Gustavo Courbet

Gustave Courbet, Autoritratto (uomo con pipa) , 1848-1849. Olio su tela, cm 45x37.

Chi era Gustave Courbet?

Jean Désiré Gustave Courbet è stato un pittore francese che ha guidato il movimento del realismo nella pittura francese durante il XIX secolo. Ha rifiutato la tradizione accademica e il romanticismo della precedente generazione di artisti visivi, impegnandosi a dipingere solo ciò che poteva vedere. Il suo approccio unico è servito da esempio per artisti successivi, come gli impressionisti e i cubisti. Courbet ottenne riconoscimenti alla fine del 1840 e all'inizio del 1850 per i suoi dipinti che sfidavano le convenzioni ritraendo contadini e lavoratori non idealizzati su una grande scala tipicamente riservata a soggetti religiosi o storici. I suoi lavori successivi includevano paesaggi, paesaggi marini, scene di caccia, nudi e nature morte, con temi politici meno evidenti. Oltre alle sue attività artistiche, Courbet è stato anche coinvolto nella politica francese come socialista. Fu imprigionato per sei mesi nel 1871 a causa del suo coinvolgimento con la Comune di Parigi e visse in esilio in Svizzera dal 1873 fino alla sua morte quattro anni dopo. L'impatto di Courbet sulla pittura francese del XIX secolo fu significativo, in quanto fu un innovatore e un artista che fece senza paura affermazioni sociali audaci attraverso il suo lavoro.

Gustave Courbet, L'uomo disperato , 1843-1845. Olio su tela, cm 45×54. Collezione privata.

Vita

Gustave Courbet nasce nel 1819 a Ornans, una cittadina nel dipartimento del Doubs in Francia. I suoi genitori, Régis e Sylvie Oudot Courbet, avevano convinzioni antimonarchiche, probabilmente influenzate dal coinvolgimento del nonno materno nella Rivoluzione francese. Le sorelle di Courbet, Zoé, Zélie e Juliette, sono state le sue prime modelle per la pittura e il disegno. Dopo essersi trasferito a Parigi nel 1839, Courbet continuò a tornare spesso a Ornans per dedicarsi alla caccia, alla pesca e trarre ispirazione per la sua arte. Inizialmente ha lavorato presso lo studio di Steuben e Hesse, ma presto ha lasciato per sviluppare il proprio stile. Ha studiato le opere di maestri spagnoli, fiamminghi e francesi al Louvre e ha dipinto copie delle loro opere, mostrando un forte spirito indipendente nella sua ricerca dell'eccellenza artistica. Courbet si ispirò inizialmente alla letteratura, realizzando opere come un'Odalisca basata sulla scrittura di Victor Hugo e una Lélia ispirata a George Sand. Tuttavia, presto abbandonò queste influenze letterarie e scelse invece di creare dipinti basati sulla realtà osservata. All'inizio degli anni Quaranta dell'Ottocento realizzò diversi autoritratti in stile romantico, raffigurandosi in vari ruoli. Alcuni esempi degni di nota includono Autoritratto con cane nero (1842-44 circa, esposto al Salon di Parigi del 1844), Uomo disperato (1843-45 circa), Amanti in campagna (1844, esposto al Musée des Beaux-Arts a Lione), The Sculptor (1845), The Wounded Man (1844–54, esposto al Musée d'Orsay di Parigi), Autoritratto con violoncello (1847, esposto al Nationalmuseum di Stoccolma ed esposto al Salon del 1848 ) e L'uomo con la pipa (1848–49, esposto al Musée Fabre di Montpellier). I viaggi di Courbet nei Paesi Bassi e in Belgio nel 1846-1847 rafforzarono la sua convinzione che gli artisti dovessero dipingere la vita che li circonda, come esemplificato dalle opere di maestri olandesi come Rembrandt e Hals. Nel 1848, Courbet aveva ottenuto il sostegno dei critici più giovani, in particolare i neoromantici e i realisti, come Champfleury. Nel 1849, Courbet ottiene il suo primo successo al Salon con il dipinto Dopo cena a Ornans. L'opera d'arte, che ricordava Chardin e Le Nain, vinse a Courbet una medaglia d'oro e fu acquistata dal governo francese. In seguito a questo riconoscimento, le opere di Courbet non furono più soggette all'approvazione della giuria per l'esposizione al Salon, privilegio di cui godette fino al 1857 quando le regole cambiarono. Tra il 1849 e il 1850, Courbet dipinse The Stone Breakers, purtroppo distrutto durante il bombardamento alleato di Dresda nel 1945. Il dipinto fu molto apprezzato dal filosofo francese Proudhon, che lo vide come un'icona della vita contadina e un simbolo della vita lavorativa classe. The Stone Breakers è stato ispirato da una scena a cui Courbet aveva assistito sul ciglio della strada, e in seguito ha raccontato a Champfleury e allo scrittore Francis Wey come è nato il dipinto: "Non capita spesso di incontrare un'espressione così completa di povertà e così, giusto lì per lì mi è venuta l'idea per un dipinto. Ho detto loro di venire nel mio studio la mattina dopo". The Stone Breakers è ora considerato una delle opere più significative di Courbet ed è riconosciuto come uno dei primi esempi del movimento del realismo.

Gustave Courbet, Giovani donne sulle rive della Senna , 1857. Olio su tela, 174×200 cm. Parigi: Museo del Petit Palais.

Cosa significa Realismo?

Il lavoro di Courbet non si allineava con le scuole d'arte romantiche o neoclassiche predominanti. Non vedeva la pittura storica, che il Salon di Parigi considerava la più alta forma d'arte, come una ricerca utile, credendo che gli artisti di un'epoca non potessero catturare con precisione l'essenza di un'altra epoca. Invece, Courbet sosteneva che l'unica vera fonte per l'arte fosse l'esperienza personale dell'artista. Accanto a Jean-François Millet, ha trovato ispirazione nel dipingere la vita dei contadini e degli operai. La produzione artistica di Courbet comprendeva composizioni figurative, paesaggi, paesaggi marini e nature morte. Ha corteggiato polemiche affrontando questioni sociali nel suo lavoro e raffigurando argomenti considerati volgari, come la borghesia rurale, i contadini e le condizioni di lavoro dei poveri. Il suo lavoro, insieme a quello di Honoré Daumier e Jean-François Millet, divenne noto come Realismo. Per Courbet, il realismo non riguardava la linea e la forma perfette, ma piuttosto la manipolazione spontanea e ruvida della pittura, catturando le irregolarità della natura attraverso l'osservazione diretta. Ha rappresentato la dura realtà della vita e ha sfidato le idee accademiche contemporanee dell'arte. Una delle caratteristiche distintive del realismo di Courbet era il suo legame per tutta la vita con la sua provincia natale, la Franca Contea, e il suo luogo di nascita, Ornans.

Gustave Courbet, Donna con pappagallo , 1866. Olio su tela, 129,5×195,6 cm. New York: Metropolitan Museum of Art.

La fine dei giorni

Dopo aver completato la sua pena detentiva il 2 marzo 1872, i guai di Courbet erano tutt'altro che finiti. Nel 1873, il neoeletto presidente della Repubblica, Patrice Mac-Mahon, annunciò piani per ricostruire la Colonna Vendôme, con il costo a carico di Courbet. Incapace di pagare, Courbet andò in esilio autoimposto in Svizzera per evitare il fallimento. Durante questo periodo, ha partecipato a mostre regionali e nazionali svizzere ed è diventato noto come il leader della "scuola realista" nella piccola comunità artistica svizzera. Ha ispirato artisti più giovani come Auguste Baud-Bovy e Ferdinand Hodler. Una delle opere importanti di Courbet durante questo periodo comprendeva diversi dipinti di trote, interpretati come autoritratti allegorici dell'artista in esilio. Nei suoi ultimi anni, Courbet si è concentrato sui paesaggi, tra cui scene di acqua che emergono misteriosamente dalle profondità della terra nelle montagne del Giura lungo il confine franco-svizzero. Courbet lavorò anche alla scultura durante il suo esilio, avendo precedentemente prodotto alcune sculture all'inizio degli anni '60 dell'Ottocento. Una delle sue sculture, Il pescatore di Chavots, era stata donata a Ornans per una fontana pubblica ma fu rimossa dopo l'arresto di Courbet. Nel maggio 1877, lo stato fissò il costo finale della ricostruzione della Colonna Vendôme a 323.000 franchi per Courbet da rimborsare in rate annuali di 10.000 franchi per i successivi 33 anni. Tuttavia, Courbet morì il 31 dicembre 1877, un giorno prima della scadenza della prima rata, all'età di 58 anni a La Tour-de-Peilz, in Svizzera, a causa di una malattia del fegato aggravata dal consumo eccessivo di alcol.

Le opere più famose

Gustave Courbet, L'uomo disperato , 1843-1845. Olio su tela, cm 45×54. Collezione privata.

L'uomo disperato (1843-1845)

The Desperate Man è un ritratto memorabile soprattutto per l'illuminazione e l'espressione angosciata dell'artista. La sua composizione drammatica potrebbe ricordare ad alcuni spettatori le opere di Caravaggio e Rembrandt.

Gustave Courbet, L'onda , 1869-70.

L'onda (1870)

Si sostiene che Courbet sia stato uno dei primi artisti ad essere influenzato dalle stampe giapponesi, che in seguito divennero un'importante fonte di ispirazione per molti dei primi modernisti. Questa estetica orientale è evidente nei dipinti di Courbet, che spesso raffiguravano una fetta d'acqua isolata da una visione più ampia dello spazio, forse ispirata alle stampe giapponesi. Questo stile pittorico era caratterizzato da chiazze spezzate di vernice applicate sia nelle aree scure che in quelle chiare, creando una trama unica che fu fonte d'ispirazione per gli impressionisti in erba. In breve, i paesaggi e le marine di Courbet, con il loro trattamento pittorico, divennero un'importante fonte di ispirazione per gli artisti successivi.

Gustave Courbet, Il sonno , 1866. Olio su tela, cm 135×200. Parigi: Petit Palais.

Sonno (1866)

Questa particolare opera d'arte di Courbet mostra il suo fascino per un realismo erotico, che divenne un tema importante nelle sue opere successive. Il dipinto presenta un erotismo crudo ed esplicito, senza alcuna giustificazione romantica o mitologica, che lo rende impopolare tra coloro che aderivano ai gusti convenzionali dell'epoca. I nudi non santificati di Courbet hanno provocato molte discussioni sui difetti del suo carattere e della sua arte. Tuttavia, l'artista ha apprezzato l'attenzione e la reputazione che ha guadagnato come artista conflittuale. Nonostante le critiche, il suo stile controverso ha contribuito a renderlo una figura influente nel mondo dell'arte.

Gustave Courbet, Lo studio del pittore , 1855. Olio su tela, 361 cm × 598 cm. Parigi: Museo d'Orsay.

Lo studio del pittore: una vera allegoria che riassume una fase di sette anni della mia vita artistica (1855)

Questo dipinto lungo 19 piedi è una manifestazione dell'amor proprio e dell'orgoglio di Courbet per la sua volontà di ferro, il duro lavoro e il genio rivoluzionario. In modo simile a come ha raffigurato gli altri nel suo precedente lavoro "Burial at Ornans", Courbet si ritrae come un eroe in questo dipinto. Mostra una quantità significativa di egotismo e afferma che il progresso si verifica quando gli individui pensano in modo indipendente e sfidano lo status quo. Il dipinto mostra Courbet a grandezza naturale, con un pennello in mano, mentre lavora a un dipinto di paesaggio. I suoi amici sulla destra simboleggiano spiriti affini e innovazione, mentre il ragazzo ammirato rappresenta la convinzione di Courbet che la sua eredità durerà per generazioni. La modella nuda in piedi dietro l'artista è un omaggio alla sua grandezza e al suo ruolo di musa ispiratrice. A sinistra stanno i lavoratori poveri, poiché Courbet riconosce loro il diritto di essere inclusi. Il suo avversario, Napoleone III, è raffigurato come un bracconiere con un'arma da fuoco e accompagnato dai suoi cani. Lo sguardo fiducioso di Courbet eclissa l'inclinazione della testa verso il basso di Napoleone, simbolo dell'innovatore che domina l'autoritario. In breve, questo dipinto è un'espressione della fiducia in se stesso di Courbet e della sua fede nell'importanza dell'individualismo e della sfida all'establishment.

Gustave Courbet, L'incontro o Bonjour Monsieur Courbet , 1854. Olio su tela, 129 cm × 149 cm. Montpellier: Museo Fabre.

L'incontro o Bonjour Monsieur Courbet (1854)

In questo grande dipinto, Courbet si ritrae mentre incontra Alfred Bruyas, importante mecenate e sostenitore. L'opera mette in mostra l'apprezzamento di Bruyas per il talento artistico di Courbet. Il servo nel dipinto è raffigurato in un gesto di massimo rispetto, sottolineando il momento di reciproco apprezzamento tra l'artista e il suo mecenate. La testa di Courbet è leggermente inclinata all'indietro e si trova direttamente in una luce non filtrata, evidenziando la sua importanza e intelligenza. Tuttavia, il dipinto rivela anche la presunzione di Courbet, evidente nel modo in cui la sua barba punta verso il committente come per giudicare. Inoltre, Courbet porta un bastone grande il doppio di quello di Bruyas, sottolineando ulteriormente la forza e il potere dell'artista. Nel complesso, il dipinto cattura il rapporto tra un artista e il suo mecenate, mettendo in mostra l'ammirazione di Bruyas per Courbet e il senso di importanza personale dell'artista.

Gustave Courbet, Le bagnanti , 1853. Olio su tela, 227 cm × 193 cm. Montpellier: Museo Fabre.

I bagnanti (1853)

In questo dipinto, Courbet ritrae due donne in modo naturale, non idealizzato, senza alcuna giustificazione mitologica o retorica per la loro parziale nudità. Il dipinto è stato controverso e ha ricevuto critiche negative, con persino il famoso artista Delacroix che ha espresso disapprovazione. Tuttavia, questa attenzione negativa ha portato pubblicità al lavoro e alla fine ha aiutato Courbet a venderlo. Il dipinto esemplifica il rifiuto di Courbet delle convenzioni classiche e la sua enfasi sulla rappresentazione della realtà, anche se da alcuni era considerata volgare.

Gustave Courbet, Sepoltura a Ornans , 1849. Olio su tela, 315 cm × 660 cm. Parigi: Museo d'Orsay.

Sepoltura a Ornans (1849)

Questo dipinto, che misura 22 piedi di lunghezza e si trova in una sala prominente del Musée d'Orsay, immerge lo spettatore in un'atmosfera simile a una caverna. Le figure raffigurate nel dipinto appaiono sfocate sulla cerimonia e sono disposte in una composizione non classica. Come esempio per eccellenza del realismo, il dipinto aderisce strettamente ai dettagli fattuali di una vera sepoltura ed evita qualsiasi connotazione spirituale accentuata. Invece, Courbet sottolinea la caducità della vita e intenzionalmente non usa la luce nel dipinto per esprimere l'eterno. Mentre il tramonto avrebbe potuto simboleggiare il passaggio dell'anima dal temporale all'eterno, Courbet copre il cielo di nuvole in modo che il passaggio del giorno nella notte sia semplicemente un'eco della bara che passa dalla luce all'oscurità della terra. Alcuni critici hanno visto l'adesione del dipinto ai fatti della morte come un insulto alla religione e hanno criticato la sua composizione come squallida e la sua rappresentazione di persone della classe operaia come aventi un'importanza ingiustificata. Altri, come Proudhon, hanno elogiato il dipinto per il suo suggerimento di uguaglianza e virtù tra tutte le persone e ne hanno riconosciuto il potenziale per cambiare il corso dell'arte e della politica occidentali.

Gustave Courbet, Donna tra le onde , 1868. Olio su tela, 65,4×54 cm. New York: Metropolitan Museum of Art.

Concetti chiave

Il realismo di Courbet può essere visto come parte della più ampia indagine sul mondo fisico che si stava svolgendo nel XIX secolo, in particolare nel regno della scienza. Tuttavia, all'interno del mondo dell'arte, Courbet è stato maggiormente influenzato dal suo disprezzo per i rigidi vincoli dell'Accademia di Francia. Ha rifiutato gli approcci tradizionali dell'arte classica o romantica e si è invece concentrato su umili scene di vita di campagna, che erano tipicamente viste come soggetti per dipinti di genere minore. Nonostante ciò, Courbet trasformò questi soggetti in materiale per significativi dipinti storici, guadagnandosi una notevole notorietà. Durante la Comune di Parigi del 1871, Courbet accantonò temporaneamente la sua pittura per assumere un ruolo nel governo, in linea con le sue convinzioni politiche di sinistra. Sebbene l'arte di Courbet non fosse esplicitamente politica, era ancora riconosciuta nel contesto del tempo mentre difendeva l'idea di uguaglianza raffigurando individui comuni in modi eroici. Li ha ritratti su larga scala, rifiutandosi di nascondere le loro imperfezioni, che era un allontanamento dalle rappresentazioni idealizzate che si trovavano comunemente nell'arte tradizionale. Di conseguenza, il lavoro di Courbet è diventato un simbolo di giustizia sociale, in risonanza con coloro che hanno cercato di promuovere i valori di uguaglianza e correttezza durante questo tumultuoso periodo della storia francese. Poiché Courbet rifiutava le convenzioni della pittura dell'Accademia, spesso creava composizioni che erano viste come collage e ruvide rispetto agli standard artistici prevalenti. A volte ha anche abbandonato la tecnica tradizionale di un'attenta modellazione, applicando invece la vernice in modo denso e utilizzando macchie e lastre rotte. Queste scelte stilistiche innovative hanno reso Courbet molto rispettato dai modernisti successivi che hanno cercato di liberarsi dalle tecniche di composizione tradizionali e concentrarsi sull'enfatizzazione della trama superficiale. Courbet si staccò dalla tradizionale dipendenza dal sistema dei saloni statali aprendo la strada alla retrospettiva personale come impresa commerciale privata. Questo approccio gli ha permesso di esporre le sue opere in modo indipendente e alle sue condizioni, che è diventato un modello seguito da molti artisti successivi che hanno sfidato le convenzioni.

Riepilogo

Gustave Courbet ha svolto un ruolo fondamentale nell'emergere del movimento del realismo durante la metà del XIX secolo. Ha rifiutato gli stili classici e teatrali dell'Accademia di Francia e ha invece enfatizzato la realtà fisica degli oggetti che osservava, anche se quella realtà era semplice e imperfetta. Da repubblicano impegnato, Courbet ha usato il suo realismo per difendere i contadini e la gente di campagna della sua città natale. Courbet era noto per la sua risposta ai disordini politici che attraversarono la Francia durante la sua vita, e alla fine morì in esilio in Svizzera dopo essere stato ritenuto responsabile del costo della ricostruzione della Colonna Vendome di Parigi. Tuttavia, gli storici più recenti hanno riconosciuto l'importanza del lavoro di Courbet come precursore di altri artisti del primo modernismo, come Édouard Manet e Claude Monet. I contributi di Courbet al realismo e la sua dedizione alla rappresentazione della realtà della vita quotidiana continuano a renderlo una figura importante nella storia dell'arte.

Gustave Courbet, Gli spaccapietre , 1849. Olio su tela, 159×259 cm. Opera distrutta durante il bombardamento di Dresda (1945).

Notorietà

Al Salon del 1857, Courbet espose sei dipinti tra cui Giovani donne sulle rive della Senna (Estate) e scene di caccia. Il primo dipinto, che ritraeva donne moderne che mostravano casualmente i loro indumenti intimi, scioccò i critici d'arte abituati a donne nude convenzionali nei paesaggi. Courbet ha deliberatamente esposto opere sensazionali accanto a scene di caccia popolari per assicurarsi notorietà e vendite. Durante gli anni '60 dell'Ottocento, creò opere sempre più erotiche come Femme nue couchée, Sleep e The Origin of the World, che raffiguravano genitali femminili e non furono esposte pubblicamente fino al 1988. All'inizio degli anni '60 dell'Ottocento, il regime di Napoleone III mostrò tendenze autoritarie, ma lui in seguito fece concessioni ai suoi oppositori liberali. In segno di pacificazione per gli ammiratori di Courbet, Napoleone III lo nominò alla Legion d'Onore nel 1870. Tuttavia, il rifiuto di Courbet della croce della Legion d'Onore fece arrabbiare chi era al potere ma lo rese immensamente popolare tra l'opposizione.

Eredità

La prospettiva unica di Gustave Courbet trasformò l'arte occidentale e gettò le basi per i successivi movimenti moderni, tra cui l'impressionismo e il post-impressionismo. Altri artisti, come Manet, Monet e Renoir, furono influenzati dal lavoro di Courbet e dal suo approccio alla pittura. L'uso da parte di Courbet di una vernice densamente applicata è servito anche come precedente per gli artisti della fine del XX secolo, come Willem de Kooning, Lucian Freud e i pittori figurativi della Bay Area. Nel complesso, i contributi di Courbet al mondo dell'arte hanno avuto un impatto duraturo sullo sviluppo dell'arte moderna.