을 나타내게 되었습니다. 그때부터 15세기 후반까지 종교 예술과 세속 예술이 모두 번성했습니다. 일본에서 닌 전쟁(1467-1477)이 발발했을 때, 그것은 한 세기가 넘는 정치적, 사회적, 경제적 격변을 가져왔습니다. 도쿠가와 막부의 숙청에서 살아남은 예술 작품은 대체로 세속적이었고 종교는 일상 생활에서 훨씬 작은 역할을 했습니다. 서양식의 갑작스러운 도입은 메이지 시대(1868-1912)에 중요한 사건이었습니다.

일본에서는 아마추어와 전문가 모두 그림을 예술 표현의 주요 형식으로 사용합니다. 일본인은 근대까지 펜 대신 붓을 사용했기 때문에 회화의 가치와 미학에 특히 동조했습니다. 에도 시대에는 목판화가 주요 예술 형식이 되었고 생생한 판화를 만드는 데 사용된 방법은 성장하는 대중 문화의 요구에 맞게 개선되었습니다. 이 기간 동안 전통적인 일본 불교의 종교적 중요성이 약해지면서 일본인은 조각이 자신의 창조적 비전을 표현하는 데 덜 매력적인 매체라는 것을 알게 되었습니다.

일반적으로 일본 도자기는 최고 수준의 예술적 품질을 가지고 있으며 일본의 초기 유물 중 일부를 포함하고 있다는 데 동의합니다. 일본의 도자기 수출은 여러 시기에 중요한 경제 활동이었습니다. 마키에(maki-e)로 정교하게 장식된 일본 칠기는 오랫동안 유럽과 중국으로 인기 있는 수출품이었으며 이러한 경향은 19세기 내내 계속되었습니다. 일본의 전통 건축은 천연 재료와 실내외 생활의 통합을 두드러지게 특징으로 합니다.

일본 판화

우키요에(일본식 목판화)는 서양에서 인기를 얻고 있습니다. 그들의 이름은 주제를 설명하는 "떠있는 세계의 그림"이라는 문구에서 따왔습니다. 행복은 덧없고 욕망이 없을 때 비로소 깨달음을 얻을 수 있다는 불교의 믿음은 그들의 우뚝 솟은 무중력 그림에 영감을 주었습니다.

봉건 일본의 쇼군은 에도 지역(현대의 도쿄)에서 시작된 일본 판화의 발전에 중요한 역할을 했습니다. 문자 그대로 "외딴 또는 폐쇄 된 국가"를 의미하는 사코쿠 정책에 따라 일본은 나머지 세계와 단절했습니다. 1853년 미국 장군 페리가 일본을 방문하여 메이지 정부와 협상을 했습니다. 페리가 에도를 방문했을 때 번성했던 현대 미술 형식인 우키요에(Ukiyo-e)의 많은 판화가 도시의 보도에서 판매되고 있었습니다.

일본 역사와 전설의 장면은 가부키 공연자의 초상화, 극장의 장면, 사랑에 빠진 커플, 유명한 창녀, 풍경과 마찬가지로 우키요에에서 자주 묘사되었습니다. 서양에서 온 여행자들은 우키요에 판화를 즉시 좋아하게 되었기 때문에 우키요에 판화를 가지고 집으로 가져와 일본의 독특한 예술 스타일을 세계에 소개한 것은 놀라운 일이 아닙니다.

우키요에 예술 판화는 이미지를 블록에 거꾸로 새긴 후 먹물이 묻은 목판을 종이에 눌러 만들어졌습니다. 인쇄가 처음 시작되었을 때 모든 것이 흑백으로 이루어졌습니다. 오코무라 마사노부(Okomura Masanobu)와 스즈키 하루노부(Suzuki Harunobu)는 색상별로 별도의 블록이 필요한 컬러 목판 인쇄 분야의 개척자였습니다.

윤곽을 위한 키 블록과 각 색조에 대한 개별 블록이 필요했습니다. 또한, 하나의 블록에서 적은 수의 인쇄물이 만들어질 수 있기 때문에 상당한 수의 사본을 인쇄하려면 상당한 수의 블록을 조각해야 합니다. 작가는 일본 미술 판화 제작에 관련된 많은 전문가 중 한 명에 불과했습니다. 다른 사람들은 디자이너, 금형 기획자, 금형 절단기 및 금형 프레스를 포함했습니다.

1912년경 우키오에의 분파(Offshoots of Ukio-e)로 알려진 판화 운동이 쇠퇴하기 시작했지만, 그 공백을 메우기 위해 곧 두 개의 다른 판화 학교가 형성되었습니다. Sosaku Hanga와 Shin Hanga는 두 가지 이름입니다. 인쇄 과정에 대해 두 가지 학파가 있습니다. 즉, 예술가가 모든 단계에서 중심적인 역할을 해야 한다는 소사쿠 한가와 더 전통적이고 발행인이 가장 중심적이라는 신한가는 매우 다릅니다. 아티스트는 디자인, 차단 및 인쇄를 책임질 수 있습니다.

우키요-화 판화를 사고 팔려면 이 매혹적인 예술 형식을 제대로 감상하고 감상하기 위해 몇 가지 일본어 용어를 아는 것이 중요합니다. 일본 판화를 언급할 때 "아토즈리"라는 용어는 초기 인쇄가 끝난 후에 인쇄되었지만 여전히 원래 목판을 사용했음을 나타냅니다. 쇼즈리 판화는 초판이고 후코쿠 판화는 사본입니다. 예술가 서명과 판화 판 번호는 일반적으로 20세기 후반까지 일본 판화 과정의 마지막 단계에 포함되지 않았습니다. 대신, 각 판화에는 제작자와 발행인 및 조각가의 이름이 적힌 우표가 있었습니다.

그러나 유럽인들이 일본의 독특한 문화에 대해 알게 되면서 일본의 모든 것에 대한 유행이 나타났고 1860년대 후반에 일본 미술 판화가 대량으로 대륙으로 보내졌습니다. 일본의 출판사들은 급증하는 수요를 충족시키기 위해 더 유명한 목판화의 복제품을 생산해야 한다는 것을 재빨리 깨달았습니다.

어떤 인쇄물이 진품이고 어떤 인쇄물이 우표 및 기타 주변부로 인해 복제된 것인지 쉽게 구분할 수 있습니다. 문서의 독창성은 종종 종이와 색상 상태에 의해 결정될 수 있습니다. 보통의 미술 수집가는 일본어 문자를 읽을 수 없기 때문에 정통 일본 미술 판화를 구입하기 전에 전문가의 조언을 구해야 합니다.

중국 꽃 예술 의미에 초점

신석기 시대부터 중국의 예술가들은 작품에 식물을 묘사했습니다. 꽃, 새, 곤충은 단순히 아름답기 때문이 아니라 장식용으로 사용됩니다. 그들은 또한 풍부한 의미를 지니고 있습니다. 송나라(960-1279) 동안 "새와 꽃"이라는 제목의 그림 수가 급증하면서 중국 미술에서 중요한 주제로 꽃 이미지의 위상이 공고히 되었습니다. 이 주제는 두루마리 그림 외에도 도자기, 칠기, 옥 조각, 직물, 가구 등을 포함한 다양한 3차원 작품에서 볼 수 있습니다.

우리는 봄을 맞이할 준비를 하면서 19세기 AGGV의 아시아 미술 컬렉션에서 엄선된 그림을 살펴봄으로써 중국 미술에서 꽃의 상징성을 검토할 것입니다. 이 앨범의 삽화는 모두 실제 동식물을 기반으로 한 꽃과 나비의 즉석 표현입니다. 이 조합은 18세기에 생일 선물로 특별히 주문한 상품에 처음 등장했을 가능성이 큽니다. 나비 rebuses는 한 번에 여러 좋은 소원을 표현하는 데 사용할 수 있습니다. 장수와도 직결되는 이 아이템들은 생일을 상징하는 훌륭한 상징물입니다. 도교에서 나비는 영혼의 구속을 의미했습니다. 꽃은 많은 긍정적인 것을 나타내며, 이러한 예술 작품에 포함된 꽃은 긍정적인 의미를 더합니다.

전쟁으로 비극적으로 갈라진 두 연인에 관한 중국 민담에 따르면, 양귀비는 낭만적인 관계에서 파트너 사이의 충실함과 충성심을 나타냅니다. 군인 남편이 죽은 후 아내가 스스로 목숨을 끊은 곳에서 자라난 양귀비를 중심으로 이야기가 전개됩니다.

화카이후구이(huakaifugui)라는 표현은 중국 설날(1월 하순~2월 중순)에 피는 동백을 집안을 아름답게 꾸미는 데 활용하여 내년에 행운을 맞이한다는 의미입니다. 유럽에서 장미를 오랫동안 좋아했기 때문에, 꽃은 다른 곳에서 판매하기 위한 품목에 자주 묘사됩니다. 중국장미는 일 년 내내 자주 피기 때문에 '영원한 봄꽃'이라는 이름이 붙게 되었습니다.

모닝 프라이드. 밝은 자주색으로 피는 나팔꽃 관형 꽃은 원래 15세기 명나라 청화백자에서 장식적인 요소로 사용되었습니다. 꽃은 결혼의 행복을 상징한다고 합니다. 중국에는 다양한 종류의 진달래가 서식하고 있으며 각각 고유한 개화 시기가 있습니다. 진달래는 나비와 짝을 이루어 '창의적인 예술인'이라는 의미를 내포하고 있어 예술에 널리 퍼져 있는 여성미를 상징합니다.

호기심: 오리엔탈리즘이란 무엇인가?

오리엔탈리즘(Orientalism)은 동양의 요소를 모방하거나 정형화하는 관행을 말하며, 미술사, 문학, 문화 연구 분야에서 찾아볼 수 있다. 서양 작가, 디자이너 및 화가는 이러한 묘사에 가장 자주 책임이 있습니다. 19세기에 유행했던 학문적 예술의 다양한 하위장르 중에서 중동을 보여주는 데 초점을 맞춘 오리엔탈리즘 회화가 가장 두드러진 것 중 하나였다. 마찬가지로 당시의 서양 문학은 동양의 이국성에 대한 예리한 관심을 보였다.

1978년 에드워드 사이드(Edward Said)의 오리엔탈리즘(Orientalism)이 출판된 이후 학계에서는 "오리엔탈리즘(Orientalism)"이라는 용어가 보편화되었습니다. 이 용어는 아시아와 아프리카 문화에 대한 경멸적인 서구의 관점을 설명하는 데 사용됩니다. 사이드에 따르면 서구는 이러한 문화를 정체되고 저개발된 것으로 본질화하여 제국의 권위를 위해 연구, 묘사 및 재생산할 수 있는 동양 문화의 그림을 만듭니다. 사이드가 지적한 바와 같이, 이 거짓은 서구 사회가 진보적이고, 지적이고, 적응력 있고, 우월하다는 가정에 근거합니다. 이것은 서양인에게 "동양" 문화와 사람들을 이국적이고 위험한 것으로 상상할 수 있는 자유를 줍니다.

"오리엔탈리즘"이라는 용어는 19세기 전반에 걸쳐 서양 예술가들이 서아시아를 탐험한 결과 동양의 주제와 모티브에 초점을 맞춰 창작한 작품의 본체를 설명하기 위해 미술사에서 사용됩니다. 당시 예술가와 학자들은 종종 프랑스 미술 평론가 Jules-Antoine Castagnary가 대중화한 용어인 "동양주의자"라는 조롱의 대상이 되었습니다. Jean-Léon Gérôme을 명예 회장으로 둔 프랑스 동양화가 협회는 이 장르에 대한 광범위한 사회적 승인에도 불구하고 1893년에 설립되었습니다. 대조적으로, 영국에서 "Orientalist"는 단순히 "예술가"를 의미했습니다.

예술가들의 관점은 19세기 말에 프랑스 오리엔탈리스트 화가 협회가 설립되면서 바뀌었습니다. 19세기 운동의 전성기 동안 수많은 독특한 오리엔탈리즘 회화 스타일이 등장했지만 "동양주의 회화"라는 용어는 일반적으로 학술 예술의 단일 하위 장르를 지칭하는 데 사용됩니다. 많은 미술사가들은 오리엔탈리스트 화가를 두 가지 범주로 분류합니다. 직접적인 관찰을 통해 그린 화가와 스튜디오에서 환상적인 배경을 만든 화가입니다. 일반적으로 오리엔탈리즘 운동의 가장 저명한 인물은 Eugène Delacroix(1798-1863)와 Jean-Léon Gérôme(1824-1904)와 같은 프랑스 예술가들이라는 데 동의합니다.

프랑스 오리엔탈리즘

1798-1801년 나폴레옹의 비참한 이집트와 시리아 침공은 프랑스 오리엔탈리즘 회화에 영향을 주었고, 그로가 군대와 함께 중동으로 여행하지 않았다는 사실에도 불구하고 그 후 몇 년 동안 나폴레옹의 궁정 화가, 특히 앙투안 장 그로에 의해 기록되었습니다. . 자파의 전염병 희생자를 방문하는 보나파르트(1804)와 아부키르 전투(1806)는 모두 당시 황제였던 것처럼 황제를 중심으로 하고 있지만 많은 이집트인도 등장합니다. 피라미드 전투에서 덜 성공한 나폴레옹에게도 많은 이집트인이 있습니다(1810). 또한 Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson의 La Révolte du Caire(1810)도 중요했습니다. 프랑스 정부는 1809년과 1828년 사이에 이집트의 고대 유물에 대한 설명으로 20권을 제작했습니다.

그리스나 동방에 발을 들이기 전에 외젠 들라크루아는 그의 친구 테오도르 제리코의 메두사의 뗏목처럼 최근의 비극을 멀리 떨어진 곳에서 묘사한 키오스 학살(1824)로 그의 첫 번째 주요 히트작을 남겼습니다. 여론. 그리스인들은 여전히 오스만 제국으로부터의 자유를 위해 고군분투하고 있었지만, 그 나라는 제국의 극동 지역만큼이나 이국적이었습니다. 그 후 들라크루아는 전년도에 있었던 포위 공격을 기념하기 위해 미솔롱기 유적에 그리스(1827)를 그리고 바이런 경의 영감을 받아 최초의 예술 작품이라고 전해지는 사르다나팔루스의 죽음(1828)을 그렸습니다. 섹스, 폭력, 게으름, 이국주의를 결합합니다. 1832년 모로코 술탄에 대한 외교 임무의 일환으로 들라크루아는 마침내 프랑스가 새로 점령한 영토인 현재의 알제리로 여행을 떠났습니다. 북아프리카의 생활 방식과 고대 로마인의 생활 방식을 유사하게 그리는 목격담에 깊은 감명을 받았고, 프랑스로 돌아온 후에도 여행에서 주제를 계속 그렸습니다. 그의 많은 이미지에는 유대인이나 말을 탄 전사가 등장했는데, 그 이유는 이후의 많은 오리엔탈리스트 화가들처럼 여성을 묘사하는 것이 어렵다는 것을 알았기 때문입니다. 다음과 같은 하렘 장면은 사실주의에 대한 동일한 주장을 할 수 없었지만 분명히 알제의 여성이 된 것을 스케치하기 위해 집의 여성 숙소(또는 하렘)에 접근할 수 있었습니다.

프랑스인 Académie de peinture의 감독 Ingres는 터키식 목욕탕(모두 같은 모델이었을 수도 있음)을 생생하게 묘사하면서 여성 인물을 모호하게 일반화하여 에로틱한 동양을 대중화했습니다. 신비한 동양에서는 섹슈얼리티의 더 노골적인 표현이 용인되었습니다. 앙리 마티스(Henri Matisse)의 니스(Nice) 시대 반 누드 그림과 동양 의상과 패턴의 사용은 20세기 초까지 이 주제를 계속해서 사용한 예입니다. 증기선은 여행을 훨씬 쉽게 만들었고 많은 예술가들이 중동과 그 너머를 방문하여 광범위한 동양 장면을 그렸습니다. 동방을 방문하기 전에 앵그르의 제자인 테오도르 샤세리오(Théodore Chassériau, 1819-1856)는 누드 에스터의 화장실(1841, 루브르)과 콘스탄틴의 칼리프이자 로마의 추장인 알리 벤하메의 승마 초상화로 이미 성공을 거두었습니다. 그의 호위가 뒤따르는 하락타스

이 작품들 중 많은 부분이 동양에 대한 고정 관념적이고 이국적이며 성적인 묘사를 영속화했습니다. 이 유형의 예술 작품은 종종 아랍, 유대 및 기타 셈족 문화에 초점을 맞추었는데, 이는 프랑스 화가들이 이 지역의 역사와 발전에 대해 배우기 위해 여행한 곳이기 때문에 제국 프랑스가 북아프리카에서 영향력을 확장한 곳이기 때문입니다. Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme, Jean-Auguste-Dominique Ingres와 같은 몇몇 프랑스 예술가들은 이슬람 문화에 대한 그림에서 오달리스크를 묘사했습니다. 그들은 나른함과 화려한 비주얼을 강조했다. 특히 풍속화는 같은 소재의 유럽적 사례와 너무 닮아있다거나 동양주의적 세계관을 사이디안적 의미로 표현했다는 비판을 받아왔다. 제롬은 하렘, 공중목욕탕, 노예 경매에 대한 노골적인 성적 묘사로 알려진 후기 세기의 프랑스 화가 그룹의 시조이자 종종 대가였습니다. 포르노 모드의 누드와 오리엔탈리즘의 방정식".

유럽 건축과 디자인의 오리엔탈리즘

15세기 후반부터 르네상스 장식의 모레스크 스타일은 이슬람 아라베스크의 유럽식 적응으로, 사실상 오늘날까지 제본과 같은 특정 분야에서 계속 사용되었습니다. "Indo-Saracenic Revival"이라는 용어는 인도 건축 테마의 초기 서양 사용법을 설명합니다. 런던 길드홀의 전면은 이 기간(1788-1789)으로 거슬러 올라갑니다. 1795년경부터 William Hodges와 William and Thomas Daniell이 인도에 대한 견해를 발표하면서 이 스타일이 서구에서 인기를 얻었습니다. "힌두" 건축의 가장 잘 알려진 예는 Gloucestershire의 Sezincote House(c. 1805)로, 최근 Bengal에서 돌아온 나밥과 브라이튼의 Royal Pavilion을 위해 건축되었습니다.

장식 예술에서 "터키" 스타일의 사용, 가끔 터키 복장의 채택, 오스만 제국을 묘사하는 예술에 대한 관심은 모두 15세기 후반에 시작되어 적어도 18세기까지 지속된 Turquerie 운동의 일부였습니다. 18세기 이후 프랑스가 더 중요해졌지만, 원래 중심지는 오스만 제국의 오랜 상업 관계인 베니스였습니다.

"Chinoiserie"라는 이름은 17세기에 시작하여 서유럽에서 인기를 얻었으며 특히 로코코 시대(약 1740-1770) 동안 여러 차례에 걸쳐 정점에 도달한 중국에서 영감을 받은 요소로 장식하는 전체 스타일을 나타냅니다. 중국 도자기의 기술적 복잡성은 르네상스부터 18세기까지 서양 디자이너에 의해 시도되었고 부분적으로만 성공했습니다. 영국(동인도 회사 포함), 덴마크(동인도 회사 포함), 네덜란드(동인도 회사 포함), 프랑스(동인도 회사 포함)와 같은 국가들이 징조를 보이기 시작한 것은 17세기였습니다. Chinoiserie (프랑스 동인도 회사)의. 17세기 초에 델프트와 다른 네덜란드 도시의 도공들은 명나라 시대에 중국에서 생산된 것과 동일한 정통 청백자를 사용하기 시작했습니다. Meissen과 같은 최초의 실제 도자기 생산지에서 나온 접시, 꽃병 및 찻잔은 중국 전통 양식을 모방했습니다(중국 수출 도자기 참조).

후기 바로크 양식과 로코코 양식의 독일 궁전의 형식적인 파르테레에는 "중국풍"의 쾌락 전시관이 있었고 마드리드 근처의 Aranjuez에 있는 타일 패널은 비슷한 구조를 묘사했습니다. 특히 티 테이블과 도자기 캐비닛은 1753-1770년에 Thomas Chippendale에 의해 프렛워크 글레이징과 난간으로 장식되었습니다. 귀화는 또한 탱(tang)과 같은 초기 Xing 학자의 가구에 대한 침울한 경의에서 발생했는데, 이것은 그루지야 중기의 사이드 테이블이 되었고 영국 신사와 중국 학자에게 적합한 네모난 등받이 안락의자가 되었습니다.

중국 전통 미학에 대한 모든 서양식 해석이 "시누아즈리"로 간주되는 것은 아닙니다. Chinoiserie 미디어의 예로는 도자기 피규어와 테이블 장식품, 시트 형태의 초기 페인트 벽지, 일본을 연상시키는 옻칠 및 페인트 칠한 주석(tôle) 접시의 모방이 있습니다. 전체 크기의 탑은 정원에 설치되었으며 미니어처 버전은 맨틀피스에 설치되었습니다. William Chambers가 만든 Great Pagoda는 Kew의 멋진 구조물입니다. 슈투트가르트에 위치한 Wilhelma(1846)는 무어 리바이벌 스타일을 보여주는 건물입니다. 예술가 Frederic Leighton을 위해 지어진 Leighton House는 전통적인 외관이지만 실제 이슬람 타일 및 기타 구성 요소와 빅토리아 시대의 오리엔탈라이징 작업으로 장식된 아랍 스타일의 인테리어를 갖추고 있습니다.

서양에 우키요에 판화가 도입된 덕분에 1860년 이후 자포니즘으로 알려진 미학 운동이 번성했습니다. 특히 클로드 모네와 에드가 드가와 같은 현대 프랑스 예술가들에게 영향을 미친 것은 일본 미학이었습니다. 일본 판화는 프랑스에서 거주하며 작업한 미국 예술가 Mary Cassatt에게 영감을 주었습니다. 그녀는 레이어 패턴, 평면 및 동적 관점의 사용을 자신의 작업에 통합했습니다. 일본에서 영감을 받은 예술의 가장 좋은 예는 James Abbott McNeill Whistler의 그림 모음집인 The Peacock Room에서 찾을 수 있습니다. 캘리포니아의 Greene과 Greene의 Gamble House 및 기타 건물은 일본 건축의 영향을 받았습니다.

이집트 부흥 건축은 19세기 초중반에 유행한 양식이었으며, 20세기 초까지 마이너 양식으로 지속되었다. 19세기 초, 회당은 독일 국가에서 시작된 무어 부흥 양식의 주요 수혜자 중 하나였습니다. Indo-Saracenic Revival로 알려진 건축 양식은 19세기 말경 영국 Raj에서 나타났습니다.

동양화로 장식하다

동양 장식의 미학은 세계에서 가장 매혹적인 것 중 하나입니다. 가구 및 인테리어 데코 산업에서 인기를 얻고 있는 오리엔탈 데코 요소의 사용이 증가하고 있습니다. 이 아시아 예술 형식 컬렉션은 수천 년 동안 요구되어 왔으며 다양한 아시아 국가의 작품을 선보입니다.

"동양 예술"이라는 용어는 종종 일본의 게이샤 소녀나 중국 수채화의 이미지를 떠올리게 하지만 이것이 유일한 예는 아닙니다. 생생한 색상과 세부 사항에 대한 관심으로 동양 두루마리, 꽃병 및 그림은 수세기 동안 지속되었습니다. 우산, 부채, 램프는 다른 형태의 동양 예술의 또 다른 예입니다.

동양미술이 사랑받는 이유 중 하나는 깔끔한 선과 선명한 색채 때문이다. 동서양 반구는 모두 동양 장식의 요소를 인테리어에 통합했습니다. 우아함과 기능성으로 인해 평소와 다른 설정에서도 사용할 수 있습니다. 집에 동양 예술 작품을 추가하는 것은 독특한 모양과 느낌을 주는 좋은 방법입니다. 벽 부채는 동양 미술의 상징적 인 예입니다. 동양의 물건으로 장식하는 것은 스타일리시하고 저렴하기 때문에 좋은 아이디어입니다.

이 분야의 많은 전문가들이 말하듯이 경매는 동양 미술품을 조달하는 가장 좋은 방법 중 하나입니다. 따라서 경매 카탈로그를 검색하고 오리엔탈리스트 풍미의 조각으로 집을 장식하기 시작할 수 있습니다. 그러나 일본 미술에 관해서는 종종 판화, 도자기, 갑옷 등을 포함한 경매가 있습니다.

몇몇 유명한 동양화가들

구개지(貴財子, 344년 – 406년경)

중국 예술가 Gu Kaizhi의 유명한 작품으로는 궁녀들에게 보내는 통치자의 훈계(Admonitions of Governess to the Lady of the Court of the Court)와 지침서(Instructions to Illustrious Women)가 있습니다. 그는 시인이자 예술 이론가이기도 했다. 그는 화려한 삶을 살았고 때때로 큰 냉소를 나타내는 도교 철학자였습니다. 366년에 시작된 정부 관리인 Gu Kaizhi(c. 344-406)는 강소성 무석에서 태어났지만 그의 재능은 정치를 훨씬 뛰어넘었습니다. 그는 또한 뛰어난 시인, 수필가, 화가이자 중국 서예의 실천가였습니다. 회화에 대하여, 위진(魏金)나라 명화개론, 운태산화의 세 작품은 매체에 대한 구의 수많은 이론을 요약하고 있다. 그의 삶의 작품은 인간과 신의 인물, 동물, 풍경 및 수로에 초점을 맞춘 70개 이상의 그림에 기록되어 있습니다. Nanjing Temple Buddha(사찰 건축을 위한 돈을 벌기 위해 만들어짐), Admonitions of Governess to the Lady of the Court, The Luo River Nymph는 모두 일반적으로 그에게 귀속된 작품입니다. Gu Kaizhi의 작품은 이제 전 세계 컬렉션에서 찾을 수 있습니다. 서기 220년에서 서기 581년 사이에 중국 회화의 황금기가 있었습니다. 300년 동안 중국에서 일어난 전쟁과 왕조의 변화에도 불구하고 중국의 문화 생활은 활기를 띠었습니다. 이것은 국가의 예술적 발전에 상당한 추진력을 제공한 많은 다른 학교들 덕분이었습니다. 이 기간 동안 중국 서예와 예술의 기교는 무덤 그림, 돌과 벽돌 조각, 옻칠 그림을 포함하여 몇 가지 예가 있습니다. 또한 현대 중국 회화 아래에서 볼 수 있는 그림 규칙, 그래픽 이론 및 육법 이론과 같은 규칙이 이론화되어 있습니다. 이 예술가들 중 가장 영향력 있고 잘 알려진 사람 중 한 사람은 종종 중국 전통 회화의 창시자로 여겨지는 Gu Kaizhi입니다. 그의 작품은 그가 살았던 시대를 잘 보여줍니다.

판관(960 – c. 1030)

990년부터 1020년까지 판관은 중국의 저명한 "북방 스타일" 도교 화가였습니다. 10세기와 11세기의 가장 훌륭한 대가는 무엇보다도 그에게 귀속됩니다. 판관(Fan Kuan)의 '산과 시냇가 속의 여행자'라는 제목의 세로 두루마리는 북송 학교의 기초 예술 작품으로 널리 간주됩니다. 그것은 많은 예술가들이 나중에 지침을 찾을 거대한 풍경화의 표준을 설정합니다. 근거리, 중간(물과 안개로 나타냄) 및 거리라는 3차원의 오래된 중국 개념이 여기에서 작동하고 있음이 분명합니다. 중국 산수화의 초기 사례와 달리 자연 세계의 화려함은 사후 생각보다는 초점입니다. 모놀리스 바닥에는 덤불에서 나온 무리 말 한 줄을 볼 수 있습니다. 고대 당나라의 관습은 작품의 시각적 스타일에서 볼 수 있습니다.

가쓰시카 호쿠사이 ( 1760 – 1849 )

가쓰시카 호쿠사이가 일본에서 화가이자 판화 제작자로 대중화한 우키요에 양식입니다. 그는 그의 판화로 가장 잘 알려진 정확하고 괴상한 화가였습니다. 그러나 그는 평생 동안 두 매체 모두에서 계속 일했습니다. 경력 60년이 넘는 동안 그는 이미 연극 주제를 묘사한 목판화, 사적인 유통을 위한 인사말(수리모노), 그리고 1830년대부터 풍경 시리즈를 실험했습니다. 여러 지방, 그리고 유명한 화산에 대한 개인적인 애착을 부분적으로 반영하는 후지산 36경. 이 캐논의 일부인 가나가와 대파도 관련 작품입니다. 여러 가족 문제로 인해[2] 큰 어려움을 겪은 후 도박에 대한 조카의 성향이 가장 적지만 그는 아마추어와 전문가 모두를 대상으로 하는 많은 그림과 만화 가이드를 출판했습니다. 여성과 어린이를 위한 다양한 미스터리 책과 단편 소설을 쓰고 그림을 그렸을 뿐만 아니라 위대한 문학 걸작을 그리는 작업은 청소년기에 여행 심부름을 하던 소년 시절부터 시작된 평생 동안의 문학 사랑에서 영감을 받았습니다. 도서관. 그가 쓴 하이쿠도 꽤 좋았다. 클로드 모네(Claude Monet)와 같은 유럽 인상파 화가들과 빈센트 반 고흐(Vincent van Gogh)와 프랑스 화가 폴 고갱(Paul Gauguin)과 같은 후기 인상파 화가들에 대한 그의 예술의 광범위한 영향으로 인해 호쿠사이에 대한 3개의 전기가 1896년에서 1914년 사이에 프랑스어로 출판되었는데, 다음을 포함하여 당시의 저명한 비평가들에 의해 에드몽 드 공쿠르. 그에 대한 이야기에 따르면, 그는 90번 이상 이사를 했고 경력 내내 여러 다른 예명을 사용했습니다.

요시다 히로시 (1876 – 1950)

일본의 화가이자 인쇄인 요시다 히로시. 그의 타지마할, 스위스 알프스, 그랜드 캐년의 판화는 신한가 예술의 가장 유명한 예 중 하나이며 보는 사람에게 강렬한 감정을 불러일으킵니다. 1876년 9월 19일 후쿠오카현 구루메시 키시섬에서 요시다 히로시(吉田康吉), 본명은 우에다 히로시. 공립학교 미술 강사인 그의 양아버지는 그의 초기 예술적 재능을 격려했습니다. 3년 동안 도쿄에서 고야마 쇼타로에게 배운 후 19세에 교토로 건너와 유명한 서양화의 거장 타무라 쇼류에게 사사했다. 1899년에 Yoshida는 당시 Detroit Museum of Art라고 불렸지만 지금은 Detroit Institute of Arts라고 불리는 곳에서 첫 번째 전시회를 개최했습니다. 요시다 히로시는 메이지 시대부터 일본에 매체를 사용해 온 뛰어난 유화 화가였습니다. 1921년의 범선 시리즈와 타지마할의 판화(그 중 6점)는 둘 다 기분을 바꾸기 위해 같은 이미지를 다른 색상으로 재현하는 요시다의 습관을 보여주는 사례입니다.

인용 부호

마들렌 랭글

• " 나는 고대 중국 미술에서 위대한 화가들이 항상 의도적인 결함을 작품에 포함했다는 사실을 좋아합니다. 인간의 창조는 결코 완벽하지 않습니다."

아이 웨이웨이

• “부자들은 모두 중국 전통 예술을 수집합니다. 따라서 중국 가정에서 여전히 예술을 최고의 인간 행위로 여기고 자녀를 이 분야에 보내는 것은 매우 자연스러운 일입니다.”

스티븐 가디너

• "일본 미술에서 공간은 지배적인 역할을 했고 그 위치는 선 개념에 의해 강화되었습니다."

앙리 마티스

• "일본 미술의 전성기 작가들은 활동하면서 여러 번 이름을 바꾸지 않았습니까? 나는 그것이 좋아, 그들은 자신의 자유를 지키고 싶었습니다."

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