Esculturas de Land Art en venta

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¿Cómo definir estilo Arte de la tierra ?

El land art, también conocido como arte de la tierra, se crea directamente en el paisaje esculpiéndolo o construyendo allí estructuras de materiales naturales. El Land Art fue una protesta contra la "comercialización despiadada" del arte en Estados Unidos durante las décadas de 1960 y 1970. Sin embargo, la documentación fotográfica se exhibía con frecuencia en los espacios convencionales de las galerías. Durante este tiempo, los defensores del land art rechazaron el museo o la galería como escenario de la actividad artística y crearon proyectos de paisajes monumentales que estaban fuera del alcance de la escultura transportable tradicional y el mercado del arte comercial. El arte minimalista y conceptual, así como las tendencias contemporáneas como De Stijl, el cubismo, el minimalismo y las obras de Constantin Brâncuși y Joseph Beuys, sirvieron de inspiración para el Land art.

Las principales preocupaciones del movimiento artístico eran su oposición a la comercialización de las artes y su entusiasmo por el nuevo movimiento ecológico emergente. El predominio del sentimiento antiurbano y su pasión compensatoria por la vida en el campo coincidió con el movimiento artístico. Las aspiraciones espirituales de que la Tierra sirviera como hogar de la humanidad se encontraban entre estos impulsos.

Un método basado en procesos para crear arte en el que el artista realizaba excursiones al entorno circundante para recolectar objetos o realizar intervenciones específicas del sitio evolucionó rápidamente de lo que inicialmente había comenzado como una tendencia en la escultura para incorporar materiales naturales como tierra, rocas y plantas. Mientras que algunos artistas crearon intervenciones temporales y limitadas en el paisaje, otros utilizaron equipos mecánicos de movimiento de tierras para crear sus movimientos de tierra. Para la presentación en galerías, los artistas utilizaron con frecuencia fotografías, películas y mapas para documentar sus movimientos de tierra. Además, al combinar elementos orgánicos del entorno en esculturas e instalaciones, los artistas de la tierra crearon arte de la tierra en las galerías.

El primer museo estadounidense en presentar una exposición de arte de la Tierra, simplemente titulada Earth Art, fue el Museo de Arte Herbert F. Johnson de la Universidad de Cornell en febrero de 1969. Las obras de arte se exhibieron en el museo y en todo el campus de Ithaca de la Universidad de Cornell. , brindando un lugar para piezas que luego continuarían desafiando el estatus del arte como mercancía, particularmente aquellas instalaciones que borraban las líneas entre el contexto de un objeto y su entorno.

Escultura de arte terrestre

A través de los materiales que emplearon y las ubicaciones de sus obras, los Land Artists exploraron los límites del arte, alterando activamente el paisaje con frecuencia para crear sus esculturas e instalaciones. Estas obras de arte con frecuencia fueron talladas directamente de la tierra o transformadas en arte de movimiento de tierra por el artista utilizando los recursos naturales disponibles. El uso de estos elementos honró la singularidad del lugar e incluyó tierra, plantas, rocas, grava, piedras, ramitas y agua, que a menudo se encontraban en el lugar.

El arte de la Tierra que se produjo introdujo la idea de la especificidad de la ubicación en el mundo del arte. Debido a que estas obras de arte no siempre eran accesibles para los visitantes y que, en ocasiones, los artistas eran los únicos conscientes de su existencia, estas esculturas sitúan a los artistas en el centro de sus creaciones. Como resultado, los artistas suelen hacer una crónica de su trabajo a través de fotografías, que luego utilizan para exhibir en lugar de sus obras reales en las galerías de arte.

Como el movimiento Land Art se opuso a la brutal comercialización del arte durante la década de 1960, este cambio de escenario desafió la noción de que el arte existe únicamente como algo para ser observado. Estos trabajos investigaron un retorno a la naturaleza, lo que provocó el crecimiento del movimiento ambiental que reconoció a la Tierra como el verdadero hogar de la humanidad. Como resultado, los artistas de Land comenzaron a crear Earth art que glorificaba este ideal y mostraba un completo rechazo a la vida metropolitana.

A medida que se abandonaban los lugares tradicionales de actividad artística, museos y galerías, los artistas tuvieron la oportunidad de crear esculturas monumentales que estaban fuera del alcance de las obras de arte transportables tradicionales. Los artistas de la tierra se vieron obligados a confiar en el sistema que odiaban para respaldar sus costosas ideas con el fin de producir esculturas e instalaciones fuera de las ubicaciones convencionales de galerías y museos. Las enormes instalaciones paisajísticas requerían con frecuencia la compra de terrenos y el uso de herramientas de movimiento de tierras; patrocinadores adinerados y fundaciones privadas con frecuencia proporcionaron fondos para estos proyectos extravagantes.

Escultores de Land Art

Roberto Smithson (1938-1973)

El artista estadounidense Robert Smithson fue probablemente uno de los pioneros más importantes de este movimiento. Como respuesta a la desvinculación del Modernismo de los problemas sociales, su ensayo de 1968 "La sedimentación de la mente: Proyectos de la Tierra" ofreció un marco crítico para el movimiento. Para crear composiciones escultóricas tridimensionales, comenzó combinando varios materiales. Esto condujo a una serie de obras "non-sites", en las que se colocaron dentro de galerías esculturas hechas de tierra y rocas traídas de las expediciones. Estas esculturas incluían con frecuencia mapas, papeleras, espejos, vidrio y neón. Los movimientos de tierra de Smithson, Spiral Jetty (1970), Broken Circle/Spiral Hill (1971) y Amarillo Ramp (1973) son sus creaciones más famosas (1973). Al eliminar por completo el arte del contexto de la galería e integrarlo en el terreno natural, alteró para siempre los conceptos preconcebidos de la forma escultórica en el arte contemporáneo.

Walter De María (1935-2013)

En sus esculturas, instalaciones y landworks, Walter de Maria empleó formas geométricas para producir una sucesión de repeticiones que exploraban el vínculo entre lo relativo y lo absoluto. Lighting Field (1977), su obra de arte terrestre más conocida, es una cuadrícula de cuadrados de una milla por un kilómetro que se colocó en una parte remota del desierto de Nuevo México. Cuatrocientos postes hechos de acero inoxidable pulido que miden más de veinte pies de altura y tienen puntas puntiagudas que definen un plano horizontal, el punto de atracción para los rayos, conforman la cuadrícula. El visitante puede ingresar a la cuadrícula físicamente u observarla desde la distancia, en una serie de poderosas ilusiones ópticas que varían con el tiempo y el espacio, el arte, el paisaje y la naturaleza chocan.

Dennis Oppenheim (1938-2011)

Las primeras intervenciones de Oppenheim en el mundo natural, en contraste con las de muchos de sus contemporáneos, tomaron la forma de eliminación, volviendo al principio escultórico tradicional de tallar, en palabras del propio artista, "quitando en lugar de agregar". Los límites geopolíticos, las zonas horarias y la degradación natural son solo algunos ejemplos de los sistemas sociales y naturales a los que se hace referencia y se destacan en Annual Rings (1968), un trabajo específico del sitio. La reproducción del mapa sirve para demostrar cómo el mapeo juega un papel en la creación de fronteras antinaturales y frecuentemente violentas entre los estados y el río, una frontera natural, sirve como herramienta para estas fronteras internacionales.

Oppenheim cuestionó "los valores relativos de los sistemas de orden por los que vivimos" al yuxtaponer elementos naturales con ideas artificiales como la nación y las zonas horarias. Al mismo tiempo, artistas de la tierra como Robert Smithson y Walter de Maria también producían Earthworks específicos del sitio donde los entornos naturales se ponían en conflicto con intervenciones artificiales.

Nancy Holt (1938 - 2014)

Las esculturas públicas, el arte de instalación y el Land Art que Holt creó a lo largo de su carrera son los más conocidos, junto con algunos de sus videos y fotografías experimentales. Para continuar con el espíritu inventivo y curioso de las obras de ella y su esposo (Robert Smithson), Holt fundó la Fundación Holt/Smithson en 2017. A través de su práctica escultórica, crearon nuevos enfoques para explorar nuestra relación con el mundo.

Richard Long (nacido en 1945)

Un conocido escultor británico involucrado con el movimiento Land Art fue Richard Long. A fines de la década de 1960, el artista comenzó su interacción directa con la naturaleza utilizando su paseo como medio, motivado por el deseo de usar el paisaje de nuevas maneras. Long intentó subvertir el lenguaje y las aspiraciones del arte y llevarlo a un nivel más básico, íntimo y fundamental a través de una secuencia de gestos repetitivos o caminatas prolongadas en solitario. Su objetivo era ejemplificar en sí mismo las posibilidades de una conversación no adulterada entre el hombre y el medio ambiente. El tiempo, el espacio y la distancia son los temas de este innovador proyecto de land art conceptual, y se expanden a una escala masiva.

Andy Goldsworthy (nacido en 1956)

Andy Goldsworthy es un conocido escultor y fotógrafo de land art que trabaja en y con la naturaleza. Su producción se puede clasificar en proyectos permanentes y temporales. Estos últimos están diseñados para desaparecer al final del ciclo de vida y están construidos a partir de componentes orgánicos y transitorios. Crea una serie de diseños repetitivos, que incluyen espirales, círculos y líneas serpenteantes, a partir de ramas, hojas, rocas y hielo. Lo efímero en el centro de estas iniciativas es un reflejo de una ecología frágil y un entorno natural en constante cambio.

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