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Existe una gran variedad de tradiciones artísticas de toda Asia que conforman la historia del arte asiático. Asia Central, Asia Oriental, Asia Meridional, Sudeste Asiático y Asia Occidental son las partes más destacadas del continente asiático.
El arte de Asia oriental comprende las culturas de China, Japón y Corea, mientras que el arte de Asia central está dominado por las creaciones de los pueblos túrquicos de la estepa euroasiática. El arte del sudeste asiático consiste en las artes de Tailandia, Laos, Vietnam, Singapur, Indonesia y Filipinas, mientras que el arte del sur de Asia se refiere a las artes del subcontinente indio. El arte del Cercano Oriente, o Asia occidental, incluye el arte mesopotámico de la antigüedad y el arte islámico de la era moderna.
La evolución del arte asiático es similar a la del arte occidental en muchos aspectos. Las culturas se mezclaron a través de medios como la transferencia de arte de la Ruta de la Seda, el intercambio cultural durante la Era del Descubrimiento y la colonización, ya través de Internet y la globalización actual. Si excluimos el arte de la Edad de Piedra, el arte de Mesopotamia es el arte más antiguo de Asia.
Kirguistán, Kazajstán, Uzbekistán, Turkmenistán, Azerbaiyán, Tayikistán, Afganistán, Pakistán y algunas regiones de los actuales Mongolia, China y Rusia se consideran parte de la región de Asia Central, que alberga una rica historia y una amplia variedad de tradiciones artísticas. El arte de Asia Central desde la antigüedad hasta la Edad Media ilustra la diversidad de la población y el patrimonio cultural de la región. El patrimonio cultural de Asia Central refleja la composición multicultural de la región de manera sorprendente, como lo demuestran los artefactos artísticos de la región. El arte escita, el arte greco-budista, el arte serindio e incluso la cultura persa moderna son parte de esta complicada historia, que también incluye la transmisión del arte a través de la Ruta de la Seda.
Los pastores migratorios que practicaban economías mixtas en la periferia de las comunidades sedentarias han llamado hogar a las praderas de Asia Central (desde el mar Caspio hasta el centro de China y desde el sur de Rusia hasta el norte de la India) desde finales del segundo milenio antes de Cristo hasta hace relativamente poco tiempo. El arte prehistórico de 'estilo animal' de estos pastores nómadas revela no solo sus mitos zoomorfos y rituales chamánicos, sino también su apertura para incorporar los símbolos de la cultura asentada en sus propias prácticas.
Culturas de todo el mundo se han encontrado y fusionado en Asia Central, convirtiéndola en el centro neurálgico de la antigua Ruta de la Seda que conectaba China con el Mediterráneo. Las comunidades en crecimiento en el tercer y segundo milenio antes de Cristo formaban parte de una vasta red comercial que conectaba Asia Central con el valle del Indo, Mesopotamia y Egipto.
El arte islámico ha tenido una gran influencia en el arte occidental en los últimos siglos, pero las culturas más antiguas se inspiraron en una amplia gama de fuentes, incluidas las artes de China, Persia y Grecia, así como el estilo Animal, que surgió entre los nómadas de las estepas
Las prácticas culturales del este de Asia incluyen las artes visuales, la literatura y las artes escénicas de China, Corea y Japón. Dado que no tienen un propósito práctico y no implican trabajo manual, solo la pintura y la caligrafía reciben el estatus de "bellas artes reales" en China. La escultura, junto con la fundición y el tallado en bronce, así como la producción de cerámica, textiles, metalurgia y laca, se consideran artesanías. Los edificios tradicionales chinos suelen estar hechos de madera y tienen una plataforma, un marco de poste y dintel, soportes de soporte del techo y un techo pesado e inclinado.
Tres factores, incluida la iconografía budista, los temas y tradiciones indígenas japoneses y las artes visuales chinas, han tenido un impacto significativo en la cultura visual japonesa. El Templo Hry, construido en el siglo VII, fue la primera estructura en utilizar los diseños asimétricos que caracterizarían la arquitectura japonesa. La xilografía policromada, que se convirtió en el icónico grabado ukiyo-e, y los biombos y paneles de los siglos XVI al XVIII son excelentes ejemplos de la preocupación de los pintores japoneses por la abstracción de la naturaleza. El uso de la piedra en la construcción y la escultura y el desarrollo de un exquisito vidriado de celadón son dos de las contribuciones más distintivas de Corea a las artes.
Entre las literaturas del mundo, la de China tiene la historia ininterrumpida más larga (más de 3.000 años). Su historia está intrincadamente entrelazada con la del lenguaje escrito que comparte con Corea y Japón. Las baladas, las leyendas, los dramas de máscaras, los textos de los espectáculos de marionetas y los textos pansori ("cuentos cantados") forman parte de la rica historia oral de Corea, y el país también tiene una sólida tradición escrita de poesía (en particular, las formas hyangga y sijo). . Dado que ni Japón ni Corea tenían su propio idioma escrito, las tradiciones literarias de ambos países se inspiraron en gran medida en China (aunque los sistemas silabarios japoneses surgieron alrededor del año 1000 y el hangul coreano se desarrolló en el siglo XV). La poesía de Japón, especialmente en la forma de haiku, es famosa en todo el mundo por su delicada sensibilidad y se remonta al siglo VII junto con muchos tesoros literarios del país como The Tale of Genji.
La música de Asia oriental, al igual que la música occidental, creó una escala pentatónica basada en un vocabulario de 12 tonos, pero su base es distinta. Los conjuntos de Asia oriental tienden a ser relativamente pequeños y los compositores de la región suelen priorizar la melodía y el ritmo por encima de la complejidad armónica. Vale la pena señalar que en los países de Asia oriental, la música, la danza y el teatro a menudo están vinculados, y no hay evidencia de una evolución distinta de la forma en las categorías asociadas de danza y teatro de Asia oriental. Las procesiones bailadas, la ópera bailable (jingxi, o "Pekín" y otros tipos de ópera china), el teatro de sombras, el teatro de títeres y las obras de diálogo con música y danza son solo algunas de las muchas variedades de artes escénicas de Asia oriental (p. kabuki). También vale la pena investigar las obras de Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun y Murasaki Shikibu, al igual que ikebana, plegado de papel al estilo Jgan, pintura en pergamino, shinden-zukuri, shoin-zukuri, estilo sukiya, Arquitectura de estilo Tempyu y estilo Tori.
Las artes de la India, Pakistán, Bangladesh y Sri Lanka se conocen a menudo como el sur de Asia. Una plétora de literatura textual antigua en sánscrito, prkrit e idiomas regionales ha ayudado a unir a las personas del subcontinente indio, al igual que una perspectiva cultural y ética compartida. A pesar de la división de la región en un caleidoscopio de patrones políticos a lo largo de los siglos, el subcontinente en su conjunto tiene tradiciones musicales y de danza, rituales rituales, prácticas religiosas e ideas literarias comunes.
Las epopeyas del sur de Asia, como el Rmyaa y el Mahbhrata, dan una idea de la compleja red de relaciones entre los numerosos pueblos de la región. Existe una clara evidencia de una relación familiar entre los dioses y los héroes de lugares muy separados, y muchos de los nombres de los lugares aluden a antecedentes compartidos. También ha habido esfuerzos persistentes para establecer un orden político unificado en el área. En el siglo III aC, por ejemplo, el emperador Aoka controlaba la mayor parte de esta zona; en el siglo XI dC, Rajendra I de Chai capturó gran parte de la India y el sudeste asiático; y en el siglo XVI dC, el gran Mughal Akbar hizo lo mismo. Las fronteras han crecido y se han reducido a lo largo de la historia del sur de Asia, uniéndose y separándose oficialmente como regiones completas, pero la cultura se ha mantenido constante en todo momento.
Hubo un aprecio generalizado por la belleza de las montañas y los ríos de la región debido a su entorno físico compartido. Los Himalayas, que se extienden a lo largo de la frontera norte, son las montañas más altas del mundo y representan un ideal cultural de grandeza, pureza y nieve prístina. Ríos como el Brahmaputra y el Indo son honrados como "madres" en sus respectivas regiones debido a la abundancia de agua que proporcionan.
Existe la creencia generalizada de que los duendes del agua y las hadas selváticas, conocidas respectivamente como ngas y yakas, habitan en los lagos y manantiales de la región. El nombre de una de las primeras dinastías de Cachemira, Karkoa, es en sí mismo un símbolo del culto a los nga. Los artefactos religiosos antiguos, como las estatuas de ngas y yakas que se han desenterrado en varios lugares, insinúan un espíritu devocional compartido, al igual que los textos religiosos que se han transmitido oralmente durante siglos sin perder su entonación prístina. Se pueden encontrar esculturas que representan una danza clásica similar en las ciudades paquistaníes de Gandhra, Bhrhut y Amarvat.
En el sur de Asia, es esencial estar bien versado en varias artes diferentes antes de poder especializarse en una sola. Dado que la escultura, como la pintura y la danza, representa el mundo entero, es lógico que uno no pueda dominar cada forma de arte sin dominar primero la otra. El baile es una forma de expresión a través del movimiento y el ritmo; por lo tanto, la comprensión del ritmo musical es crucial. Se considera que el conocimiento de la literatura y la retórica es importante para despertar la emoción en la música y la danza; el sabor (rasa) que se expresa en la música, la danza, la escultura o la pintura requiere cierta familiaridad con la palabra escrita. Por lo tanto, las artes están interconectadas en muchos niveles.
Las artes en el sur de Asia no solo se practicaban por sí mismas como un ocio respetable, sino también como un acto de devoción y adoración a un poder superior. Hay referencias literarias a príncipes que inspeccionan obras de arte en busca de defectos. Los logros y ambiciones, tanto en la teoría como en la práctica, del artista quedan ejemplificados en una sola inscripción que menciona el nombre del stra-dhra ("arquitecto") del templo Mallikrjuna en Pattadakal, construido en el siglo VIII.
Las culturas del sur de Asia han otorgado a los artistas un estatus privilegiado durante mucho tiempo. La corte estaba llena de poetas, músicos y bailarines. Un bailarín brillante recibió elogios de Rjendra Ca, y el arquitecto del templo en Tiruvoiyr, quien también fue apoyado por Rjendra, fue elogiado por su amplio conocimiento de la arquitectura y el arte en una inscripción. Sin embargo, había una fuerte conexión entre las artes populares y las artes elevadas. Existían similitudes, por ejemplo, entre las danzas de grupos tribales y el arte, la danza y la música clásicos occidentales. El subcontinente indio tiene una rica historia artística, con esculturas redondas (citra) y esculturas en relieve (ardhacitra), ambas ocupando posiciones importantes.
Citrbhsa, que se traduce como "la apariencia de la escultura", es la tercera forma de arte más alta. Un verso de un drama de la poeta del siglo V Klidsa explica cómo el ojo cae sobre las alturas y las profundidades representadas en el modelado de una pintura, demostrando cuán esencial fue la influencia del claroscuro (es decir, el uso de luces y sombras para expresar el modelado). . Los maestros dan la mayor importancia al boceto de línea de una pintura, que debe dibujarse con firmeza y gracia, seguido del sombreado y la representación del modelado, que son valorados por otros, el elemento decorativo, que apela al gusto femenino, y el esplendor del color. , que apela al gusto común. Es muy impresionante que hayas podido indicar tanta forma con tan poco dibujo. Existen numerosos ejemplos literarios de retratos exitosos en la pintura y escultura del sur de Asia, lo que demuestra la centralidad del retrato en las artes visuales de la región. El Viudharmottara, escrito en el siglo VI, divide el retrato en cuatro categorías: natural, lírico, sofisticado y mixto. También clasifica diferentes tipos de personas según la forma y el color de su cabello y ojos. Incluye un resumen de las muchas perspectivas artísticas, así como una explicación de los conceptos básicos del escorzo. Como un poema refleja al poeta, se pensó que las pinturas y esculturas tomarían las características de sus autores.
A pesar de la larga historia de exposición del sur de Asia a influencias extranjeras, la región siempre ha encontrado formas de combinar estos elementos en prácticas indígenas, produciendo una síntesis única en lugar de una mera copia. Esto también se refleja en la obra de arte de la región de Gandhra en Pakistán, que en ese momento (siglo IV a. C.) estaba inmersa en la cultura grecorromana. La incorporación de motivos y estilos indios al estilo occidental dominante es un sello distintivo de la escultura de esta época.
Después de la invasión de Kushan en el siglo I d. C., hubo una clara afluencia de influencia externa, pero finalmente triunfó la cultura indígena. El Imperio mogol, que gobernó el sur de Asia a partir del siglo XVI y estaba formado por musulmanes de Asia central, unificó la región culturalmente al imponer una educación predominantemente india a sus súbditos. El arte musulmán floreció bajo el reinado del segundo emperador mogol, Humayn, quien trajo artistas de la corte del sha persa y creó una historia de fusión de los estilos indio y persa.
El arte de cada región refleja su propia estructura política, normas morales y éticas y estructuras sociales. Ya en el siglo III a. C., los gobernantes mostraban su voluntad de servir a la gente y tratarla casi como a su descendencia. Magníficas monedas del Imperio Gupta del norte de la India en los siglos IV al VI representan el ideal del monarca como el arquero sin igual, el unificador, el espíritu noble alto y majestuoso, el sacrificador por el bienestar de los súbditos y el héroe de su personas (que lo imaginan en un majestuoso elefante). Obra de arte que representa la conquista justa y la guerra justa. La guerra y la conquista, los sacrificios simbólicos de caballos, el consejo del rey, las recepciones diplomáticas, las negociaciones de paz, la construcción de templos, la apreciación de las bellas artes (incluyendo la danza y la música) y la coronación de los reyes son solo algunas de las muchas actividades gubernamentales representadas en el extenso serie de esculturas que representan la historia de la dinastía Pallava del sur de la India de los siglos IV-IX.
Así como las esculturas que enfatizan el dharma, las convenciones o leyes que guían la obligación, reflejan actitudes morales, también lo hacen las esculturas que representan actos morales. Una forma común en la que se visualiza el principio de ahimsa, o la no violencia hacia los demás, es a través de la imagen de un ciervo, y el ideal de un lugar sagrado suele representarse como un lugar donde el ciervo puede deambular libremente. Las obras de arte a menudo representan escenas en las que los sujetos se deleitan con sus propios sacrificios o los de los demás. Las historias del Paca-tantra, una de las colecciones de fábulas más antiguas del mundo, se representan en esculturas de una manera directa pero efectiva. El arte del sur de Asia representa constantemente la piedad, la fe y el respeto por la moralidad que ha impregnado la estructura social del subcontinente durante generaciones.
Las artes del sudeste asiático incluyen sus formas escritas, orales y visuales. Aunque la cultura india tuvo un impacto significativo en el desarrollo del área, hay algunas características compartidas que son anteriores a esta época. Los estilos artísticos que no se derivan de la India, como las telas de batik, las orquestas de gamelán y el teatro de marionetas wayang, siguen siendo populares. El cultivo indígena de arroz húmedo (o padi), la metalurgia, la navegación, los cultos a los antepasados y el culto a la montaña eran todos comunes.
El sudeste asiático abarca la vasta península de Indochina, así como las otras islas de la región, a menudo conocidas como las Indias Orientales. El sudeste asiático se puede dividir en dos partes distintas: el continente y las islas. Myanmar (Birmania), Tailandia, Laos, Camboya, Vietnam, Malasia, Singapur, Indonesia y Filipinas son las entidades gubernamentales que conforman esta zona. Aunque Filipinas inicialmente no se consideró parte del sudeste asiático, ahora generalmente se considera parte de la región debido a su proximidad a China y Japón y las estrechas similitudes culturales que tiene con las culturas del sudeste asiático.
Todo el sudeste asiático comparte un clima y una topografía similares, lo que ha dado forma a la historia y la cultura de la región. Culturalmente, quienes viven en las montañas tienden a diferir de quienes viven en los valles.
Originalmente se creía que la gente del sudeste asiático compartía una falta de originalidad que se remontaba a tiempos prehistóricos y que eran más "receptivos" que "creativos" en sus interacciones con otras culturas. Excavaciones y descubrimientos posteriores en Myanmar y Tailandia llevaron a algunos académicos a argumentar en contra de la teoría aceptada de que la civilización se trasladó al sudeste asiático desde China en tiempos prehistóricos. En cambio, argumentaron, la gente del sudeste asiático continental cultivaba plantas, hacía cerámica y trabajaba en bronce casi al mismo tiempo que la gente del antiguo Medio Oriente, por lo que la civilización se extendió desde el sudeste asiático continental hasta China un milenio antes. Debido a que siempre están más interesados en el trabajo práctico de crear cosas hermosas, los asiáticos del sudeste no tienen una herencia rica en teoría del arte, crítica literaria o dramática.
No es posible rastrear la creación y evolución de las formas de arte en el sudeste asiático paso a paso, ya que la gente, especialmente en la mitad occidental del continente, trabajaba con materiales no duraderos. Dada la historia de forestación densa del área, es lógico que la madera haya sido el primer material empleado por razones estéticas. A pesar de su nueva habilidad con el metal y la piedra, nunca abandonaron la práctica tradicional de la talla en madera, que continuó prosperando incluso después de que pasó la gran era de la escultura y la construcción en piedra (alrededor del siglo XIII). En el estado Shan occidental de Myanmar, a lo largo del río Salween, los arqueólogos descubrieron dibujos rupestres prehistóricos que muestran un parecido sorprendente con las esculturas naga posteriores en los postes de las casas. De manera similar a cómo el símbolo del sol se puede encontrar como un motivo artístico en todo el sudeste asiático, y cómo las tallas bajo los aleros de las casas naga aluden al asombro, el triunfo y la alegría de adquirir una cabeza humana, la tradición estética posterior del sudeste asiático se hace eco de la pinturas rupestres de un par de manos humanas con las palmas abiertas sosteniendo el sol y un cráneo humano. La pintura rupestre es prueba de que las artes de la zona siempre han estado entrelazadas con su pasado mágico-religioso.
Anteriormente se creía que la técnica de fundición de tambores de bronce empleada en Dong Son, cerca de Hanoi, se había originado en China. Sin embargo, nuevas excavaciones en Tailandia han demostrado que tanto los tambores como la llamada civilización Dong Son son indígenas del sudeste asiático continental. Independientemente, los tambores de bronce fundidos por Karen durante milenios hasta los primeros años del siglo XX muestran la continuidad del legado estético del sudeste asiático. La metalurgia tuvo que haberse desarrollado desde el principio, ya que las montañas del sudeste asiático continental proporcionaban oro, plata y otros metales. Los pueblos de las colinas del sudeste asiático tienen una larga historia de fabricación y uso de exquisitos botones, cinturones y joyas de plata. Los patrones textiles siguen el mismo linaje estético. Las canciones, los bailes y otras formas de expresión musical se usaban tradicionalmente en las ceremonias tribales.
Bajo el apoyo de los gobernantes de todo el sudeste asiático, las artes prosperaron. Alrededor de la época del nacimiento de Cristo, las tribus tribales comenzaron a organizarse formalmente en ciudades-reino o conglomerados de aldeas después de años de vida sedentaria como productores de arroz. Desde este punto de vista, un rey era poco más que un jefe tribal supremo. Como las tribus ya tenían una tradición de adoración de espíritus, los monarcas buscaron una nueva deidad que se convirtiera en objeto de devoción para todos. Este anhelo de nuevos dioses nacionales contribuyó a la apertura del sudeste asiático a los dioses del hinduismo y el budismo. Los reyes del Sudeste Asiático fueron los encargados de difundir las nuevas religiones, por lo que los templos de la región vivieron una época dorada desde el siglo I hasta el XIII.
Los templos se convirtieron en centros de actividad cultural y sus paredes se convirtieron en lienzos para la arquitectura, la escultura y los murales religiosos. Los estudiosos del sánscrito, el idioma de los textos sagrados del hinduismo, fueron cortesanos en los antiguos imperios del este de Indochina y las islas, donde crearon una literatura sánscrita local. Solo a través de las grandes epopeyas hindúes Mahabharata y Ramayana, este esfuerzo literario llegó a la gente común. Las historias sobre dioses hindúes, demonios y hombres poderosos eran esenciales para explicar el hinduismo a la gente en general cuando las escrituras sánscritas estaban fuera de su alcance. Al otro lado de la península, en el imperio pyu-birmano de Prome, que floreció antes del siglo VIII, tal desarrollo no ocurrió por dos razones: primero, el hinduismo nunca fue ampliamente aceptado en Birmania, y segundo, mientras más abierta era la sociedad birmana, no se desarrollaba ni la institución de la religión. un dios-rey ni el de una nobleza hereditaria.
Los reyes paganos posteriores estuvieron rodeados de expertos en Pali, pero el estudio de Pali no se llevó a cabo en el palacio sino en los monasterios de todo el reino, llevando las enseñanzas de Buda incluso a los pueblos más remotos. Monjes budistas y académicos de todo el mundo viajaron a Pagan para estudiar Pali, mientras que las cortes de los reyes en Camboya y Java siguieron siendo meros centros regionales de investigación en sánscrito. Las historias de Jataka (nacimiento de Buda) se usaron para explicar el budismo a la gente común que no podía leer las escrituras pali, al igual que las epopeyas indias se usaron para explicar el hinduismo a las masas. Los templos en Camboya y Java estaban decorados con tallas y frescos que representaban escenas de los Jatakas, muy parecidos a los que representan eventos de las grandes epopeyas.
La llegada del Islam a la isla del sudeste asiático después de la dinastía Majapahit estableció una tercera capa cultural sobre las ya existentes indígenas e hindúes-budistas. Un nuevo imperio birmano se desarrolló a partir de las cenizas del antiguo y llevó a cabo la misión de difundir el budismo en el sudeste asiático continental. La invasión birmana de Siam en el siglo XVIII trajo consigo la cultura hindú, que ayudó a fomentar el desarrollo del juego birmano. Reconquistado por China, Vietnam, al otro lado de la península, se vio cada vez más influenciado por la cultura china. Tras un breve apogeo cultural islámico, los pueblos indígenas de las naciones insulares del sudeste asiático se vieron obligados a someterse a la dominación extranjera. Solo en Birmania y Siam, dos de los gobiernos del sudeste asiático que emergieron como reinos poderosos tras años de lucha, las artes nativas continuaron floreciendo.
La religión y la historia nacional han sido durante mucho tiempo fundamentales para el arte del sudeste asiático. Aparte de la vida y el carácter de Buda y los dioses del hinduismo, la doctrina religiosa no era un punto importante de interés. Después de que cayeron los grandes imperios, pero persistió su recuerdo de gloria y fortaleza, surgió un nuevo tema en la historia nacional: la veneración de los héroes legendarios del pasado.
Si bien la imagen de Buda evolucionó con el tiempo, siguió siendo un tema popular para los artistas. Además de introducir el color local utilizando, como fondo, escenas de la época contemporánea del artista, la representación de escenas de sus vidas anteriores en frescos y esculturas en relieve sirvió para enseñar a la gente la ética budista, ya que los Jataka enfatizaron ciertas virtudes morales de la Buda en sus vidas anteriores.
Lo mismo ocurría con las representaciones de eventos de las epopeyas hindúes, que ofrecían al artista una oportunidad similar y cumplían una función similar. Con el paso del tiempo, personajes de las escrituras budistas e hindúes como dioses y diosas, héroes y princesas, ermitaños y magos, demonios y dragones, caballos voladores y doncellas aladas, etc., se fusionaron con figuras nativas similares, y las tramas de los cuentos populares se incorporaron a la historia. temas religiosos generales.
Diferentes representaciones del naga, una especie de espíritu sobrehumano, surgieron en diferentes partes del mundo cuando el naga se apropió de las escrituras budistas e hindúes y se fusionó con análogos nacionales. El naga de Birmania tiene una cresta distintiva en la cabeza. Para los mon, naga era un cocodrilo, pero para los jemeres y los indonesios era una serpiente de nueve cabezas.
Aunque los demonios del sudeste asiático se han agrupado bajo el término pali-sánscrito yakkha o yaksha, sus distintas identidades se han conservado en la escultura y la pintura de cada país. Sin estar familiarizado con el bosque del monzón, el león, sin embargo, se convirtió en un emblema y tema nativo popular debido a su asociación con los dioses de la mitología hindú y budista. Incluso después de que el Imperio Khmer abandonara la práctica de adorar al dragón-serpiente como dios de la fertilidad, el naga de nueve cabezas se había convertido en un símbolo de protección y poder real, y los nagas de piedra vigilaban los palacios reales y los templos sagrados. La adoración de Naga estaba mal vista por los budistas.
A lo largo de la historia del arte birmano y mon, el naga siempre ha sido representado en un papel subordinado al Buda, a menudo haciendo un asiento con sus bobinas para el Buda o levantando su enorme capucha para protegerlo de los elementos. La figura del guardián de un templo Mon se representaba tradicionalmente como un león con dos cuerpos y una cabeza humana, mientras que la figura del guardián de un templo birmano se representaba tradicionalmente como un león con cresta. A pesar de la afirmación de Tai de heredar las tradiciones artísticas jemer y mon naga, el buen demonio sirvió como guardián del templo en esas culturas.
Los animales indios se convirtieron en parte del antiguo simbolismo y las imágenes de animales que entraron en las artes. Por ejemplo, los Mons eligieron el sheldrake rojo como su emblema, los birmanos reformularon el sol como su ave favorita, el pavo real, sobre la base de que en la mitología budista el pavo real está asociado con el sol, y en Indonesia el pájaro mítico llamado Garuda, el vehículo de Vishnu, se fusionó con el águila local. Las representaciones de estas aves han encontrado uso como ornamentación. Las versiones estilizadas de los animales que una vez decoraron los techos de paja y las paredes de madera de las casas del sudeste asiático llegaron a los palacios y templos más opulentos. Los diseños de árboles, frutas y flores de los bosques monzónicos se combinaron con patrones florales indios y motivos geométricos antiguos.
El arte del sudeste asiático es completamente distinto del arte de cualquier otra región, con la excepción de la India. Aunque Birmania ha sido históricamente un vínculo comercial vital con China, las influencias chinas están sorprendentemente ausentes del arte tradicional birmano. Los Tai llegaron tarde al sudeste asiático, trayendo consigo algunas tradiciones artísticas chinas, pero rápidamente abandonaron esas prácticas en favor de las de los jemeres y los mon. Hoy en día, los únicos rastros de esos contactos anteriores se pueden ver en las características arquitectónicas de los templos, en particular el techo ahusado y la laca.
Dado que Vietnam fue una colonia de China durante un milenio, la cultura china influyó en el arte vietnamita. La evidencia arqueológica del hinduismo en el sur de Vietnam actual se remonta a la época de la antigua monarquía Champa, que fue capturada por Vietnam en el siglo XV. Las influencias chinas se pueden ver en las estatuas budistas del norte de Vietnam. La comparación de las tumbas-templo de Camboya e Indonesia con las de los emperadores de Vietnam o las opulentas y dignas imágenes de Buda de Vietnam con las ascéticas y gráciles imágenes de Buda de Camboya y Birmania revela las diferencias fundamentales en el objetivo estético y el estilo entre las artes de Asia oriental y los del sudeste asiático. El arte islámico, que rechaza las figuras animales y humanas y busca revelar la realidad detrás de la belleza ilusoria del mundo cotidiano, comparte poco con el arte del sudeste asiático. El arte del sudeste asiático ignoró las enseñanzas del hinduismo y el budismo de que el mundo sensual era ilusorio e impermanente.
En el arte del sudeste asiático, la realidad y la fantasía coexisten, y una perspectiva positiva de la vida impregna cada pieza. Algunos han notado que el arte clásico jemer e indonesio se centró en representar la vida cotidiana de los dioses, sin embargo, desde una perspectiva del sudeste asiático, la vida cotidiana de los dioses era la misma que la suya: alegre, terrenal y divina. El arte del sudeste asiático no solo no reflejaba la concepción europea de "arte por el arte", sino que tampoco reflejaba la división europea del arte en categorías seculares y religiosas. Los mismos motivos que adornaban un magnífico templo y una fuente de laca fueron tatuados en los muslos de un chico birmano. El artista del sudeste asiático no necesitaba utilizar modelos ya que, a diferencia de sus homólogos europeos, no se preocupaba por la precisión en todos los aspectos anatómicos. El uso de elementos fantásticos y el énfasis en celebrar lo bueno de la vida humana es lo que distingue al arte del sudeste asiático.
Existe una gran variedad de formas y medios artísticos que se encuentran bajo el paraguas del "arte japonés", desde la cerámica y la escultura antiguas hasta la pintura con tinta y la caligrafía sobre seda y papel, las pinturas ukiyo-e y los grabados en madera, la cerámica y el origami, hasta los más manga y anime contemporáneos. Desde los primeros signos de existencia humana en Japón en el décimo milenio antes de Cristo hasta la actualidad, Japón tiene una historia rica y variada.
Japón ha experimentado tanto una rápida afluencia de ideas extranjeras como un prolongado aislamiento del resto del mundo. Los japoneses tienen una larga historia de asimilación y adaptación de aspectos de otras culturas que encuentran estéticamente agradables. En los siglos VII y VIII, se creó un arte sofisticado en Japón en respuesta a la expansión del budismo. A medida que los japoneses se alejaron de China y desarrollaron sus propios estilos únicos de expresión en el siglo IX, las artes seculares ganaron prominencia; desde entonces hasta finales del siglo XV, tanto las artes religiosas como las seculares prosperaron. Cuando estalló la Guerra Nin en Japón (1467-1477), marcó el comienzo de más de un siglo de agitación política, social y económica. Las obras de arte que sobrevivieron a las purgas del shogunato Tokugawa eran en gran parte seculares, y la religión jugaba un papel mucho menor en la vida cotidiana. La repentina introducción de estilos occidentales fue un evento significativo durante el Período Meiji (1868-1912).
En Japón, tanto los aficionados como los expertos se dedican a la pintura como su principal forma de expresión artística. Los japoneses están especialmente en sintonía con los valores y la estética de la pintura porque, hasta la era moderna, usaban un pincel en lugar de un bolígrafo. Durante el período Edo, la impresión en bloques de madera se convirtió en una forma de arte importante, y los métodos utilizados para crear sus vibrantes impresiones se refinaron para satisfacer la necesidad de una cultura popular en crecimiento. A medida que el significado religioso del budismo japonés tradicional se desvanecía durante este tiempo, los japoneses descubrieron que la escultura era un medio menos atractivo para expresar su visión creativa.
En general, se acepta que la cerámica japonesa es de la más alta calidad artística e incluye algunos de los primeros artefactos de Japón; La exportación de porcelana de Japón ha sido una actividad económica significativa en varios momentos. La laca japonesa, exquisitamente decorada con maki-e, ha sido durante mucho tiempo una exportación popular a Europa y China, y esta tendencia continuó durante todo el siglo XIX. La arquitectura tradicional japonesa destaca de forma destacada los materiales naturales y la integración de la vida interior y exterior.
Ukiyo-e, o xilografías japonesas, están ganando popularidad en Occidente. Su nombre proviene de la frase "imágenes del mundo flotante", que describe su tema. La creencia budista de que la felicidad es fugaz y que solo la ausencia de deseo puede conducir a la iluminación proporcionó la inspiración para su imagen ingrávida y elevada.
Los shogunes del Japón feudal jugaron un papel decisivo en el desarrollo del grabado japonés, que comenzó en la región de Edo (actual Tokio). Bajo la política de Sakoku, que literalmente significa "país aislado o cerrado", Japón se aisló del resto del mundo. Perry, un general estadounidense, visitó Japón en 1853 para negociar con la administración Meiji. Muchos grabados de Ukiyo-e, una forma de arte contemporáneo que florecía cuando Perry visitó Edo, se podían encontrar a la venta en las aceras de la ciudad.
Escenas de la historia y la leyenda japonesas se representan con frecuencia en ukiyo-e, al igual que retratos de artistas de kabuki, escenas de teatro, parejas de enamorados, cortesanas de renombre y paisajes. A los viajeros de Occidente les gustaron instantáneamente los grabados de Ukiyo-e, por lo que no sorprende que los trajeran a casa con ellos, presentando al mundo el estilo de arte único de Japón.
Las impresiones artísticas de Ukiyo-e se hicieron presionando bloques de madera entintados sobre papel después de tallar las imágenes al revés en los bloques. Cuando comenzó la impresión, todo se hacía en blanco y negro. Okomura Masanobu y Suzuki Harunobu fueron pioneros en el campo de la impresión en madera en color, que requería un bloque separado para cada color.
Se requería un bloque clave para los contornos y bloques individuales para cada tono. Además, dado que se puede hacer una pequeña cantidad de impresiones a partir de un solo bloque, sería necesario tallar una cantidad significativa de bloques para imprimir una cantidad sustancial de copias. El artista fue solo uno de los muchos profesionales involucrados en la producción de grabados de arte japonés. Otros incluyeron diseñadores, planificadores de moldes, cortadores de moldes y prensas de moldes.
Alrededor de 1912, el movimiento de grabado conocido como Vástagos de Ukio-e comenzó a desaparecer, pero pronto se formaron otras dos escuelas de grabado para llenar el vacío. Sosaku Hanga y Shin Hanga son los dos nombres para ellos. Hay dos escuelas de pensamiento en lo que respecta al proceso de impresión: Sosaku Hanga, que sostiene que el artista debe desempeñar un papel central en cada paso, y Shin Hanga, que es más tradicional y sostiene que el editor es lo más central, tan diferente. los artistas pueden ser responsables del diseño, el bloqueo y la impresión.
Para comprar y vender impresiones de Ukiyo-e, es importante conocer un poco de terminología japonesa para apreciar y apreciar adecuadamente esta fascinante forma de arte. Al referirse a una impresión japonesa, el término "atozuri" indica que se imprimió después de que terminó la tirada inicial, pero aún usaba los bloques de madera originales. Las impresiones de Shozuri son primeras ediciones, mientras que las impresiones de fukkoku son copias. Las firmas de los artistas y los números de edición impresa no se incluían normalmente en los pasos finales del proceso de grabado japonés hasta la segunda parte del siglo XX. En cambio, cada impresión tenía un sello que nombraba a su creador, así como a su editor y escultor.
Sin embargo, a medida que los europeos aprendieron sobre la cultura única de Japón, surgió una moda por todo lo japonés y se enviaron envíos masivos de impresiones de arte japonés al continente a fines de la década de 1860. Las casas editoriales de Japón se dieron cuenta rápidamente de que tendrían que producir reproducciones de los grabados en madera más famosos para satisfacer la creciente demanda.
Es fácil saber qué impresiones son auténticas y cuáles son duplicados debido a los sellos y otras notas marginales. La originalidad de un documento a menudo se puede determinar por su papel y la condición del color. Dado que el coleccionista de arte medio probablemente no pueda leer los caracteres japoneses, debería buscar el consejo de un experto antes de comprar una auténtica impresión de arte japonés.
Desde el Neolítico en adelante, los artistas en China han representado plantas en sus obras de arte. Las flores, los pájaros y los insectos se utilizan para adornar, y no solo porque son hermosos; también tienen una gran cantidad de significado. Durante la dinastía Song (960-1279), un aumento en la cantidad de pinturas tituladas "pájaro y flor" consolidó el estatus de las imágenes florales como un tema destacado en el arte chino. Aparte de las pinturas en pergamino, este tema se puede ver en una amplia variedad de obras de arte tridimensionales, que incluyen porcelanas, lacados, esculturas de jade, textiles, muebles y más.
Mientras nos preparamos para dar la bienvenida a la primavera, examinaremos el simbolismo de las flores en el arte chino al observar una selección de pinturas de la colección de arte asiático de AGGV del siglo XIX. Las ilustraciones de este álbum son todas representaciones precisas de flores y mariposas basadas en su flora y fauna reales. Es probable que la combinación apareciera por primera vez en el siglo XVIII en productos que se encargaban especialmente como regalos de cumpleaños. Los rechazos de mariposas se pueden utilizar para expresar múltiples buenos deseos a la vez. Estos artículos, que también están relacionados con una larga vida, son excelentes símbolos de cumpleaños. Las mariposas, en el taoísmo, representaban la liberación del espíritu. Las flores representan muchas cosas positivas, y su inclusión en estas obras de arte se suma a sus connotaciones positivas.
Según un cuento popular chino sobre dos amantes que fueron separados trágicamente por la guerra, la amapola representa la fidelidad y la lealtad entre los socios en una relación romántica. La historia gira en torno a las amapolas, que crecían en el lugar donde la esposa se había internado tras la muerte de su marido soldado.
La expresión huakaifugui sugiere que las camelias, que florecen durante el Año Nuevo chino (finales de enero a mediados de febrero), deben utilizarse para embellecer el hogar y recibir la buena fortuna en el próximo año. Debido al antiguo cariño de Europa por la rosa, la flor se representa con frecuencia en artículos destinados a la venta en otros lugares. Dado que la rosa china florece con frecuencia durante todo el año, se le ha aplicado el nombre de "flor de primavera permanente".
Orgullo de la mañana Las flores en forma de trompeta de la gloria de la mañana, que florecen en un púrpura vibrante, se utilizaron inicialmente como elemento decorativo en los electrodomésticos Ming azules y blancos en el siglo XV. Se afirma que esta flor simboliza la felicidad en el matrimonio. La China es el hogar de muchas especies de azaleas, todas las cuales tienen sus propias estaciones de floración únicas. Cuando se usa junto con las mariposas, la azalea adquiere la connotación de "talento creativo en el arte", representando la belleza femenina que prevalece en el arte.
El orientalismo se refiere a la práctica de emular o estereotipar elementos de Oriente, y se encuentra en los campos de la historia del arte, la literatura y los estudios culturales. Los autores, diseñadores y pintores occidentales suelen ser los responsables de estas representaciones. De los diversos subgéneros del arte académico popular en el siglo XIX, la pintura orientalista, que se centró en mostrar el Medio Oriente, fue uno de los más destacados. Asimismo, la literatura occidental de la época mostró un vivo interés por el exotismo de Oriente.
En los círculos académicos, el término "orientalismo" se ha convertido en un lugar común desde que se publicó Orientalismo de Edward Said en 1978. Este término se usa para describir una perspectiva occidental condescendiente sobre las culturas asiática y africana. Según Said, Occidente esencializa estas culturas como estancadas y subdesarrolladas, creando una imagen de la cultura oriental que puede investigarse, representarse y reproducirse al servicio de la autoridad imperial. Como señala Said, esta falsedad se basa en la suposición de que la sociedad occidental es progresista, inteligente, adaptable y superior. Esto da a los occidentales la libertad de imaginar las culturas y las personas "orientales" como exóticas y peligrosas.
El término "orientalismo" se usa en la historia del arte para describir el cuerpo de trabajo creado por artistas occidentales a lo largo del siglo XIX que se centraron en temas y motivos orientales como resultado de sus exploraciones en Asia occidental. En ese momento, los artistas y académicos a menudo eran etiquetados burlonamente como "orientalistas", un término popularizado por el crítico de arte francés Jules-Antoine Castagnary. La Sociedad Francesa de Pintores Orientalistas, con Jean-Léon Gérôme como presidente honorario, se estableció en 1893, a pesar de la desaprobación social generalizada del género; por el contrario, en Gran Bretaña, "orientalista" simplemente significaba "artista".
Las perspectivas de los artistas cambiaron a fines del siglo XIX con el establecimiento de la Sociedad Francesa de Pintores Orientalistas, que permitió a los miembros reconocerse como parte de un movimiento artístico más amplio. Aunque surgieron numerosos estilos de pintura orientalista distintos durante el apogeo del movimiento en el siglo XIX, el término "pintura orientalista" se usa generalmente para referirse a un solo subgénero del arte académico. Muchos historiadores del arte clasifican a los pintores orientalistas en dos categorías: los que pintaron a partir de la observación directa y los que crearon escenarios fantásticos en sus estudios. En general, se acepta que las figuras más destacadas del movimiento orientalista fueron artistas franceses como Eugène Delacroix (1798-1863) y Jean-Léon Gérôme (1824-1904).
La desastrosa invasión de Egipto y Siria por parte de Napoleón en 1798-1801 influyó en la pintura orientalista francesa y fue documentada por los pintores de la corte de Napoleón, especialmente Antoine-Jean Gros, en los años siguientes, a pesar de que Gros no viajó a Oriente Medio con el ejército. . Bonaparte visitando a las víctimas de la peste de Jaffa (1804) y la batalla de Abukir (1806) se centran en el emperador, como era en ese momento, pero también presentan a muchos egipcios. El menos exitoso Napoleón en la Batalla de las Pirámides también tiene muchos egipcios (1810). También fue significativa La Révolte du Caire (1810) de Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. El gobierno francés produjo veinte volúmenes de una descripción ilustrada de las antigüedades de Egipto entre 1809 y 1828 bajo el título Descripción de l'Égypte.
Antes de pisar Grecia o Oriente, Eugène Delacroix obtuvo su primer gran éxito con La masacre de Quíos (1824), que, al igual que La balsa de la Medusa de su amigo Théodore Géricault, describía una tragedia reciente en un lugar lejano que había suscitado opinión pública. Mientras los griegos todavía luchaban por liberarse de los otomanos, el país era tan exótico como las secciones más orientales del imperio. Delacroix luego pintó Grecia en las ruinas de Missolonghi (1827) para conmemorar un asedio que había tenido lugar el año anterior, y La muerte de Sardanapalus (1828), que se inspiró en Lord Byron y se dice que fue la primera obra de arte. combinar sexo, violencia, pereza y exotismo. En 1832, como parte de una misión diplomática ante el sultán de Marruecos, Delacroix finalmente viajó a lo que ahora es Argelia, un territorio recién conquistado por los franceses. Lo que presenció lo conmovió profundamente, estableciendo paralelismos entre el estilo de vida del norte de África y el de los antiguos romanos, y continuó pintando temas de su viaje después de regresar a Francia. Muchas de sus imágenes mostraban judíos o guerreros a caballo porque, como muchos pintores orientalistas posteriores, le resultaba difícil retratar mujeres. Pocas escenas posteriores del harén podrían hacer la misma afirmación de realismo, pero aparentemente pudo acceder a los cuartos de mujeres (o harén) de una casa para esbozar lo que se convirtió en Mujeres de Argel.
Fue Ingres, director de la Académie de peinture francesa, quien popularizó un Oriente erotizado a través de su nebulosa generalización de las figuras femeninas en su representación de colores vivos de un baño turco (que podría haber sido el mismo modelo). En el misterioso Oriente, se toleraban demostraciones más abiertas de sexualidad. Las pinturas semidesnudas del período de Niza de Henri Matisse y su uso de trajes y patrones orientales son ejemplos de este uso continuo de este motivo hasta principios del siglo XX. El barco de vapor hizo que viajar fuera mucho más fácil y muchos artistas visitaron el Medio Oriente y más allá para pintar una amplia gama de escenas orientales. Antes de visitar Oriente, Théodore Chassériau (1819-1856), alumno de Ingres, ya había alcanzado el éxito con su desnudo The Toilette of Esther (1841, Louvre) y el retrato ecuestre de Ali-Ben-Hamet, califa de Constantino y jefe de el Haractas, seguido de su escolta
Muchas de estas obras perpetuaron una representación estereotipada, exótica y sexualizada de Oriente. Las obras de arte de este tipo a menudo se enfocaban en las culturas árabe, judía y otras culturas semíticas porque es a donde viajaban los pintores franceses para aprender sobre la historia y el desarrollo de la región a medida que la Francia imperial expandía su influencia en el norte de África. Varios artistas franceses, como Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme y Jean-Auguste-Dominique Ingres, representaron odaliscas en sus pinturas de la cultura islámica. Hicieron hincapié en la lentitud y las imágenes llamativas. Las pinturas de género, en particular, han sido criticadas por ser demasiado similares a los ejemplos europeos del mismo tema, o por expresar una cosmovisión orientalista en el sentido saidiano. Gérôme fue el progenitor y, a menudo, el maestro de un grupo de pintores franceses de finales del siglo conocido por sus representaciones descaradamente sexuales de harenes, baños públicos y subastas de esclavos (los dos últimos disponibles también con decoración clásica), y por contribuir a "la equiparación del orientalismo con el desnudo en modo pornográfico".
A partir de finales del siglo XV, el estilo morisco de adorno renacentista fue una adaptación europea del arabesco islámico que continuó utilizándose en ciertos campos, como la encuadernación de libros, hasta prácticamente la actualidad. El término "renacimiento indo-sarraceno" describe el uso occidental temprano de temas arquitectónicos indios. El frente del Guildhall de Londres se remonta a este período (1788-1789). Aproximadamente desde 1795, cuando William Hodges y William y Thomas Daniell publicaron vistas de la India, el estilo adquirió popularidad en Occidente. Entre los ejemplos más conocidos de arquitectura "hindú" se encuentran Sezincote House (c. 1805) en Gloucestershire, que fue construida para un nabab que había regresado recientemente de Bengala, y el Royal Pavilion en Brighton.
El empleo de estilos "turcos" en las artes decorativas, la adopción ocasional de atuendos turcos y el interés en el arte que representa el Imperio Otomano fueron parte del movimiento Turquerie, que comenzó a fines del siglo XV y duró al menos hasta el XVIII. Incluso si Francia se volvió más importante después del siglo XVIII, el centro original fue Venecia, la relación comercial de larga data de los otomanos.
El nombre "Chinoiserie" se refiere al estilo general de decoración con elementos inspirados en China que fue popular en Europa occidental a partir del siglo XVII y alcanzó su cenit en varias oleadas, sobre todo durante el período rococó (alrededor de 1740-1770). La complejidad técnica de la cerámica china fue intentada y solo parcialmente exitosa por diseñadores occidentales desde el Renacimiento hasta el siglo XVIII. Fue en el siglo XVII cuando países como Inglaterra (con su Compañía de las Indias Orientales), Dinamarca (con su Compañía de las Indias Orientales), los Países Bajos (con su Compañía de las Indias Orientales) y Francia (con su Compañía de las Indias Orientales) comenzaron a mostrar signos de Chinoiserie (la Compañía Francesa de las Indias Orientales). A principios del siglo XVII, los alfareros de Delft y otras ciudades holandesas comenzaron a utilizar la misma porcelana azul y blanca auténtica que se producía en China durante la dinastía Ming. Platos, jarrones y utensilios de té de los primeros sitios de producción de porcelana real, como Meissen, imitaban las formas tradicionales chinas (ver porcelana de exportación china).
Los parterres formales de los palacios alemanes del barroco tardío y del rococó tenían pabellones de placer con "gusto chino", y los paneles de azulejos de Aranjuez, cerca de Madrid, representaban estructuras similares. Las mesas de té y los gabinetes de porcelana, en particular, fueron adornados por Thomas Chippendale con barandillas y acristalamiento calado en 1753-1770. La naturalización también se produjo en los sombríos homenajes a los muebles de los primeros eruditos Xing, como el tang, que se convirtió en una mesa auxiliar georgiana media y en sillones cuadrados con respaldo de listones adecuados tanto para caballeros ingleses como para eruditos chinos.
No todas las interpretaciones occidentales de la estética china tradicional se consideran "chinoiserie". Los ejemplos de medios de Chinoiserie incluyen figuras de cerámica y adornos de mesa, papeles pintados pintados en forma de láminas e imitaciones de laca y platos de hojalata pintada (tôle) que evocaban a Japón. Se instalaron pagodas de tamaño completo en los jardines, mientras que las versiones en miniatura se colocaron en las repisas de las chimeneas. La Gran Pagoda, creada por William Chambers, es una estructura impresionante en Kew. Ubicado en Stuttgart, el Wilhelma (1846) es un edificio que ejemplifica el estilo del Renacimiento moro. Construida para el artista Frederic Leighton, Leighton House presenta un exterior tradicional pero interiores de estilo árabe adornados con azulejos islámicos genuinos y otros componentes y trabajo victoriano orientalizante.
Debido en gran parte a la introducción de grabados ukiyo-e en Occidente, el movimiento estético conocido como japonismo floreció después de 1860. Particularmente influyente en artistas franceses modernos como Claude Monet y Edgar Degas fue la estética japonesa. Los grabados japoneses inspiraron a la artista estadounidense Mary Cassatt, que vivió y trabajó en Francia. Ella incorporó su uso de patrones en capas, planos planos y perspectiva dinámica en su propio trabajo. Algunos de los mejores ejemplos de arte de inspiración japonesa se encuentran en The Peacock Room, una colección de pinturas de James Abbott McNeill Whistler. Gamble House y otros edificios de Greene y Greene de California fueron influenciados por la arquitectura japonesa.
La arquitectura del Renacimiento egipcio fue un estilo popular a principios y mediados del siglo XIX, y persistió como un estilo menor hasta principios del siglo XX. A principios del siglo XIX, las sinagogas se encontraban entre los principales beneficiarios del estilo del Renacimiento moro que se originó en los estados alemanes. Un estilo arquitectónico conocido como Indo-Saracenic Revival surgió en el Raj británico a fines del siglo XIX.
La estética de la decoración oriental se encuentra entre las más atractivas del mundo. Popular en las industrias del mueble y la decoración de interiores, el uso de elementos decorativos orientales va en aumento. Esta colección de formas de arte asiático ha tenido demanda durante milenios y presenta obras de una amplia variedad de países asiáticos.
El término "arte oriental" a menudo evoca imágenes de chicas Geisha en Japón o acuarelas chinas, pero estos no son los únicos ejemplos. Con sus colores vibrantes y su atención al detalle, los pergaminos, jarrones y pinturas orientales han perdurado durante siglos. Los paraguas, los abanicos y las lámparas son otros ejemplos de otras formas de arte oriental.
Una de las razones por las que el arte oriental es tan apreciado son sus líneas limpias y colores vivos. Tanto los hemisferios orientales como occidentales han incorporado elementos de decoración oriental en sus interiores. Por su elegancia y funcionalidad, se puede utilizar en ambientes fuera de lo común. Agregar una pieza de arte oriental a su hogar es una excelente manera de darle una apariencia única. El abanico de pared es un ejemplo icónico del arte oriental. Decorar con artículos de Oriente es una gran idea porque son elegantes y económicos.
Como sugieren muchos especialistas en la materia, las subastas son una de las mejores formas de adquirir obras de arte oriental. Por lo tanto, simplemente puede navegar por los catálogos de subastas y comenzar a decorar su hogar con piezas con sabor orientalista. Sobre el arte japonés, sin embargo, las subastas suelen incluir grabados, cerámicas, armaduras y más.
Las obras famosas del artista chino Gu Kaizhi incluyen Advertencias de la institutriz a las damas de la corte e Instrucciones a mujeres ilustres. También fue poeta y teórico del arte. Fue un filósofo taoísta que tuvo una vida colorida y, en ocasiones, mostró un gran cinismo. Un funcionario del gobierno que comenzó en 366, Gu Kaizhi (c. 344-406) nació en Wuxi, provincia de Jiangsu, pero su talento se extendió mucho más allá de la política. También fue un consumado poeta, ensayista, pintor y practicante de la caligrafía china. Tres obras, Sobre la pintura, Introducción a las pinturas famosas de las dinastías Wei y Jin, y Pintura del monte Yuntai, resumen las numerosas teorías de Gu sobre el medio. El trabajo de su vida está documentado en más de 70 pinturas que se centran en figuras humanas y divinas, animales, paisajes y cursos de agua. El Buda del templo de Nanjing (creado para generar dinero para la construcción del templo), las Advertencias de la institutriz a las damas de la corte y La ninfa del río Luo son obras comúnmente atribuidas a él. Las obras de Gu Kaizhi ahora se encuentran en colecciones de todo el mundo. Entre el 220 d. C. y el 581 d. C., hubo una época dorada de la pintura china. A pesar de las guerras y los cambios dinásticos que ocurrieron en China a lo largo de 300 años, la vida cultural del país se mantuvo vibrante. Esto se debió en gran parte a las muchas escuelas diferentes que dieron un impulso significativo al desarrollo artístico del país. Hay varios ejemplos de virtuosismo en la caligrafía y el arte chinos durante este período de tiempo, incluidas pinturas de tumbas, esculturas de piedra y ladrillo y pinturas de laca. También se teorizan las reglas pictóricas que vemos debajo de la pintura china contemporánea, reglas como la Teoría Gráfica y la Teoría de las Seis Reglas. Uno de los más influyentes y conocidos de estos artistas es Gu Kaizhi, a menudo considerado como el creador de la pintura tradicional china. Sus obras personifican la época en la que vivió.
Desde los años 990 hasta 1020, Fan Kuan fue un destacado pintor taoísta de "estilo norteño" en China. Se le atribuyen, entre otras cosas, los mejores maestros de los siglos X y XI. Un pergamino vertical titulado Viajeros en medio de montañas y arroyos, de Fan Kuan, es ampliamente considerado como la obra de arte fundamental para la Northern Song School. Establece un estándar para la pintura de paisajes gigantes que muchos artistas buscarían posteriormente como guía. Está claro que la antigua idea china de las tres dimensiones, cerca, media (representada por el agua y la niebla) y la distancia, está funcionando aquí. En contraste con los primeros ejemplos de la pintura de paisajes chinos, el esplendor del mundo natural es el enfoque más que una ocurrencia tardía. En la base del monolito, se puede ver una fila de caballos de carga saliendo de los arbustos. Las convenciones de la antigua dinastía Tang se pueden ver en el estilo visual de la obra de arte.
Es el estilo ukiyo-e que Katsushika Hokusai popularizó como pintor y grabador en Japón. Fue un pintor preciso y excéntrico, mejor conocido por sus grabados. Sin embargo, continuó trabajando en ambos medios a lo largo de su vida. Más de sesenta años después de su carrera, ya había experimentado con grabados en madera que representaban temas teatrales, grabados de saludo para circulación privada (surimono) y, a partir de la década de 1830, series de paisajes, como lo demuestran obras como Vistas de puentes famosos y Cataratas famosas en Varias provincias y Treinta y seis vistas del monte Fuji, que refleja en parte un apego personal al famoso volcán. The Great Kanagawa Wave, también parte de este canon, es un trabajo asociado. Después de un período de grandes dificultades provocado por una serie de problemas familiares, entre los cuales se encontraba la propensión de su sobrino a las apuestas, publicó una serie de guías de dibujo y manga dirigidas tanto a aficionados como a profesionales. Escribir y dibujar una amplia gama de libros de misterio y cuentos para mujeres y niños, además de trabajar en la ilustración de grandes obras maestras literarias, se inspiró en su amor por la literatura de toda la vida, que probablemente comenzó durante su adolescencia como chico de los recados en un viaje. biblioteca. Los haiku que escribió también eran bastante buenos. Debido a la amplia influencia de su arte en impresionistas europeos como Claude Monet y postimpresionistas como Vincent van Gogh y el pintor francés Paul Gauguin, entre 1896 y 1914 los principales críticos de la época publicaron en francés tres biografías sobre Hokusai, entre ellas Edmundo de Goncourt. Según las historias que se cuentan sobre él, se mudó más de noventa veces y usó varios nombres artísticos diferentes a lo largo de su carrera.
Pintor e impresor japonés Hiroshi Yoshida. Sus grabados del Taj Mahal, los Alpes suizos y el Gran Cañón se encuentran entre los ejemplos más famosos del arte shin-hanga y evocan fuertes emociones en los espectadores. El 19 de septiembre de 1876, en la ciudad de Kurume, prefectura de Fukuoka en la isla de Kysh, comenzó la vida de Hiroshi Yoshida, nacido Hiroshi Ueda. Su padre adoptivo, un instructor de arte en una escuela pública, alentó su temprano talento artístico. Después de pasar tres años en Tokio aprendiendo con Koyama Shotaro, fue transferido a Kioto para estudiar con el renombrado maestro de pintura occidental Tamura Shoryu cuando tenía 19 años. En 1899, Yoshida presentó su primera exposición en lo que entonces se llamaba Museo de Arte de Detroit, pero ahora se llama Instituto de Artes de Detroit. Hiroshi Yoshida era un consumado pintor al óleo que había estado utilizando el medio desde su introducción en Japón en la era Meiji. La serie Sailing Boats de 1921 y los grabados Taj Mahal (de los cuales hay seis) son ejemplos del hábito de Yoshida de reproducir la misma imagen en diferentes colores para cambiar el estado de ánimo.
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Existe una gran variedad de tradiciones artísticas de toda Asia que conforman la historia del arte asiático. Asia Central, Asia Oriental, Asia Meridional, Sudeste Asiático y Asia Occidental son las partes más destacadas del continente asiático.
El arte de Asia oriental comprende las culturas de China, Japón y Corea, mientras que el arte de Asia central está dominado por las creaciones de los pueblos túrquicos de la estepa euroasiática. El arte del sudeste asiático consiste en las artes de Tailandia, Laos, Vietnam, Singapur, Indonesia y Filipinas, mientras que el arte del sur de Asia se refiere a las artes del subcontinente indio. El arte del Cercano Oriente, o Asia occidental, incluye el arte mesopotámico de la antigüedad y el arte islámico de la era moderna.
La evolución del arte asiático es similar a la del arte occidental en muchos aspectos. Las culturas se mezclaron a través de medios como la transferencia de arte de la Ruta de la Seda, el intercambio cultural durante la Era del Descubrimiento y la colonización, ya través de Internet y la globalización actual. Si excluimos el arte de la Edad de Piedra, el arte de Mesopotamia es el arte más antiguo de Asia.
Kirguistán, Kazajstán, Uzbekistán, Turkmenistán, Azerbaiyán, Tayikistán, Afganistán, Pakistán y algunas regiones de los actuales Mongolia, China y Rusia se consideran parte de la región de Asia Central, que alberga una rica historia y una amplia variedad de tradiciones artísticas. El arte de Asia Central desde la antigüedad hasta la Edad Media ilustra la diversidad de la población y el patrimonio cultural de la región. El patrimonio cultural de Asia Central refleja la composición multicultural de la región de manera sorprendente, como lo demuestran los artefactos artísticos de la región. El arte escita, el arte greco-budista, el arte serindio e incluso la cultura persa moderna son parte de esta complicada historia, que también incluye la transmisión del arte a través de la Ruta de la Seda.
Los pastores migratorios que practicaban economías mixtas en la periferia de las comunidades sedentarias han llamado hogar a las praderas de Asia Central (desde el mar Caspio hasta el centro de China y desde el sur de Rusia hasta el norte de la India) desde finales del segundo milenio antes de Cristo hasta hace relativamente poco tiempo. El arte prehistórico de 'estilo animal' de estos pastores nómadas revela no solo sus mitos zoomorfos y rituales chamánicos, sino también su apertura para incorporar los símbolos de la cultura asentada en sus propias prácticas.
Culturas de todo el mundo se han encontrado y fusionado en Asia Central, convirtiéndola en el centro neurálgico de la antigua Ruta de la Seda que conectaba China con el Mediterráneo. Las comunidades en crecimiento en el tercer y segundo milenio antes de Cristo formaban parte de una vasta red comercial que conectaba Asia Central con el valle del Indo, Mesopotamia y Egipto.
El arte islámico ha tenido una gran influencia en el arte occidental en los últimos siglos, pero las culturas más antiguas se inspiraron en una amplia gama de fuentes, incluidas las artes de China, Persia y Grecia, así como el estilo Animal, que surgió entre los nómadas de las estepas
Las prácticas culturales del este de Asia incluyen las artes visuales, la literatura y las artes escénicas de China, Corea y Japón. Dado que no tienen un propósito práctico y no implican trabajo manual, solo la pintura y la caligrafía reciben el estatus de "bellas artes reales" en China. La escultura, junto con la fundición y el tallado en bronce, así como la producción de cerámica, textiles, metalurgia y laca, se consideran artesanías. Los edificios tradicionales chinos suelen estar hechos de madera y tienen una plataforma, un marco de poste y dintel, soportes de soporte del techo y un techo pesado e inclinado.
Tres factores, incluida la iconografía budista, los temas y tradiciones indígenas japoneses y las artes visuales chinas, han tenido un impacto significativo en la cultura visual japonesa. El Templo Hry, construido en el siglo VII, fue la primera estructura en utilizar los diseños asimétricos que caracterizarían la arquitectura japonesa. La xilografía policromada, que se convirtió en el icónico grabado ukiyo-e, y los biombos y paneles de los siglos XVI al XVIII son excelentes ejemplos de la preocupación de los pintores japoneses por la abstracción de la naturaleza. El uso de la piedra en la construcción y la escultura y el desarrollo de un exquisito vidriado de celadón son dos de las contribuciones más distintivas de Corea a las artes.
Entre las literaturas del mundo, la de China tiene la historia ininterrumpida más larga (más de 3.000 años). Su historia está intrincadamente entrelazada con la del lenguaje escrito que comparte con Corea y Japón. Las baladas, las leyendas, los dramas de máscaras, los textos de los espectáculos de marionetas y los textos pansori ("cuentos cantados") forman parte de la rica historia oral de Corea, y el país también tiene una sólida tradición escrita de poesía (en particular, las formas hyangga y sijo). . Dado que ni Japón ni Corea tenían su propio idioma escrito, las tradiciones literarias de ambos países se inspiraron en gran medida en China (aunque los sistemas silabarios japoneses surgieron alrededor del año 1000 y el hangul coreano se desarrolló en el siglo XV). La poesía de Japón, especialmente en la forma de haiku, es famosa en todo el mundo por su delicada sensibilidad y se remonta al siglo VII junto con muchos tesoros literarios del país como The Tale of Genji.
La música de Asia oriental, al igual que la música occidental, creó una escala pentatónica basada en un vocabulario de 12 tonos, pero su base es distinta. Los conjuntos de Asia oriental tienden a ser relativamente pequeños y los compositores de la región suelen priorizar la melodía y el ritmo por encima de la complejidad armónica. Vale la pena señalar que en los países de Asia oriental, la música, la danza y el teatro a menudo están vinculados, y no hay evidencia de una evolución distinta de la forma en las categorías asociadas de danza y teatro de Asia oriental. Las procesiones bailadas, la ópera bailable (jingxi, o "Pekín" y otros tipos de ópera china), el teatro de sombras, el teatro de títeres y las obras de diálogo con música y danza son solo algunas de las muchas variedades de artes escénicas de Asia oriental (p. kabuki). También vale la pena investigar las obras de Bash, Bo Juyi, Du Fu, Hiroshige Ando, Lu Xun y Murasaki Shikibu, al igual que ikebana, plegado de papel al estilo Jgan, pintura en pergamino, shinden-zukuri, shoin-zukuri, estilo sukiya, Arquitectura de estilo Tempyu y estilo Tori.
Las artes de la India, Pakistán, Bangladesh y Sri Lanka se conocen a menudo como el sur de Asia. Una plétora de literatura textual antigua en sánscrito, prkrit e idiomas regionales ha ayudado a unir a las personas del subcontinente indio, al igual que una perspectiva cultural y ética compartida. A pesar de la división de la región en un caleidoscopio de patrones políticos a lo largo de los siglos, el subcontinente en su conjunto tiene tradiciones musicales y de danza, rituales rituales, prácticas religiosas e ideas literarias comunes.
Las epopeyas del sur de Asia, como el Rmyaa y el Mahbhrata, dan una idea de la compleja red de relaciones entre los numerosos pueblos de la región. Existe una clara evidencia de una relación familiar entre los dioses y los héroes de lugares muy separados, y muchos de los nombres de los lugares aluden a antecedentes compartidos. También ha habido esfuerzos persistentes para establecer un orden político unificado en el área. En el siglo III aC, por ejemplo, el emperador Aoka controlaba la mayor parte de esta zona; en el siglo XI dC, Rajendra I de Chai capturó gran parte de la India y el sudeste asiático; y en el siglo XVI dC, el gran Mughal Akbar hizo lo mismo. Las fronteras han crecido y se han reducido a lo largo de la historia del sur de Asia, uniéndose y separándose oficialmente como regiones completas, pero la cultura se ha mantenido constante en todo momento.
Hubo un aprecio generalizado por la belleza de las montañas y los ríos de la región debido a su entorno físico compartido. Los Himalayas, que se extienden a lo largo de la frontera norte, son las montañas más altas del mundo y representan un ideal cultural de grandeza, pureza y nieve prístina. Ríos como el Brahmaputra y el Indo son honrados como "madres" en sus respectivas regiones debido a la abundancia de agua que proporcionan.
Existe la creencia generalizada de que los duendes del agua y las hadas selváticas, conocidas respectivamente como ngas y yakas, habitan en los lagos y manantiales de la región. El nombre de una de las primeras dinastías de Cachemira, Karkoa, es en sí mismo un símbolo del culto a los nga. Los artefactos religiosos antiguos, como las estatuas de ngas y yakas que se han desenterrado en varios lugares, insinúan un espíritu devocional compartido, al igual que los textos religiosos que se han transmitido oralmente durante siglos sin perder su entonación prístina. Se pueden encontrar esculturas que representan una danza clásica similar en las ciudades paquistaníes de Gandhra, Bhrhut y Amarvat.
En el sur de Asia, es esencial estar bien versado en varias artes diferentes antes de poder especializarse en una sola. Dado que la escultura, como la pintura y la danza, representa el mundo entero, es lógico que uno no pueda dominar cada forma de arte sin dominar primero la otra. El baile es una forma de expresión a través del movimiento y el ritmo; por lo tanto, la comprensión del ritmo musical es crucial. Se considera que el conocimiento de la literatura y la retórica es importante para despertar la emoción en la música y la danza; el sabor (rasa) que se expresa en la música, la danza, la escultura o la pintura requiere cierta familiaridad con la palabra escrita. Por lo tanto, las artes están interconectadas en muchos niveles.
Las artes en el sur de Asia no solo se practicaban por sí mismas como un ocio respetable, sino también como un acto de devoción y adoración a un poder superior. Hay referencias literarias a príncipes que inspeccionan obras de arte en busca de defectos. Los logros y ambiciones, tanto en la teoría como en la práctica, del artista quedan ejemplificados en una sola inscripción que menciona el nombre del stra-dhra ("arquitecto") del templo Mallikrjuna en Pattadakal, construido en el siglo VIII.
Las culturas del sur de Asia han otorgado a los artistas un estatus privilegiado durante mucho tiempo. La corte estaba llena de poetas, músicos y bailarines. Un bailarín brillante recibió elogios de Rjendra Ca, y el arquitecto del templo en Tiruvoiyr, quien también fue apoyado por Rjendra, fue elogiado por su amplio conocimiento de la arquitectura y el arte en una inscripción. Sin embargo, había una fuerte conexión entre las artes populares y las artes elevadas. Existían similitudes, por ejemplo, entre las danzas de grupos tribales y el arte, la danza y la música clásicos occidentales. El subcontinente indio tiene una rica historia artística, con esculturas redondas (citra) y esculturas en relieve (ardhacitra), ambas ocupando posiciones importantes.
Citrbhsa, que se traduce como "la apariencia de la escultura", es la tercera forma de arte más alta. Un verso de un drama de la poeta del siglo V Klidsa explica cómo el ojo cae sobre las alturas y las profundidades representadas en el modelado de una pintura, demostrando cuán esencial fue la influencia del claroscuro (es decir, el uso de luces y sombras para expresar el modelado). . Los maestros dan la mayor importancia al boceto de línea de una pintura, que debe dibujarse con firmeza y gracia, seguido del sombreado y la representación del modelado, que son valorados por otros, el elemento decorativo, que apela al gusto femenino, y el esplendor del color. , que apela al gusto común. Es muy impresionante que hayas podido indicar tanta forma con tan poco dibujo. Existen numerosos ejemplos literarios de retratos exitosos en la pintura y escultura del sur de Asia, lo que demuestra la centralidad del retrato en las artes visuales de la región. El Viudharmottara, escrito en el siglo VI, divide el retrato en cuatro categorías: natural, lírico, sofisticado y mixto. También clasifica diferentes tipos de personas según la forma y el color de su cabello y ojos. Incluye un resumen de las muchas perspectivas artísticas, así como una explicación de los conceptos básicos del escorzo. Como un poema refleja al poeta, se pensó que las pinturas y esculturas tomarían las características de sus autores.
A pesar de la larga historia de exposición del sur de Asia a influencias extranjeras, la región siempre ha encontrado formas de combinar estos elementos en prácticas indígenas, produciendo una síntesis única en lugar de una mera copia. Esto también se refleja en la obra de arte de la región de Gandhra en Pakistán, que en ese momento (siglo IV a. C.) estaba inmersa en la cultura grecorromana. La incorporación de motivos y estilos indios al estilo occidental dominante es un sello distintivo de la escultura de esta época.
Después de la invasión de Kushan en el siglo I d. C., hubo una clara afluencia de influencia externa, pero finalmente triunfó la cultura indígena. El Imperio mogol, que gobernó el sur de Asia a partir del siglo XVI y estaba formado por musulmanes de Asia central, unificó la región culturalmente al imponer una educación predominantemente india a sus súbditos. El arte musulmán floreció bajo el reinado del segundo emperador mogol, Humayn, quien trajo artistas de la corte del sha persa y creó una historia de fusión de los estilos indio y persa.
El arte de cada región refleja su propia estructura política, normas morales y éticas y estructuras sociales. Ya en el siglo III a. C., los gobernantes mostraban su voluntad de servir a la gente y tratarla casi como a su descendencia. Magníficas monedas del Imperio Gupta del norte de la India en los siglos IV al VI representan el ideal del monarca como el arquero sin igual, el unificador, el espíritu noble alto y majestuoso, el sacrificador por el bienestar de los súbditos y el héroe de su personas (que lo imaginan en un majestuoso elefante). Obra de arte que representa la conquista justa y la guerra justa. La guerra y la conquista, los sacrificios simbólicos de caballos, el consejo del rey, las recepciones diplomáticas, las negociaciones de paz, la construcción de templos, la apreciación de las bellas artes (incluyendo la danza y la música) y la coronación de los reyes son solo algunas de las muchas actividades gubernamentales representadas en el extenso serie de esculturas que representan la historia de la dinastía Pallava del sur de la India de los siglos IV-IX.
Así como las esculturas que enfatizan el dharma, las convenciones o leyes que guían la obligación, reflejan actitudes morales, también lo hacen las esculturas que representan actos morales. Una forma común en la que se visualiza el principio de ahimsa, o la no violencia hacia los demás, es a través de la imagen de un ciervo, y el ideal de un lugar sagrado suele representarse como un lugar donde el ciervo puede deambular libremente. Las obras de arte a menudo representan escenas en las que los sujetos se deleitan con sus propios sacrificios o los de los demás. Las historias del Paca-tantra, una de las colecciones de fábulas más antiguas del mundo, se representan en esculturas de una manera directa pero efectiva. El arte del sur de Asia representa constantemente la piedad, la fe y el respeto por la moralidad que ha impregnado la estructura social del subcontinente durante generaciones.
Las artes del sudeste asiático incluyen sus formas escritas, orales y visuales. Aunque la cultura india tuvo un impacto significativo en el desarrollo del área, hay algunas características compartidas que son anteriores a esta época. Los estilos artísticos que no se derivan de la India, como las telas de batik, las orquestas de gamelán y el teatro de marionetas wayang, siguen siendo populares. El cultivo indígena de arroz húmedo (o padi), la metalurgia, la navegación, los cultos a los antepasados y el culto a la montaña eran todos comunes.
El sudeste asiático abarca la vasta península de Indochina, así como las otras islas de la región, a menudo conocidas como las Indias Orientales. El sudeste asiático se puede dividir en dos partes distintas: el continente y las islas. Myanmar (Birmania), Tailandia, Laos, Camboya, Vietnam, Malasia, Singapur, Indonesia y Filipinas son las entidades gubernamentales que conforman esta zona. Aunque Filipinas inicialmente no se consideró parte del sudeste asiático, ahora generalmente se considera parte de la región debido a su proximidad a China y Japón y las estrechas similitudes culturales que tiene con las culturas del sudeste asiático.
Todo el sudeste asiático comparte un clima y una topografía similares, lo que ha dado forma a la historia y la cultura de la región. Culturalmente, quienes viven en las montañas tienden a diferir de quienes viven en los valles.
Originalmente se creía que la gente del sudeste asiático compartía una falta de originalidad que se remontaba a tiempos prehistóricos y que eran más "receptivos" que "creativos" en sus interacciones con otras culturas. Excavaciones y descubrimientos posteriores en Myanmar y Tailandia llevaron a algunos académicos a argumentar en contra de la teoría aceptada de que la civilización se trasladó al sudeste asiático desde China en tiempos prehistóricos. En cambio, argumentaron, la gente del sudeste asiático continental cultivaba plantas, hacía cerámica y trabajaba en bronce casi al mismo tiempo que la gente del antiguo Medio Oriente, por lo que la civilización se extendió desde el sudeste asiático continental hasta China un milenio antes. Debido a que siempre están más interesados en el trabajo práctico de crear cosas hermosas, los asiáticos del sudeste no tienen una herencia rica en teoría del arte, crítica literaria o dramática.
No es posible rastrear la creación y evolución de las formas de arte en el sudeste asiático paso a paso, ya que la gente, especialmente en la mitad occidental del continente, trabajaba con materiales no duraderos. Dada la historia de forestación densa del área, es lógico que la madera haya sido el primer material empleado por razones estéticas. A pesar de su nueva habilidad con el metal y la piedra, nunca abandonaron la práctica tradicional de la talla en madera, que continuó prosperando incluso después de que pasó la gran era de la escultura y la construcción en piedra (alrededor del siglo XIII). En el estado Shan occidental de Myanmar, a lo largo del río Salween, los arqueólogos descubrieron dibujos rupestres prehistóricos que muestran un parecido sorprendente con las esculturas naga posteriores en los postes de las casas. De manera similar a cómo el símbolo del sol se puede encontrar como un motivo artístico en todo el sudeste asiático, y cómo las tallas bajo los aleros de las casas naga aluden al asombro, el triunfo y la alegría de adquirir una cabeza humana, la tradición estética posterior del sudeste asiático se hace eco de la pinturas rupestres de un par de manos humanas con las palmas abiertas sosteniendo el sol y un cráneo humano. La pintura rupestre es prueba de que las artes de la zona siempre han estado entrelazadas con su pasado mágico-religioso.
Anteriormente se creía que la técnica de fundición de tambores de bronce empleada en Dong Son, cerca de Hanoi, se había originado en China. Sin embargo, nuevas excavaciones en Tailandia han demostrado que tanto los tambores como la llamada civilización Dong Son son indígenas del sudeste asiático continental. Independientemente, los tambores de bronce fundidos por Karen durante milenios hasta los primeros años del siglo XX muestran la continuidad del legado estético del sudeste asiático. La metalurgia tuvo que haberse desarrollado desde el principio, ya que las montañas del sudeste asiático continental proporcionaban oro, plata y otros metales. Los pueblos de las colinas del sudeste asiático tienen una larga historia de fabricación y uso de exquisitos botones, cinturones y joyas de plata. Los patrones textiles siguen el mismo linaje estético. Las canciones, los bailes y otras formas de expresión musical se usaban tradicionalmente en las ceremonias tribales.
Bajo el apoyo de los gobernantes de todo el sudeste asiático, las artes prosperaron. Alrededor de la época del nacimiento de Cristo, las tribus tribales comenzaron a organizarse formalmente en ciudades-reino o conglomerados de aldeas después de años de vida sedentaria como productores de arroz. Desde este punto de vista, un rey era poco más que un jefe tribal supremo. Como las tribus ya tenían una tradición de adoración de espíritus, los monarcas buscaron una nueva deidad que se convirtiera en objeto de devoción para todos. Este anhelo de nuevos dioses nacionales contribuyó a la apertura del sudeste asiático a los dioses del hinduismo y el budismo. Los reyes del Sudeste Asiático fueron los encargados de difundir las nuevas religiones, por lo que los templos de la región vivieron una época dorada desde el siglo I hasta el XIII.
Los templos se convirtieron en centros de actividad cultural y sus paredes se convirtieron en lienzos para la arquitectura, la escultura y los murales religiosos. Los estudiosos del sánscrito, el idioma de los textos sagrados del hinduismo, fueron cortesanos en los antiguos imperios del este de Indochina y las islas, donde crearon una literatura sánscrita local. Solo a través de las grandes epopeyas hindúes Mahabharata y Ramayana, este esfuerzo literario llegó a la gente común. Las historias sobre dioses hindúes, demonios y hombres poderosos eran esenciales para explicar el hinduismo a la gente en general cuando las escrituras sánscritas estaban fuera de su alcance. Al otro lado de la península, en el imperio pyu-birmano de Prome, que floreció antes del siglo VIII, tal desarrollo no ocurrió por dos razones: primero, el hinduismo nunca fue ampliamente aceptado en Birmania, y segundo, mientras más abierta era la sociedad birmana, no se desarrollaba ni la institución de la religión. un dios-rey ni el de una nobleza hereditaria.
Los reyes paganos posteriores estuvieron rodeados de expertos en Pali, pero el estudio de Pali no se llevó a cabo en el palacio sino en los monasterios de todo el reino, llevando las enseñanzas de Buda incluso a los pueblos más remotos. Monjes budistas y académicos de todo el mundo viajaron a Pagan para estudiar Pali, mientras que las cortes de los reyes en Camboya y Java siguieron siendo meros centros regionales de investigación en sánscrito. Las historias de Jataka (nacimiento de Buda) se usaron para explicar el budismo a la gente común que no podía leer las escrituras pali, al igual que las epopeyas indias se usaron para explicar el hinduismo a las masas. Los templos en Camboya y Java estaban decorados con tallas y frescos que representaban escenas de los Jatakas, muy parecidos a los que representan eventos de las grandes epopeyas.
La llegada del Islam a la isla del sudeste asiático después de la dinastía Majapahit estableció una tercera capa cultural sobre las ya existentes indígenas e hindúes-budistas. Un nuevo imperio birmano se desarrolló a partir de las cenizas del antiguo y llevó a cabo la misión de difundir el budismo en el sudeste asiático continental. La invasión birmana de Siam en el siglo XVIII trajo consigo la cultura hindú, que ayudó a fomentar el desarrollo del juego birmano. Reconquistado por China, Vietnam, al otro lado de la península, se vio cada vez más influenciado por la cultura china. Tras un breve apogeo cultural islámico, los pueblos indígenas de las naciones insulares del sudeste asiático se vieron obligados a someterse a la dominación extranjera. Solo en Birmania y Siam, dos de los gobiernos del sudeste asiático que emergieron como reinos poderosos tras años de lucha, las artes nativas continuaron floreciendo.
La religión y la historia nacional han sido durante mucho tiempo fundamentales para el arte del sudeste asiático. Aparte de la vida y el carácter de Buda y los dioses del hinduismo, la doctrina religiosa no era un punto importante de interés. Después de que cayeron los grandes imperios, pero persistió su recuerdo de gloria y fortaleza, surgió un nuevo tema en la historia nacional: la veneración de los héroes legendarios del pasado.
Si bien la imagen de Buda evolucionó con el tiempo, siguió siendo un tema popular para los artistas. Además de introducir el color local utilizando, como fondo, escenas de la época contemporánea del artista, la representación de escenas de sus vidas anteriores en frescos y esculturas en relieve sirvió para enseñar a la gente la ética budista, ya que los Jataka enfatizaron ciertas virtudes morales de la Buda en sus vidas anteriores.
Lo mismo ocurría con las representaciones de eventos de las epopeyas hindúes, que ofrecían al artista una oportunidad similar y cumplían una función similar. Con el paso del tiempo, personajes de las escrituras budistas e hindúes como dioses y diosas, héroes y princesas, ermitaños y magos, demonios y dragones, caballos voladores y doncellas aladas, etc., se fusionaron con figuras nativas similares, y las tramas de los cuentos populares se incorporaron a la historia. temas religiosos generales.
Diferentes representaciones del naga, una especie de espíritu sobrehumano, surgieron en diferentes partes del mundo cuando el naga se apropió de las escrituras budistas e hindúes y se fusionó con análogos nacionales. El naga de Birmania tiene una cresta distintiva en la cabeza. Para los mon, naga era un cocodrilo, pero para los jemeres y los indonesios era una serpiente de nueve cabezas.
Aunque los demonios del sudeste asiático se han agrupado bajo el término pali-sánscrito yakkha o yaksha, sus distintas identidades se han conservado en la escultura y la pintura de cada país. Sin estar familiarizado con el bosque del monzón, el león, sin embargo, se convirtió en un emblema y tema nativo popular debido a su asociación con los dioses de la mitología hindú y budista. Incluso después de que el Imperio Khmer abandonara la práctica de adorar al dragón-serpiente como dios de la fertilidad, el naga de nueve cabezas se había convertido en un símbolo de protección y poder real, y los nagas de piedra vigilaban los palacios reales y los templos sagrados. La adoración de Naga estaba mal vista por los budistas.
A lo largo de la historia del arte birmano y mon, el naga siempre ha sido representado en un papel subordinado al Buda, a menudo haciendo un asiento con sus bobinas para el Buda o levantando su enorme capucha para protegerlo de los elementos. La figura del guardián de un templo Mon se representaba tradicionalmente como un león con dos cuerpos y una cabeza humana, mientras que la figura del guardián de un templo birmano se representaba tradicionalmente como un león con cresta. A pesar de la afirmación de Tai de heredar las tradiciones artísticas jemer y mon naga, el buen demonio sirvió como guardián del templo en esas culturas.
Los animales indios se convirtieron en parte del antiguo simbolismo y las imágenes de animales que entraron en las artes. Por ejemplo, los Mons eligieron el sheldrake rojo como su emblema, los birmanos reformularon el sol como su ave favorita, el pavo real, sobre la base de que en la mitología budista el pavo real está asociado con el sol, y en Indonesia el pájaro mítico llamado Garuda, el vehículo de Vishnu, se fusionó con el águila local. Las representaciones de estas aves han encontrado uso como ornamentación. Las versiones estilizadas de los animales que una vez decoraron los techos de paja y las paredes de madera de las casas del sudeste asiático llegaron a los palacios y templos más opulentos. Los diseños de árboles, frutas y flores de los bosques monzónicos se combinaron con patrones florales indios y motivos geométricos antiguos.
El arte del sudeste asiático es completamente distinto del arte de cualquier otra región, con la excepción de la India. Aunque Birmania ha sido históricamente un vínculo comercial vital con China, las influencias chinas están sorprendentemente ausentes del arte tradicional birmano. Los Tai llegaron tarde al sudeste asiático, trayendo consigo algunas tradiciones artísticas chinas, pero rápidamente abandonaron esas prácticas en favor de las de los jemeres y los mon. Hoy en día, los únicos rastros de esos contactos anteriores se pueden ver en las características arquitectónicas de los templos, en particular el techo ahusado y la laca.
Dado que Vietnam fue una colonia de China durante un milenio, la cultura china influyó en el arte vietnamita. La evidencia arqueológica del hinduismo en el sur de Vietnam actual se remonta a la época de la antigua monarquía Champa, que fue capturada por Vietnam en el siglo XV. Las influencias chinas se pueden ver en las estatuas budistas del norte de Vietnam. La comparación de las tumbas-templo de Camboya e Indonesia con las de los emperadores de Vietnam o las opulentas y dignas imágenes de Buda de Vietnam con las ascéticas y gráciles imágenes de Buda de Camboya y Birmania revela las diferencias fundamentales en el objetivo estético y el estilo entre las artes de Asia oriental y los del sudeste asiático. El arte islámico, que rechaza las figuras animales y humanas y busca revelar la realidad detrás de la belleza ilusoria del mundo cotidiano, comparte poco con el arte del sudeste asiático. El arte del sudeste asiático ignoró las enseñanzas del hinduismo y el budismo de que el mundo sensual era ilusorio e impermanente.
En el arte del sudeste asiático, la realidad y la fantasía coexisten, y una perspectiva positiva de la vida impregna cada pieza. Algunos han notado que el arte clásico jemer e indonesio se centró en representar la vida cotidiana de los dioses, sin embargo, desde una perspectiva del sudeste asiático, la vida cotidiana de los dioses era la misma que la suya: alegre, terrenal y divina. El arte del sudeste asiático no solo no reflejaba la concepción europea de "arte por el arte", sino que tampoco reflejaba la división europea del arte en categorías seculares y religiosas. Los mismos motivos que adornaban un magnífico templo y una fuente de laca fueron tatuados en los muslos de un chico birmano. El artista del sudeste asiático no necesitaba utilizar modelos ya que, a diferencia de sus homólogos europeos, no se preocupaba por la precisión en todos los aspectos anatómicos. El uso de elementos fantásticos y el énfasis en celebrar lo bueno de la vida humana es lo que distingue al arte del sudeste asiático.
Existe una gran variedad de formas y medios artísticos que se encuentran bajo el paraguas del "arte japonés", desde la cerámica y la escultura antiguas hasta la pintura con tinta y la caligrafía sobre seda y papel, las pinturas ukiyo-e y los grabados en madera, la cerámica y el origami, hasta los más manga y anime contemporáneos. Desde los primeros signos de existencia humana en Japón en el décimo milenio antes de Cristo hasta la actualidad, Japón tiene una historia rica y variada.
Japón ha experimentado tanto una rápida afluencia de ideas extranjeras como un prolongado aislamiento del resto del mundo. Los japoneses tienen una larga historia de asimilación y adaptación de aspectos de otras culturas que encuentran estéticamente agradables. En los siglos VII y VIII, se creó un arte sofisticado en Japón en respuesta a la expansión del budismo. A medida que los japoneses se alejaron de China y desarrollaron sus propios estilos únicos de expresión en el siglo IX, las artes seculares ganaron prominencia; desde entonces hasta finales del siglo XV, tanto las artes religiosas como las seculares prosperaron. Cuando estalló la Guerra Nin en Japón (1467-1477), marcó el comienzo de más de un siglo de agitación política, social y económica. Las obras de arte que sobrevivieron a las purgas del shogunato Tokugawa eran en gran parte seculares, y la religión jugaba un papel mucho menor en la vida cotidiana. La repentina introducción de estilos occidentales fue un evento significativo durante el Período Meiji (1868-1912).
En Japón, tanto los aficionados como los expertos se dedican a la pintura como su principal forma de expresión artística. Los japoneses están especialmente en sintonía con los valores y la estética de la pintura porque, hasta la era moderna, usaban un pincel en lugar de un bolígrafo. Durante el período Edo, la impresión en bloques de madera se convirtió en una forma de arte importante, y los métodos utilizados para crear sus vibrantes impresiones se refinaron para satisfacer la necesidad de una cultura popular en crecimiento. A medida que el significado religioso del budismo japonés tradicional se desvanecía durante este tiempo, los japoneses descubrieron que la escultura era un medio menos atractivo para expresar su visión creativa.
En general, se acepta que la cerámica japonesa es de la más alta calidad artística e incluye algunos de los primeros artefactos de Japón; La exportación de porcelana de Japón ha sido una actividad económica significativa en varios momentos. La laca japonesa, exquisitamente decorada con maki-e, ha sido durante mucho tiempo una exportación popular a Europa y China, y esta tendencia continuó durante todo el siglo XIX. La arquitectura tradicional japonesa destaca de forma destacada los materiales naturales y la integración de la vida interior y exterior.
Ukiyo-e, o xilografías japonesas, están ganando popularidad en Occidente. Su nombre proviene de la frase "imágenes del mundo flotante", que describe su tema. La creencia budista de que la felicidad es fugaz y que solo la ausencia de deseo puede conducir a la iluminación proporcionó la inspiración para su imagen ingrávida y elevada.
Los shogunes del Japón feudal jugaron un papel decisivo en el desarrollo del grabado japonés, que comenzó en la región de Edo (actual Tokio). Bajo la política de Sakoku, que literalmente significa "país aislado o cerrado", Japón se aisló del resto del mundo. Perry, un general estadounidense, visitó Japón en 1853 para negociar con la administración Meiji. Muchos grabados de Ukiyo-e, una forma de arte contemporáneo que florecía cuando Perry visitó Edo, se podían encontrar a la venta en las aceras de la ciudad.
Escenas de la historia y la leyenda japonesas se representan con frecuencia en ukiyo-e, al igual que retratos de artistas de kabuki, escenas de teatro, parejas de enamorados, cortesanas de renombre y paisajes. A los viajeros de Occidente les gustaron instantáneamente los grabados de Ukiyo-e, por lo que no sorprende que los trajeran a casa con ellos, presentando al mundo el estilo de arte único de Japón.
Las impresiones artísticas de Ukiyo-e se hicieron presionando bloques de madera entintados sobre papel después de tallar las imágenes al revés en los bloques. Cuando comenzó la impresión, todo se hacía en blanco y negro. Okomura Masanobu y Suzuki Harunobu fueron pioneros en el campo de la impresión en madera en color, que requería un bloque separado para cada color.
Se requería un bloque clave para los contornos y bloques individuales para cada tono. Además, dado que se puede hacer una pequeña cantidad de impresiones a partir de un solo bloque, sería necesario tallar una cantidad significativa de bloques para imprimir una cantidad sustancial de copias. El artista fue solo uno de los muchos profesionales involucrados en la producción de grabados de arte japonés. Otros incluyeron diseñadores, planificadores de moldes, cortadores de moldes y prensas de moldes.
Alrededor de 1912, el movimiento de grabado conocido como Vástagos de Ukio-e comenzó a desaparecer, pero pronto se formaron otras dos escuelas de grabado para llenar el vacío. Sosaku Hanga y Shin Hanga son los dos nombres para ellos. Hay dos escuelas de pensamiento en lo que respecta al proceso de impresión: Sosaku Hanga, que sostiene que el artista debe desempeñar un papel central en cada paso, y Shin Hanga, que es más tradicional y sostiene que el editor es lo más central, tan diferente. los artistas pueden ser responsables del diseño, el bloqueo y la impresión.
Para comprar y vender impresiones de Ukiyo-e, es importante conocer un poco de terminología japonesa para apreciar y apreciar adecuadamente esta fascinante forma de arte. Al referirse a una impresión japonesa, el término "atozuri" indica que se imprimió después de que terminó la tirada inicial, pero aún usaba los bloques de madera originales. Las impresiones de Shozuri son primeras ediciones, mientras que las impresiones de fukkoku son copias. Las firmas de los artistas y los números de edición impresa no se incluían normalmente en los pasos finales del proceso de grabado japonés hasta la segunda parte del siglo XX. En cambio, cada impresión tenía un sello que nombraba a su creador, así como a su editor y escultor.
Sin embargo, a medida que los europeos aprendieron sobre la cultura única de Japón, surgió una moda por todo lo japonés y se enviaron envíos masivos de impresiones de arte japonés al continente a fines de la década de 1860. Las casas editoriales de Japón se dieron cuenta rápidamente de que tendrían que producir reproducciones de los grabados en madera más famosos para satisfacer la creciente demanda.
Es fácil saber qué impresiones son auténticas y cuáles son duplicados debido a los sellos y otras notas marginales. La originalidad de un documento a menudo se puede determinar por su papel y la condición del color. Dado que el coleccionista de arte medio probablemente no pueda leer los caracteres japoneses, debería buscar el consejo de un experto antes de comprar una auténtica impresión de arte japonés.
Desde el Neolítico en adelante, los artistas en China han representado plantas en sus obras de arte. Las flores, los pájaros y los insectos se utilizan para adornar, y no solo porque son hermosos; también tienen una gran cantidad de significado. Durante la dinastía Song (960-1279), un aumento en la cantidad de pinturas tituladas "pájaro y flor" consolidó el estatus de las imágenes florales como un tema destacado en el arte chino. Aparte de las pinturas en pergamino, este tema se puede ver en una amplia variedad de obras de arte tridimensionales, que incluyen porcelanas, lacados, esculturas de jade, textiles, muebles y más.
Mientras nos preparamos para dar la bienvenida a la primavera, examinaremos el simbolismo de las flores en el arte chino al observar una selección de pinturas de la colección de arte asiático de AGGV del siglo XIX. Las ilustraciones de este álbum son todas representaciones precisas de flores y mariposas basadas en su flora y fauna reales. Es probable que la combinación apareciera por primera vez en el siglo XVIII en productos que se encargaban especialmente como regalos de cumpleaños. Los rechazos de mariposas se pueden utilizar para expresar múltiples buenos deseos a la vez. Estos artículos, que también están relacionados con una larga vida, son excelentes símbolos de cumpleaños. Las mariposas, en el taoísmo, representaban la liberación del espíritu. Las flores representan muchas cosas positivas, y su inclusión en estas obras de arte se suma a sus connotaciones positivas.
Según un cuento popular chino sobre dos amantes que fueron separados trágicamente por la guerra, la amapola representa la fidelidad y la lealtad entre los socios en una relación romántica. La historia gira en torno a las amapolas, que crecían en el lugar donde la esposa se había internado tras la muerte de su marido soldado.
La expresión huakaifugui sugiere que las camelias, que florecen durante el Año Nuevo chino (finales de enero a mediados de febrero), deben utilizarse para embellecer el hogar y recibir la buena fortuna en el próximo año. Debido al antiguo cariño de Europa por la rosa, la flor se representa con frecuencia en artículos destinados a la venta en otros lugares. Dado que la rosa china florece con frecuencia durante todo el año, se le ha aplicado el nombre de "flor de primavera permanente".
Orgullo de la mañana Las flores en forma de trompeta de la gloria de la mañana, que florecen en un púrpura vibrante, se utilizaron inicialmente como elemento decorativo en los electrodomésticos Ming azules y blancos en el siglo XV. Se afirma que esta flor simboliza la felicidad en el matrimonio. La China es el hogar de muchas especies de azaleas, todas las cuales tienen sus propias estaciones de floración únicas. Cuando se usa junto con las mariposas, la azalea adquiere la connotación de "talento creativo en el arte", representando la belleza femenina que prevalece en el arte.
El orientalismo se refiere a la práctica de emular o estereotipar elementos de Oriente, y se encuentra en los campos de la historia del arte, la literatura y los estudios culturales. Los autores, diseñadores y pintores occidentales suelen ser los responsables de estas representaciones. De los diversos subgéneros del arte académico popular en el siglo XIX, la pintura orientalista, que se centró en mostrar el Medio Oriente, fue uno de los más destacados. Asimismo, la literatura occidental de la época mostró un vivo interés por el exotismo de Oriente.
En los círculos académicos, el término "orientalismo" se ha convertido en un lugar común desde que se publicó Orientalismo de Edward Said en 1978. Este término se usa para describir una perspectiva occidental condescendiente sobre las culturas asiática y africana. Según Said, Occidente esencializa estas culturas como estancadas y subdesarrolladas, creando una imagen de la cultura oriental que puede investigarse, representarse y reproducirse al servicio de la autoridad imperial. Como señala Said, esta falsedad se basa en la suposición de que la sociedad occidental es progresista, inteligente, adaptable y superior. Esto da a los occidentales la libertad de imaginar las culturas y las personas "orientales" como exóticas y peligrosas.
El término "orientalismo" se usa en la historia del arte para describir el cuerpo de trabajo creado por artistas occidentales a lo largo del siglo XIX que se centraron en temas y motivos orientales como resultado de sus exploraciones en Asia occidental. En ese momento, los artistas y académicos a menudo eran etiquetados burlonamente como "orientalistas", un término popularizado por el crítico de arte francés Jules-Antoine Castagnary. La Sociedad Francesa de Pintores Orientalistas, con Jean-Léon Gérôme como presidente honorario, se estableció en 1893, a pesar de la desaprobación social generalizada del género; por el contrario, en Gran Bretaña, "orientalista" simplemente significaba "artista".
Las perspectivas de los artistas cambiaron a fines del siglo XIX con el establecimiento de la Sociedad Francesa de Pintores Orientalistas, que permitió a los miembros reconocerse como parte de un movimiento artístico más amplio. Aunque surgieron numerosos estilos de pintura orientalista distintos durante el apogeo del movimiento en el siglo XIX, el término "pintura orientalista" se usa generalmente para referirse a un solo subgénero del arte académico. Muchos historiadores del arte clasifican a los pintores orientalistas en dos categorías: los que pintaron a partir de la observación directa y los que crearon escenarios fantásticos en sus estudios. En general, se acepta que las figuras más destacadas del movimiento orientalista fueron artistas franceses como Eugène Delacroix (1798-1863) y Jean-Léon Gérôme (1824-1904).
La desastrosa invasión de Egipto y Siria por parte de Napoleón en 1798-1801 influyó en la pintura orientalista francesa y fue documentada por los pintores de la corte de Napoleón, especialmente Antoine-Jean Gros, en los años siguientes, a pesar de que Gros no viajó a Oriente Medio con el ejército. . Bonaparte visitando a las víctimas de la peste de Jaffa (1804) y la batalla de Abukir (1806) se centran en el emperador, como era en ese momento, pero también presentan a muchos egipcios. El menos exitoso Napoleón en la Batalla de las Pirámides también tiene muchos egipcios (1810). También fue significativa La Révolte du Caire (1810) de Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson. El gobierno francés produjo veinte volúmenes de una descripción ilustrada de las antigüedades de Egipto entre 1809 y 1828 bajo el título Descripción de l'Égypte.
Antes de pisar Grecia o Oriente, Eugène Delacroix obtuvo su primer gran éxito con La masacre de Quíos (1824), que, al igual que La balsa de la Medusa de su amigo Théodore Géricault, describía una tragedia reciente en un lugar lejano que había suscitado opinión pública. Mientras los griegos todavía luchaban por liberarse de los otomanos, el país era tan exótico como las secciones más orientales del imperio. Delacroix luego pintó Grecia en las ruinas de Missolonghi (1827) para conmemorar un asedio que había tenido lugar el año anterior, y La muerte de Sardanapalus (1828), que se inspiró en Lord Byron y se dice que fue la primera obra de arte. combinar sexo, violencia, pereza y exotismo. En 1832, como parte de una misión diplomática ante el sultán de Marruecos, Delacroix finalmente viajó a lo que ahora es Argelia, un territorio recién conquistado por los franceses. Lo que presenció lo conmovió profundamente, estableciendo paralelismos entre el estilo de vida del norte de África y el de los antiguos romanos, y continuó pintando temas de su viaje después de regresar a Francia. Muchas de sus imágenes mostraban judíos o guerreros a caballo porque, como muchos pintores orientalistas posteriores, le resultaba difícil retratar mujeres. Pocas escenas posteriores del harén podrían hacer la misma afirmación de realismo, pero aparentemente pudo acceder a los cuartos de mujeres (o harén) de una casa para esbozar lo que se convirtió en Mujeres de Argel.
Fue Ingres, director de la Académie de peinture francesa, quien popularizó un Oriente erotizado a través de su nebulosa generalización de las figuras femeninas en su representación de colores vivos de un baño turco (que podría haber sido el mismo modelo). En el misterioso Oriente, se toleraban demostraciones más abiertas de sexualidad. Las pinturas semidesnudas del período de Niza de Henri Matisse y su uso de trajes y patrones orientales son ejemplos de este uso continuo de este motivo hasta principios del siglo XX. El barco de vapor hizo que viajar fuera mucho más fácil y muchos artistas visitaron el Medio Oriente y más allá para pintar una amplia gama de escenas orientales. Antes de visitar Oriente, Théodore Chassériau (1819-1856), alumno de Ingres, ya había alcanzado el éxito con su desnudo The Toilette of Esther (1841, Louvre) y el retrato ecuestre de Ali-Ben-Hamet, califa de Constantino y jefe de el Haractas, seguido de su escolta
Muchas de estas obras perpetuaron una representación estereotipada, exótica y sexualizada de Oriente. Las obras de arte de este tipo a menudo se enfocaban en las culturas árabe, judía y otras culturas semíticas porque es a donde viajaban los pintores franceses para aprender sobre la historia y el desarrollo de la región a medida que la Francia imperial expandía su influencia en el norte de África. Varios artistas franceses, como Eugène Delacroix, Jean-Léon Gérôme y Jean-Auguste-Dominique Ingres, representaron odaliscas en sus pinturas de la cultura islámica. Hicieron hincapié en la lentitud y las imágenes llamativas. Las pinturas de género, en particular, han sido criticadas por ser demasiado similares a los ejemplos europeos del mismo tema, o por expresar una cosmovisión orientalista en el sentido saidiano. Gérôme fue el progenitor y, a menudo, el maestro de un grupo de pintores franceses de finales del siglo conocido por sus representaciones descaradamente sexuales de harenes, baños públicos y subastas de esclavos (los dos últimos disponibles también con decoración clásica), y por contribuir a "la equiparación del orientalismo con el desnudo en modo pornográfico".
A partir de finales del siglo XV, el estilo morisco de adorno renacentista fue una adaptación europea del arabesco islámico que continuó utilizándose en ciertos campos, como la encuadernación de libros, hasta prácticamente la actualidad. El término "renacimiento indo-sarraceno" describe el uso occidental temprano de temas arquitectónicos indios. El frente del Guildhall de Londres se remonta a este período (1788-1789). Aproximadamente desde 1795, cuando William Hodges y William y Thomas Daniell publicaron vistas de la India, el estilo adquirió popularidad en Occidente. Entre los ejemplos más conocidos de arquitectura "hindú" se encuentran Sezincote House (c. 1805) en Gloucestershire, que fue construida para un nabab que había regresado recientemente de Bengala, y el Royal Pavilion en Brighton.
El empleo de estilos "turcos" en las artes decorativas, la adopción ocasional de atuendos turcos y el interés en el arte que representa el Imperio Otomano fueron parte del movimiento Turquerie, que comenzó a fines del siglo XV y duró al menos hasta el XVIII. Incluso si Francia se volvió más importante después del siglo XVIII, el centro original fue Venecia, la relación comercial de larga data de los otomanos.
El nombre "Chinoiserie" se refiere al estilo general de decoración con elementos inspirados en China que fue popular en Europa occidental a partir del siglo XVII y alcanzó su cenit en varias oleadas, sobre todo durante el período rococó (alrededor de 1740-1770). La complejidad técnica de la cerámica china fue intentada y solo parcialmente exitosa por diseñadores occidentales desde el Renacimiento hasta el siglo XVIII. Fue en el siglo XVII cuando países como Inglaterra (con su Compañía de las Indias Orientales), Dinamarca (con su Compañía de las Indias Orientales), los Países Bajos (con su Compañía de las Indias Orientales) y Francia (con su Compañía de las Indias Orientales) comenzaron a mostrar signos de Chinoiserie (la Compañía Francesa de las Indias Orientales). A principios del siglo XVII, los alfareros de Delft y otras ciudades holandesas comenzaron a utilizar la misma porcelana azul y blanca auténtica que se producía en China durante la dinastía Ming. Platos, jarrones y utensilios de té de los primeros sitios de producción de porcelana real, como Meissen, imitaban las formas tradicionales chinas (ver porcelana de exportación china).
Los parterres formales de los palacios alemanes del barroco tardío y del rococó tenían pabellones de placer con "gusto chino", y los paneles de azulejos de Aranjuez, cerca de Madrid, representaban estructuras similares. Las mesas de té y los gabinetes de porcelana, en particular, fueron adornados por Thomas Chippendale con barandillas y acristalamiento calado en 1753-1770. La naturalización también se produjo en los sombríos homenajes a los muebles de los primeros eruditos Xing, como el tang, que se convirtió en una mesa auxiliar georgiana media y en sillones cuadrados con respaldo de listones adecuados tanto para caballeros ingleses como para eruditos chinos.
No todas las interpretaciones occidentales de la estética china tradicional se consideran "chinoiserie". Los ejemplos de medios de Chinoiserie incluyen figuras de cerámica y adornos de mesa, papeles pintados pintados en forma de láminas e imitaciones de laca y platos de hojalata pintada (tôle) que evocaban a Japón. Se instalaron pagodas de tamaño completo en los jardines, mientras que las versiones en miniatura se colocaron en las repisas de las chimeneas. La Gran Pagoda, creada por William Chambers, es una estructura impresionante en Kew. Ubicado en Stuttgart, el Wilhelma (1846) es un edificio que ejemplifica el estilo del Renacimiento moro. Construida para el artista Frederic Leighton, Leighton House presenta un exterior tradicional pero interiores de estilo árabe adornados con azulejos islámicos genuinos y otros componentes y trabajo victoriano orientalizante.
Debido en gran parte a la introducción de grabados ukiyo-e en Occidente, el movimiento estético conocido como japonismo floreció después de 1860. Particularmente influyente en artistas franceses modernos como Claude Monet y Edgar Degas fue la estética japonesa. Los grabados japoneses inspiraron a la artista estadounidense Mary Cassatt, que vivió y trabajó en Francia. Ella incorporó su uso de patrones en capas, planos planos y perspectiva dinámica en su propio trabajo. Algunos de los mejores ejemplos de arte de inspiración japonesa se encuentran en The Peacock Room, una colección de pinturas de James Abbott McNeill Whistler. Gamble House y otros edificios de Greene y Greene de California fueron influenciados por la arquitectura japonesa.
La arquitectura del Renacimiento egipcio fue un estilo popular a principios y mediados del siglo XIX, y persistió como un estilo menor hasta principios del siglo XX. A principios del siglo XIX, las sinagogas se encontraban entre los principales beneficiarios del estilo del Renacimiento moro que se originó en los estados alemanes. Un estilo arquitectónico conocido como Indo-Saracenic Revival surgió en el Raj británico a fines del siglo XIX.
La estética de la decoración oriental se encuentra entre las más atractivas del mundo. Popular en las industrias del mueble y la decoración de interiores, el uso de elementos decorativos orientales va en aumento. Esta colección de formas de arte asiático ha tenido demanda durante milenios y presenta obras de una amplia variedad de países asiáticos.
El término "arte oriental" a menudo evoca imágenes de chicas Geisha en Japón o acuarelas chinas, pero estos no son los únicos ejemplos. Con sus colores vibrantes y su atención al detalle, los pergaminos, jarrones y pinturas orientales han perdurado durante siglos. Los paraguas, los abanicos y las lámparas son otros ejemplos de otras formas de arte oriental.
Una de las razones por las que el arte oriental es tan apreciado son sus líneas limpias y colores vivos. Tanto los hemisferios orientales como occidentales han incorporado elementos de decoración oriental en sus interiores. Por su elegancia y funcionalidad, se puede utilizar en ambientes fuera de lo común. Agregar una pieza de arte oriental a su hogar es una excelente manera de darle una apariencia única. El abanico de pared es un ejemplo icónico del arte oriental. Decorar con artículos de Oriente es una gran idea porque son elegantes y económicos.
Como sugieren muchos especialistas en la materia, las subastas son una de las mejores formas de adquirir obras de arte oriental. Por lo tanto, simplemente puede navegar por los catálogos de subastas y comenzar a decorar su hogar con piezas con sabor orientalista. Sobre el arte japonés, sin embargo, las subastas suelen incluir grabados, cerámicas, armaduras y más.
Las obras famosas del artista chino Gu Kaizhi incluyen Advertencias de la institutriz a las damas de la corte e Instrucciones a mujeres ilustres. También fue poeta y teórico del arte. Fue un filósofo taoísta que tuvo una vida colorida y, en ocasiones, mostró un gran cinismo. Un funcionario del gobierno que comenzó en 366, Gu Kaizhi (c. 344-406) nació en Wuxi, provincia de Jiangsu, pero su talento se extendió mucho más allá de la política. También fue un consumado poeta, ensayista, pintor y practicante de la caligrafía china. Tres obras, Sobre la pintura, Introducción a las pinturas famosas de las dinastías Wei y Jin, y Pintura del monte Yuntai, resumen las numerosas teorías de Gu sobre el medio. El trabajo de su vida está documentado en más de 70 pinturas que se centran en figuras humanas y divinas, animales, paisajes y cursos de agua. El Buda del templo de Nanjing (creado para generar dinero para la construcción del templo), las Advertencias de la institutriz a las damas de la corte y La ninfa del río Luo son obras comúnmente atribuidas a él. Las obras de Gu Kaizhi ahora se encuentran en colecciones de todo el mundo. Entre el 220 d. C. y el 581 d. C., hubo una época dorada de la pintura china. A pesar de las guerras y los cambios dinásticos que ocurrieron en China a lo largo de 300 años, la vida cultural del país se mantuvo vibrante. Esto se debió en gran parte a las muchas escuelas diferentes que dieron un impulso significativo al desarrollo artístico del país. Hay varios ejemplos de virtuosismo en la caligrafía y el arte chinos durante este período de tiempo, incluidas pinturas de tumbas, esculturas de piedra y ladrillo y pinturas de laca. También se teorizan las reglas pictóricas que vemos debajo de la pintura china contemporánea, reglas como la Teoría Gráfica y la Teoría de las Seis Reglas. Uno de los más influyentes y conocidos de estos artistas es Gu Kaizhi, a menudo considerado como el creador de la pintura tradicional china. Sus obras personifican la época en la que vivió.
Desde los años 990 hasta 1020, Fan Kuan fue un destacado pintor taoísta de "estilo norteño" en China. Se le atribuyen, entre otras cosas, los mejores maestros de los siglos X y XI. Un pergamino vertical titulado Viajeros en medio de montañas y arroyos, de Fan Kuan, es ampliamente considerado como la obra de arte fundamental para la Northern Song School. Establece un estándar para la pintura de paisajes gigantes que muchos artistas buscarían posteriormente como guía. Está claro que la antigua idea china de las tres dimensiones, cerca, media (representada por el agua y la niebla) y la distancia, está funcionando aquí. En contraste con los primeros ejemplos de la pintura de paisajes chinos, el esplendor del mundo natural es el enfoque más que una ocurrencia tardía. En la base del monolito, se puede ver una fila de caballos de carga saliendo de los arbustos. Las convenciones de la antigua dinastía Tang se pueden ver en el estilo visual de la obra de arte.
Es el estilo ukiyo-e que Katsushika Hokusai popularizó como pintor y grabador en Japón. Fue un pintor preciso y excéntrico, mejor conocido por sus grabados. Sin embargo, continuó trabajando en ambos medios a lo largo de su vida. Más de sesenta años después de su carrera, ya había experimentado con grabados en madera que representaban temas teatrales, grabados de saludo para circulación privada (surimono) y, a partir de la década de 1830, series de paisajes, como lo demuestran obras como Vistas de puentes famosos y Cataratas famosas en Varias provincias y Treinta y seis vistas del monte Fuji, que refleja en parte un apego personal al famoso volcán. The Great Kanagawa Wave, también parte de este canon, es un trabajo asociado. Después de un período de grandes dificultades provocado por una serie de problemas familiares, entre los cuales se encontraba la propensión de su sobrino a las apuestas, publicó una serie de guías de dibujo y manga dirigidas tanto a aficionados como a profesionales. Escribir y dibujar una amplia gama de libros de misterio y cuentos para mujeres y niños, además de trabajar en la ilustración de grandes obras maestras literarias, se inspiró en su amor por la literatura de toda la vida, que probablemente comenzó durante su adolescencia como chico de los recados en un viaje. biblioteca. Los haiku que escribió también eran bastante buenos. Debido a la amplia influencia de su arte en impresionistas europeos como Claude Monet y postimpresionistas como Vincent van Gogh y el pintor francés Paul Gauguin, entre 1896 y 1914 los principales críticos de la época publicaron en francés tres biografías sobre Hokusai, entre ellas Edmundo de Goncourt. Según las historias que se cuentan sobre él, se mudó más de noventa veces y usó varios nombres artísticos diferentes a lo largo de su carrera.
Pintor e impresor japonés Hiroshi Yoshida. Sus grabados del Taj Mahal, los Alpes suizos y el Gran Cañón se encuentran entre los ejemplos más famosos del arte shin-hanga y evocan fuertes emociones en los espectadores. El 19 de septiembre de 1876, en la ciudad de Kurume, prefectura de Fukuoka en la isla de Kysh, comenzó la vida de Hiroshi Yoshida, nacido Hiroshi Ueda. Su padre adoptivo, un instructor de arte en una escuela pública, alentó su temprano talento artístico. Después de pasar tres años en Tokio aprendiendo con Koyama Shotaro, fue transferido a Kioto para estudiar con el renombrado maestro de pintura occidental Tamura Shoryu cuando tenía 19 años. En 1899, Yoshida presentó su primera exposición en lo que entonces se llamaba Museo de Arte de Detroit, pero ahora se llama Instituto de Artes de Detroit. Hiroshi Yoshida era un consumado pintor al óleo que había estado utilizando el medio desde su introducción en Japón en la era Meiji. La serie Sailing Boats de 1921 y los grabados Taj Mahal (de los cuales hay seis) son ejemplos del hábito de Yoshida de reproducir la misma imagen en diferentes colores para cambiar el estado de ánimo.
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