Πώς οι γυναίκες καλλιτέχνες επανασχεδιάζουν το καλλιτεχνικό τοπίο στο Artmajeur

UNFORGETTABLE YOU (2024) Πίνακας Chantal Proulx

Στο απέραντο σύμπαν της τέχνης, η παρουσία των γυναικών έχει διανύσει μια δαιδαλώδη και βαθιά εξελικτική πορεία. Ιστορικά, οι γυναίκες έχουν συχνά αποκλειστεί από τους κυρίαρχους καλλιτεχνικούς κύκλους, υποβιβάζοντας τη συνεισφορά τους σε περιθωριακούς ρόλους ή περιορίζοντας τες στην ανωνυμία. Μόνο τους τελευταίους αιώνες, μέσα από αδυσώπητους αγώνες για χειραφέτηση και αναγνώριση, οι γυναίκες καλλιτέχνες άρχισαν να διεκδικούν τη θέση που τους αξίζει στον καλλιτεχνικό κόσμο.

Η μετάβαση από την αφάνεια στην επιβεβαίωση ήταν ένα δύσκολο ταξίδι, που χαρακτηρίστηκε από κοινωνικο-πολιτιστικούς φραγμούς που εμπόδισαν τις γυναίκες να εκφράσουν ελεύθερα το ταλέντο τους. Οι ακαδημαϊκοί περιορισμοί και η περιορισμένη πρόσβαση σε θαμώνες, κάποτε αποκλειστικά ανδρικά προνόμια, ήταν σημαντικά εμπόδια που επιβράδυναν την άνοδο των γυναικών στον κόσμο της τέχνης. Ωστόσο, ξεκινώντας από τον 20ο αιώνα, οι συνεισφορές των γυναικών έχουν αρχίσει να αναγνωρίζονται ευρύτερα, εν μέρει χάρη στην εμφάνιση κινημάτων για τα δικαιώματα των γυναικών, τα οποία έχουν προωθήσει μεγαλύτερη ισότητα των φύλων.

Σήμερα, χάρη σε πλατφόρμες όπως το Artmajeur, γινόμαστε μάρτυρες μιας ολοένα και πιο ισορροπημένης και ποικιλόμορφης αναπαράστασης, όπου οι γυναίκες καλλιτέχνες λειτουργούν με μαεστρία σε κάθε καλλιτεχνικό μέσο. Η ζωγραφική, η γλυπτική, η φωτογραφία, το σχέδιο, το κολάζ, η κλωστοϋφαντουργία και η ψηφιακή τέχνη είναι μερικά μόνο από τα πεδία στα οποία οι γυναίκες έχουν αφήσει και συνεχίζουν να αφήνουν ανεξίτηλο σημάδι.

Σε αυτούς ακριβώς τους τομείς, οι καλλιτέχνες στο Artmajeur αντιπροσωπεύουν ένα εξαιρετικό φάσμα ταλέντων, εξερευνώντας και μεταμορφώνοντας διάφορα μέσα, δείχνοντας πώς η τέχνη μπορεί να είναι ένα ισχυρό εργαλείο έκφρασης και αλλαγής. Με κάθε έργο αμφισβητούν τις παραδοσιακές αντιλήψεις και διευρύνουν τους ορίζοντες του εφικτού, επιβεβαιώνοντας τον κρίσιμο ρόλο της γυναίκας στον διαρκή καθορισμό και την ανανέωση του τοπίου της σύγχρονης τέχνης.

Είμαστε πλέον έτοιμοι να εξερευνήσουμε τη γυναικεία οπτική μέσα από διαφορετικά μέσα, αναλύοντας και συγκρίνοντας τα έργα ζωγράφων, γλυπτών, φωτογράφων και άλλων καλλιτεχνών στο Artmajeur. Έτοιμοι, ορίστε, φύγετε!

Τρεις ζωγράφοι που ξαναγράφουν τέχνη

Ξεκινώντας με τη ζωγραφική, εξετάσαμε τις μοναδικές προσεγγίσεις στη δημιουργικότητα τριών εξαιρετικών καλλιτεχνών, ο καθένας με ένα ξεχωριστό όραμα. Αυτή η ίδια ανάλυση θα επεκταθεί στη γλυπτική και τη φωτογραφία, όπου θα εξερευνήσουμε ποικίλες καλλιτεχνικές εκφράσεις μέσα από τα έργα άλλων ταλαντούχων δημιουργών. Για τους άλλους κλάδους - σχέδιο, κολάζ, υφαντουργία και ψηφιακή τέχνη - θα επιλέξουμε έναν εκπρόσωπο για τον καθένα, τονίζοντας τη μοναδική τους επίδραση.

MIRRORING (2023) Πίνακας της Agnese Kurzemniece

ΟΤΑΝ ΤΟ ΚΕΦΑΛΙ ΣΟΥ ΕΙΝΑΙ ΣΤΑ ΣΥΝΝΕΦΑ (2023) Πίνακας της Agnes Kurzemniece

TROPICAL SUNSET (2024) Πίνακας της Nataliia Sydorova

THREADS (2024) Πίνακας Naoko Paluszak

Φτάσαμε τώρα στη σύγκριση δύο αφηρημένων πινάκων: «Τροπικό ηλιοβασίλεμα» (2024) της Nataliia Sydorova και «Threads» (2024) της Naoko Paluszak .

Σχετικά με τη Nataliia Sydorova , η σύγχρονη Ουκρανή ζωγράφος έχει αποδώσει μια ζωντανή αναπαράσταση ενός τροπικού ηλιοβασιλέματος σε καμβά, χρησιμοποιώντας μια έκρηξη πορτοκαλί, ροζ και μπλε αποχρώσεων. Αυτή η ελαιογραφία αντανακλά την έμπνευση που αντλείται από τα έργα του Gerhard Richter, όπου οι πλούσιες υφές και τα φωτεινά χρώματα συνδυάζονται για να προκαλέσουν το ζεστό φως του ήλιου. Ομοίως, η προσέγγιση της Sydorova επηρεάζεται έντονα από καλλιτέχνες όπως ο Mark Rothko και ο Cy Twombly, γνωστοί για τη μαεστρία τους στο χειρισμό των τολμηρών χρωμάτων, όπως φαίνεται στο "Tropical Sunset". Επιπλέον, εκτός από την παιχνιδιάρικη χρωματική προφορά, αυτός ο πίνακας προορίζεται να εκπέμπει καλή διάθεση και έμπνευση, μεταμορφώνοντας δυναμικά τα περιβάλλοντα στα οποία τοποθετείται.

Όσο για την αφηρημένη εξερεύνηση της Naoko Paluszak , της βραβευμένης Ιάπωνας καλλιτέχνιδας που κατοικεί στις Ηνωμένες Πολιτείες, το έργο της περικλείεται στο "Threads", ένα ακρυλικό κομμάτι που εξερευνά καινοτόμα τις ιδιαιτερότητες του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού. Αυτό παίρνει τη μορφή έγχρωμων γραμμών, περίπλοκα αλληλένδετες αλλά σαφώς σχηματισμένες, δημιουργώντας μια εικόνα που μας εντυπωσιάζει με την ικανότητά της να προκαλεί έντονα συναισθήματα και αναμνήσεις, συχνά μπερδεμένες και παγιδευμένες στο υποσυνείδητό μας. Μιλώντας για εκπαίδευση, το ιστορικό της Paluszak ως γραφίστας έχει εμπλουτίσει σαφώς την τέχνη της με έναν περίεργο συναισθηματικό δυναμισμό, μερικές φορές σχεδόν απτό.

Έτσι, και οι δύο καλλιτέχνες, ενώ εργάζονται σε προσωπικά και ξεχωριστά στυλ, μοιράζονται μια τάση για τολμηρή χρήση του χρώματος και μια τάση προς την αφαίρεση, καλώντας τους θεατές να ερμηνεύσουν τα έργα με βαθιά προσωπικούς τρόπους. Ενώ η Sydorova εστιάζει σε μια αφαίρεση εμπνευσμένη από φυσικά φαινόμενα, ο Paluszak διερευνά την ένταση μεταξύ αφηρημένου και εικονιστικού, δημιουργώντας μορφές που αμφισβητούν την παραδοσιακή οπτική αντίληψη.

Δύο φωνές στον κόσμο της γλυπτικής

Έχοντας εξερευνήσει τη ζωγραφική, βουτάμε τώρα στον κόσμο της γλυπτικής, αναδεικνύοντας τη συμβολή των γυναικών μέσα από τα έργα δύο ταλαντούχων γλυπτών-Ielizaveta Portnova και Joanna Zakrzewska-Cholewa.

PLAISIR (2023) Γλυπτό της Ielizaveta Portnova

AINSI VA LA VIE (2023) Γλυπτό της Ielizaveta Portnova

Μιλώντας για την Ielizaveta Portnova , εμβαθύνουμε στον κόσμο μιας Ουκρανής γλύπτριας που έχει κάνει την καινοτομία και τον πειραματισμό πυλώνες της τέχνης της. Με έδρα τη Γαλλία, η Portnova έχει επαναπροσδιορίσει τα όρια της κεραμικής τέχνης, συνδυάζοντας παραδοσιακές τεχνικές με τολμηρές και δημιουργικές εξερευνήσεις. Η δεξιοτεχνία της στη διαμόρφωση του πηλού με τα χέρια της συγχωνεύεται με τη χρήση οξειδίων, ολισθήσεων και γυαλιών για να προσθέσει βάθος και οπτική πολυπλοκότητα στις δημιουργίες της, οι οποίες συχνά ενσωματώνουν οργανικά και ανόργανα υλικά σε ένα παιχνίδι ασάφειας που αμφισβητεί τις αντιλήψεις του κοινού.

Τα έργα του Portnova είναι επίσης βαθιά ριζωμένα σε φυσικές και αρχαιολογικές εμπνεύσεις, δημιουργώντας ένα ξεχωριστό σύμπαν που αντανακλά υφές που προορίζονται να παραπέμπουν σε στρώματα βράχους ή διαβρωμένα απολιθώματα, εκδηλώνοντας μια εγγενή ευθραυστότητα και απρόβλεπτο χαρακτήρα που μοιάζει με τις ιδιοτροπίες της φύσης.

Εστιάζοντας τώρα στα γλυπτά "Plaisir" (2023) και "Ainsi Va La Vie" (2023), παρατηρούμε μια συναρπαστική θεματική εξέλιξη που αντανακλά όχι μόνο την τέχνη της Portnova αλλά και την προσωπική της ζωή. Και τα δύο γλυπτά σχεδιάστηκαν αρχικά στην Ουκρανία το 2020 και μεταφέρθηκαν στη Γαλλία μετά την έναρξη του πολέμου, συμβολίζοντας ένα ταξίδι, σωματικό και συναισθηματικό. Το "Plaisir" είναι καλυμμένο με χαλκομανίες που περιλαμβάνουν στίχους του André Breton και παρτιτούρες του Vivaldi, ένα φόρο τιμής στις ευτυχισμένες αναμνήσεις της Portnova στην Ιταλία και μια επιβεβαίωση της ζωής μέσω της καλλιτεχνικής δημιουργίας. Ομοίως, το «Ainsi Va La Vie» παρουσιάζει ένα απρόσωπο σώμα, που σημαδεύεται από αλλαγές και κακουχίες, καλυμμένο επίσης σε στίχους.

Επιπλέον, παρατηρώντας τα δύο γλυπτά, μπορούμε να φανταστούμε ότι το ένα είναι η συνέχεια του άλλου, σαν η φιγούρα του «Plaisir», αρχικά όρθια και συγκροτημένη, σε μια μεταγενέστερη κίνηση πέφτει και στρίβει για να γίνει «Ainsi Va La Vie». Αυτή η εικαστική μετάβαση μεταξύ των έργων υποδηλώνει μια ροή αφήγησης και φόρμας που αναδεικνύει την παροδικότητα και τη συνεχή μεταμόρφωση, βασικά στοιχεία στην καλλιτεχνική εξερεύνηση της Portnova.

Τέλος, η παραπάνω ανάλυση δεν καταδεικνύει μόνο την τεχνική δεξιοτεχνία της Portnova αλλά και τη δέσμευσή της να εξερευνήσει θέματα μνήμης, απώλειας και ελπίδας, εγκαθιδρύοντας έναν βαθύ διάλογο μεταξύ της καλλιτέχνιδας, του έργου της και του κοινού. Πράγματι, η τέχνη του Portnova προσκαλεί τους θεατές να αναλογιστούν τις προσωπικές και συλλογικές προκλήσεις, προσφέροντας ένα χώρο αναγνώρισης και κάθαρσης.

ΑΚΡΟΒΑΤΕΣ ΤΣΙΡΚΟΥ, ΑΡΙΘ. V/VIII, HIGH 49CM (2024)Γλυπτική της Joanna Zakrzewska-Cholewa

ΝΕΟ ΠΑΙΧΝΙΔΙ, ΟΧΙ. EA I/II (2022) Γλυπτό της Joanna Zakrzewska-Cholewa

Μιλώντας για την Joanna Zakrzewska-Cholewa , συναντάμε μια Πολωνή γλύπτρια γεννημένη το 1976 και απόφοιτο της Ακαδημίας Καλών Τεχνών στην Κρακοβία. Χρησιμοποιεί κυρίως μπρούντζο, δουλεύοντας με την τεχνική χύτευσης χαμένου κεριού για να δημιουργήσει γλυπτά που διακρίνονται για την καθαρότητά τους και το υλικό βάρος του μετάλλου.

Εμβαθύνοντας στη δουλειά της, τα γλυπτά "Circus Acrobats, No. V/VIII" (2024) και "New Game, No. EA I/II" (2022) αντιπροσωπεύουν εξαιρετικά δείγματα της καλλιτεχνικής της προσέγγισης, καθώς εξερευνούν θέματα κίνησης και ισορροπία, που αποδίδεται μέσα από τη μελέτη της ανθρώπινης μορφής. Όσον αφορά τους «Ακροβάτες του Τσίρκου», το έργο απεικονίζει φιγούρες σε μια ακροβατική πράξη, όπου η ακαμψία της πόζας και η αρμονία των μορφών στερεώνονται σε μπρούτζο. Επιπλέον, αυτό το γλυπτό επιδεικνύει έναν επιδέξιο χειρισμό του μετάλλου, δημιουργώντας μια αίσθηση δυναμισμού και ελαφρότητας παρά το εγγενώς βαρύ υλικό.

Αντίθετα, το «New Game» εξερευνά την ισορροπία σε ένα διαφορετικό πλαίσιο, όπου δεν είναι η αλληλεπίδραση μεταξύ των ανθρώπινων μορφών που κυριαρχεί στη σκηνή, αλλά η σύνδεση μεταξύ του ανθρώπου και ενός γεωμετρικού στοιχείου, του δακτυλίου. Αυτό το έργο εκφράζει έναν διάλογο μεταξύ του σώματος και του αντικειμένου, διερευνώντας πώς η φυσική ισορροπία μπορεί να επηρεαστεί και να διατηρηθεί από εξωτερικές δομές. Το δαχτυλίδι όχι μόνο υποστηρίζει αλλά ενσωματώνεται στη δυναμική της φιγούρας, υποδηλώνοντας μια συμβίωση μεταξύ του ανθρώπου και του περιβάλλοντός του, αντανακλώντας ένα παιχνίδι μορφών που προκαλεί τη βαρύτητα και αιχμαλωτίζει μια στιγμή αισθητικής έντασης και ισορροπίας.

Έτσι, και τα δύο γλυπτά δίνουν έμφαση στην κίνηση, όχι μόνο σωματική αλλά και συναισθηματική και εννοιολογική, καλώντας τον θεατή να αναλογιστεί τη φύση της υποστήριξης και της ισορροπίας στις ανθρώπινες σχέσεις και μεταξύ του ανθρώπου και του οικοτόπου του. Με αυτόν τον τρόπο, η Zakrzewska-Cholewa διατυπώνει οπτικά τη σημασία της εμπιστοσύνης και της ισορροπίας, τόσο σε διαπροσωπικά όσο και σε ατομικά πλαίσια, ενισχύοντας την ιδέα της αλληλεπίδρασης ως θεμελιώδους στοιχείου για την αρμονία και την προσωπική ανάπτυξη.

Οράματα δύο φωτογράφων

Τώρα εμβαθύνουμε στον τομέα της φωτογραφίας, αναδεικνύοντας την επίδραση των γυναικών μέσα από τα έργα δύο ξεχωριστών φωτογράφων: της Valera Samarine και της Mariska Karto.

SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE F19F (1999)Φωτογραφία Valera Samarine

SAMARINE VALERA SÉRIE OMBRES PHOTOGRAPHIE FN03F (1996)Φωτογραφία Valera Samarine

Η Valera Samarine είναι μια ικανή φωτογράφος που μεταμορφώνει καθημερινά αντικείμενα σε γνήσιες οπτικές αποκαλύψεις. Έμπειρος δάσκαλος και μηχανικός, ο Samarine έχει αναπτύξει εκτεταμένες γνώσεις στην ασπρόμαυρη φωτογραφία και τις βασικές αρχές της σύνθεσης. Τα έργα της χαίρουν διεθνούς εκτίμησης και παρουσιάζονται σε πολλές ιδιωτικές και δημόσιες συλλογές και αναγνωρισμένες γκαλερί.

Μια ξεχωριστή πτυχή της τέχνης της εκδηλώνεται στη σειρά "Fourchettes" που δημιουργήθηκε μεταξύ 1994 και 1999. Αυτή η σειρά εξερευνά το κοινό αντικείμενο του πιρουνιού με έντονο μάτι για τη μορφή και το φως, θυμίζοντας το έργο του André Kertész και τη διάσημη φωτογραφία του "The Fork (1928). Ο Kertész, που φημίζεται ομοίως για την ικανότητά του να εξυψώνει τις απλές λεπτομέρειες σε διαλογιστική ποίηση, έχει επηρεάσει πολλούς φωτογράφους, προσελκύοντάς τους προς την εξερεύνηση της κρυμμένης ομορφιάς στην καθημερινότητα μέσω της προσεκτικής χρήσης ισχυρών φώτων και δραματικών σκιών.

Τα δύο έργα που παρουσιάζονται, πράγματι μέρος της σειράς "Fourchettes", καταδεικνύουν το ταλέντο της Samarine να αποτυπώνει τη δυαδικότητα και την ένταση μεταξύ απλότητας και επεξεργασίας. Η πρώτη εικόνα δείχνει ένα πιρούνι που προβάλλεται σε ριγέ φόντο, με σκοπό να δημιουργήσει ένα παιχνίδι φωτός και σκιών, τονίζοντας γεωμετρικές και γραμμικές μορφές. Η δεύτερη φωτογραφία, από την άλλη, χρησιμοποιεί σκιές για να μεταμορφώσει το πιρούνι σε ένα αντικείμενο με διπλή ταυτότητα, αναδεικνύοντας τις μεταμορφωτικές του δυνατότητες μέσω της φωτογραφικής αφαίρεσης.

ΗΜΕΡΑ ΠΛΥΝΤΗΡΙΟΥ (2021) Φωτογραφία Mariska Karto

DIVA ATTACK (2017)Φωτογραφία Mariska Karto

Η Mariska Karto , γεννημένη στο Σουρινάμ και μεγαλωμένη στην Ολλανδία, συνδυάζει μια πλούσια πολιτιστική κληρονομιά στα έργα της που εκτείνεται από τη Νότια Αμερική έως την Ινδονησία, την Αφρική έως την Ολλανδία. Η τέχνη της αντικατοπτρίζει αυτή την ποικιλομορφία μέσα από μια μοναδική συγχώνευση στυλ και θεμάτων, δείχνοντας μια έντονη κλίση προς την παραστατική τέχνη, που αποδίδεται σε ανθρώπινες μορφές, ενσωματωμένη με χρώματα, φυσικά στοιχεία και περιβάλλον. Η Mariska δεν περιορίζεται στην εξερεύνηση αυτής της αισθητικής εξωτερικά, αλλά εμβαθύνει στην αφήγηση, παραπέμποντας επίσης στο εσωτερικό μυστήριο που κρατούν οι εικονιζόμενοι χαρακτήρες.

Οι φωτογραφίες της "Laundry Day" (2021) και "Diva Attack" (2017) ενσωματώνουν έξοχα το στυλ της φωτογράφου, ζωντανεύοντας μια δυνατή και αισθησιακή αναπαράσταση της θηλυκότητας. Το «Laundry Day» μεταμορφώνει μια συνηθισμένη οικιακή σκηνή σε μια χιουμοριστική έκφραση γυναικείας δύναμης, όπου καθημερινά αντικείμενα συμβολίζουν την ανθεκτικότητα και την ανεξαρτησία των γυναικών. Αντίστοιχα, το «Diva Attack» παραπέμπει, με ελαφρότητα και κάπως κιτς γεύση, σε παρόμοιες καταστάσεις και θέματα.

Και τα δύο έργα, ενώ παρουσιάζουν οπτικά γυναικείες φιγούρες σε θέσεις που μπορεί να φαίνονται ευάλωτες ή υποχωρητικές, ανατρέπουν αυτές τις αντιλήψεις με μια έξυπνη χρήση ειρωνείας και συμβολισμού, αποκαλύπτοντας την πραγματική εσωτερική δύναμη και ανθεκτικότητα των γυναικών. Στην πραγματικότητα, με ένα μείγμα παιχνιδιάρικου και ισχυρής έκφρασης, η Karto όχι μόνο αποτυπώνει την εξωτερική εμφάνιση των μοντέλων της, αλλά διεισδύει και στη βαθύτερη ουσία τους, μετατρέποντας κάθε φωτογραφία σε μια ισχυρή επιβεβαίωση της γυναικείας δύναμης και ομορφιάς. Γίνεται προφανές ότι τα έργα της μιλούν για τη θηλυκότητα όχι ως αδυναμία αλλά ως ισχυρή πηγή δύναμης, ακόμα κι όταν εμφανίζεται θαμμένη ή κρυμμένη κάτω από στρώματα καθημερινών πλαισίων.

TOMATE NOIRE (2023 Σχέδιο Sylvie Talon

Προφίλ μιας Σχεδίασης

Η Sylvie Talon είναι μια αυτοδίδακτη Γαλλίδα καλλιτέχνης που ειδικεύεται στα σχέδια με μολύβι και ινδική μελάνη. Γεννημένη το 1962 στη Μπαγιόν, η Sylvie δημιούργησε το στούντιο της σε ένα μικρό χωριό 200 κατοίκων στα σύνορα μεταξύ Landes και Gers της Γαλλίας, όπου βρίσκει την απαραίτητη ηρεμία για να αφοσιωθεί στη ζωγραφική και το σχέδιο, το μακροχρόνιο πάθος της.

Τα έργα της, που χαρακτηρίζονται από άψογη τεχνική δεξιοτεχνία και λεπτεπίλεπτα χρώματα, εξερευνούν τη γυναικεία ζωή στις δυαδότητες της, παραπέμποντας σε όνειρα, φιλοδοξίες και επιτεύγματα. Οι αισθησιακοί χαρακτήρες της Sylvie, που συχνά απεικονίζονται σε αιώρηση, περιβάλλουν τον θεατή σε μια ονειρική ατμόσφαιρα, δημιουργώντας έναν κόσμο λιχουδιάς και οπτικής οικειότητας.

Ένα από τα πιο πρόσφατα έργα της, το "Tomate Noire" (2023), είναι ένα θαυμάσιο παράδειγμα του ταλέντου της να αποτυπώνει τη μοναδική ομορφιά της φύσης. Αυτό το σχέδιο, φτιαγμένο με μολύβι σε χαρτί, απεικονίζει μια όμορφη μαύρη ντομάτα που μαζεύτηκε από τον κήπο της. Παρά τον τίτλο, το χρώμα αυτού του φρούτου είναι βαθύ κόκκινο, αποδίδεται με ακρίβεια που αναδεικνύει την εξαιρετική και πρωτότυπη μορφή του, ζωντανεύοντάς το στον αισθησιασμό του.

Αυτό το ιδιαίτερο χαρακτηριστικό του φρούτου θυμίζει τα έργα του Edward Weston, ιδιαίτερα το "Pepper No. 30", όπου το καθημερινό αντικείμενο αναδεικνύεται σε μια εικόνα ομορφιάς και καθαρής μορφής μέσω της φωτογραφικής τέχνης. Ομοίως, η Sylvie Talon έχει μεταμορφώσει μια απλή ντομάτα σε έργο τέχνης, γιορτάζοντας τη μοναδικότητα των φυσικών μορφών.

EMANATION 6 (2024)Κολάζ της Annemarieke Van Peppen

Ένα Καλλιτεχνικό Όραμα του Κολάζ

Η Annemarieke van Peppen είναι μια καλλιτέχνις που γεννήθηκε το 1971 στο Ρότερνταμ και εκπαιδεύτηκε στην Ακαδημία Τέχνης και Βιομηχανίας (AKI) στο Enschede, όπου ειδικεύτηκε στη μόδα. Μετά τις σπουδές της, ταξίδεψε στην Ινδονησία, την Αυστραλία και τη Μαλαισία, βρίσκοντας έμπνευση και αναπτύσσοντας ένα προσωπικό καλλιτεχνικό στυλ. Η δουλειά της περιλαμβάνει κολάζ, εγκαταστάσεις, εντυπωσιακά έργα τέχνης, φωτογραφία, γλυπτά και ρούχα, με μια συνεχή αναζήτηση της ανθρώπινης ουσίας, ακόμη και στην πολυπλοκότητά της.

Η σειρά "Emanations", μέρος της οποίας αποτελεί το παραπάνω κολάζ, στοχάζεται στον όρο "emanation", που σημαίνει κάτι που αναδύεται από μια πηγή, εκδηλώνεται με νέες μορφές, για να εξερευνήσει την ουσία της ανθρώπινης εμπειρίας μέσω της δημιουργίας νέων ταυτοτήτων. Αυτά προορίζονται να συμβολίσουν τη συνεχή αναζήτηση για αυτο-ανακάλυψη και ανάπτυξη. Αυτή η προσέγγιση λειτουργεί ως καθρέφτης για την καλλιτέχνιδα, προσκαλώντας την ενδοσκόπηση και τον προβληματισμό, αφηγούμενος επίσης την προσωπική της διαδικασία επανεφεύρεσης και αποδοχής σχετικά με τη συνεχή ροή της αλλαγής και της εξέλιξης.

Όσον αφορά το "Emanations 6", το κολάζ παρουσιάζει ένα πορτρέτο σε κλίμακα του γκρι που αποτελείται από πολλά μικρά κομμάτια υφασμάτινων ινών κολλημένα σε ξύλινη επιφάνεια. Τα επιμέρους μέρη του έργου είναι σχολαστικά διατεταγμένα για να σχηματίσουν μια συνεκτική και λεπτομερή εικόνα του προσώπου ενός ατόμου, με ιδιαίτερη προσοχή στη διαβάθμιση του τόνου και στις υφές για να επιτευχθεί μια ρεαλιστική αναπαράσταση. Επιπλέον, το επικαλυπτόμενο ύφασμα δημιουργεί μια μοναδική και ανάγλυφη επιφάνεια που ενισχύει το οπτικό βάθος και την πολυπλοκότητα του πορτρέτου. Τέλος, είναι προφανές ότι το έργο συνδυάζει στοιχεία παραδοσιακής προσωπογραφίας με σύγχρονες τεχνικές κολάζ, αναδεικνύοντας την ικανότητα του καλλιτέχνη να χειρίζεται υλικά για να προκαλέσει συναισθήματα και νοήματα.

VASE COMPOSITION VI'24 (2024) Textile art by Milena Paladino.

Textile Innovation by Women

Η Milena Paladino , γεννημένη στην Πολωνία το 1985, αποφοίτησε στην Ιστορία της Τέχνης από το Πανεπιστήμιο Adam Mickiewicz στο Πόζναν πριν μετακομίσει στην Ιταλία για να συνεχίσει το πάθος της για την τέχνη. Η αναζήτησή της για το ιδανικό εκφραστικό μέσο την οδήγησε στην εξειδίκευση στις υφαντικές εργασίες, χρησιμοποιώντας την τεχνική της βελόνας διάτρησης.

Οι δημιουργίες της χαρακτηρίζονται από απλές και λεπτές συνθέσεις που εξερευνούν τη μορφή και την αναλογία μέσα από τη νεκρή φύση. Με γνώμονα την αναζήτηση της ουσίας και της τυπικής αγνότητας, η Milena φιλοδοξεί να ξεκαθαρίσει την αρμονία και την αναλογία, με αποτέλεσμα μινιμαλιστικά και αισθησιακά έργα. Δουλεύοντας με φυσικά υφάσματα όπως μαλλί ή αλπακά, η Milena προσδίδει τα έργα της με έντονο οπτικό αντίκτυπο και απτική ποιότητα, επιτρέποντας στους θεατές να ικανοποιήσουν πολλαπλές αισθήσεις.

Ομοίως, το "Vase Composition VI'24" (2024) αποτελεί παράδειγμα της τέχνης του Paladino, διαμορφώνοντας έναν συνδυασμό μορφών και υλικών όπου η υφασμάτινη διάταξη εξερευνά καινοτόμα την υφή και το χρώμα. Σε αυτό το πλαίσιο, η τεχνική της βελόνας διάτρησης, μαζί με φυσικά υλικά, δημιουργεί για άλλη μια φορά μια επιφάνεια πλούσια σε οπτικές και απτικές παραλλαγές.

DEEP SOUL 138 (2023) Ψηφιακή τέχνη του Laurence Verney

Το ψηφιακό μέλλον είναι θηλυκό

Ο Laurence Verney είναι ένας Γάλλος καλλιτέχνης γεννημένος το 1962, του οποίου το καλλιτεχνικό σύμπαν σήμερα εκφράζεται μέσω της ψηφιακής τέχνης. Η Verney λατρεύει να ζωντανεύει τις ψευδαισθήσεις, επομένως το υλικό, η υφή, το βάθος, η κίνηση και η αντίθεση στα έργα της δημιουργούν μια εκφραστική δύναμη που δίνει νόημα στις εικόνες της και διεγείρει τη φαντασία. Υπό αυτή την έννοια, η μυστηριώδης ποιότητα του φωτός παίζει επίσης ρόλο, ικανή να προκαλέσει βαθιά συναισθήματα και να χαρίσει λαμπρότητα και δόνηση στα θέματα που εξερευνήθηκαν.

Μιλώντας για ψευδαίσθηση, ο Laurence Verney βρίσκει έμπνευση από την οπτική τέχνη του Victor Vasarely, καθώς και την αφαίρεση του Pierre Soulages, την ασπρόμαυρη φωτογραφία του Edward Weston και τις εφήμερες εικόνες των μεγάλων πόλεων που δημιούργησαν οι Ernest Pignon-Ernest και JR. Αυτοί οι δάσκαλοι επηρεάζουν τη δημιουργική της έρευνα, η οποία είναι επίσης εμπνευσμένη από τον αυθορμητισμό της τέχνης του δρόμου.

Το ψηφιακό έργο τέχνης "Deep Soul 138" (2023) είναι ένας συνδυασμός ψηφιακής φωτογραφίας με χειρισμό, εικόνων που δημιουργούνται από τεχνητή νοημοσύνη και 2D φωτομοντάζ σε αλουμίνιο. Δημιουργήθηκε για να εξερευνήσει την ουσία της ανθρώπινης εμπειρίας μέσω της χρήσης περίπλοκων υφών και παιχνιδιών φωτός, με σκοπό να δημιουργήσει ένα σχεδόν απτό έργο. Όσον αφορά το εικονιζόμενο πρόσωπο, αναδύεται από ένα αιθέριο πέπλο, μεταφέροντας μια αίσθηση βάθους και ενδοσκόπησης, ενώ ο ψηφιακός χειρισμός και η χρήση υλικών όπως το αλουμίνιο δημιουργούν μια σύγχρονη εικόνα ικανή να συνδυάσει παράδοση και καινοτομία.