Was hat Sie dazu inspiriert, Kunst zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen …)
Der angeborene Wunsch, zu zeichnen und dann zu malen, hat mir nie den Eindruck genommen, dass es für jeden etwas Natürliches ist. Ich für meinen Teil habe, obwohl ich es nicht zu Ausstellungszwecken tue, im Laufe der Zeit immer das Zeichnen und verschiedene Maltechniken gepflegt. Aufgrund bestimmter Umstände, die es mir ermöglichten, mehr Zeit der Malerei zu widmen, folgte ich dem Weg, den mir die verschiedenen Ausstellungsmöglichkeiten boten.
Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund und mit welchen Techniken und Materialien haben Sie bisher experimentiert?
Für mich war das Zeichnen immer die grundlegende Disziplin, die man einhalten musste, wenn man etwas darstellen wollte. Obwohl ich nie lebende Mentoren hatte, verließ ich mich deshalb auf die großen Meister der Vergangenheit: Zuerst kopierte ich sie, dann imitierte ich sie und entwickelte schließlich meinen eigenen Ansatz. Dabei ließ ich mich vor allem von meiner natürlichen Neigung zur Perspektive leiten, die ich während meines Ingenieurstudiums und meiner dreijährigen Tätigkeit als Dozentin dieses Fachs an technischen Abendschulen verfeinerte. Die von mir verwendeten Techniken sind die klassischen: Kohle, Tinte, Aquarell, Tempera und Öl, bis ich schließlich zu dem Medium gelangte, das mir am besten liegt – Acryl auf Leinwand.
Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?
Ich kann diese Frage mit Sicherheit beantworten, da Beobachter häufig auf diese besonderen Merkmale hingewiesen haben. Dabei handelt es sich um die Motive, die perspektivische Sicht und die Farbe.
Woher kommt Ihre Inspiration?
Ich male selten auf der Grundlage spezifischer Motivwünsche (Porträts sind eine Ausnahme). Stattdessen folge ich thematischen Pfaden, die mich von Zeit zu Zeit faszinieren, wie etwa Afrika, Krieg oder einfach Menschen und ihr Verhalten. Tatsächlich ist Letzteres das Thema, das ich derzeit am meisten verfolge, wohl wissend, dass Sammler oft erstaunt, wenn nicht sogar unbehaglich sind, wenn sie mit einem Bild konfrontiert werden, das vielleicht sie selbst widerspiegeln könnte.
Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Emotionen möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?
Meine Frau, die meine Arbeit sehr unterstützt, sagt, dass hinter jedem Bild eine Seele steckt, die danach sucht. Das glaube ich auch. Die Herausforderung besteht darin, diese Seelen erfolgreich mit dem Bild zusammenzubringen. Wenn ich ein Werk erschaffe, versuche ich nicht absichtlich, beim Betrachter bestimmte Emotionen hervorzurufen. Was mich wirklich überwältigt und beunruhigt – vielleicht egoistisch – ist die Angst, Zeit mit etwas zu verschwenden, das mich nicht zufriedenstellt. In Wirklichkeit ist der emotionale Zustand, den der Betrachter erleben könnte, etwas, das ich zuerst selbst spüre.
Wie läuft Ihr kreativer Prozess ab? Ist er spontan oder erfordert er eine lange Vorbereitungsphase (technisch, von Kunstklassikern inspiriert oder anderweitig)?
Je nach den Umständen entstehen in meinem Kopf Bilder. Sie können als bedeutende Reihe von Motiven entstehen, die ich skizziere und zu einem bestimmten Thema ausarbeite, oder einfach aus einer Geste – zufällig auf der Straße beobachtet – die den emotionalen Zustand des Motivs offenbart. Dann übertrage ich es auf die Leinwand und passe das Originalbild an die leere Starrheit der Leinwand an.
Verwenden Sie eine besondere Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie sie mir erklären?
Ich verwende keine anderen Techniken als die klassischen, die für die Komposition des Kunstwerks erforderlich sind. Außerdem verwende ich sorgfältig getestete Farben, um unangenehme Überraschungen im Laufe der Zeit zu vermeiden. Im Laufe der Jahre habe ich verheerende Farbänderungen erlebt, die ursprünglich zur Erzielung bestimmter Effekte gewählt wurden, mit der Zeit jedoch verblassten und dem Kunstwerk seine beabsichtigte Bedeutung nahmen.
Gibt es innovative Aspekte in Ihrer Arbeit? Können Sie uns davon erzählen?
Mir ist klar geworden, dass die Innovation meiner Bilder einfach darin liegt, dass ich Werke schaffe, die keine langen Erklärungen über die psychologischen oder existentiellen Beweggründe dahinter erfordern. Stattdessen regen sie den Betrachter an, seine eigenen Geschichten auf der Grundlage der Bilder zu erfinden, die im Wesentlichen Fragmente der Erzählungen sind, die einem unweigerlich in den Sinn kommen, wenn man sie dazu anregt.
Gibt es ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?
Ich fühle mich sehr wohl bei der Arbeit mit Acrylfarben auf Leinwand. Für Arbeiten auf Karton oder Papier verwende ich verschiedene Techniken.
Wo entstehen Deine Werke? Zu Hause, in einem Gemeinschaftsatelier oder in Deinem eigenen Atelier? Wie organisierst Du Deine kreative Arbeit in diesem Raum?
Die Größe meiner Arbeiten erfordert im Allgemeinen keine sehr großen Räume, obwohl ich bei Bedarf auch großformatige Stücke schaffen kann, für die ich einen eigenen Raum habe. Da ich meine Zeit zwischen zwei Städten aufteile, reicht für die meisten meiner Arbeiten ein Teil eines Zimmers in jedem Haus aus.
Reisen Sie aufgrund Ihrer Arbeit, um neue Sammler kennenzulernen, Messen zu besuchen oder an Ausstellungen teilzunehmen? Wenn ja, was motiviert Sie?
Früher bin ich viel gereist, nicht zum Vergnügen, das finde ich langweilig und ermüdend, sondern beruflich, zum Beispiel zum Malen. Heute bin ich sesshafter und reise nur, wenn die Umstände es erfordern. Ich widme mich endlich der Betrachtung der schönsten Landschaften, die es gibt: den Menschen mit all ihren Vorzügen und Fehlern. Im Rahmen dieser Interaktionen, die oft mit Kunst zu tun haben, besuche ich häufig Museen, Ausstellungen und Vernissagen.
Wie stellen Sie sich die Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer künstlerischen Karriere in der Zukunft vor?
Ich möchte nicht dramatisch klingen, aber welche Zukunft können wir voraussagen, außer eine, in der die Kunstkultur mehr mit der jüngeren Generation geteilt wird, anstatt in den Schatten gestellt zu werden? Erst vor ein paar Tagen behauptete ein nicht ganz unerfahrener Mensch, meine Bilder seien mit einem Plotter gemacht worden – eine Meinung, die durch den technischen Fortschritt verzerrt wurde. Wenn es so weitergeht, werden schöne Drucke genügen und die Malerei wird untergehen, so wie die Disziplin des Zeichnens bereits untergegangen ist, obwohl sie glücklicherweise von talentierten Comiczeichnern am Leben gehalten wird. Darüber hinaus verzichte ich darauf, die Zukunft vorherzusagen, weil ich immer falsch gelegen habe.
Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Arbeit?
Meine neuesten Arbeiten sind Leinwände, die menschliche Subjekte in ihrem alltäglichen Leben darstellen, sowie eine Serie von dreißig Zeichnungen auf Karton in verschiedenen Größen. Diese mit einem Füllfederhalter angefertigten Zeichnungen stellen urbane Landschaften dar, die aus multifokussierten Perspektiven interpretiert werden.
Können Sie uns von Ihrem bedeutendsten Ausstellungserlebnis erzählen?
Ich habe in Italien und im Ausland zahlreiche Ausstellungen abgehalten, die ich für gleichermaßen wichtig halte. Die schönste Erinnerung ist für mich jedoch die Ausstellung in Mailand in der „Daverio-Bibliothek“, die von Philippe Daverio selbst organisiert wurde. Er war ein wunderbarer Mensch von großer Kultur, der leider nicht mehr unter uns weilt, aber aufgrund seiner bemerkenswerten Menschlichkeit lebt er in unserer Erinnerung weiter.
Wenn Sie ein berühmtes Kunstwerk der Kunstgeschichte schaffen könnten, welches wäre das? Und warum?
Ich würde die entmutigende Aufgabe vermeiden, nur eines aus den Tausenden von Werken auszuwählen, die ich bewundere, weil ich mich nicht für ein Lieblingswerk entscheiden kann. Stattdessen würde ich mich einem beliebigen Künstler unter denen zuwenden, die die Höhlen von Lascaux geschmückt haben. Diese primitiven, aber hochtalentierten Menschen besaßen das Genie, von der Dreidimensionalität eines lebenden Tieres zu einer zweidimensionalen Darstellung überzugehen, ohne den Vorteil eines jahrtausendealten kulturellen „Hintergrunds“.
Wenn Sie einen berühmten Künstler (lebend oder verstorben) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie vorschlagen, den Abend zu verbringen?
Ich würde den oben erwähnten primitiven Künstler einladen. Obwohl er bei Tisch wahrscheinlich etwas unruhig wäre, wäre unser Gespräch, das wir durch Gesten und Geräusche führen, zweifellos klarer als einige der kritischen Schriften, die ich hier und da lesen konnte.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazin
