Las mujeres de las que vamos a hablar aquí no son " mujeres de ", ya eran artistas antes de conocer a sus maridos, tenían sus propios estilos y ambiciones, y eran tan hábiles y talentosas como sus compañeras.
Elin Danielson-Gambogi, Al final del desayuno , 1890.
1. Josephine Hopper ( y Edward Hopper )
Todo el mundo conoce a Edward Hopper, pero ¿quién recuerda a su esposa, Jo?
Su verdadero nombre Josephine Verstille Nivison, sin embargo, estaba destinada a un futuro muy prometedor. Nacida en Manhattan en 1883, se volcó muy joven hacia la carrera artística , expresándose con soltura a través del dibujo y el teatro en los bancos de la universidad. En 1905, cuando tenía solo 22 años, conoció a Robert Henri , una figura importante del realismo estadounidense . Después de pedirle que posara para uno de sus retratos ( La estudiante de arte , 1906), se convirtió en su profesor de dibujo y estableció con ella una relación tan amistosa como profesional.
Luego trabajó como maestra para niñas y dedicó su tiempo libre a la pintura al óleo. Hasta los 40, disfrutó de una vida de total independencia , asociándose con muchos artistas, viajando por Europa con su profesora de dibujo y sus compañeros pintores en ciernes, y participando en colonias artísticas en Nueva Escocia, Inglaterra durante cada verano. Comenzó a gozar de una notoria visibilidad gracias a la exhibición de algunas de sus obras en galerías de Nueva York, junto a artistas de renombre como Pablo Picasso , Amedeo Modigliani o Man Ray . Es en este microcosmos artístico donde conoce a su futuro esposo Edward, primero en la escuela de arte, luego durante varias colonias artísticas en los Estados Unidos.
Robert Henri, El estudiante de arte (Retrato de Josephine Nivison) , 1906.
Los amantes se casaron en 1924 . Josephine V. Nivison se convierte en Jo Hopper y participa en la construcción de una pareja tan convulsa como inspiradora . Viajan por Estados Unidos y pintan juntos, pero la fantasía del romance creativo se convierte rápidamente en una carga matrimonial para Josephine . El dúo pelea con regularidad y estas tensiones recurrentes debilitan su ambición. Poco a poco, fue descuidando su pasión por convertirse en la empresaria de su marido y se ocupó de la mayoría de las tareas domésticas para ofrecerle el mayor tiempo posible para la creación.
Su esposo se convirtió rápidamente en legendario, durante su vida, gracias a obras enigmáticas, refinadas y silenciosas , que describen la vida cotidiana de una América remota y profundamente solitaria. Sin embargo, sin la ayuda de su esposa, Edward Hopper nunca hubiera podido lograr el éxito que se le reconoce hoy . Mucho más que una simple modelo o una musa corriente, Josephine contribuyó enormemente al ascenso artístico de su marido. Debido a que era tímido y reservado, ella lo ayudó a entablar relaciones con profesionales del mercado del arte, con el fin de promover su trabajo.
Si alguna vez te entristece la renuncia de Josephine, agárrate fuerte, porque hay mucho, mucho más angustiante en esta historia :
Edward Hopper murió en 1967, a la edad de 84 años, sin descendencia. Su viuda Josephine, le sobrevivirá un año, antes de morir también a los 84 años, en 1968, en la indiferencia general . Aprovechará estos pocos meses de luto para organizar la posteridad de su obra y la de su marido. De este modo, documentará su trabajo y legará al Whitney Museum de Nueva York un número considerable de obras de la pareja . Hoy se presentan todas las obras firmadas por la mano de Edward, pero ningún rastro de los cientos de obras producidas y legadas por Joséphine .
Jo Hopper, Sin título (Estudio del paisaje alrededor de Hopper House con la bahía de Cape Cod en la distancia).
¿Obras almacenadas en las reservas del museo? Si solamente…
De hecho, la gran mayoría de las obras de Joséphine han desaparecido por completo . Desde su muerte, el Whitney Museum nunca ha exhibido una sola obra del artista y, lo que es peor, se ha asegurado de deshacerse de esta reserva fantasma, justificando la falta de espacio en las reservas del museo. El museo quemó algunas de las obras y cedió la otra parte a los hospitales, que por falta de espacio también las destruyeron, en su mayor parte . De un centenar de obras producidas, sólo quedan hoy unos pocos grabados, acuarelas y fotografías en blanco y negro.
Recompensa siniestra para una mujer que sacrificó su destino para establecer el triunfo de su marido.
2. Margaret Keane (y Walter Keane)
Margaret Keane, En el jardín , 1963.
¿Reconoces esos ojos grandes?
Seguro que algunos de vosotros conocéis esta historia, ya que fue el tema de un sublime largometraje dirigido por Tim Burton en 2014: Big Eyes (ya mencionado en nuestro artículo Cuando el cine rinde homenaje a las obras maestras. Obra de Historia del Arte ).
Es el robo de identidad más desconcertante desde el advenimiento del arte moderno : una epopeya emancipadora que mezcla machismo , malicia e indecencia . Aguanta, te llevamos al lúgubre y luminoso mundo de Margaret Keane .
Esta curiosa artista nació bajo el hermoso nombre de Peggy Doris Hawkins , en 1927, en Nashville ( Tennessee ). Cuando tenía solo 2 años, sufrió un accidente durante una operación médica aparentemente benigna, que dañó irreparablemente su tímpano derecho . Desde temprana edad expresó un profundo interés por el dibujo , actividad que practicaba enormemente. A los 10 años se matriculó en una escuela de dibujo para profundizar sus conocimientos y técnica. Ella ya estaba haciendo sus primeras pinturas al óleo en este momento. Su tímpano lesionado le impide escuchar correctamente. Este hándicap lo encerrará en una soledad particular, y lo obligará a concentrarse en la mirada de sus interlocutores para comprenderlos mejor (ve venir el enlace con los famosos ojos grandes ). Tímida y reservada, se aisla paulatinamente en una burbuja de soledad , que se siente en la elección de sus sujetos ( niños, mujeres, gatos, perros, caballos ), así como en la elección de los colores y la técnica empleada ( pintar en aceite mezclado con acrílico ).
Su estilo inusual se encuentra en la frontera entre el surrealismo kitsch y el arte ingenuo .
Discreta, desconocida y alejada del mundo del arte, fue cuando tenía más de 25 años, a mediados de la década de 1950, cuando su destino cambió radicalmente . Conoce a un artista de técnica mediocre pero de éxito creciente: Walter Keane . Aunque ambos están casados, se enamoran y se unen en 1955 en Honolulu.
Bob Campbell, Margaret Keane y Walter Keane , The Chronicle.
Walter Keane es un personaje atípico : es carismático , seductor , conversador e inconfundiblemente egocéntrico . Un buen ejemplo de masculinidad tóxica a medida que la hacemos más ( y sin remordimientos ). Rápidamente se enamora de los lienzos con los ojos abiertos de su amada y en secreto celoso de su dominio del pincel . Sabe que sus cuadros son únicos y pueden venderse por un buen precio. Con su carisma y su experiencia comercial, decide entonces lograr lo que Margaret, demasiado tímida, no supo hacer: promocionar y vender su obra .
Un marido que ayuda a su mujer, una artista reservada, a vender sus obras: ¿dónde está el daño?
Para atraer compradores, Walter exhibió las obras de su esposa en un club de San Francisco. Ante el gran éxito de esta operación y los numerosos admiradores que buscan saber más sobre la firma que acompaña a estos extraños retratos, su marido decide entonces, sin que su pareja lo sepa, pretender ser el autor de estas obras . Fue el comienzo de un gran engaño que duraría varios años y causaría un enorme sufrimiento a Margaret. Demasiado frágil para defenderse de las imposturas y amenazas de su marido, guardará silencio e incluso llegará a confirmar en público que él es el autor de estos magníficos rostros de ojos de ciervo.
Poco a poco, Walter Keane se encierra en su ilusión de éxito . Como es un muy buen comercial, las obras fluyen cada vez más rápido y el dinero fluye libremente. Por lo tanto, comienza a inventar una mitología en torno a “ su ” obra, y encierra a Margaret en sus propias mentiras, canalizando su ardor emancipador con grandes refuerzos de amenazas e intimidación , y obligándola a pintar todo el día (a veces incluso hasta las 16 horas al día ). . Por otro lado, las grandes galerías estadounidenses están comprando sus pinturas, e incluso Andy Warhol cae bajo su hechizo .
Bill Ray, Margaret y Walter Keane , Revista Life, 1965.
Afortunadamente, un buen día, la presión se vuelve insoportable para Margaret. Decide dejar a Walter y, en 1970, anuncia en directo por radio que es la auténtica creadora de estos cuadros con grandes ojos . Después de un largo período de controversia y cruzada judicial, Margaret finalmente es reconocida por su talento, y la mirada triste y melancólica de los niños que pintó cuando fue víctima de la crueldad de su esposo da paso a retratos tiernos, florecientes y coloridos , símbolos de una renovada alegría de vivir . Un final feliz bien merecido , a diferencia de la triste posteridad de Josephine Hopper.
Y si nunca has visto Big Eyes , la película de Tim Burton que describe la tumultuosa vida de Margaret Keane, ¡ te la recomendamos!
3. Sophie Taeuber-Arp (y Jean Arp)
Aunque desconocida para el público en general, la artista suiza Sophie Taeuber-Arp ha tenido una carrera tan deslumbrante como excepcional . A gusto en (muy) muchas disciplinas: pintura, escultura, moda, arquitectura, artes aplicadas y danza, asistió a los más grandes artistas de principios del siglo XX, y fue una figura destacada del movimiento dadaísta, constructivismo y arte concreto.
Sophie Taeuber-Arp, Tête Dada , 1920. Museo de Arte Moderno, Nueva York.
Sin embargo, pocas cosas predestinaron a la joven Sophie Taeuber a una gran carrera artística . Nació en 1889 en Davos, Suiza. Su padre, farmacéutico de profesión, murió cuando ella solo tenía 2 años. Luego creció con su madre, diseñadora y fotógrafa, y sus hermanos en la profunda y bucólica campiña suiza , junto a tejedoras que le enseñaron el arte de coser.
Su madre lo alentó a desarrollar sus primeros dotes artísticos e incluso le sirvió de modelo. Cuando Sophie murió, cuando Sophie tenía solo 20 años, decidió tomar las riendas de su destino y fue a estudiar artes aplicadas a Munich y luego a Hamburgo , Alemania. Descubrió ( entre otras cosas ) el arte de la cerámica, el torneado de objetos de madera, el diseño y la confección de vestuario.
En 1915, cuando se desataba la Primera Guerra Mundial, se vio obligada a regresar a Suiza. Se instala en Zúrich y hace muchos amigos artistas , ellos mismos refugiados por la fuerza, que huyen de los estragos de un conflicto que no toleran. Allí, relata sus dotes artísticas , y conoce a Jean Arp, con quien se casó en 1922. Aunque no todo sea tan color de rosa en la pareja Taueber-Arp, estamos lejos de la tensión entre Edward y Jo Hopper, o de las manipulaciones ejercidas por Walter Keane sobre su compañero. El dúo sobrevive con los ingresos de Sophie, pero se crearon juntos y se inspiran mutuamente.
Sophie Taeuber-Arp y Jean Arp, Ascona (España), 1925.
En 1929, Sophie y Jean obtuvieron la nacionalidad francesa. Aprovechan este nuevo comienzo para instalarse en Meudon, cerca de París. Jean ya es muy conocido en la escena parisina , y hace que Sophie conozca a muchos artistas influyentes de la época, que se convertirán en sus amigos: en particular Max Ernst , así como Sonia y Robert Delaunay . Los invitados se empujan a la puerta de su casa-taller en Meudon, y las ambiciones de Sophie comienzan a ser amputadas por el éxito de su marido . En ese momento, se la veía más como la anfitriona y esposa de Jean Arp, quien sigue siendo el centro de atención . Realizó muchas obras durante este período, pero se atrevió a presentarlas cada vez menos, prefiriendo la comodidad del retraimiento a la arrogancia del foco de atención que percibía en la mirada de su marido .
La unión entre Sophie y Jean estaba muy alejada de las tensiones tóxicas que unían a las parejas Hopper y Keane. Cuando Sophie murió de envenenamiento por monóxido de carbono causado por una estufa de leña defectuosa en 1943, su esposo permaneció inconsolable . Le tomará años volver a una vida normal, y toda su producción artística estará influenciada por su pérdida del amor . También exigirá que sus propias obras solo puedan exhibirse junto con las de Sophie. Una petición virtuosa de consecuencias paradójicas , ya que para siempre, el nombre de Sophie Taeuber, esposa pero artista independiente , estará asociado al de Jean Arp.
Sophie Taeuber-Arp, Composición de círculos y ángulos superpuestos , 1930.
A pesar de todos estos esfuerzos, Sophie será rápidamente olvidada por el público en general , que solo estará interesado en las obras de Jean Arp. La falla de un sistema : instituciones, museos, galerías y coleccionistas que no quieren reconocer la importancia de una obra tan poderosa, porque está producida por una mujer. Redescubierto recientemente, a finales del siglo XX, su rostro es hoy dada billete de 50 francos suizos , y las instituciones internacionales recortaron sus obras radicales , únicas y originales.
4. Lee Krasner (y Jackson Pollock)
Lee Krasner, Combat , 1965. Galería Nacional de Victoria, Melbourne .
Lee Krasner es considerada hoy como una pionera del expresionismo abstracto en los Estados Unidos, aunque durante mucho tiempo estuvo eclipsada por el aura todavía vigorosa de su esposo, Jackson Pollock , quien cada año entra en pánico en las salas de subastas. goteos legendario .
Nacida en los Estados Unidos en 1908 en una familia de inmigrantes judíos ucranianos que huyeron del antisemitismo y la guerra, mostró un gran interés en la práctica artística desde muy temprano . Al igual que sus hermanas Jo Hopper, Sophie Taeuber y Margaret Keane, ella quería seguir una carrera artística desde una edad temprana y, por lo tanto, se inscribió en una escuela para niñas en Washington que tiene un curso artístico. Rápidamente obtuvo un diploma de maestra en arte y poco a poco forjó una red de artistas y amigos profesionales del mundo del arte , quienes estimularon su creatividad y ambición.
En 1933, se unió al movimiento American Abstract Artists y conoció al talento creativo de la época: Willem de Kooning , Arshile Gorky , Adolph Gottlieb , Mark Rothko , Barnett Newman o incluso Clyfford Still , por nombrar algunos. Realiza obras abstractas, gestuales y expresivas en grandes formatos , y experimenta con multitud de técnicas: pintura, carboncillo, collage, mosaico ... Muy exigente con su obra, destruye regularmente sus lienzos , y en ocasiones recupera piezas para ellos. agregar a nuevos logros. Como resultado, el número de obras supervivientes es muy modesto : su catálogo razonado enumera alrededor de 600 obras conocidas , lo que es bastante limitado para un artista que ha producido durante casi 50 años .
Jackson Pollock y Lee Krasner en su estudio, 1950. Foto de Lawrence Larkin
Conoció a Jackson Pollock en 1941. Se enamoraron y se casaron 4 años después, en 1945. Creativamente, los dos seres se inspiran mutuamente , aventurándose en campos similares sin ser vulgares copiar y pegar . Lee aporta su experiencia y su conocimiento, dará todo lo que pueda para promover el trabajo de su esposo . Sus enfoques son diferentes pero sus ambiciones son las mismas. Gracias a su esposa, Jackson Pollock conocerá a críticos y galeristas influyentes, como Peggy Guggenheim o Clement Greenberg . Su relación nace de un intercambio real : Lee aconseja a Jackson que deje de dar títulos a sus obras para que el público pueda contemplar sus pinturas sin buscar referencias externas, mientras que Jackson ayuda a su esposa a correr más riesgos en la realización de sus obras.
Sin embargo, aunque dentro del taller las cosas van bien, afuera las sensaciones son muy diferentes. Lee Krasner sufrirá regularmente la recepción pública de su identidad. Los contempladores establecerán sistemáticamente el vínculo entre su trabajo y el de su marido. Los críticos, por su parte, la considerarán como una musa inspiradora , o peor aún, como una imitadora banal , sin buscar jamás analizar su obra independientemente de la de su marido , o en un pie de igualdad. Incluso después de la macabra muerte de Jackson Pollock (que ya hemos mencionado en nuestro artículo sobre 3 artistas torturados con destinos trágicos ), tendrá dificultades para afirmarse como artista independiente , a pesar de una evolución en la autonomía a lo largo de su vida. y su negativa a tomar el apellido de su marido. Un crítico incluso la llamará " Action Widow ", una contracción de Action Painting (una práctica artística de la que Jackson Pollock fue la figura principal), y de viuda , para insistir en la particular dependencia de Lee Krasner de su difunto esposo. Una actitud profundamente misógina, sintomática de una sociedad patriarcal completamente desinhibida.
Lee Krasner, Siren , 1966. Barbican Centre, Londres.
En conclusión, recordemos que estos 4 talentosos artistas no son las únicas víctimas colaterales del triunfo de su marido . La lista nunca puede ser exhaustiva, pero citemos, por ejemplo, a Dorothea Tanning , esposa de Max Ernst, Jean Cooke , esposa de John Bratby, o Elaine de Kooning , esposa de Willem de Kooning ...
De hecho, son tan numerosos que su desagrado no puede deberse simplemente al azar . Es el símbolo amargo de un comportamiento comúnmente aceptado, de una época en la que los hombres, por miedo o desprecio, no querían reconocer a las artistas mujeres el lugar que sin embargo merecían. Hoy las cosas están cambiando y cada día podemos descubrir la historia de una nueva mujer artista , redescubierta en su tiempo y rehabilitada en su influencia.
Así que esperemos que el pasado solo pertenezca al pasado, y que los errores de antaño no vuelvan a suceder tanto.
Bastien Alleaume (Crapsule Project)