Edward Hopper, Second Story Sunlight. 1960. Whitney Museum of American Art, Νέα Υόρκη.
Η ιστορία της αμερικανικής τέχνης σε 6 σημεία
Προτού σας παρουσιάσω τους δέκα πιο διάσημους ζωγράφους στην ιστορία της αμερικανικής τέχνης, μαζί με σύντομες ματιές στη ζωή τους και αναφορές στις στυλιστικές τους ιδιαιτερότητες, θα ήθελα να σας εξοικειώσω με το πλαίσιο στο οποίο ανήκουν: την Αμερική και την καλλιτεχνική της παράδοση. Για να αντιμετωπίσω αυτό το εκτενές και προκλητικό θέμα, αποφάσισα να χρησιμοποιήσω «ψαλίδι και κόλλα», κόβοντας και κολλώντας το σχετικό υλικό εδώ κι εκεί, επισημαίνοντας μόνο τις βασικές στιγμές. Από αυτή την πρόθεση προκύπτει ένα θέμα που συνοψίζεται σε 6 σημεία, τα οποία ωστόσο είναι απαραίτητο να έχουμε κατά νου:
- Παράδοση : Είναι σημαντικό να εξετάσουμε πώς η καλλιτεχνική παράδοση των Η.Π.Α. προέρχεται στην πραγματικότητα από τις τέχνες που ασκούνται από τους αυτόχθονες πολιτισμούς.
- Οι Ευρωπαίοι : Μόνο μετά την άφιξη των Ευρωπαίων αναπτύχθηκε η σαφώς δυτική τέχνη που γνωρίζουμε σήμερα, λαμβάνοντας αρχικά μορφή στα είδη της προσωπογραφίας και του τοπίου.
- 19ος αιώνας : Τον 19ο αιώνα εμφανίστηκε ένα συνεκτικό αμερικανικό κίνημα τέχνης, δηλαδή η έλευση της Σχολής του ποταμού Hudson.
- 20ος αιώνας : Τον 20ο αιώνα, η αμερικανική δημιουργικότητα είχε ως στόχο όχι μόνο να μιμηθεί την Ευρώπη αλλά και να αναδείξει τα αμερικανικά αστικά κέντρα, καθώς και τις αγροτικές περιοχές.
- Μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο : Ο αφηρημένος εξπρεσιονισμός της μεταπολεμικής περιόδου έκανε τα φώτα της δημοσιότητας να λάμψουν άμεσα στο αμερικανικό πλαίσιο. Από αυτό το σημείο και μετά, η καλλιτεχνική επιρροή των ΗΠΑ συνέχισε να εξαπλώνεται παγκοσμίως, ιδιαίτερα μέσω της παγκόσμιας επιτυχίας του Μινιμαλισμού και της Ποπ Αρτ.
- Σήμερα : Η σύγχρονη παγκοσμιοποίηση καθιστά δύσκολη την κατανόηση των τάσεων στην τέχνη ειδικά και αποκλειστικά συνδεδεμένες με ένα συγκεκριμένο πλαίσιο, στο βαθμό που είναι ευκολότερο να εντοπιστούν μεμονωμένες προσωπικότητες σε όλο τον κόσμο των οποίων το έργο έχει πραγματικά επηρεάσει τον κόσμο της ζωγραφικής σε έναν όλο και πιο διασυνδεδεμένο κόσμο».
Top 10
«Τώρα είμαστε επιτέλους έτοιμοι για το top 10, οπότε ας βουτήξουμε!
Gilbert Stuart, George Washington, 1796. Λάδι σε καμβά, 121,9×94 εκ. Μουσείο Καλών Τεχνών, Εθνική Πινακοθήκη Πορτρέτων, Βοστώνη.
1. Gilbert S tuart (1755-1828)
Βιογραφία : Ο Γκίλμπερτ Στιούαρτ ήταν Αμερικανός ζωγράφος, περισσότερο γνωστός για τη δημιουργία επίσημων πορτρέτων των πέντε πρώτων προέδρων των ΗΠΑ, καθώς και πολλών άλλων επιφανών δημοσίων προσώπων της εποχής.
Στυλ : Ειδικευόμενος στην προσωπογραφία στο Λονδίνο, όπου ήταν μαθητής του Benjamin West, ο Stuart ανέπτυξε ένα νεοκλασικό εξιδανικευμένο στυλ. Αποτύπωσε σχολαστικά τον χαρακτήρα και την κατάσταση των θεμάτων του μελετώντας προσεκτικά τη στάση, τα ρούχα, τα χρώματα και το περιβάλλον τους.
Αριστούργημα : Το αδιαμφισβήτητο αριστούργημα του Στιούαρτ είναι αναμφίβολα το "George Washington (The Athenaeum Portrait)" (1796). Το έργο, που απεικονίζει τον πολιτικό Ουάσιγκτον σε καφέ φόντο, έμεινε σκόπιμα ημιτελές επειδή ο καλλιτέχνης δεν ήθελε να το παραδώσει στους θαμώνες, που ήταν η σύζυγος του θέματος. Ο Stuart ήθελε να δημιουργήσει αντίγραφα για να αξιοποιήσει τη φήμη του εικονιζόμενου μοντέλου. Ωστόσο, αυτή η σκόπιμη ατελή έκανε το έργο τέχνης διάσημο επειδή φαίνεται ότι σχεδιάστηκε προσεκτικά για να τονίσει το πρόσωπο του προέδρου, το οποίο θεωρείται ηθικό μοντέλο που αποπνέει δύναμη και εξουσία.
Mary Cassat, Little Girl in Blue Chair, 1878. Λάδι σε καμβά, Musée d'Orsay.
2. Mary Cassatt (1844-1926)
Βιογραφία : Η Mary Cassatt ήταν μια Αμερικανίδα ζωγράφος που πέρασε μια σημαντική περίοδο στη Γαλλία, σπουδάζοντας κοντά στον Degas και εκθέτοντας με τους ιμπρεσιονιστές.
Στυλ : Το μοναδικό στυλ του Cassatt συνδύαζε το τυπικό ιμπρεσιονιστικό πινέλο με τη χρήση ανοιχτόχρωμων χρωμάτων, που συχνά εμπλουτίζονται από μια συνεχή επιρροή από την παραδοσιακή ιαπωνική τέχνη. Με αυτό το πινέλο, απεικόνιζε συχνά γυναίκες «παγιδευμένες» σε οικιακά περιβάλλοντα, εννοώντας πιθανώς τη διάσταση στην οποία, ως γυναίκα, ήταν συχνά περιορισμένη.
Αριστούργημα : Ένα από τα πιο διάσημα έργα του καλλιτέχνη είναι αναμφισβήτητα το "Little Girl in Blue Chair" (1878), που απεικονίζει ένα νεαρό κορίτσι συνοδευόμενο μόνο από ένα μικρό σκυλί, ίσως ένα Yorkshire Terrier, που τη μιμείται χαλαρώνοντας σε μια καρέκλα τοποθετημένη σε ένα εσωτερικό, πιθανόν να μοιάζει με σαλόνι. Αυτή η σκηνή αποτυπώνει την ανέμελη φύση και τη χαλάρωση της νιότης, σαν να είχε σκοπό να ξυπνήσει αναμνήσεις της χαμένης παιδικής ηλικίας στον θεατή. Ωστόσο, η εξέχουσα θέση των επίπλων στον πίνακα μπορεί επίσης να υποδηλώνει ότι το θέμα, μερικές φορές, αισθάνεται κατακλυσμένο από τον κόσμο των ενηλίκων».
John Singer Sargent, Portrait of Madame X, 1884. Λάδι σε καμβά, 2,35 mx 1,1 m. Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Μανχάταν.
3. John Singer Sargent (1856-1925)
Βιογραφία : Ο Τζον Σίνγκερ Σάρτζεντ, ομογενής Αμερικανός καλλιτέχνης, θεωρείται ένας από τους σημαντικότερους πορτραίτες του 19ου αιώνα. Μέσα από τα ταξίδια του σε όλο τον κόσμο, διηύθυνε επίσης ζωγραφική σε στυλ ντοκιμαντέρ, αποτυπώνοντας εμβληματικά μέρη όπως η Βενετία.
Στυλ : Ο John Singer Sargent είναι γνωστός για τις χαρακτηριστικές ιμπρεσιονιστικές πινελιές του, οι οποίες ζωντάνεψαν μέσα σε συμβατικές συνθέσεις. Τα έργα του απαθανάτισαν τόσο τα χαρακτηριστικά του χαρακτήρα των θεμάτων των πορτρέτων του όσο και τα τοπία που ζωγράφιζε στον αέρα. Αυτό ήταν αποτέλεσμα της επιδέξιας επανερμηνείας του των διδασκαλιών δασκάλων όπως ο Anthony Van Dyck και ο Diego Velázquez, εμπλουτισμένη με ιμπρεσιονιστικές αποχρώσεις.
Αριστούργημα : Είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε το "Portrait of Madame X" (1884)! Ίσως το πιο διάσημο έργο του δασκάλου, απεικονίζει τη Virginie Amélie Avegno Gautreau, μια γυναίκα υψηλής κοινωνίας που δεν παρήγγειλε η ίδια τον πίνακα. Μάλιστα, ο καλλιτέχνης την επέλεξε ως μοντέλο για να απαθανατίσει μια πολυσυζητημένη φιγούρα στην παριζιάνικη κοινωνία. Το κουτσομπολιό είχε προκύψει λόγω ορισμένων φυσικών και χαρακτήρων του θέματος, του οποίου οι σαγηνευτικές ικανότητες, σε συνδυασμό με την εντυπωσιακή γοητεία, απεικονίζονταν όμορφα στον πίνακα, επιδεικνύοντας το αλαβάστρινο δέρμα της και το τολμηρό ντεκολτέ. Το έργο τέχνης εμπίπτει στο είδος της σύγχρονης προσωπογραφίας λόγω αυτών των μοναδικών ιδιοτήτων, καθώς επικοινωνεί αποτελεσματικά την πραγματική στάση του θέματος.
Edward Hopper, Nighthawks, 1942. Λάδι σε καμβά, 84 εκ. x 1,52 μ. Σχολή του Ινστιτούτου Τέχνης του Σικάγο.
4. Έντουαρντ Χόπερ (1882-1967)
Βιογραφία : Η Wikipedia σωστά αναφέρει ότι ο Έντουαρντ Χόπερ ήταν «ένας από τους πιο γνωστούς καλλιτέχνες στην Αμερική, του οποίου η επιρροή στην τέχνη και τη λαϊκή κουλτούρα ήταν σημαντική». Διακρίθηκε ως προσωπικότητα του αμερικανικού ρεαλισμού, παρέχοντας μια αυθεντική απεικόνιση της σύγχρονης αμερικανικής κοινωνίας, διαποτισμένη από μια βαθιά αίσθηση μοναξιάς.
Στυλ : Ο όρος "αμερικανικός ρεαλισμός" περιλαμβάνει όλους εκείνους τους καλλιτέχνες που προτιμούσαν να απεικονίζουν τις καθημερινές δραστηριότητες των απλών ανθρώπων, προσφέροντας μια πιστή ματιά στην πραγματική ζωή μεταξύ των μέσων του 19ου και των αρχών του 20ου αιώνα. Ωστόσο, το μεγαλείο του Χόπερ ξεπέρασε αυτό. εμβάθυνε και αποκάλυψε την πιο σκοτεινή πλευρά της ανθρώπινης εμπειρίας, αποκαλύπτοντας την ψυχολογία των υποκειμένων του. Ως αποτέλεσμα, οι άνθρωποι που απεικόνιζε, ταλαιπωρημένοι από την αδιαθεσία της εποχής, συχνά εμφανίζονταν απομονωμένοι και αποκομμένοι από το περιβάλλον τους, το οποίο συχνά χαρακτηριζόταν από την παρουσία επαναλαμβανόμενων αποκαλυπτικών φώτων.
Αριστούργημα : Η παραπάνω περιγραφή χρησιμεύει ως ερμηνεία ενός από τα πιο γνωστά έργα του πλοιάρχου, "Nighthawks" (1942), που διαδραματίζεται σε ένα εστιατόριο της Νέας Υόρκης αργά το βράδυ, όταν οι δρόμοι είναι έρημοι και οι λίγες φιγούρες συγκεντρωμένες. , κουρασμένοι και σχεδόν βουβοί, υποκύπτουν στις σκέψεις τους, συνειδητοποιώντας την αέναη μοναξιά τους.
Georgia O'Keeffe, Red Canna, 1924. Λάδι, 73,7 cm × 45,7 cm.
5. Georgia O'Keeffe (1887–1986)
Βιογραφία : Η Georgia Totto O'Keeffe ήταν Αμερικανίδα ζωγράφος της οποίας το έργο, σε μεγάλο βαθμό ανεξάρτητο από καλλιτεχνικά κινήματα, έδωσε ιδιαίτερη προσοχή στην αναπαράσταση φυσικών μορφών. Συχνά απεικόνιζε λουλούδια και τοπία, μερικά από τα οποία είχε επισκεφτεί προσωπικά.
Στυλ : Με την ονομασία «Μητέρα του αμερικανικού μοντερνισμού», η O'Keeffe κατεύθυνε την καλλιτεχνική της εξερεύνηση προς τη μετάδοση συναισθημάτων που συχνά υλοποιούνταν στην αφαίρεση του φυσικού κόσμου, κυρίως με τη μορφή εξαιρετικά λεπτομερών κοντινών πλάνων διαφορετικών ειδών λουλουδιών.
Αριστούργημα : Ένα από τα πιο εμβληματικά έργα της καλλιτέχνιδας είναι το «Red Canna» (1924), ένας πίνακας που δείχνει ξεκάθαρα τη στιλιστική της μοναδικότητα, αν και σε αυτή την περίπτωση, στρέφεται προς ένα λουλούδι που εμφανίζεται συχνά στο έργο της: το κρίνο της καννάς. Ενώ η O'Keeffe δικαιολόγησε το ενδιαφέρον της λέγοντας ότι ήθελε να δείξει πώς έβλεπε αυτά τα φυτά, πολλοί κριτικοί τα ερμήνευσαν ως σαφή νύξη για την οικεία απεικόνιση της γυναικείας μορφής, μια άποψη που η ίδια η καλλιτέχνης δήλωσε αργότερα ότι δεν συμμεριζόταν».
Grant Wood, American Gothic, 1930. Λάδι σε Beaverboard, 78 cm × 65,3 cm. Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο, Σικάγο.
6. Grant Wood (1891–1942)
Βιογραφία : Ο Grant DeVolson Wood ήταν ένας Αμερικανός ζωγράφος γνωστός για τη σχέση του με τον Περιφερειακό, κυρίως αναγνωρισμένο για τους πίνακές του που απεικόνιζαν τις αγροτικές περιοχές της αμερικανικής Μεσοδυτικής. Είναι ιδιαίτερα διάσημος για τη δημιουργία του έργου «American Gothic» (1930).
Στυλ : Σύμφωνα με το κίνημα Περιφερειαλισμός, ο Γουντ αφιέρωσε την καλλιτεχνική του καριέρα στη ρεαλιστική αναπαράσταση των προαναφερθέντων αγροτικών θεμάτων, παρουσιάζοντάς τα ως μάρτυρες σκληρής δουλειάς στα χωράφια. Αυτό επιτεύχθηκε «παραθέτοντας» δύο ξεχωριστά στυλ: τη σαφήνεια της τέχνης της Βόρειας Αναγέννησης και τις οργανικές, καμπύλες γραμμές του σχεδιασμού Art Deco. Άλλα χαρακτηριστικά στο έργο του Wood περιλαμβάνουν τη χρήση πολύπλοκων επίσημων συνθέσεων και συχνά ιδιόμορφων προοπτικών, σχεδιασμένων για να αιχμαλωτίζουν τον θεατή. Ωστόσο, πίσω από όλα αυτά κρυβόταν μια συγκεκριμένη κριτική πρόθεση, έτοιμη να αποκαλύψει τα δεινά της εποχής της Μεγάλης Ύφεσης.
Αριστούργημα : Ας επιστρέψουμε στο προαναφερθέν «American Gothic», ένα έργο που αναγνωρίζεται ως ένα από τα βασικά σύμβολα της αμερικανικής ζωγραφικής του 20ού αιώνα. Εμπίπτει στο είδος των σκηνών του είδους, στην προκειμένη περίπτωση παραπέμποντας στο παράδειγμα της Φλαμανδικής Αναγέννησης από τον Jan Van Eyck. Ωστόσο, ο Wood δανείζεται από το τελευταίο για να απεικονίσει, ίσως ειρωνικά, ένα ζευγάρι πουριτανών, που συμβολίζουν μια επαρχιακή, άγνωστη, απομονωμένη και καθυστερημένη Αμερική, πολύ μακριά από τις πιο δημοφιλείς και εξαγόμενες εικόνες του «αμερικανικού ονείρου».
Jackson Pollock, Autumn Rhythm: Number 30, 1950. Σμάλτο σε καμβά, 266,7 × 525,8 cm. MET, Νέα Υόρκη.
7. Τζάκσον Πόλοκ (1912-1956)
Βιογραφία : Ο Αμερικανός ζωγράφος Πολ Τζάκσον Πόλοκ ήταν μια θεμελιώδης προσωπικότητα στο κίνημα του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού, αφήνοντας ανεξίτηλο το στίγμα του με τη χαρακτηριστική του χρήση της τεχνικής dripping painting.
Στυλ : Είναι ακριβώς η προαναφερθείσα τεχνική dripping, την οποία ο καλλιτέχνης άρχισε να χρησιμοποιεί στα τέλη της δεκαετίας του 1940, που έκανε διάσημο το έργο του Pollock. Μέσω αυτής της τεχνικής, ο Pollock θα επέτρεπε στο χρώμα να στάζει απευθείας από ένα σωλήνα ή κουτί μπογιάς σε έναν καμβά τοποθετημένο στο έδαφος. Ακολουθώντας αυτή τη μέθοδο, εμφανίστηκε ένα από τα πιο ριζοσπαστικά αφηρημένα στυλ στην ιστορία της τέχνης, διαχωρίζοντας επαναστατικά τη γραμμή από το χρώμα για να επαναπροσδιορίσει το σχέδιο, τη ζωγραφική και τον εικαστικό χώρο. Για να αποκαλυφθεί η σύνδεση μεταξύ τεχνικής και ενστίκτου, αξίζει να σημειωθεί ότι το στάζει του Pollock προήλθε από τη φυσική παρόρμηση της φυσικής πράξης της ζωγραφικής, επιτρέποντας στο ολοκληρωμένο έργο τέχνης να μεταφέρει τη συναισθηματική δύναμη της χειρονομίας.
Αριστούργημα: «Φθινοπωρινός Ρυθμός: Νούμερο 30» (1950)! Το έργο αυτό δημιουργήθηκε με την παρουσία μιας γραμμικής δομής μαύρης μπογιάς, πάνω στην οποία εφαρμόστηκαν πρόσθετες λωρίδες χρώματος σε διάφορα χρώματα, σχηματίζοντας χοντρές, λεπτές, ανοιχτές, σκούρες, ίσιες, καμπύλες γραμμές κ.α. Όπως υποδηλώνει ο τίτλος, θυμίζει την ατμόσφαιρα του φθινοπώρου, ιδιαίτερα μέσα από γήινους τόνους.
Roy Lichtenstein, Whaam!, 1963. Acrylic, Oil Color, Magna, 1,7 mx 4 m. Tate Modern.
8.Roy Lichtenstein (1923 – 1997)
Βιογραφία : Ο Roy Fox Lichtenstein ήταν Αμερικανός καλλιτέχνης και εξέχουσα προσωπικότητα στο κίνημα της Pop art, επηρεάζοντας βαθιά τα στυλ και τα θέματά του, δίπλα σε καλλιτέχνες όπως ο Andy Warhol, ο Jasper Johns και ο James Rosenquist.
Στυλ : Ο Roy Lichtenstein είναι κυρίως γνωστός για το ώριμο στιλ του, το οποίο ανέπτυξε ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1960, εμπνευσμένο έντονα από τον κόσμο των κόμικς και υλοποιήθηκε μέσω της συγχώνευσης μηχανικής αναπαραγωγής και στοιχείων ζωγραφικής στο χέρι. Σε αυτό το πλαίσιο, το πιο ξεχωριστό στιλιστικό του χαρακτηριστικό λάμπει μέσα από: τη χρήση εμβληματικών κουκκίδων Ben-Day, αποκαλύπτοντας πώς η Pop art ήταν έτοιμη να φιλτράρει όλες τις πτυχές της εποχής, από τη διαφήμιση μέχρι τον κινηματογράφο και, κυρίως, τα κόμικς.
Αριστούργημα : "Whaam!" (1963), ένας πίνακας που αναπαράγει ένα πάνελ κόμικ όπου ένα αμερικανικό μαχητικό αεροπλάνο καταρρίπτει ένα εχθρικό αεροσκάφος με έναν πύραυλο. Σύμφωνα με τη μοναδική γλώσσα των κόμικς, το έργο τέχνης εμπλουτίζεται με ένα πάνελ που προβάλλει ρητά τα λόγια του νικητή πιλότου, ενώ ο ήχος της έκρηξης μεταφέρεται από την ονοματοποιία "WHAAM!" Αυτό που περιγράφεται εδώ, ωστόσο, δεν είναι μόνο προϊόν της φαντασίας του Lichtenstein, καθώς το αριστούργημα του 1963 αντιπροσωπεύει μια καλλιτεχνική προσαρμογή του πάνελ του 1962 που σχεδιάστηκε από τον καλλιτέχνη κόμικ Irv Novick, το οποίο εμφανίστηκε στο τεύχος #89 του "All-American Men of War. "
Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962. Polimero sintetico su tela, 51×41 cm. Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης, Νέα Υόρκη.
9. Andy Warhol (1928-1987)
Βιογραφία : Ο Andy Warhol είναι ο απόλυτος δεξιοτέχνης της ποπ, καθώς εξέφρασε τα στυλ και τα ιδανικά του κινήματος όχι μόνο μέσω της ζωγραφικής και της μεταξοτυπίας αλλά και μέσω της φωτογραφίας, της γλυπτικής, του φιλμ και της μουσικής (δημιουργούσε εμβληματικά εξώφυλλα δίσκων).
Στυλ : Τα έργα του Γουόρχολ, που διερευνούν πρωτίστως τη σχέση μεταξύ της καλλιτεχνικής έκφρασης, της διαφήμισης και της κουλτούρας των διασημοτήτων, αντιμετωπίζουν αυτά τα θέματα μέσω της χρήσης ζωντανών χρωμάτων και αναγκαστικά επαναλαμβανόμενων θεμάτων. Στόχος του ήταν να μεταμορφώσει τα σύμβολα μιας εποχής σε διαχρονικές εικόνες, παρόμοιες με αιώνιες θεότητες που επέλεξε η καταναλωτική κοινωνία.
Αριστούργημα : "Campbell's Soup Cans" (1962), μια εγκατάσταση που αποτελείται από 32 πίνακες που απεικονίζουν τα ομώνυμο κουτάκια σούπας Campbell. Ο καλλιτέχνης το συνέλαβε για να τεκμηριώσει τη βιομηχανική σειρά προϊόντων σούπερ μάρκετ, στο βαθμό που η διάταξη αυτών των θεμάτων σχεδιάστηκε ειδικά για να αναπαράγει την εμφάνισή τους στα ράφια. Η προαναφερθείσα σειρά δεν υπάρχει μόνο στη θεματολογία του αριστουργήματος αλλά και στην εκτέλεσή του, καθώς τα «Campbell's Soup Cans» δημιουργήθηκαν με ημιμηχανοποιημένη τεχνική μεταξοτυπίας, αναδεικνύοντας την έννοια της αναπαραγωγιμότητας του έργου τέχνης.
Basquiat, Untitled, 1982. Ακρυλικό, σπρέι και λαδόκολλα σε καμβά, 183,2 cm × 173 cm.
10. Jean-Michel Basquiat (1960-88)
Βιογραφία : Ο Jean-Michel Basquiat ήταν ένας Αμερικανός καλλιτέχνης που ξεκίνησε ως καλλιτέχνης γκράφιτι και αργότερα έγινε μια από τις εξέχουσες προσωπικότητες του νεοεξπρεσιονισμού, ενός κινήματος μέσω του οποίου έφερε τη γλώσσα του γκράφιτι από τα μετρό στις γκαλερί τέχνης. Γιατί ο Basquiat συνδέεται συχνά με τον Andy Warhol; Είναι σημαντικό να τονίσουμε ότι η συνάντησή του με τον τελευταίο ήταν που άνοιξε τις πόρτες των γνωστών γκαλερί της Νέας Υόρκης στον νεότερο καλλιτέχνη!
Στυλ : Η τέχνη του Basquiat αντιπροσωπεύει τη συνάντηση δύο ξεχωριστών κόσμων: εκείνου του πινέλου, και συνεπώς της ζωγραφικής με μια πιο παραδοσιακή έννοια, και εκείνου του σπρέι, ενός εκφραστή της χαρακτηριστικής γλώσσας του γκράφιτι, που εκδηλώνεται κυρίως σε στυλιζαρισμένα σχέδια και γραπτά. Αυτός ο συνδυασμός δημιουργεί ένα εκφραστικό ύφος, μερικές φορές εν μέρει αφηρημένο, πλούσιο σε αναφορές στην κουλτούρα της εποχής του καλλιτέχνη, καθώς και ρητές καταδίκες του ρατσισμού και της κοινωνικής ανισότητας. Πλούσιοι και φτωχοί, μαύροι και άσπροι, αλλά και η συνεχής εξερεύνηση που οδήγησε τον καλλιτέχνη να αντιπαραβάλει τον εσωτερικό του κόσμο με τον εξωτερικό, γεγονός που τον οδήγησε στη συγγένεια με τον εξπρεσιονισμό, με μεγάλο ενδιαφέρον για την ανθρώπινη φιγούρα και τα δεινά της ύπαρξής του.
Αριστούργημα : Οι προαναφερθείσες πτυχές βρίσκονται στο "Untitled (Basquiat skull painting)" (1982), ένας πίνακας που απεικονίζει ένα κρανίο, παρόμοιο σε θέμα με ένα έργο που δημιούργησε ο Basquiat μόλις ένα χρόνο νωρίτερα, αναφέρομαι στο "Untitled (skull )" (1981). Και τα δύο, δίνοντάς μας μια ιδέα για το τι κρύβεται κάτω από το δέρμα μας, φαίνεται να είναι ικανά να μεταφέρουν τις εσωτερικές και εξωτερικές πτυχές της ζωής, επιτρέποντάς τους να συνυπάρχουν στον καμβά.
Olimpia Gaia Martinelli