Mark Bradford ist ein zeitgenössischer amerikanischer Künstler, der für seine großformatigen abstrakten Gemälde bekannt ist, in denen er oft alltägliche Materialien wie Papier, Plakate und Textilien verarbeitet. Seine Werke sind bekannt für ihre Komplexität, Vielschichtigkeit und Fähigkeit, soziale, rassische und politische Themen zu kommentieren. Bradfords Werke behandeln Themen wie Stadtleben, Widerstandsfähigkeit und Ungleichheit und machen ihn zu einer einzigartigen Stimme in der zeitgenössischen Kunst.
Biographie
Mark Bradford (* 20. November 1961) ist ein bekannter amerikanischer Künstler, der für seinen einzigartigen visuellen Stil bekannt ist. Er wurde in Los Angeles geboren, lebt und arbeitet dort. Bradford studierte am California Institute of the Arts und erlangte Anerkennung für seine großformatigen Collagengemälde, die weltweit ausgestellt wurden. Seine kreative Praxis umfasst verschiedene Medien, darunter Video, Druckgrafik und Installation. 2017 vertrat er die Vereinigten Staaten auf der Biennale in Venedig und 2021 wurde er vom Time Magazine zu einem der 100 einflussreichsten Menschen ernannt.
Bradford wuchs in South Los Angeles auf. Seine Mutter betrieb einen Schönheitssalon in Leimert Park und Bradford half ihr gelegentlich im Geschäft. Im Alter von 11 Jahren zog seine Familie in eine überwiegend weiße Gegend in Santa Monica, aber seine Mutter behielt ihren Salon in ihrer alten Nachbarschaft. Nach Abschluss der High School erwarb Bradford eine Friseurlizenz und arbeitete einige Zeit im Salon seiner Mutter.
Er begann seine Hochschulausbildung am Santa Monica College, bevor er an das California Institute of the Arts wechselte, wo er 1991 seinen Abschluss machte. Bradford erlangte 1995 seinen Bachelor of Fine Arts und schloss 1997 seinen Master of Fine Arts ab. Damit schloss er seine akademische Laufbahn im Alter von 30 Jahren ab.
Stil, Bewegung und Themen
Mark Bradford ist bekannt für seinen unverwechselbaren abstrakten Stil, der Elemente des abstrakten Expressionismus und des Post-Minimalismus kombiniert und durch mehrschichtige Collagetechniken großformatige, gitterartige Gemälde schafft. In seinen Werken verwendet er oft gefundene Materialien wie Papier und Schnüre, die er mit Methoden wie Aushöhlen, Reißen, Schreddern, Kleben, Hochdruckreinigen und Schleifen überarbeitet. Bradfords komplexer Schichtungsprozess ermöglicht es ihm, Themen wie städtisches Leben , soziale Ungleichheit und die Marginalisierung afroamerikanischer Gemeinschaften zu behandeln. Seine Stücke ähneln oft Luftaufnahmen von Städten, wobei sich Straßen, Karten und Gebäude in chaotischen, aber strukturierten Kompositionen überlagern.
Bradford verwendet häufig Handelsplakate – Anzeigen für Dienstleistungen wie Wohnraum, Rechtsberatung und Vaterschaftstests, die er in städtischen Vierteln sammelt. Laut dem Kunstkritiker Sebastian Smee spiegeln diese Plakate „die Beschaffenheit der städtischen Umgebung“ wider und sind sinnbildlich für seinen Fokus auf Übergangsräume und Randgruppen.
Neben seinen gesellschaftskritischen Kommentaren beschäftigt sich Bradford gelegentlich mit Themen wie Männlichkeit und Geschlecht und greift dabei auf seine eigenen Erfahrungen als schwuler Mann zurück. Seine Werke stellen traditionelle Narrative in Frage und erforschen die Schnittmenge von Rasse, Identität und Sexualität.
Berühmte Werke
Mark Bradfords „Scorched Earth“ und „Black Wall Street“ (2006) entstanden als Reaktion auf das Tulsa Race Massacre von 1921 , einen gewalttätigen Angriff auf die schwarze Gemeinschaft in Tulsa, Oklahoma. Dieses historische Thema griff er 2021 mit dem Gemälde „Tulsa Gottdamn“ erneut auf, anlässlich des hundertsten Jahrestags des Massakers. Bradfords Auseinandersetzung mit diesem dunklen Kapitel der amerikanischen Geschichte unterstreicht sein Interesse an rassistischer Gewalt und ihren langfristigen Auswirkungen auf marginalisierte Gemeinschaften.
Bradfords „Orbit“ (2007) ist ein bedeutendes Werk, das das Bild eines Basketballs vor einem dichten Raster zeigt, das die Straßen von Los Angeles darstellt. Das Kunstwerk, das in einer Mischung aus Collage und Décollage entstanden ist, spiegelt die Fragilität städtischer Strukturen wider. Es zieht Vergleiche mit der Ikonographie schwarzer Sporthelden, ähnlich den Werken von Jean-Michel Basquiat , doch Bradfords Ansatz ist mehrdeutiger und stellt die Frage, ob der Basketball Hoffnung oder das falsche Versprechen der Flucht aus der Innenstadt symbolisiert.
„Ein wahrhaft reicher Mann ist einer, dessen Kinder ihm in die Arme laufen, selbst wenn seine Hände leer sind“ (2008), ein fast 2,75 Meter breites und hohes Werk, erinnert an Bilder von zerbrochenen Windschutzscheiben bei Aufständen, über deren Oberfläche dunkle Lichtnetze streifen. Der Kritiker Maxwell Heller hat bemerkt, dass die taktilen Schichten des Werks, die geschnitten, geschliffen und lackiert wurden, die sinnliche Natur von Bradfords Prozess offenbaren.
Bradfords künstlerische Arbeit geht über die Malerei hinaus und umfasst auch Video, Druck und Installation. Seine Installation „Mithra“ aus dem Jahr 2008 war eine gewaltige Arche aus wiederverwertetem Sperrholz, 21 x 6 x 7,5 Meter groß und für Prospect New Orleans gebaut, eine Ausstellung zum Gedenken an den Hurrikan Katrina . Im selben Jahr schuf er auch eine Installation auf dem Dach der Steve Turner Contemporary Gallery in Los Angeles, gegenüber dem Los Angeles County Museum of Art , die später bei der 55. Carnegie International erneut gezeigt wurde.
Im Jahr 2015 schuf Bradford „Pull Painting 1“ , eine ortsspezifische Wandzeichnung, die von Sol LeWitt inspiriert wurde und an einer 60 Fuß hohen Wand im Wadsworth Atheneum entlangführte. Bradford verwendete Schichten aus leuchtendem Papier, Farbe und Seil und schleifte, schälte und schnitt Abschnitte ab, um eine stark strukturierte Komposition zu schaffen.
Bradfords Installation „Pickett's Charge“ (2017) im Hirshhorn Museum in Washington, DC, ist eines seiner monumentalsten Werke und wurde direkt vom Gettysburg Cyclorama inspiriert. Dieses 400 Fuß lange Werk interpretiert die Schlacht des Bürgerkriegs in einem zeitgenössischen Kontext neu und überlagert historische Bilder mit modernen Themen wie Konflikt und Spaltung.
2017 installierte Bradford außerdem „We the People“ in der US-Botschaft in London. Dieses große Wandgemälde enthält Fragmente der US-Verfassung und untersucht Themen wie Regierungsführung und Repräsentation, während es gleichzeitig die Frage aufwirft, wie der Begriff „wir“ definiert wird.
Schließlich war sein Werk „WHAT HATH GOD WROUGHT“ aus dem Jahr 2018 an der University of California in San Diego eine 60 Meter hohe Struktur, die den Einfluss der Technologie auf die Kommunikation untersuchte. Der Satz selbst bezieht sich auf die erste von Samuel Morse gesendete Telegrafennachricht und verbindet Bradfords Werk weiter mit der technologischen und gesellschaftlichen Entwicklung.
Ausstellungen und Kunstmarkt
1998 veranstaltete Mark Bradford eine Einzelausstellung mit dem Titel „Distribution“ in Deep River, einer von Daniel Joseph Martinez und Glenn Kaino gegründeten Künstlergalerie in Los Angeles. Dies war ein Wendepunkt in seiner frühen Karriere. 2001 erhielt Bradfords Arbeit große Aufmerksamkeit, als Thelma Golden seine Collagen aus Friseurvorsatzblättern wie „Enter and Exit the New Negro“ (2000) und „Dreadlocks Can’t Tell Me Shit“ (2000) in die einflussreiche Ausstellung „Freestyle“ im Studio Museum in Harlem einbezog. Diese Collagen spielten auf Bradfords frühere Erfahrungen an, die er im Friseursalon seiner Mutter in South Los Angeles gemacht hatte.
Im Laufe seiner Karriere stellte Bradford in bedeutenden Institutionen weltweit aus, darunter im Wexner Center for the Arts , der Royal Academy of London und dem Museum of Contemporary Art San Diego . Seine Teilnahme an prestigeträchtigen Veranstaltungen wie der Liverpool Biennial (2006), der São Paulo Biennial (2006) und der Whitney Biennial (2006) festigte seinen Status als führende Persönlichkeit der zeitgenössischen Kunst.
2014 präsentierte Bradford „The King’s Mirror“ , ein 30 Meter langes Wandgemälde im Rose Art Museum der Brandeis University. Im folgenden Jahr stellte er „Tears of a Tree“ im Rockbund Art Museum in Shanghai vor und seine erste Einzelausstellung in Los Angeles, „Scorched Earth“ , fand im Hammer Museum statt. Seine bahnbrechende Ausstellung „Tomorrow Is Another Day“ auf der Biennale in Venedig 2017 erhielt viel Lob und wurde mit Jackson Pollocks Einfluss auf die amerikanische Kunst verglichen.
In den letzten Jahren hat Bradford immer wieder Grenzen ausgelotet. Seine Ausstellung „Cerberus“ von 2018 bei Hauser & Wirth London zeigte großformatige Gemälde und ein von der griechischen Mythologie inspiriertes Videostück. Darüber hinaus spiegelt sich Bradfords anhaltendes Engagement für soziale Themen in seiner Ausstellung „Mark Bradford: Los Angeles“ von 2019 im Long Museum in Shanghai wider, die sich auf die Watts-Unruhen von 1965 konzentrierte.
Im Jahr 2020, während der COVID-19-Pandemie, passte sich Bradford der neuen Realität mit einer Online-Ausstellung mit dem Titel „Quarantine Paintings“ an, in der neue, während des Lockdowns entstandene Werke gezeigt wurden. Sein Einfluss wächst weiterhin, wie seine Einzelausstellung „Masses & Movements“ 2021 bei Hauser & Wirth Menorca zeigt. Seine Arbeit wurde mit zahlreichen Auszeichnungen bedacht, darunter einem MacArthur Fellowship und der Aufnahme in die American Academy of Arts and Letters .
Bradfords Einfluss auf die Kunstwelt wird außerdem durch seine Aufnahme in die Liste der 100 einflussreichsten Menschen des Time-Magazins im Jahr 2021 und seinen anhaltenden Einfluss in Los Angeles gewürdigt, der in einem Artikel in der Los Angeles Times im Jahr 2024 hervorgehoben wird.
Im Jahr 2015 erzielte Mark Bradfords Mixed-Media-Collage „Constitution IV“ (2013) bei Phillips den Rekordpreis von 5,8 Millionen Dollar und markierte damit den höchsten Auktionspreis seiner Karriere. Dieser Verkauf erfolgte nur wenige Monate, nachdem ein weiteres Werk, „Smear“ (2015), bei Sotheby’s New York für 4,4 Millionen Dollar verkauft wurde und damit den Schätzpreis von 700.000 Dollar deutlich übertraf.
Im März 2018 erreichte Bradfords monumentales Werk „Helter Skelter I“ einen noch beeindruckenderen Meilenstein, als es bei einer Auktion für 12 Millionen Dollar verkauft wurde. Dieser Verkauf stellte nicht nur einen persönlichen Rekord für Bradford dar, sondern war laut Daten von Phillips und früheren Auktionsergebnissen auch der höchste Auktionspreis, der jemals von einem lebenden afroamerikanischen Künstler erzielt wurde.
Einfluss auf andere Künstler
Bradfords Ansatz hat möglicherweise zahlreiche jüngere Künstler beeinflusst , insbesondere durch seine Verwendung gefundener Materialien und seine Fähigkeit, soziale und politische Themen durch Abstraktion zu kommentieren. Künstler wie Njideka Akunyili Crosby und El Anatsui haben möglicherweise Parallelen zu Bradfords Methoden der Materialmanipulation und thematischen Fokussierung gezogen , obwohl ihre Arbeit unterschiedlich bleibt.
Wenig bekannte Fakten
Nur wenige wissen, dass Bradfords frühe Karriere im Friseursalon seiner Mutter seinen künstlerischen Prozess beeinflusst hat. Er verwendet oft Materialien aus der Welt des Friseurhandwerks, wie zum Beispiel die „Endpapiere“ für Dauerwellen, die in vielen seiner Werke eine wichtige Rolle spielen. Darüber hinaus engagiert sich Bradford stark für soziale Belange: Er war Mitbegründer von Art + Practice , einer gemeinnützigen Organisation, die Pflegekinder in Los Angeles unterstützt.
Bradford war in einer Folge von 60 Minutes zu sehen, in der er von Anderson Cooper interviewt wurde. Diese Folge wurde ursprünglich am 12. Mai 2019 ausgestrahlt. In Anerkennung der Qualität dieses Beitrags gewann CBS News im September 2020 einen News & Documentary Emmy Award , und zwar in der Kategorie „ Herausragender Bericht über Kunst, Kultur und Unterhaltung“ .
Mark Bradfords innovativer Ansatz zur abstrakten Kunst, kombiniert mit seiner Fähigkeit, soziale, politische und rassische Narrative in seine Arbeit einzuflechten, macht ihn zu einem der einflussreichsten Künstler unserer Zeit. Seine großformatigen, vielschichtigen Kompositionen fordern traditionelle Grenzen heraus und liefern einen kraftvollen Kommentar zum zeitgenössischen Stadtleben.
Selena Mattei
| ArtMajeur Magazin