ミニマリスト写真：風景のジャンル

Carlos Canet Fortea、おおよその旅、2022年。写真、デジタル写真/操作された写真/紙のデジタルコラージュ、100 x 80 cm。

写真媒体によって促進される芸術的調査に入る前に、何世紀にもわたって最も有名な芸術ジャンルの誕生、発展、肯定を後援してきた絵画の伝統に言及することは明らかであるように思われます。このように、後者のテーマを主題とする写真は、歴史上の特定の時間と場所で起こった出来事である風景画の完全な自律性を公式に認めることにつながった以前の努力を楽しんだことが明らかです。黄金世紀の。実際、この時期以前は、風景は単なる絵の背景として考えられていました。これは、性同一性がなく、語られた出来事、主に宗教的、神話的、または歴史的な出来事が起こった場所を装飾または説明することを目的としていました. 19世紀後半の写真の到来は、上記の成果を直接継承し、徐々にかつ実験的にではあるが、風景のジャンルへの進歩的な関心を促進し、何世紀にもわたってその主要な主力の1つになった.さらに、写真芸術へのアプローチの過程で、この分野は、絵画、彫刻などのように、複数の動き、芸術的な流れ、傾向に直面しており、その中でミニマリズム、視点に言及することが義務付けられています。風景画にもその様式的特徴を課している現実に。シンプルかつ簡潔に説明すると、ミニマリストの視点は、風景のジャンルに、非常に合成的で具体的なレンダリングを通じて実際のデータをキャプチャするという目標を与えます。より大きな視覚的影響。実際、描かれている「小さなもの」に注意を向ける可能性が非常に高いため、視聴者は、複数の装飾的な「フリル」に注意が分散するのを避け、メッセージを伝えるために何が考えられているかを即座に把握することができます。今説明したことを読者の想像力の中で具体化するためには、杉本博司、山本雅夫、マイケル・ケンナなど、ミニマルな風景のビジョンを捉えることに専念している数人の写真家の作品を参照することが重要です.前者といえば、1948 年生まれの日本人アーティスト兼写真家である彼は、現代写真の最も重要な代表者の 1 人であることが判明し、ミニマリズムとコンセプチュアル アートを、東洋の慣習のような節度とシンプルさと組み合わせるという特異性を持っています。これらの文体の特徴は、1980 年の一連の海景で実を結びました。このシリーズでは、フレーミングと素材を同じように使用して、ビュー内に配置された黒と白のバリエーションを強化することに焦点を当て、澄んだ穏やかな海を捉えることを目的としています。静かな空。水と空気の境界線がしばしば非常にぼやけ、抽象主義に近いこのような状況において、彼は容赦ない時間の経過にもかかわらず、自然の壮大さがいかに驚くほど、そしてほとんど神のように変わらないかを明らかにしたいと考えています。絵画では、1935 年生まれのイタリアの画家、彫刻家、イラストレーターのピエロ グッチョーネの作品によって、同様の感覚を伝えることができます。ピエロ グッチョーネの概念的なマリーナは、空と海を分ける線に反射の焦点を見つけます。視聴者を自分の内なる自己と接触させることを目的とした瞑想を中心にしています。一方、山本雅夫は、小さなフォーマットの画像の作成に専念しており、それは、手に持つ盆栽のように、観る者を同じような記憶へと誘います。この瞑想的な次元には、現在と過去の両方のための余地があるため、アーティストは「古い」白黒画像の使用を好み、自分たちの何千ものバージョンの記憶、断片、痕跡をほのめかすことを意図しています。 .

Philippe Berthier、 Phoetr y、2023年。写真、デジタル写真/紙に加工された写真、47 x 67cm。

風景といえば、このテーマに関するマサオのショットは、自然の変化を観察することに興味を持っていることを証明しており、その物語は私たち自身のライフコースの進化をほのめかしているようです。日本のアーティストが撮影したミニマリストの例は、Kawa=Flow #1652 で、秋の風景をほのめかすために、神聖な枝にとまる鳥のグループのビジョンのみが参照されています。同様に、有名なタンザニアの画家、エドワード・サイード・ティンガティンガによる、木にとまる白い鳥のより広く、よりカラフルな視点に示されているように、絵画も同様の主題を描いています。最後に、1953 年生まれの著名な英国の写真家であるマイケル ケナについて説明します。彼はミニマリストの白黒の風景画でよく知られています。その風景画は、典型的には空気のような光に照らされており、最初の光や夜間に撮影されたショットの結果です。大気条件と不死化された主題との間の相互作用に焦点を当てるという意図を追求します。多くの場合、正確にこの関係を強調するために、彼は孤独な木を不滅にし、白や闇に浸し、たとえば、モンドリアンの赤い木と青い木、ゴッホの絵画などの傑作によって捉えられた個々の標本を思い起こさせます。忘れられない秋の桑の木（1889）は、オランダの巨匠が亡くなる1年も経たないうちに描いた作品で、混沌としていてバランスが取れていなかったが、かなり「悟りを開いた」ことが判明した時期に描かれました。ヴィンセントの新しい意識は、おそらく彼が「滞在」していた場所、つまり、有名な耳の事件の後に入院した病院、サンレミーのセントポール精神病院に触発されたのでしょう。彼が自分の波乱に満ちた過去に気づいたのはまさに精神病院でした。新しい芸術作品に興味を持ち、病院の不幸な仲間から提供された幸せな交際に安堵したのです。したがって、ミニマリストの写真とポスト表現主義の絵画とのこの最後の比較は、もう1つの詳細を明らかにします.第2の動きを支持した人々は、概して、より穏やかな熟考と存在の統合の手段としてではなく、一種の治療法として芸術を利用してきました. .

トマーシュ・ティソン、ガーディアン、2021年。写真、紙のデジタル写真、50 x 50 cm。

ジオ・モンデリ、暑い夏、2018年。絵画、キャンバスにアクリル、45 x 45 cm。

ジオ・モンデリ：暑い夏

1953年生まれのイタリア人アーティスト、ジオ・モンデッリのキャンバスにアクリルで描かれた、いくつかの風景要素と相まって、非常に明るい色は、絵画芸術に対する写真の疑似「依存」に関する上記の「議論」を再開します。多くの主題と文体的アプローチを「借りる」レベルで発見されました。 1933年生まれのモデナ人でミニマリストの風景画で知られるフランコ・フォンタナの写真調査の一種の絵の解釈者のように見えるアートマジュールのアーティストの風景芸術の視点を正確に考えると、そのような状況は逆転します。議論の余地のない主役は、野原、木々、巧みに配置された雲、色、形状のイタリアの性質に加えて.まさにこれらの最後の 2 つの構成要素が、彼の主題選択の真の動機であることが判明し、「単純な」田舎の風景だけでなく、産業や都市の風景も、「誇張されたクロマティックスの「叫び」を、シンセティックでシャープで際立ったラインで表現。この文脈において、モンデリのカルダ邸は、特に、1980 年代後半にさかのぼるフォンタナのプーリアの写真シリーズにたどることができるように思われ、黄色、青、緑の最も正真正銘の勝利を、秩序という観点から現れる自然の中で示しています。そして活気があり、より豊かで、人間とその悪行に対して好意的です。

Emmanuel Passeleu, The blue , 2021. Photography, Digital Photography / Manipulated Photography on Paper, 50 x 50 cm.

エマニュエル・パッセレウ：青

古典的なジャンルに加えて、写真の世界がどのようにファッション、トレンド、土壇場でのイノベーションで構成されているかを強調することは重要です。これらは現在の時代に、インターネットやソーシャル メディアの領域から広まることがよくあります。より時代遅れのアカデミーや博物館機関を除外して。この発言は、スウェーデン生まれのミニマリスト写真家であるマーカス・セダーバーグの人生経験を要約しているようだ。 2014. 今日、彼のプロフィールは大きな注目を集めており、好奇心旺盛な人々、写真愛好家、芸術全般、そして写真家自身が広く訪れており、現実に近い「合成」色と形を与えることで本物を捉えようと熱望しています。このような「秩序だった」ビジョンは、芸術家の特定の必要性から生じています。芸術家は、私たちの社会の混沌に反対しなければならないと感じており、悲惨なリズムの形をしており、入力や誤った神話で飽和しています。彼の闘争は、主に色、コントラスト、ネガティブスペースの慎重な選択により、ミニマリストの詩学、豊かな落ち着きの感覚を広めることができるトレンドと戦っています.具体的なアクションについて言えば、私は写真家の Instagram プロフィールを開いて、彼のお気に入りの被写体の 1 つは窓であり、個別に、ペアで、時にはほぼ「無限」の乗算によって分析されることを指摘しました。そのような主題は、単純な色の壁に対してシルエットが描かれ、静的および動的の両方の現実的な詳細が時折示されます。窓は Artmajeur アーティストによるデジタル写真の主要な主題でもあります。Artmajeur アーティストは、根本的に反対の 2 つのトレンドを斬新かつ革新的な方法で混合することを目的として、シュールなタッチを巧みに加えることでミニマリズムをパーソナライズしました。

Elisabeth Laplante, Neon noué , 2018. 写真、デジタル写真、紙、30 x 45 cm.

エリザベート・ラプラント：ネオン・ノエ

暗い、アマランス、バラ色、海水色の壁にネオンの光が走っています。写真の長方形のフォーマットに閉じ込められているのが見えますが、その経路の実際の範囲を知ることはできません.これはおそらく、ラプランテのミニマリズムでほのめかされた謎であり、前述の蛍光体を一種のディテールとして利用し、視聴者の注意を確実に捉えることを目的としています。確かに、ネオンは後の段階でも気づくことができますが、あなたの視線がそれに落ち着くと、これはおそらくあなたがこれほど正確に観察する最後のものになるでしょう.光を発見した後、誰が暗闇に戻りたいと思うでしょうか?確かに、光は空間を定義し、活力とダイナミックさを与え、形や色を区別して、私たちが知覚するように世界を見る能力を与えてくれるので、まさに魅力的です.これらの概念は、主に光と空間の知覚を扱うアメリカ人アーティスト、ジェームズ・タレルの芸術的調査の前提にもおそらく依存していました。実際、このアーティストは、1960 年代に米国で生まれた運動である光と空間の主要な指数の 1 人と見なされています。視聴者。