Julia Dogan: Kunst war schon immer meine Art zu kommunizieren

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunst zu schaffen und Künstler zu werden?

Kunst war schon immer meine Art, mit der Welt zu kommunizieren – wenn Worte nicht ausreichen, sprechen meine Bilder. Ich habe in meinem Leben so viel erlebt, das nach Ausdruck verlangte: Momente der Freude, des Schmerzes, der Freiheit und der Sehnsucht. Jeder Wandel, jede Herausforderung, jeder Moment des Wachstums hat meiner künstlerischen Stimme neue Facetten verliehen.

Durch Kunst kann ich eine tiefe Verbindung zu Menschen aufbauen und ihnen helfen, ihre Perspektive zu ändern, so wie ich es getan habe. Ich möchte nicht einfach nur schöne Objekte schaffen – ich möchte andere dazu inspirieren, Freiheit in ihrem Leben zu leben und die Herausforderungen des Lebens nicht als Hindernisse, sondern als Chance zum Wachstum zu sehen. Dieser Wunsch hat mich dazu gebracht, den Konzeptuellen Pop-Realismus zu entwickeln, einen Stil, der realistische Bilder mit philosophischer Tiefe und erhebenden Emotionen verbindet.

Alles, was ich male, vermittelt eine Botschaft: Freiheit ist eine Entscheidung und kann glücklich machen. Ich glaube daran, lebendige, positive Energie zu nutzen, um den Betrachter zu fesseln und ihn dazu anzuregen, über die Komplexität des Lebens nachzudenken, ohne sich davon überwältigt zu fühlen. Es geht um Transformation, und genau darum geht es in meiner Kunst – eine fortwährende Reise der Selbstbefreiung und Selbstfindung.

Für mich war die Künstlerinkarriere nicht nur eine Karriere; sie war unvermeidlich. Sie ist das, was mich im Innersten ausmacht. Jede Leinwand, die ich berühre, lädt die Menschen ein, nachzudenken, sich gestärkt zu fühlen und letztendlich zu einer freieren Version ihrer selbst zu werden.

Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?

Meine künstlerische Reise war eine dynamische Auseinandersetzung mit Technik und Bedeutung. Ich begann mit klassischem Zeichnen, das mir ein solides Fundament in Form und Komposition vermittelte. Mit der Zeit vertiefte ich mich in die Ölmalerei, fasziniert von ihrem Reichtum und ihrer Fähigkeit, komplexe Emotionen zu vermitteln. Ich experimentierte mit verschiedenen Genres – Porträt, Stillleben und abstrakten Konzepten –, bis ich im Realismus meine einzigartige Stimme fand. Doch ich wollte die Realität nie einfach nur abbilden; ich wollte sie als Brücke zu etwas Tieferem nutzen.

Anfangs waren meine Motive vor allem dem Alltag entnommen – Menschen, Gegenstände und Momente, die eine emotionale Resonanz auslösten. Im Laufe meiner Entwicklung verlagerte sich mein Fokus jedoch auf philosophische Ideen. Ich begann, Symbolik zu integrieren und Kompositionen zu schaffen, in denen jedes Detail Bedeutung hat und den Betrachter dazu anregt, über die Oberfläche hinauszudenken. So entstand der Konzeptuelle Pop-Realismus – eine Verschmelzung heller, zugänglicher Bilder mit Bedeutungsebenen, die sich dem Betrachter bei genauerem Hinsehen allmählich offenbaren.

Technisch liebe ich es, mit Kontrasten zu spielen – sowohl farblich als auch inhaltlich. Ich verwende oft kräftige Farbpaletten als Gegengewicht zu ernsten Themen und lade den Betrachter auf unbeschwerte Weise zu ernsthaften Gesprächen ein. Ich experimentiere auch mit Texturen und vermische sanften Realismus mit ausdrucksstarken, gröberen Strichen, um visuelle Spannung und Energie zu erzeugen. Jedes Werk ist eine Reise, nicht nur für den Betrachter, sondern auch für mich, da ich ständig erforsche, wie ich die Grenzen zwischen Realismus und Konzept verschieben kann.

Letztendlich geht es in meiner Arbeit um Freiheit – Freiheit des Ausdrucks, des Denkens und des Seins. Durch diese Experimente mit Motiven und Techniken habe ich entdeckt, dass es in meiner Kunst nicht nur darum geht, was ich male, sondern auch darum, welche Gefühle es in den Menschen auslöst: gestärkt, inspiriert und verbunden mit etwas Größerem als sich selbst.

Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

1. Die Erschaffung von   Konzeptioneller Pop-Realismus
   Ich habe den Konzeptuellen Pop-Realismus entwickelt, um Realismus mit Philosophie und Emotion zu verbinden und eine Alternative zu den oft in der Konzeptkunst vorkommenden schweren Themen zu bieten. Während traditioneller Konzeptueller Realismus düster und schwer wirken kann, lädt mein Ansatz die Betrachter ein, sich mit tiefgründigen Ideen durch eine positive, lebendige Linse auseinanderzusetzen. Ich verwende leuchtende Farben und eingängige Bilder, um zum Nachdenken anzuregen und die Betrachter zu ermutigen, philosophische Fragen auf eine Weise zu untersuchen, die sie erhebt und bestärkt. Diese Verschmelzung von Bedeutung und Stimmung – tiefe Gedanken ohne Schwere – macht meinen Stil unverwechselbar.

2. Freiheit als Kernthema
   Das Streben nach Freiheit ist nicht nur ein Thema – es ist die Seele meiner Arbeit. Jedes meiner Werke ist ein Zeugnis für den Glauben, dass Freiheit Glück und Wachstum bringt. Anders als viele Künstler, die sich ausschließlich auf Ästhetik oder Narrative konzentrieren, nutze ich meine Bilder als Medium, um andere zu persönlicher Befreiung zu inspirieren. In meiner Kunst geht es nicht nur darum, eine Geschichte zu erzählen; sie lädt Menschen ein, über ihr eigenes Leben nachzudenken, Grenzen zu hinterfragen und neue Möglichkeiten zu erkunden. Jedes Bild ist ein Aufruf zum Handeln: Lebe authentisch, nimm Veränderungen an und suche nach innerer Freiheit.

3. Emotionale Verbindung durch Realismus und Symbolik
   Was meine Arbeit auszeichnet, ist die Verbindung technischer Meisterleistung mit tiefer emotionaler Resonanz. Meine Gemälde sind nicht nur realistische Darstellungen – sie sind symbolische Reisen. Jedes Objekt, jede Farbe und jedes Element der Komposition erfüllt einen Zweck und trägt mehrere Bedeutungsebenen in sich. Ich glaube, dass Kunst nicht nur visuell ansprechend sein, sondern auch starke Emotionen hervorrufen und zum Nachdenken anregen sollte. Diese Mischung aus Realismus und subtiler Symbolik sorgt dafür, dass meine Arbeit sowohl auf intellektueller als auch auf emotionaler Ebene Resonanz findet und einen nachhaltigen Eindruck bei denen hinterlässt, die sich damit beschäftigen.

Zusammen machen diese Elemente meine Kunst zu mehr als bloßen visuellen Werken – sie sind transformierende Erfahrungen, die darauf abzielen, in jedem Betrachter Selbsterkenntnis und innere Freiheit zu wecken.

Woher kommt Ihre Inspiration?

Meine Inspiration schöpfe ich aus einer tiefen Verbundenheit mit dem Leben selbst – seiner Komplexität, seinen Widersprüchen und seiner Schönheit. Ich finde sie in den großen und den alltäglichen Momenten: im Gefühl des Sonnenlichts auf meiner Haut, im Rhythmus der Wellen beim Surfen oder in der Art und Weise, wie sich Emotionen in scheinbar banalen Situationen entfalten. Jede Erfahrung, ob freudig oder herausfordernd, trägt eine Botschaft in sich, und diese fließen in meine Kunst ein.

Die Natur spielt eine bedeutende Rolle in meinem kreativen Prozess. Insbesondere das Meer ist eine ständige Inspirationsquelle – das Surfen lehrt mich Freiheit, Fluss und Widerstandsfähigkeit – Lektionen, die ich in meine Arbeit einfließen lasse. Das dynamische Wechselspiel zwischen Chaos und Harmonie in der Natur spiegelt die Themen wider, die ich in meinen Gemälden erkunde.

Menschliche Emotionen und die Geschichten, die wir in uns tragen, inspirieren mich zutiefst. Das Beobachten von Menschen – ihrer Interaktionen, Verletzlichkeiten und Erfolge – bringt mich zu neuen Ideen für Kompositionen. Ich versuche, nicht nur einen Moment festzuhalten, sondern auch die Emotionen und Gedanken unter der Oberfläche. Mit meiner Kunst möchte ich das zum Ausdruck bringen, was Worte oft nicht ausdrücken können.

Schließlich ist Freiheit der Grundstein meiner Inspiration. Ich sehe sie als mein höchstes Ziel und erforsche ständig, was es bedeutet, geistig, emotional und kreativ frei zu leben. Diese Suche ist der Antrieb für jeden Pinselstrich. Meine Inspiration beschränkt sich nicht auf bestimmte Ereignisse oder Objekte; es ist eine kontinuierliche Suche nach Sinn und Verbindung, und jedes Gemälde ist ein Teil dieser Reise.

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Mein künstlerischer Ansatz basiert auf der Überzeugung, dass Kunst Menschen verändern kann, indem sie ihnen ihr eigenes Potenzial eröffnet. Jedes meiner Gemälde ist eine bewusste Verschmelzung von Technik, Bedeutung und Emotion. Ich möchte über bloße Ästhetik hinausgehen – mein Ziel ist es, eine tiefere Verbindung zum Betrachter aufzubauen und ihn zu inspirieren, die Komplexität des Lebens mit Freiheit und Positivität zu betrachten. Ich möchte, dass sie meine Bilder nicht nur als Betrachter, sondern als Teilnehmer ihrer eigenen emotionalen Reise verlassen.

Visuell verbinde ich realistische Darstellungen mit symbolischen Elementen, um Bedeutungsebenen zu schaffen, die sich nach und nach entfalten. Ich möchte, dass die Betrachter zunächst von der Schönheit und lebendigen Energie des Werks angezogen werden, um dann unter der Oberfläche tiefere philosophische Fragen zu entdecken. Dieses Zusammenspiel von Einfachheit und Tiefe spiegelt meinen Wunsch wider, die Betrachter zum Innehalten, Nachdenken und zur Auseinandersetzung anzuregen – nicht nur mit der Kunst, sondern auch mit ihren eigenen Gedanken und Gefühlen.

Das wichtigste Gefühl, das ich hervorrufen möchte, ist Freiheit – mental, emotional und kreativ. Ich glaube, dass Menschen durch Kunst ihre Grenzen überwinden, ihre Überzeugungen hinterfragen und neue Denkweisen entdecken können. Meine Bilder sollen aufmuntern, inspirieren und ein Gefühl der Möglichkeiten wecken. Ich möchte, dass die Menschen mit Leichtigkeit im Herzen gehen, mit dem Gefühl, zu mehr fähig zu sein, als sie sich je erträumt haben, und mit dem Drang, ihre eigene Vorstellung von Glück zu verfolgen.

Gleichzeitig setze ich in meiner Arbeit auf Kontraste – ein Gleichgewicht zwischen Licht und Schatten, Freude und Melancholie, Sanftheit und Stärke. Diese Spannung spiegelt die Realität des Lebens wider, in der Freiheit oft durch die Konfrontation mit schwierigen Wahrheiten entsteht. Durch diese Kontraste möchte ich den Betrachtern ein Gefühl emotionaler Befreiung vermitteln, als hätten sie inmitten des Chaos einen Moment der Klarheit oder des Friedens erlebt.

Letztendlich geht es mir um die Verbindung: zwischen dem Betrachter und der Kunst, zwischen Gedanken und Gefühlen und zwischen jedem Menschen und seinem Inneren. Jedes Gemälde ist eine Einladung, das Leben tiefer, freier und mit mehr Freude zu erfahren.

Wie ist der Entstehungsprozess Ihrer Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess?

Der Entstehungsprozess meiner Werke ist eine Mischung aus Spontaneität und sorgfältiger Vorbereitung. Meist beginnt alles mit einer Idee oder einem Gefühl – einem Funken Inspiration, der aus einem persönlichen Erlebnis, einer Emotion oder sogar einer alltäglichen Szene entstehen kann. Ich stürze mich jedoch nie direkt auf die Leinwand. Ich nehme mir Zeit, die Idee reifen zu lassen und darüber nachzudenken, wie ich sie in ein visuelles Erlebnis umsetzen möchte.

Die Vorbereitung umfasst sowohl konzeptionelle als auch technische Elemente. Ich skizziere erste Ideen und experimentiere manchmal mit Kompositionen, um sicherzustellen, dass der visuelle Fluss mit der zugrunde liegenden Botschaft übereinstimmt. Diese Phase beinhaltet auch Recherche – sei es die erneute Betrachtung von Kunstklassikern zur Inspiration oder die Auseinandersetzung mit philosophischen Konzepten, die ich vermitteln möchte. Ich liebe es, in Werke von Meistern wie Vermeer oder Hopper einzutauchen – nicht, um sie zu imitieren, sondern um zu verstehen, wie sie Licht, Emotionen und Erzählung eingefangen haben.

Sobald ich eine klare Vision habe, beginnt die eigentliche Arbeit. Oft bereite ich mehrere Schichten auf der Leinwand vor und baue Texturen auf, um Tiefe zu erzeugen. Der Malprozess selbst ist der Ort, an dem die Spontaneität überhandnimmt. Obwohl ich mit einem Plan an die Leinwand gehe, lasse ich Raum für Unerwartetes. Manchmal entstehen die bedeutsamsten Details ganz natürlich während des Malens – ein plötzlicher Pinselstrich, ein Farbwechsel oder ein neues Element, das die Richtung des Werks verändert.

Ich sehe meine Werke auch als Dialoge zwischen Intuition und Intention. Ich weiß, wohin ich will, lasse mich aber vom Gemälde leiten. Diese Balance zwischen Kontrolle und Freiheit spiegelt die Themen wider, die ich in meiner Kunst erkunde – das Leben ist unvorhersehbar und voller Intentionen, und gerade in diesem Zusammenspiel entsteht oft Schönheit.

Die Fertigstellung eines Gemäldes kann Wochen oder sogar Monate dauern, insbesondere wenn ich komplexe Symbolikebenen schaffen möchte. Es geht nicht nur um technische Perfektion; es geht darum, das Werk emotional vollendet zu spüren – dass es die Energie trägt, die ich einfangen wollte. Wenn ich einen Schritt zurücktrete und spüre, dass das Gemälde ein Eigenleben entwickelt hat, weiß ich, dass es fertig ist.

Verwenden Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie diese erläutern?

Ja, ich verwende hauptsächlich die Technik der Glattmalerei ( gladkoe pis'mo ), die in der Tradition der alten Meister verwurzelt ist. Bei dieser Methode werden mehrere dünne Schichten einer durchscheinenden Lasur, bekannt als Lasur , aufgetragen, um Tiefe, Leuchtkraft und subtile Farbabstufungen zu erzeugen, ohne dass auf der Leinwand eine sichtbare oder erhabene Struktur entsteht. Jede Schicht wird sorgfältig aufgetragen und getrocknet, bevor die nächste aufgetragen wird. Das Ergebnis ist eine Oberfläche, die sich vollkommen glatt anfühlt und bei der keine Pinselstriche aus der Leinwand hervorstehen.

Zusätzlich zu diesem traditionellen Ansatz habe ich meine eigene Technik der farbigen Grundierung entwickelt. Anstatt mit einer neutralen oder weißen Gesso-Basis zu beginnen, trage ich leuchtende Grundfarben auf, die als Grundlage für das Gemälde dienen. Diese Technik ermöglicht den Pigmenten eine einzigartige Interaktion mit den darunterliegenden Farben und erzeugt einen leuchtenden Effekt. Die Farben bleiben lebendig und intensiv, verstärken die Energie des Gemäldes und – was am wichtigsten ist – sie bleiben dauerhaft leuchtend und frisch und widerstehen dem oft mit der Zeit auftretenden Matteffekt. Diese Innovation stellt sicher, dass meine Werke über die Jahre hinweg ihre ursprüngliche emotionale Wirkung behalten.

Die Kombination aus sanfter Malerei und farbiger Grundierung verleiht meinen Werken eine einzigartige visuelle Tiefe und Leuchtkraft. Die durchscheinenden Schichten bauen auf dem lebendigen Untergrund auf und lassen das Licht durch die Farbe dringen und reflektiert werden, wodurch die Farben satt und lebendig wirken. Es ist ein zeitintensiver Prozess, der Präzision und Geduld erfordert, aber mir ermöglicht, eine nahtlose Harmonie zwischen technischer Meisterschaft und emotionaler Resonanz zu erreichen.

Dieser sorgfältige Ansatz spiegelt meine Philosophie wider, dass Kunst mühelos und harmonisch wirken sollte, selbst wenn sie tiefgründige, komplexe Themen behandelt. Die glatte, makellose Oberfläche lädt den Betrachter ein, sich ungestört mit der Bedeutung hinter dem Bild auseinanderzusetzen. Mit diesen Techniken schaffe ich Werke, die nicht nur Emotionen einfangen, sondern auch ihren lebendigen Geist für kommende Generationen bewahren.

Gibt es innovative Aspekte in Ihrer Arbeit? Können Sie uns sagen, welche?

Die wichtigste Innovation in meiner Arbeit ist die Entstehung des Konzeptuellen Pop-Realismus . Dieser Stil, den ich 2019 begründete, markiert eine neue Richtung in der zeitgenössischen Kunst, indem er realistische Bilder mit tiefer philosophischer Bedeutung und positiver emotionaler Energie verbindet. Im Gegensatz zur traditionellen Konzeptkunst, die oft schwere, melancholische oder abstrakte Themen betont, lädt mein Ansatz den Betrachter durch lebendige, erhebende Bilder zu bedeutungsvoller Reflexion ein. Diese Balance zwischen tiefgründigem Denken und zugänglicher Ästhetik macht den Konzeptuellen Pop-Realismus in der heutigen Welt einzigartig – und unverzichtbar.

In einer Zeit, in der Kunst oft losgelöst von positiven emotionalen Erfahrungen wirkt, füllt der Konzeptuelle Pop-Realismus meiner Meinung nach eine wichtige Lücke. Mein Ziel ist es, die Betrachter nicht nur zum Nachdenken anzuregen, sondern ihnen auch ein Gefühl von Stärke und Freiheit zu vermitteln. Jedes Gemälde thematisiert ein philosophisches Thema – wie persönliche Freiheit, Wachstum oder emotionale Befreiung – und tut dies auf eine Weise, die Optimismus und Tatendrang fördert. Der emotionale Ton des Werks ist ebenso wichtig wie seine konzeptionelle Tiefe; ich möchte, dass meine Kunst Freude entfacht, zum Nachdenken anregt und Kraft gibt. Dieser Ansatz lenkt den Blick vom Kampf auf die Möglichkeiten und zeigt den Betrachtern, dass tiefes Nachdenken nicht schwer sein muss – es kann transformierend und erhebend sein.

Neben der emotionalen Wirkung ist auch der visuelle Aspekt des Konzeptuellen Pop-Realismus sorgfältig gestaltet, um den Betrachter zu fesseln. Ich verwende leuchtende Farben, klare Formen und sorgfältig ausgewählte Symbole, um komplexe Ideen verständlicher zu machen. Die Kombination aus Realismus und Pop-Ästhetik zieht die Betrachter in ihren Bann und schafft einen Moment der Verbundenheit, bevor sie die tiefere Bedeutung unter der Oberfläche entdecken. Diese Dualität – visuelle Leichtigkeit trifft auf intellektuelle Tiefe – verleiht meinen Werken ihre Kraft.

Konzeptueller Pop-Realismus ist nicht nur ein Stil, sondern eine Philosophie. Er spiegelt meine Sicht auf die Welt wider: Jede Herausforderung birgt eine Chance, jede Einschränkung kann neu definiert werden und jeder Mensch hat das Potenzial, frei und authentisch zu leben. Mit diesem innovativen Ansatz möchte ich nicht nur wunderschöne Kunstwerke schaffen, sondern Menschen auch dabei unterstützen, ihre Denk- und Gefühlswelt zu verändern. Es geht darum, Kunst zu schaffen, die Resonanz erzeugt, zum Handeln inspiriert und letztendlich das Leben reicher und bedeutungsvoller macht.

Gibt es ein Format oder Medium, mit dem Sie am besten zurechtkommen? Wenn ja, warum?

Ja, ich fühle mich mit Öl auf Leinwand am wohlsten. Die Arbeit mit Ölfarben hat etwas Zeitloses und zutiefst Befriedigendes – sie gibt mir die nötige Kontrolle, um glatte, raffinierte Oberflächen zu schaffen und bietet gleichzeitig endlose Möglichkeiten zum Experimentieren. Mit Öl kann ich durch Lasuren subtile Schichten aufbauen, die meinen Werken Tiefe und Leuchtkraft verleihen, was perfekt zu den Prinzipien des konzeptuellen Pop-Realismus passt.

Leinwand ist aufgrund ihrer Flexibilität und Haltbarkeit mein bevorzugtes Medium. Sie trägt die vielen dünnen Lasurschichten, die ich auftrage, ohne mit der Zeit an Festigkeit zu verlieren. Dies ist unerlässlich für die glatte, nahtlose Oberfläche, die ich anstrebe – wo kein Pinselstrich hervorsteht und der Betrachter sich auf die Emotionen und die Bedeutung des Werks konzentrieren kann. Die Kombination aus glatten Maltechniken und farbiger Grundierung funktioniert auch auf Leinwand hervorragend und sorgt dafür, dass die lebendige Energie meiner Werke über Jahre hinweg strahlend und lebendig bleibt.

Das haptische Erlebnis der Ölmalerei ist mir ebenso wichtig. Die Farbintensität und -empfindlichkeit ermöglichen Präzision und Spontaneität zugleich. Es gibt mir die Freiheit, meiner Intuition zu folgen, Änderungen und Anpassungen vorzunehmen und gleichzeitig die Kontrolle über das Endergebnis zu behalten. Dies spiegelt meine künstlerische Philosophie wider: ein Gleichgewicht zwischen Struktur und Freiheit, bei dem jedes Element zu einem harmonischen Ganzen beiträgt.

Letztendlich bietet Öl auf Leinwand alles, was ich brauche, um die Tiefe, Bedeutung und Lebendigkeit zu vermitteln, die meine Kunst ausmachen. Es ist das perfekte Medium, um die emotionalen und philosophischen Dimensionen des konzeptuellen Pop-Realismus auszudrücken – wo leuchtende Bilder auf tiefgründige Ideen treffen und jedes Gemälde zu einer Einladung zum Nachdenken, Fühlen und Wachsen wird.

Wo entstehen Ihre Werke? Zu Hause, in einer Gemeinschaftswerkstatt oder in Ihrer eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie dort Ihre kreative Arbeit?

Ich erschaffe meine Werke in meinem privaten Atelier , einem separaten Raum in meinem Wohnhaus. Dieser Raum ist mein Rückzugsort, der speziell dafür konzipiert wurde, Kreativität und Konzentration zu fördern. Große Fenster durchfluten den Raum mit natürlichem Licht und schaffen so perfekte Bedingungen zum Malen. Das einfallende Tageslicht ermöglicht es mir, die wahren Farben meiner Werke so zu erkennen, wie sie in verschiedenen Umgebungen wirken. Dies ist entscheidend für die Lebendigkeit und Leuchtkraft, die ich mit meinem konzeptuellen Pop-Realismus erreiche.

Das Atelier ist so organisiert, dass es sowohl die technischen als auch die emotionalen Aspekte meines Prozesses unterstützt. Ich halte meine Werkzeuge und Materialien sorgfältig angeordnet – meine Pinsel, Ölfarben und Lasuren sind immer griffbereit, sodass ich nahtlos zwischen Ideen wechseln kann, ohne den Arbeitsfluss zu unterbrechen. Meine flüssige Maltechnik erfordert Präzision und Konzentration, daher ist ein sauberer, gut organisierter Arbeitsplatz unerlässlich.

Ich habe im Atelier auch Bereiche, die den verschiedenen Schaffensphasen gewidmet sind. Es gibt einen Raum zum Skizzieren und Planen, wo ich Kompositionen und Symbolik entwickle, und einen weiteren für den eigentlichen Malprozess. Ich arbeite oft an mehreren Werken gleichzeitig, was es mir ermöglicht, von einem Werk Abstand zu nehmen und mit frischem Blick darauf zurückzukommen.

Über die praktische Einrichtung hinaus ist das Atelier der Ort, an dem ich geistige Klarheit finde. Es ist erfüllt von natürlichem Licht, friedlicher Energie und der Freiheit, ungestört zu arbeiten. Diese Umgebung hilft mir, eine tiefe Verbindung zu den Themen aufzubauen, die ich erforsche – Freiheit, Wachstum und emotionale Entspannung – und stellt sicher, dass jedes Gemälde die lebendige Energie trägt, die ich beabsichtige. Mein Atelier ist nicht nur ein Arbeitsraum; hier werden meine Ideen lebendig, ich fühle mich am wohlsten und lasse meine Inspiration fließen.

Reisen Sie aufgrund Ihrer Arbeit, um neue Sammler kennenzulernen, Messen oder Ausstellungen zu besuchen? Wenn ja, was bringt Ihnen das?

Ja, ich reise häufig zu Ausstellungen, Messen und Kunstveranstaltungen, und diese Reisen sind ein wesentlicher Bestandteil meiner Karriere. Sie bringen mir kommerziellen Erfolg, mehr Anerkennung und Sichtbarkeit in der Kunstwelt. Jede Ausstellung öffnet mir neue Türen und bringt mich mit Sammlern, Künstlern und Galeristen aus aller Welt in Kontakt. Diese Interaktionen sind von unschätzbarem Wert – nicht nur wegen der unmittelbaren Möglichkeiten, die sie bieten, sondern auch wegen der langfristigen Beziehungen und Kooperationen, die oft daraus entstehen.

Das Reisen zu Ausstellungen ermöglicht es mir außerdem, neue Umgebungen, Kulturen und Perspektiven kennenzulernen, die meinen kreativen Prozess inspirieren und beeinflussen. Jede Veranstaltung ist eine einzigartige Gelegenheit, meine Arbeit einem neuen Publikum zu präsentieren, meine Philosophie des konzeptuellen Pop-Realismus zu vermitteln und an Gesprächen teilzunehmen, die meine Ideen herausfordern und erweitern.

Darüber hinaus bieten diese Veranstaltungen die Möglichkeit, mit anderen Künstlern und Galeristen in Kontakt zu treten, was ich bereichernd und motivierend finde. Der Austausch von Ideen und das Lernen von anderen hilft mir, zu wachsen, während die Resonanz verschiedener Communities auf meine Arbeit meine künstlerische Vision stärkt.

In vielerlei Hinsicht geht es bei diesen Reisen um mehr als nur geschäftlichen oder beruflichen Erfolg – sie sind eine Quelle der Inspiration und persönlichen Weiterentwicklung. Sie bekräftigen die Bedeutung von Freiheit, Verbundenheit und Authentizität, die den Kern meiner Kunst bilden. Die Begegnung mit Menschen, die meine Arbeit anspricht, bestärkt mich in meiner Überzeugung, dass Kunst die Kraft hat, Veränderungen anzustoßen, nicht nur bei Einzelnen, sondern auch kultur- und gemeinschaftsübergreifend.

Wie stellen Sie sich die Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler in der Zukunft vor?

Ich stelle mir vor, dass sich meine Arbeit hin zu tiefer konzeptioneller Auseinandersetzung entwickelt und gleichzeitig weiterhin positive Emotionen und persönliches Wachstum inspiriert. Der konzeptionelle Pop-Realismus wird der Kern meiner künstlerischen Reise bleiben, aber ich plane, seine Grenzen zu erweitern – mit größeren Projekten, vielschichtigen Erzählungen und sogar der Einbindung neuer Medien wie Installationen oder digitaler Elemente. Mein Ziel ist es, immersive Erlebnisse zu schaffen, die den Betrachter visuell, emotional und intellektuell fesseln und ihn zum Nachdenken, Träumen und Handeln anregen.

Ein wichtiger Teil meiner Zukunftsvision ist es , mehr Künstler für den Stil des Konzeptuellen Pop-Realismus zu begeistern . Ich möchte andere Kreative für diesen Ansatz inspirieren und anleiten und ihnen helfen, philosophische Bedeutung in ihre Werke zu integrieren und sie gleichzeitig erbaulich und zugänglich zu halten. Mein Ziel ist es, den Konzeptuellen Pop-Realismus zu einer Bewegung zu entwickeln, die Künstler vereint, die glauben, dass Kunst sowohl herausfordern als auch inspirieren kann, tiefe Bedeutung bietet und gleichzeitig die Seele erhebt.

Ich träume auch davon, ein Museum für den konzeptuellen Pop-Realismus zu schaffen – einen Ort, an dem dieser Kunststil gedeihen und sich weiterentwickeln kann. Dieses Museum wird nicht nur meinen Werken ein Zuhause bieten, sondern auch anderen Künstlern, die mit dieser Philosophie arbeiten, eine Plattform bieten. Es wird ein Ort für Ausstellungen, Dialog und Austausch sein und das Publikum einladen, sich mit Kunst auseinanderzusetzen, die Freiheit und emotionale Resonanz bietet.

Ich sehe meine Karriere zukünftig weltweit. Ich möchte durch internationale Ausstellungen ein vielfältiges Publikum erreichen und dauerhafte Beziehungen zu Sammlern, Galerien und Institutionen aufbauen. Über den kommerziellen Erfolg hinaus möchte ich ein Erbe hinterlassen, das den Konzeptuellen Pop-Realismus als einflussreichen Stil der zeitgenössischen Kunst festigt.

Darüber hinaus plane ich, weiterhin Bücher zu veröffentlichen, darunter auch das, an dem ich gerade arbeite. Ich möchte Künstlern helfen, ihre eigene Stimme zu finden und bedeutungsvolle, wirkungsvolle Kunst zu schaffen. Durch den Austausch meiner Erfahrungen und Erkenntnisse kann ich mich mit anderen Kreativen vernetzen und sie auf dem Weg zu einer erfüllenden, marktfähigen künstlerischen Karriere begleiten.

Letztendlich wird meine Entwicklung als Künstlerin meine persönliche Entwicklung widerspiegeln. Ich werde weiterhin erforschen, was es bedeutet, frei und authentisch zu leben, und stets nach neuen Wegen suchen, diese Ideen durch Kunst zu vermitteln. Mein Traum ist es nicht nur, wunderschöne Werke zu hinterlassen, sondern eine nachhaltige Bewegung zu schaffen – eine Bewegung, die sowohl Künstlern als auch Betrachtern Freiheit, Freude und Sinn in ihrem Leben ermöglicht.

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik deiner neuesten künstlerischen Produktion?

Meine neueste künstlerische Produktion bleibt tief in der Philosophie und Ästhetik des Konzeptuellen Pop-Realismus verwurzelt und setzt die Erforschung der Themen Freiheit, emotionale Befreiung und persönliche Transformation fort. Die Werke dieser neuen Serie laden die Betrachter dazu ein, über ihre innere Welt nachzudenken, während sie mit lebendigen Farben und positiver Energie ein Gefühl von Freude und Möglichkeiten inspirieren. Durch diese Werke erkunde ich die Idee, dass die Akzeptanz von Freiheit—sei es emotional, geistig oder kreativ—zu Glück und Wachstum führt.

Technisch gesehen setze ich weiterhin meine charakteristische glatte Maltechnik ein und baue Tiefe durch mehrere dünne Schichten transparenter Lasuren auf. Jede Schicht interagiert mit der darunter liegenden Farbgrundierung, wodurch die Farben strahlend erscheinen und die Leuchtkraft des Gemäldes über die Zeit hinweg erhalten bleibt. Diese Methode ermöglicht es dem Licht, durch die Schichten zu dringen und reflektiert zu werden, wodurch ein leuchtender, strahlender Effekt entsteht, der die emotionale Energie des Werks verstärkt.

Das Thema dieser jüngsten Werke dreht sich oft um symbolische Objekte und Figuren, die dazu dienen, die Gegensätze zwischen Kampf und Befreiung, Begrenzung und Freiheit darzustellen. Obwohl diese Themen universell sind, bemühe ich mich stets, sie durch eine positive Perspektive zu präsentieren—jede Komposition soll daran erinnern, dass selbst in schwierigen Momenten das Potenzial für Wachstum und Befreiung besteht.

Das Ziel meiner neuesten Werke ist es nicht nur, schöne Bilder zu erschaffen, sondern die Betrachter zu ermutigen, in sich selbst hineinzuschauen, die Barrieren zu erkennen, denen sie gegenüberstehen, und sich gestärkt zu fühlen, um sie zu überwinden. Jedes Gemälde wird zu einer Reise, sowohl für mich als auch für diejenigen, die sich damit auseinandersetzen—ein Dialog zwischen Gedanken und Gefühlen, Licht und Tiefe, Freiheit und Bedeutung.

Diese neuen Werke stellen eine Weiterentwicklung meiner kreativen Praxis dar, indem sie noch mehr Präzision und Lebendigkeit in die Grundprinzipien des Konzeptuellen Pop-Realismus einbringen, während ich meiner Philosophie treu bleibe: Kunst sollte erheben, inspirieren und transformieren.

Kannst du uns von deiner wichtigsten Ausstellungserfahrung erzählen?

Das Ausstellen meiner Werke ist ein wesentlicher Bestandteil meiner künstlerischen Reise. Jede Ausstellung bringt neue Möglichkeiten mit sich—mein Kunstwerk einem neuen Publikum vorzustellen, meine Sichtbarkeit zu erhöhen und meine Karriere voranzutreiben. Eine der bedeutendsten Erfahrungen, die ich gemacht habe, war eine Ausstellung in New York. Etwa sechs Monate nach dieser Show kontaktierte mich ein bedeutender Galerist mit einem Vorschlag zur Zusammenarbeit. Dies war ein Wendepunkt in meiner Karriere, und seitdem arbeiten wir zusammen. Diese Partnerschaft hat viele Türen geöffnet, meinen Wirkungskreis erweitert und mir ermöglicht, mein Werk in neuen Richtungen weiterzuentwickeln.

Jede Ausstellung hat für mich ihren eigenen Wert, unabhängig davon, wo sie stattfindet. Jede Show bringt neue Perspektiven und ermöglicht es mir, mit neuen Zuschauern, Sammlern und Fachleuten der Kunstwelt in Kontakt zu treten. Es geht nicht nur darum, meine Werke auszustellen, sondern auch darum, mit Menschen zu interagieren, meine Philosophie des Konzeptuellen Pop-Realismus zu teilen und langfristige Beziehungen aufzubauen. Ausstellungen sind ein wesentlicher Bestandteil meines künstlerischen Prozesses—sie fördern Anerkennung, inspirieren neue Wege in meiner Arbeit und treiben meine Karriere kontinuierlich auf neue Höhen.

Wenn du ein berühmtes Kunstwerk aus der Kunstgeschichte geschaffen haben könntest, welches würdest du wählen? Und warum?

Wenn ich ein berühmtes Kunstwerk aus der Geschichte hätte erschaffen können, würde ich Die Treue der Bilder von René Magritte wählen. Dieses Gemälde, das eine Pfeife mit der Inschrift „Ceci n’est pas une pipe“ (Dies ist keine Pfeife) zeigt, fordert den Betrachter heraus, seine Wahrnehmung zu hinterfragen. Es verdeutlicht, dass das Bild eines Objekts nicht dasselbe ist wie das Objekt selbst, und regt dazu an, darüber nachzudenken, dass die Realität trügerisch sein kann. Dieses Konzept ermutigt die Menschen, über die Oberfläche hinauszublicken und verschiedene Perspektiven in Betracht zu ziehen—ein Thema, das eng mit meiner eigenen künstlerischen Philosophie verbunden ist.

Magrittes Werk steht in perfektem Einklang mit den Zielen des Konzeptuellen Pop-Realismus. So wie sein Gemälde unsere Annahmen hinterfragt, möchte meine Kunst die Betrachter dazu anregen, über das Leben, Emotionen und Freiheit durch lebendige Bilder und tiefgründige philosophische Botschaften nachzudenken. Magrittes Fähigkeit, etwas Vertrautes in eine tiefgründige philosophische Aussage zu verwandeln, inspiriert mich auf meinem eigenen künstlerischen Weg. Ich strebe danach, Werke zu schaffen, die nicht nur visuell ansprechend, sondern auch intellektuell anregend sind—Kunst, die dazu einlädt, anders zu denken, über den äußeren Schein hinauszusehen und neue Wege der Selbst- und Welterkenntnis zu entdecken.

Wie Magritte glaube ich, dass Kunst nicht nur das ist, was wir sehen, sondern wie wir es wahrnehmen. Diese Idee ist zentral für meine Arbeit: scheinbar einfache Objekte oder Situationen mit einer Bedeutung aufzuladen, die sich erst allmählich entfaltet. Sowohl seine als auch meine Herangehensweise fordern die Betrachter heraus, sich intensiv mit der Kunst auseinanderzusetzen, und zeigen, dass Kunst Gedanken anregen, zum Handeln inspirieren und unsere Wahrnehmung der Realität verändern kann.

Wenn du einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könntest, wer wäre es? Wie würdest du den Abend gestalten?

Wenn ich drei Künstler zum Abendessen einladen könnte, wären es René Magritte, Banksy und Andy Warhol. Jeder von ihnen hat die Art und Weise, wie Kunst wahrgenommen wird, tief beeinflusst und unterschiedliche Aspekte meiner eigenen kreativen Philosophie geprägt. Über ihr künstlerisches Genie hinaus sind sie alle faszinierende Persönlichkeiten, was ihr Werk so wirkungsvoll macht. Ihre Fähigkeit, Konventionen zu durchbrechen und tiefgründige Ideen durch ihre Kunst zu vermitteln, macht sie zur perfekten Kombination für einen Abend voller bedeutungsvoller Gespräche und kreativer Inspiration.

Mit René Magritte würde ich über seine Vorstellungen von Realität, Wahrnehmung und Illusion sprechen. Seine Kunst lehrt uns, dass das, was wir sehen, nicht immer das ist, was es zu sein scheint, und fordert uns auf, unsere Umgebung zu hinterfragen—eine Idee, die sich auch in meinem Konzeptuellen Pop-Realismus widerspiegelt. Unsere Diskussion könnte neue Wege eröffnen, um das Gleichgewicht zwischen Oberfläche und Tiefe in der Kunst weiter zu erforschen.

Von Banksy würde ich gerne Geschichten über die Verbindung zwischen Kunst und Aktivismus hören und darüber, wie es ihm gelungen ist, anonym zu bleiben, während er einige der gesellschaftskritischsten Werke unserer Zeit geschaffen hat. Seine Fähigkeit, durch eine spielerische, aber dennoch ernste Herangehensweise zum Nachdenken anzuregen, spiegelt meine eigene Überzeugung wider, dass Kunst Freiheit und persönliche Transformation inspirieren kann.

Mit Andy Warhol würde sich das Gespräch um Ruhm, Konsumkultur und den Kunstmarkt drehen. Sein visionärer Ansatz zur Massenproduktion und Popkultur hat die Art und Weise, wie wir die Rolle der Kunst in der Gesellschaft sehen, revolutioniert. Ich würde ihn fragen, wie er die zeitgenössische Kunstszene und die digitale Kultur von heute betrachten würde.

Der Abend wäre eine spontane, inspirierende Zusammenkunft—ein fließender Wechsel zwischen tiefgründigen Diskussionen und kreativen Impulsen. Danach könnten wir vielleicht Skizzen anfertigen oder Ideen für zukünftige Kunstprojekte austauschen, nur aus purer Freude am kreativen Austausch.