Stefano Davidson
I paint when I have no words left, I write when the colors aren't enough
Stefano Davidson
Nato a Genova il 29 Maggio 1962.
Pittore, scrittore e giornalista
Vive e lavora a Roma.
Fondatore nel 2008 del movimento artistico NON la cui Prima Esposizione Mondiale si è tenuta a Roma il 24 Aprile 2009 presso le Sale d’Arte Contemporanea del Museo Nazionale degli Strumenti Musicali con il Patrocinio del Ministero dei Beni Culturali e del Comune di Roma seguita dalla Seconda Esposizione Mondiale NON tenutasi a Firenze nella Chiesa di San Jacopo in Campo Corbolini anche in questo caso con il Patrocinio del Ministero dei Beni Culturali e del Comune di Firenze.
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Cialtronarte • 11 artworks
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La parola cialtronArte sicuramente suona cacofonica e potrebbe non essere il miglior logo di viatico[...]
La parola cialtronArte sicuramente suona cacofonica e potrebbe non essere il miglior logo di viatico ad una corrente artistica o pseudo tale ma, oggettivamente, quando è stata coniata si è deciso fosse quella che rendeva meglio il concetto che doveva essere espresso attraverso questo nuovo modo di agire sull’Arte stessa.
Di difficile traduzione, forse in francese si potrebbe tentare un PlucArt che però perde il calembour o magari un anglosassone ShabArt che però, a sua volta, il calembour lo avrebbe con una forma artistica da festività ebraica. Allora magari un teutonico SchlamperArt ? Poco importa, CialtronArte va più che bene comunque perché anche il nome stesso più è cialtrone nella sua invenzione meglio è.
Il neologismo in questione infatti, cialtrone nella sua semi-impossibilità di attrarre il fruitore di arte medio, è il suffisso che indica un modo di operare da parte del cialtrista atto a non creare nulla dal nulla ma di comporre il tutto dal tutto.
Ovvero la fonte d’ispirazione e la tecnica utilizzate pur essendo originali nell’interpretazione vengono nutrite durante quella che definiremmo psicogenesi da indigestioni d’arte d’altri o comunque creazioni esistenti, fino all’esecuzione che pretende l’immediatezza, la genuinità e la mancanza di accuratrezza in ogni gesto.
Ciò poiché la CialtronArte ritiene di massimo valore l’istintività nella creazione,da cui è evincibile l’esatta portata del creato che meno rifinito e corretto sarà più aumenterà la potenza del proprio messaggio, che non è formale ma sostanziale.
Questo comporta l’utilizzo di quel che c’è per la realizzazione del concetto che si vuole rendere e non la ricerca di matriali extra rispetto a quanto reperibile al momento dell’ »istinto creativo » che può così essere immediatamente incanalato nella creazione materiale e non soltanto in una masturbazione teorica a definire quantità e qualità dei materiali e immaginare il finale del lavoro, che ovviamente dovtrà poi essere come stabilito. Un lavoro « domato » insomma. Sit platz e l’opera sarà lì per sempre esattamente come doveva essere fatta di ciò che si voleva fosse fatta a prescindere da costi, distanze e tempi. La Cialtropera no, infatti il cialtrista quando esplode nel suo estro e ha in testa ben chiaro quanto da rappresentare deve eseguire il tutto immediatamente prima del termine del climax e quanto lo circonderà, a seconda dell’ambito in cui cialtreggia, sarà tutto quanto di cui ha bisogno.
Altro valore fondamentale per la CialtronArte, e spesso conseguente a quanto appena espresso è la caducità di quanto si crea, a prescindere che magari si stiano utilizzando materiali eterni o comunque quasi indistruttibili (siano essi fisici o virtuali). Infatti l’opera cialtrista sta al restauro come il mandala sta alla definitività ; ogni segno, rottura, modifica dello stato primigenio dell’opera diventa parte integrante della stessa, così come i segni del tempo lo sono per il suo autore e gli eventuali fruitori.
L’opera cialtrista è quindi un work in progress perenne, anzi forse addirittura meglio definirlo un decay in progress, che porterà l’opera stessa a modificare il senso della sua essenza ed il numero di significanze attibuibigli.
Si parla ovviamente dei pareri altrui oltre che quello del cialtrista, magari però nel frattempo deceduto (e quindi l’autore stesso rimane immobile ad un idea del significato ormai superata dallo stesso essere dell’opera) da cui la negazione del principio di « immutabilità » da sempre inseguito nell’Arte e il tentativo di eternizzazione dell’opera degli artisti, assolutamente in contrasto con la realtà delle cose per la maggior parte degli esseri umani, invece quotiodianamente alle prese con il Tempo e la sua ineluttabile quanto inesorabile opera di cancellazione del tutto per lasciare spazio ad altro.
Questo è lo scopo ultimo della Cialtropera, lasciare spazio ad altri propria sponte o comunque modificare il proprio essere in altro per altro significare per chi la vorrà osservare.
Spesso è proprio ciò che materialmente circonda il cialtrista a legarne le forme e la fisicità, gli algoritmi e la virtualità. Sono pre-esistenze quelle che compongono l’opera cialtrista e sottintendono all’impossibilità per ciascun “artista” di conoscere quant’altro prodotto magari tale quale a quanto crea, nell’orgia temporale che lo ingoia e che ci ha tutti preceduto, senza contare il numero di esseri “creativi” che per secoli non hanno avuto la fortuna di imbattersi in chi la loro opera avrebbe dovuto catalogare o segnalare.
Questa impossibilità di essere certi della propria originalità è quanto spinge il cialtrista a utilizzare il sicuramente già presente e modificarlo a prorio uso secondo quella che un secolo dopo ripropone concetti Dada ma, ça va sans dire, in versione Umpa.
La CialtronArte intende decretare la fine dell’Arte nel senso dell’accezione comune del termine poiché l’overdose continua di tutto e il contemporaneo diluvio “artistico” portato dalle nuove tecnologie massifica quanto una volta era “lavoro” per pochi e sovraffolla il proscenio di potenziali artisti (magari one shot, ma pur sempre creatori di qualcosa che se infilato nei canali giusti al momento giusto potrebbe rappresentare Arte pur sostanzialmente non essendolo - poiché troppo spesso prodotto dal caso o da opportunismi da mercante e non da una vera coscienza artistica - per meri scopi di lucro da parte di soggetti ben identificabili che perseguono il profitto al di là della qualità offerta (come del resto in ogni loro altra attività) decretando successi o flop a seconda della convenienza del momento. La cialtronarte è quindi una corrente artistica da me fondata nel 2017 dove i materiali utilizati sono oltre che di recupero, possibilmente anche deperiibili. La cialtronarte si pone come antitesi all'Arte immanente che l'umanità si porta dietro da secoli riempiendo ogni nicchia ed impedendo spesso lo sviluppo e la presenza di altre forme artistiche più recenti ma spesso costrette in spazi angusti per il numero di opere a lunga durata prodotte nei secoli. La cialtronarte non insegue l'immortalità ma anzi la mortalità di se stessa oltre che quella del proprio autore onde lasciare spazio a nuove leve e nuove opere. La cialtronarte è a metà strada tra il mandala tibetano destinato a volatilizzarsi nel vento e la caducità del corpo umano destinato a decomporsi post mortem.
La cialtronarte è inoltre grido di protesta nei confronti di tutta quell'arte spacciata per seriosa ed importante quando di fatto altro non è reinterpretazione di deja vu secolari o esternazione di ego spropositati di soggetti sedicenti artisti. La cialtronarte è incazzatura nei confronti del meretricio artistico. La cialtronarte è l'unica forma d'arte che si avvicina al modo di essere del cosiddetto essere umano, un cialtrone autoreferente che osanna il proprio fare assolutamente ininfluente su quanto la natura gli riserva e sulla durata della validità del suo ponzare, sempre uguale e sempre quello da millenni che si autoproduce in cervelli che, al massimo, ne mutano la foggia per far sembrare nuovi concetti da sempre espressi e finiti, come tutte le cose umane, sulle ruotone da criceto in cui i loro generatori continuano a correre senza rendersi conto dell'assoluta vuotezza della concettualità, financo quella spirituale, che pretendono di inserirvi. Cialtronarte vuol dire essere coscienti che l'arte è morta e che la morte dell'arte è ormai solo arte della morte; morte del pensiero, morte dell'originalità morte dello stesso possibile significato di arte, stuprato da chiunque sulla stessa abbia nei secoli tratto guadagni o fama.
Di difficile traduzione, forse in francese si potrebbe tentare un PlucArt che però perde il calembour o magari un anglosassone ShabArt che però, a sua volta, il calembour lo avrebbe con una forma artistica da festività ebraica. Allora magari un teutonico SchlamperArt ? Poco importa, CialtronArte va più che bene comunque perché anche il nome stesso più è cialtrone nella sua invenzione meglio è.
Il neologismo in questione infatti, cialtrone nella sua semi-impossibilità di attrarre il fruitore di arte medio, è il suffisso che indica un modo di operare da parte del cialtrista atto a non creare nulla dal nulla ma di comporre il tutto dal tutto.
Ovvero la fonte d’ispirazione e la tecnica utilizzate pur essendo originali nell’interpretazione vengono nutrite durante quella che definiremmo psicogenesi da indigestioni d’arte d’altri o comunque creazioni esistenti, fino all’esecuzione che pretende l’immediatezza, la genuinità e la mancanza di accuratrezza in ogni gesto.
Ciò poiché la CialtronArte ritiene di massimo valore l’istintività nella creazione,da cui è evincibile l’esatta portata del creato che meno rifinito e corretto sarà più aumenterà la potenza del proprio messaggio, che non è formale ma sostanziale.
Questo comporta l’utilizzo di quel che c’è per la realizzazione del concetto che si vuole rendere e non la ricerca di matriali extra rispetto a quanto reperibile al momento dell’ »istinto creativo » che può così essere immediatamente incanalato nella creazione materiale e non soltanto in una masturbazione teorica a definire quantità e qualità dei materiali e immaginare il finale del lavoro, che ovviamente dovtrà poi essere come stabilito. Un lavoro « domato » insomma. Sit platz e l’opera sarà lì per sempre esattamente come doveva essere fatta di ciò che si voleva fosse fatta a prescindere da costi, distanze e tempi. La Cialtropera no, infatti il cialtrista quando esplode nel suo estro e ha in testa ben chiaro quanto da rappresentare deve eseguire il tutto immediatamente prima del termine del climax e quanto lo circonderà, a seconda dell’ambito in cui cialtreggia, sarà tutto quanto di cui ha bisogno.
Altro valore fondamentale per la CialtronArte, e spesso conseguente a quanto appena espresso è la caducità di quanto si crea, a prescindere che magari si stiano utilizzando materiali eterni o comunque quasi indistruttibili (siano essi fisici o virtuali). Infatti l’opera cialtrista sta al restauro come il mandala sta alla definitività ; ogni segno, rottura, modifica dello stato primigenio dell’opera diventa parte integrante della stessa, così come i segni del tempo lo sono per il suo autore e gli eventuali fruitori.
L’opera cialtrista è quindi un work in progress perenne, anzi forse addirittura meglio definirlo un decay in progress, che porterà l’opera stessa a modificare il senso della sua essenza ed il numero di significanze attibuibigli.
Si parla ovviamente dei pareri altrui oltre che quello del cialtrista, magari però nel frattempo deceduto (e quindi l’autore stesso rimane immobile ad un idea del significato ormai superata dallo stesso essere dell’opera) da cui la negazione del principio di « immutabilità » da sempre inseguito nell’Arte e il tentativo di eternizzazione dell’opera degli artisti, assolutamente in contrasto con la realtà delle cose per la maggior parte degli esseri umani, invece quotiodianamente alle prese con il Tempo e la sua ineluttabile quanto inesorabile opera di cancellazione del tutto per lasciare spazio ad altro.
Questo è lo scopo ultimo della Cialtropera, lasciare spazio ad altri propria sponte o comunque modificare il proprio essere in altro per altro significare per chi la vorrà osservare.
Spesso è proprio ciò che materialmente circonda il cialtrista a legarne le forme e la fisicità, gli algoritmi e la virtualità. Sono pre-esistenze quelle che compongono l’opera cialtrista e sottintendono all’impossibilità per ciascun “artista” di conoscere quant’altro prodotto magari tale quale a quanto crea, nell’orgia temporale che lo ingoia e che ci ha tutti preceduto, senza contare il numero di esseri “creativi” che per secoli non hanno avuto la fortuna di imbattersi in chi la loro opera avrebbe dovuto catalogare o segnalare.
Questa impossibilità di essere certi della propria originalità è quanto spinge il cialtrista a utilizzare il sicuramente già presente e modificarlo a prorio uso secondo quella che un secolo dopo ripropone concetti Dada ma, ça va sans dire, in versione Umpa.
La CialtronArte intende decretare la fine dell’Arte nel senso dell’accezione comune del termine poiché l’overdose continua di tutto e il contemporaneo diluvio “artistico” portato dalle nuove tecnologie massifica quanto una volta era “lavoro” per pochi e sovraffolla il proscenio di potenziali artisti (magari one shot, ma pur sempre creatori di qualcosa che se infilato nei canali giusti al momento giusto potrebbe rappresentare Arte pur sostanzialmente non essendolo - poiché troppo spesso prodotto dal caso o da opportunismi da mercante e non da una vera coscienza artistica - per meri scopi di lucro da parte di soggetti ben identificabili che perseguono il profitto al di là della qualità offerta (come del resto in ogni loro altra attività) decretando successi o flop a seconda della convenienza del momento. La cialtronarte è quindi una corrente artistica da me fondata nel 2017 dove i materiali utilizati sono oltre che di recupero, possibilmente anche deperiibili. La cialtronarte si pone come antitesi all'Arte immanente che l'umanità si porta dietro da secoli riempiendo ogni nicchia ed impedendo spesso lo sviluppo e la presenza di altre forme artistiche più recenti ma spesso costrette in spazi angusti per il numero di opere a lunga durata prodotte nei secoli. La cialtronarte non insegue l'immortalità ma anzi la mortalità di se stessa oltre che quella del proprio autore onde lasciare spazio a nuove leve e nuove opere. La cialtronarte è a metà strada tra il mandala tibetano destinato a volatilizzarsi nel vento e la caducità del corpo umano destinato a decomporsi post mortem.
La cialtronarte è inoltre grido di protesta nei confronti di tutta quell'arte spacciata per seriosa ed importante quando di fatto altro non è reinterpretazione di deja vu secolari o esternazione di ego spropositati di soggetti sedicenti artisti. La cialtronarte è incazzatura nei confronti del meretricio artistico. La cialtronarte è l'unica forma d'arte che si avvicina al modo di essere del cosiddetto essere umano, un cialtrone autoreferente che osanna il proprio fare assolutamente ininfluente su quanto la natura gli riserva e sulla durata della validità del suo ponzare, sempre uguale e sempre quello da millenni che si autoproduce in cervelli che, al massimo, ne mutano la foggia per far sembrare nuovi concetti da sempre espressi e finiti, come tutte le cose umane, sulle ruotone da criceto in cui i loro generatori continuano a correre senza rendersi conto dell'assoluta vuotezza della concettualità, financo quella spirituale, che pretendono di inserirvi. Cialtronarte vuol dire essere coscienti che l'arte è morta e che la morte dell'arte è ormai solo arte della morte; morte del pensiero, morte dell'originalità morte dello stesso possibile significato di arte, stuprato da chiunque sulla stessa abbia nei secoli tratto guadagni o fama.
Don Chisciotte / Don Quixote (Oil on canvas) • 10 artworks
View allNUDI / NUDES (Oil on canvas) • 24 artworks
View allSurrealtà /Surrealistic (Oil on canvas) • 30 artworks
View allArt Works (Oil on canvas) • 60 artworks
View allI miei bambini / My children (Oil on canvas) • 47 artworks
View allRitratti / Portraits (Oil on canvas) • 15 artworks
View allEn blanc et noir / Black and white (Oil on canvas) • 15 artworks
View allPictures at an exhibition (Oil on canvas) • 10 artworks
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Reinterpretazione di Stefano Davidson dell'opera dell'architetto Viktor Hartmann sui temi dell'opera[...]
Reinterpretazione di Stefano Davidson dell'opera dell'architetto Viktor Hartmann sui temi dell'opera "Quadri di un esposizione" di M.Mussorgskij, espressamente realizzata per l'esecuzione del concerto per pianoforte tenuta nel 2007 presso il Museo V. Crocetti di Roma dalla M. Raffaella D'Esposito.
Ritratti d'autori / Author's portraits (Watercolours) • 36 artworks
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Biography
Stefano Davidson
Nato a Genova il 29 Maggio 1962.
Pittore, scrittore e giornalista
Vive e lavora a Roma.
Fondatore nel 2008 del movimento artistico NON la cui Prima Esposizione Mondiale si è tenuta a Roma il 24 Aprile 2009 presso le Sale d’Arte Contemporanea del Museo Nazionale degli Strumenti Musicali con il Patrocinio del Ministero dei Beni Culturali e del Comune di Roma seguita dalla Seconda Esposizione Mondiale NON tenutasi a Firenze nella Chiesa di San Jacopo in Campo Corbolini anche in questo caso con il Patrocinio del Ministero dei Beni Culturali e del Comune di Firenze.
- Nationality: ITALY
- Date of birth : 1962
- Artistic domains:
- Groups: Contemporary Italian Artists
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Last modification date : Nov 27, 2023
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Added Nov 7, 2023
Scrivono di Davidson
I dipinti di Stefano Davidson sembrano voler raffigurare un mondo differente da quello reale, quotidiano, nonostante spesso ne utilizzi le forme e non si possa fare a meno di catalogarli tra i “figurativi” più classici. Nei suoi quadri si respirano però atmosfere molteplici e si va da quelle vagamente legate ad una sorta di neo-romanticismo, ad altre che si impennano nell’allegoria; ci si trova poi a precipitare con rapide picchiate nel fantastico o, addirittura, si vira bruscamente nell’onirico dove, spesso, ci si accosta a quell’istanza profonda che Freud ha descritto nel teorizzare l’inconscio. Nell’opera di Davidson quindi non si tratta più di osservare la natura così com’è o di leggervi un mondo a noi familiare, nonostante l’artista si esprima attraverso tratti assolutamente formali e palesemente realisti, ma di attingere a qualcosa di insolito che allontani lo spirito dal quotidiano, che dia voce alle angosce e, perché no, alle nevrosi, che presti lo sguardo al sogno più profondo. L’opera di Stefano Davidson e la filosofia che ne rappresenta le fondamenta si possono considerare un caso particolare all’interno del mondo dell’arte. Spesso in cerca delle surrealtà e dei paradossi che avvolgono il quotidiano, Davidson ha dipinto tele che seguono proprie logiche assolutamente soggettive dove spesso, se non sempre, il titolo è parte integrante nella creazione della stessa, è insomma partenza ed insieme traguardo del pensiero che vi si sviluppa all’interno. Se consideriamo infatti quadri come Il pasto nudo, dove la citazione di William Borroughs è palese e rappresenta la chiave d’interpretazione principe del dipinto, o Cesenacido, dove la crasi (Cesenatico-acido) la fa da padrona nel descrivere a chiare lettere il contenuto dell’opera, ecco che l’animo dell’artista e la sua volontà di espressione sono ancor più evidenti dopo la lettura del titolo. Di contro, anche quando la denominazione è semplice descrizione del quadro e quest’ultimo è semplice rappresentazione di quel che vi è ritratto, è palese come il pennello sia comunque andato a scavare nell’intimità del soggetto che ci si para davanti. E così, un opera come Sara (all’apparenza semplice rappresentazione di un gatto) diventa l’occasione per il pittore di cimentarsi con l’anima del gatto stesso (Davidson “convive” con undici felini e Sara è una di quelli) estratta a forza di pennellate dagli e negli occhi di quel felino. Parimenti in Sabbia, ecco che il pennello è tutto proteso non tanto ad esaltare le forme sinuose della modella ritratta, quanto la presenza su quel corpo di sabbia, nonché il fastidio che questa presenza produce, evidenziato egregiamente dal gesto della mano destra. Gli aforismi che l’autore ha abbinato a ciascuna delle opere raccolte in questo catalogo sui generis sono frutto della ricerca di una ulteriore chiave di lettura da donare all’osservatore, che possa permettere una ancor più più precisa collimazione tra la volontà di rappresentazione del pittore e l’interpretazione del suo pensiero. Davidson rappresenta il mondo e l’immagine attraverso il filtro di una combinazione di scenografia e mistero. Non è l’incomprensibilità dell’immagine o delle scelte cromatiche a dare anima alla sua opera, bensì la personalissima logica che muove il suo pensiero e l’uso che egli fa delle parole d’accompagnamento, ben evidenti nei titoli e/o negli aforismi di cui sopra. Davidson ha probabilmente reinventato un linguaggio pittorico che, pur partendo da una rappresentazione quasi classica dei soggetti di volta in volta scelti, porta l’osservatore in un mondo dove la parola è spesso luce indispensabile ad illuminare il significato dell’immagine e dove il pensiero è un colore fondamentale quanto quelli tradizionali dell’iride. Nell' osservazione dell’intera opera di Davidson non dimentichiamo mai comunque l’innata propensione dell’autore verso il gioco, la dissacrazione ed il nonsense, che sono evidentemente ben rappresentati nella scelta di alcuni degli aforismi di accompagnamento a temi decisamente “pesanti” o eccessivamente palesi. A questo proposito è quindi bene tener presente che il consiglio dell’autore a chi si accinge a guardare le sue opere è il solito che da sempre egli accompagna alla presentazione di ogni suo libro: “tutto ciò leggerete e che vi sembrerà molto serio ed impegnativo sarà da prendere con estrema leggerezza ed ironia, mentre tutto quanto vi parrà divertente e “tres fou” sarà invece da considerare in modo assolutamente serio e profondo.”
Yves Lirriverance – Curatore Queen’s Gallery London –
Stefano Davidson la cui opera in quest'occasione trasferisce l'arte “visiva” in una dimensione diversa da quelle abitualmente ritrovabili in Mostre di stampo più tradizionale. La si potrebbe infatti definire forse “Surreale”, “Concettuale” o “Provocatoria”, visto che comunque questi sono termini entrati ormai da decenni nel linguaggio dell'arte, anche se di tanto in tanto vanno considerati in accezioni diverse da quelle comunemente adottate. Ciò accade poiché le suddette parole vanno a descrivere “categorie” artistiche legate non tanto all'irreale se non addirittura al bizzarro, bensì a qualcosa di estremamente “stravagante” che esula dai canoni tradizionali di catalogazione. Si potrebbe quindi pensare, assistendo a questa Prima Esposizione Mondiale del NON, che questo sia uno di quei casi. Lo si potrebbe pensare in quanto il suo autore, l'artista Stefano Davidson, è sempre stato legato ad un genere di arte molto tradizionale, la pittura, ed ha sempre preferito descrivere i suoi temi con tratti prettamente figurativi, che esulano completamente dall'astrattismo o dal concettuale. Lo si potrebbe pensare nonostante il figurativo di Davidson molto spesso sfoci nell'onirico, nel simbolico, se non addirittura proprio nel surreale (ricordiamo i dipinti “Cesenacido” o “Palingenesi surrealista” su tutti). Nel caso di questa mostra non però, la provocazione, che non si può negare esista, così come la concettualità, è comunque legata, secondo l'autore, ad una sorta di figurativo “personale” cioè la capacità di generare immagini all'interno di se stesso da parte di ogni essere umano. Ecco quindi che ciò che ci troviamo di fronte, non è più poi così lontano dai canoni di rappresentazione tradizionali; anzi, le informazioni che riceviamo su ciascuna opera dal relativo titolo e dalla sua spiegazione ci consentono di comprendere forse meglio queste ultime rispetto a molte altre forme d'arte dove il concetto espresso fa parte dell’interiorità dell'autore rimanendo “suo proprio”, mentre nel NON è parte intima dello spettatore stesso.
Prof Claudio Strinati (Direttore Polo Museale Città di Roma)
Personalità stratificata in varie attività, quella di Stefano Davidson: oltre che apprezzato pittore è anche scrittore, giornalista, operatore musicale, ma anche provocatore (a Firenze ha già portato la mostra del Non, con tanto di “manifesto” dell’assenza quale unica presenza praticabile). Propone uno spaccato delle varie sfaccettature del proprio operare perfino nei titoli, distonici ed apodittici aforismi a contrappuntare le opere. Tutto questo in funzione non tanto di “spiazzare” lo spettatore o semplicemente provocarlo, quanto per offrirgli un diverso day in the life, per dirla con il beatlesiano Sergente Pepe. Ciò che gli interessa, insomma, è turn on il visitatore; e l’intraducibile termine inglese non è usato a caso, in quanto contiene plurimi significati: da accendere, innescare, ma anche eccitare, entusiasmare ecc. Un modo per focalizzare in modo diverso una materia pittorica particolare come la sua, che mira con mezzi tanto inconsueti da apparire scontati, a una diversa percezione del fatto estetico. In tale edenico universo di tela, per riprendere la metafora del giardino, il Davidson ricerca quel brivido dato dagli incanti di giochi quali caleidoscopi, lanterne magiche, view-masters, a occhi ancora incorrotti. Basta vedere i suoi Chisciotte, ma anche i ritratti nei quali si fa palpabile il senso di attesa, per capire che le sue sono istantanee eterne di un tempo altro. Quello al quale allude il titolo L’imperfetto presente senza futuro di un passato prossimo venturo: dichiarazione di rigetto di una contemporaneità dissennata che corre spasmodicamente, tesa ad un futuro chimerico, alla quale oppone una distonia che è anche distopia, quella cui alludono i suoi Giocatori, che recano nei volti le stigmate del dissidio con una stolta modernità; azzardo è anche tentare la sfida con l’invisibilità, affrontata in quella che potremmo chiamare “pittura bianca”, un esempio per tutti Palingenesi surrealista, una delle opere in mostra più emblematica. un modo anche questo per rimettere al suo posto il mistero nell’arte.
Fabio Norcini (Curatore Studio Rosai Firenze)
Stefano Davidson, come tutti i poliedrici, e' insofferente a qualsiasi 'specializzazione' che lo imprigioni in una qualsiasi scuola o etichetta, casella o corrente. Non stupisca quindi che con titoli, di opere o di mostre, intervenga perentoriamente, al fine di spiegare fuorviando e depistare s-piegando. Cosi' e' anche per questa sua personale che intitola 'Oltre l'apparenza inganna'. Per chi, come lui, ha teorizzato la non- arte eseguendo non-opere, il gioco sottile tra essere e apparire, realta' e artificio e' ovvio assuma importanza fondamentale e sconfini con l'indagine della fisica ottica e sue implicazioni filosofiche: questo vogliono rappresentare le sue 'visioni': una domanda rivolta a chi le guarda per metterne in discussione, ad ogni nuova occhiata, le aspettative. Se basta spostare la virgola nel titolo per ottenere due significati opposti, nei quali l'apparenza, quasi battistiana canzone in era Panella, una volta superata passandoci oltre inganna; o, permanendoci, non mente: cosi' davanti ai suoi quadri è opportuno collocarsi sempre nell'angolo ottico dell'inganno rivelatore.
Massimo Deyla (Curatore Esposizioni Sale del Centro Civico Baraccano Bologna 2014)
Nudi, semivestiti, surreale e uso del bianco (nero?), Don Chisciotte della Mancia che invece di andare contro mulini a vento va contro al temporale, Don Chìsciotte a cospetto di se medesimo, in un improbabile quanto dilacerante aut/aut , sé a sé e poi il pasto nudo ripreso da William Burroughs auspice e mentore, una natura natura morta asettica, la bottiglia leggera oscurata dalla siringa (nella tentazione deJJ’ignoto, dell’irrelato Is there anybody out There?): uguale a dire il coraggio della follia, o la ragione delle idee, per strambe folli alogiche possano sembrarti. Il paradosso del nonsenso che insegna, specie a pensare, a partorire un pensiero pensante, logico, significante, performante. Tutto ciò all'esito di una spietata redentiva indispensabile, sacramentale autoanalisi e autoascultazione del sé del sé e dell'altro da sé e della cosa, res provvista di anima, vibrante implosa nell’atto incoativo e tracimante nel suo farsi, ombra o luce o non sense non fa differenza. Scrive e annota l'autore: ''Dipingo quando non ho più parole, scrivo quando non mi bastano i colori."Nec plus ultra”. La stravaganza dell'Arte che è intelligenza suprema, superiore, ulteriorità delle cose, del mondo, dello sguardo immemoriale sui brandelli di un vissuto che lascia tracce di un deja vù destinato a perdersi insieme al nostro peregrinare ultimo, increduli, ospiti ancora in cerca della meta, dell'Eden, di una ragione che dia spazio all'immaginare, al sognare, al dasein. Senza scadere, pena l'apostasia, nella critica trita e ritrita, con tutto il rispetto che si deve a chi è aduso al calamo. ''L'opera di Stefano Davidson e la filosofia che ne rappresenta le fondamenta si possono considerare un caso particolare all'interno del mondo dell'Arte, spesso in cerca delle surrealtà e dei paradossi che avvolgono il quotidiano, Davidson ha dipinto tele che seguono proprie logiche assolutamente soggettive dove spesso, se non sempre, il titolo è parte integrante nella creazione della stessa, è insomma partenza ed insieme traguardo del pensiero che vi si sviluppa all'interno anche quando la denominazione è semplice descrizione del quadro e quest'ultimo è semplice rappresentazione di quel che vi é ritratto, e palese come il pennello sia comunque andato a scavare nell'intimità del soggetto che ci si para davanti.
Gli aforismi che l'autore ha abbinato a ciascuna delle opere sono frutto della ricerca di una ulteriore chiave di lettura da donare ali'osservatore, che possa permettere una ancor più precisa collimazione tra la volontà di rappresentazione del pittore e l'interpretazione del suo pensiero. Davidson rappresenta il mondo e l'immagine attraverso il filtro di una combinazione di scenografia e mistero. Non è l'incomprensibilità dell'immagine o delle scelte cromatiche a dare anima alJa sua opera, bensì la personalissima logica che muove il suo pensiero e l'uso che egli fa delle parole d'accompagnamento che porta l'osservatore in un mondo dove la parola è spesso luce indispensabile ad illuminare il significato dell'immagine e dove il pensiero è uncolore fondamentalequanto quelli tradizionali dell'iride ''(citazione citabile dal mare magnum del web).
Adminicula personae polisemici che si attagliano all'essenza: nevrotico= colui che costruisce castelli in aria; psicotico= colui che vi abitapswicologo = colui che riscuote l'affitto (defimizioni di Jerome Lawrence, che trasla sardonico ad angolo acuto l'usuale punto di vista).
Il reale, il surreale, il grottesco, la danza dei pulcini, la grande porta di Kiev, l'oltre-le-cose, crasi (crisi?), dunque, del cogito e del pragma all'un tempo: aveva voluto, per diletto del suo spirito e la gioia dei suoi occhi, alcune opere suggestive che lo gettassero in un mondo sconosciuto, glj rivelassero le tracce di nuove congetture, gli scuotessero il sistema nervoso con eruditi isterismi, con complicati incubi, con visioni indifferentemente atroci" (J..K. Huysmans)
Estrapolo ancora daIle tante chiose: ''Nella lettura/osservazione dell'intera opera di Davidson non dimentichiamo mai comunque l'innata propensione dell'autore verso il gioco, la dissacrazione. A questo proposito è quindi bene tener presente il consiglio dell'autore a chi si accinge a leggere/guardare : ''tutto ciò leggerete e che vi sembrerà molto serio ed impegnativo sarà da prendere con estrema leggerezza ed ironia mentre tutto quanto vi parrà divertente e tres fou sarà invece da considerare in modo assolutamente serio e profondo.": che altro dire?
Foresta di simboli, di baudelairiana memoria, echi di reminiscenze, allegorie. Non ci si illuda, allora, di camminare sospesi in uno spazio familiare perché nel cerebrale che sposa l'onirico il razionale strizza l'occhiolino alle deità hillmaniane, l'inconscio è conscio, la nevrosi e la regola, la follia reclama un suo statuto, stanca di rimirare il suo sparring partner, quel nomos da cui quella ''normalità'' della quale abbiamo piene le tasche. e che ci trascina nei vortici limacciosi o nel padule stagnante dell'omologazione, dell'iper-reale destituito di senso, della coazione a ruminare bovinamente un copione senz'anima, freddo, lasco, asettico.
Si, perché il bianco e il nero, senza grigi a mezza via né interludi cromatici sono i veri colori del mondo,il sudario steso suJJe cose, l’urlo senza voce, l'universo immaginato, l'inventato, catatonico e roboante a un tempo, scritto, o tracciato, squarciato, costruito con gJi utensili del mestiere, quali che siano, ma costantemente lì che ammiccano complici, al servizio del fingitore.
Giuseppe Fedeli (Critico d’Arte dopo la mostra Autoanalisi – retrospettiva - con ben 102 opere esposte al Castello di Loro Piceno nel 2010)
Added Mar 9, 2022
Supernativo Assoluto (2019)
Installazione
Added Feb 21, 2022
Added Feb 21, 2022
Added Feb 21, 2022
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Added Feb 21, 2022
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Added Oct 4, 2013
Immagini dalla mostra Images from the "vernissage"
Added Sep 15, 2013
L'imperfetto presente senza futuro di un passato prossimo venturo
Added Feb 21, 2012
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Added Feb 21, 2012
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Added Feb 21, 2012
Interview and presentation of the exhibition "Future is already past...but I wasn't present!"
Added Feb 21, 2012
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Added Feb 21, 2012
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Added Feb 11, 2012
Article
Stefano Davidson
Nato a Genova il 29 Maggio 1962.
Pittore, scrittore e giornalista
Vive e lavora a Roma.
Fondatore nel 2008 del movimento artistico NON la cui Prima Esposizione Mondiale si è tenuta a Roma il 24 Aprile 2009 presso le Sale d’Arte Contemporanea del Museo Nazionale degli Strumenti Musicali con il Patrocinio del Ministero dei Beni Culturali e del Comune di Roma seguita dalla Seconda Esposizione Mondiale NON tenutasi a Firenze nella Chiesa di San Jacopo in Campo Corbolini anche in questo caso con il Patrocinio del Ministero dei Beni Culturali e del Comune di Firenze.
L'introduzione al catalogo della Prima Mondiale (riportata qui di seguito) è stata redatta dal Sovrintendente al polo Museale della Città di Roma Prof. Claudio Strinati.
“(...) La Soprintedenza è lieta di ospitare la Prima Esposizione Mondiale NON, un progetto dell'artista Stefano Davidson la cui opera in quest'occasione trasferisce l'arte “visiva” in una dimensione diversa da quelle abitualmente ritrovabili in Mostre di stampo più tradizionale. La si potrebbe infatti definire forse “Surreale”, “Concettuale” o “Provocatoria”, visto che comunque questi sono termini entrati ormai da decenni nel linguaggio dell'arte, anche se di tanto in tanto vanno considerati in accezioni diverse da quelle comunemente adottate. Ciò accade poiché le suddette parole vanno a descrivere “categorie” artistiche legate non tanto all'irreale se non addirittura al bizzarro, bensì a qualcosa di estremamente “stravagante” che esula dai canoni tradizionali di catalogazione. Si potrebbe quindi pensare, assistendo a questa Prima Esposizione Mondiale del NON, che questo sia uno di quei casi. Lo si potrebbe pensare in quanto il suo autore, l'artista Stefano Davidson, è sempre stato legato ad un genere di arte molto tradizionale, la pittura, ed ha sempre preferito descrivere i suoi temi con tratti prettamente figurativi, che esulano completamente dall'astrattismo o dal concettuale. Lo si potrebbe pensare nonostante il figurativo di Davidson molto spesso sfoci nell'onirico, nel simbolico, se non addirittura proprio nel surreale (ricordiamo i dipinti “Cesenacido” o “Palingenesi surrealista” su tutti). Nel caso di questa mostra non però, la provocazione, che non si può negare esista, così come la concettualità, è comunque legata, secondo l'autore, ad una sorta di figurativo “personale” cioè la capacità di generare immagini all'interno di se stesso da parte di ogni essere umano. Ecco quindi che ciò che ci troviamo di fronte, non è più poi così lontano dai canoni di rappresentazione tradizionali; anzi, le informazioni che riceviamo su ciascuna opera dal relativo titolo e dalla sua spiegazione ci consentono di comprendere forse meglio queste ultime rispetto a molte altre forme d'arte dove il concetto espresso fa parte dell’interiorità dell'autore rimanendo “suo proprio”, mentre nel NON è parte intima dello spettatore stesso. In conclusione, a parte queste brevi considerazioni sui contenuti dell'esposizione non, ritengo assolutamente attuale il concetto di necessità di assenze espresso dall'autore, non solo per il sovraccarico di tutto e di più nella nostra società civile, come da lui più volte sottolineato, ma poiché la “crisi” contingente sta lentamente abituando ciascuno di noi a fare a meno di un po' di superfluo facendo così rientrare un po' di NON in ognuna delle nostre vite, e chissà che ciò, in fondo, non possa farci anche un po' bene.”
- L'arte di Stefano Davidson pare voler raffigurare un mondo differente da quello reale, quotidiano, nonostante spesso ne utilizzi le forme e non si possa fare a meno di catalogarla tra i “figurativi” più classici. Nei suoi quadri si respirano però atmosfere molteplici e si va da quelle vagamente legate ad una sorta di neo-romanticismo, ad altre che si impennano nell'allegoria. Alle volte ci si trova a precipitare con rapide picchiate nel fantastico o, addirittura, si vira bruscamente nell'onirico dove, spesso, ci si accosta a quell'istanza profonda che Freud ha descritto nel teorizzare l'inconscio. Nell'opera di Davidson quindi non si tratta più di osservare la natura così com'è o di leggervi un mondo a noi familiare, nonostante l'artista si esprima attraverso tratti assolutamente formali e palesemente figurativi, ma di attingere a qualcosa di insolito che allontani lo spirito dal quotidiano, che dia voce alle angosce e, perché no, alle nevrosi, che presti lo sguardo al sogno più profondo. Ma attenzione! Questo sogno non deve essere attribuito all'individuo, o all'autore soltanto, bensì alla collettività e alla sua cultura, che si snoda sinuosa come un grasso anaconda tra le rovine di una memoria classica, ormai totalmente sbiadita e le macerie di un futuro che, da lontano e molto debolmente, comunica un presentimento di fine del mondo imminente. E' per questo vagare di Davidson all'inseguimento di ognuna di quelle sinapsi che donano al cervello l'ebbrezza della creazione che, osservando la sua opera, ci si può trovare di volta in volta ad osservare incubi antichi o recenti, mistiche disperate, o addirittura ci si addentra nel simbolico e nel surreale.
In sintesi, per dirla con J.K. Huysmans:
“Aveva voluto, per il diletto dello spirito e la gioia degli occhi, qualche opera suggestiva che lo precipitasse in un mondo ignoto, che gli svelasse le tracce di nuove congetture, che gli lacerasse il sistema nervoso con erudite isterie, con incubi complicati, con visioni indolenti e atroci."
- Yves Lirriverance -
Principali Mostre ed esposizioni
Paranoipnol - Schegge di delirio – (Personale -Bologna 1991)
Resplandor de profundo (Personale - Galleria El Actico -Porlamar, Venezuela 1994)
Equilibrium -Cats on the roof- (Personale - Casino's Gallery -Malindi, KENYA 1997)
Syri Ya M’buyu - Il segreto del baobab - (Personale - Casino's Gallery -Malindi, KENYA 1998)
Is there anybody out there (Personale – Queen's Gate Gallery – Londra 2000)
Ritratti d’Autori (Personale – Libreria Riminese - Rimini, 2003)
Jazzapennello (Personale – Galleria dell'Iridis -Rimini, 2004)
All that jets (Personale – Isola della Moda - Milano, 2005)
La cognizione del colore (Personale - Le Myricae - Roma, 2006)
Proposte 4 (Collettiva – Teatro Eliseo - Roma 2007)
13x17 (Collettiva - Padiglione Italia- Venezia – 2007)
Sull'acqua (Personale – Isola del Cinema -Galleria Tartaglia – Roma 2007)
Immagina Arte ( Fiera di Reggio Emilia – 2007)
Il futuro è già passato …ma non ero presente (Personale -Galleria Tartaglia – Roma 2008)
Don Chisciotte e altre storie (Collettiva – Galleria La Spadarina – Piacenza 2008)
I Quadri di Stefano Davidson - (Personale - Le Myricae - Roma, 2008)
TELETHON 2008 - (Personale - BNL RIMINI Corso d'Augusto - 2008)
NON - l’arte dell’assenza o l’assenza dell’arte -(Museo Nazionale degli Strumenti Musicali – Roma 2009)
Arte e Motori 2009 - (Collettiva - Palazzo dei Congressi - Riccione - 2009)
NON - la non essenza o, meglio, l'essenza dell'assenza (Personale - San Jacopo in Campo Corbolini - Firenze - 2009)
TELETHON 2009 - (Personale - BNL RICCIONE Viale Dante - 2009)
L'arte si fece infanzia (Collettiva - Galleria Tartaglia Arte - Roma - 2010)
Tavole e Tavolozze (Personale - Farini13 - Rimini - 2010)
Gentes (Collettiva - Cittadella of arts - Gozo - Malta - 2010)
Autoanalisi(Personale - Loro Piceno (MC)-2010)
East meets West (Collettiva - Istituto Italiano di Cultura - La Valletta- Malta - 2010)
Opera & Art Exhibition (Collettiva - Teatru tal'Opera Aurora - Gozo - Malta - 2010)
Reviews and comments
Des oeuvres et une prose qui m'ont "habitée" dès le premier regard !!Une traversée de l'autre côté du miroir ... Merci pour cette délicieuse caresse pour l'âme.
Grandissimo Stefano !
non esistono parole in
grado di esprimere la bellezza e la bravura dei suoi quadri!
Lei è un vero artista!!!
Opere stupende ! Innovativo tratto. Bravissimo Stefano !
non dico niente perchè mi ripeterei! grande stefano!
può servire? dai resisti!!
Decisamente in ritardo con la risposta e la lettura del commento ma GRAZIE MILLE ;)
Decisamente in ritardo con la risposta e la lettura del commento ma GRAZIE MILLE ;) Avevo problemi di connessione... del mio cervello ;)
Decisamente in ritardo con la risposta e la lettura del commento ma GRAZIE MILLE ;)
Je t' aime parce que tu l'aimes ;) Désolé pour le retard dans la réponse mais je ai eu des problèmes de connexion... de mon cerveau
Merci beaucoup. Vous êtes très gentil Grazie mille, molto gentile da parte vostra Thank you so much you're so kind :)
Merci beaucoup. Vous êtes très gentil :)
Merci beaucoup. ;)
Thank you, mercì, gracias, obrigado, grazie!!! Scusate la mancata risposta fin'ora ma avevo problemi di connessione... del cervello. ;) I'm sorry I'm maybe late for the answer but I had problems of connection... of my brain ;)
Magnifiques portraits qui, vus sous cet angle, leur donne beaucoup de force !
j'aime bien, mazal tov.
Un portrait expressif de talent !
ALTRE VOCI, ALTRE STANZE! T. CAPOTE
ECCO IL MIO PREFERITO!
ASSOLUTAMENTE FANTASTICO!
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