Francesca Borgo: Ich habe schon immer gerne gezeichnet und gemalt

Was hat Sie dazu inspiriert, Kunst zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen…)

Seit meiner Kindheit habe ich immer gerne gezeichnet und gemalt und habe es bis vor 6-7 Jahren als Hobby betrieben. Dann hatte ich eine Krankheit, die mich wochenlang zu Hause blockierte. Meine einzige Möglichkeit, mich sowohl im Einklang mit meinen Gefühlen als auch erleichtert zu fühlen, war das Malen. Von diesem Moment an wurde das Malen zu einem täglichen Bedürfnis, zu einem festen Bestandteil meines Lebens und nicht mehr zu einem Hobby. Es war schon immer eine Möglichkeit, mich frei auszudrücken, ohne Sorgen oder Bedenken. Wenn ich male, bin ich einfach ich selbst und fühle mich wohl in meiner Haut.

Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?

Ich bin Autodidakt und habe viele Jahre lang gezeichnet. Seit ich beruflich arbeite, verwende ich hauptsächlich Acrylfarben und Sand, um verträumte Landschaften, Wolkenlandschaften und „Wellenlandschaften“ zu schaffen … Sie ermöglichen mir, mich in vielen verschiedenen Formen vorzustellen.

Erst vor kurzem habe ich wieder angefangen, mit Kohle zu zeichnen. Auslöser dafür war meine Angst, eine Kunstmesse in New York ohne eines meiner Gemälde auf Leinwand zu starten – wegen Problemen mit dem internationalen Versand. Ich wollte die Messe nicht mit einem leeren Stand beginnen, also ging ich in einen Kunstladen und kaufte Kohle und Papier. Ich habe zwei Tage lang fast ununterbrochen gezeichnet – es hat mir sehr gut gefallen und ich habe auch viele davon während der Messe verkauft! Übrigens kamen meine Gemälde auf Leinwand schließlich an und dank der Hilfe und Großzügigkeit vieler Künstler und Menschen in New York konnte ich sie vom zweiten Tag an zeigen (zusammen mit den Kohlezeichnungen seither).

Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?

Ich versuche, so authentisch und originell wie möglich zu sein und das Gefühl wohltuender Ruhe darzustellen, das ich empfinde, wenn ich von Wind, Gras, Wasser, Felsen umgeben bin … Diese Art, die Natur darzustellen, finde ich ziemlich innovativ.

Ich liebe es, Sand- und Acrylfarben zu verwenden, um 3D-/Tiefeneffekte zu erzielen, die es dem Gemälde ermöglichen, sich im Laufe des Tages je nach Lichtverhältnissen im Raum zu verändern. Es ist auch eine Möglichkeit, Erde physisch auf die Leinwand zu bringen (das ist nicht so originell, das ist mir bewusst :).

Ich glaube, dass sich meine Kunst im Laufe der Zeit langsam weiterentwickelt hat, und ich liebe es, mich frei auszudrücken, ohne Angst vor Veränderungen zu haben – trotz der Kontinuität, die meiner Meinung nach von den ersten Gemälden bis zu den neuesten Bildern zu finden ist.

Woher kommt Ihre Inspiration?

Die Natur ist meine Hauptinspirationsquelle: Alles, was einen Rhythmus und sanfte Bewegung hat, verleiht mir eine Art ruhige Energie – das versuche ich in meinen Arbeiten einzufangen. Es kann alles sein, auch sehr kleine und gewöhnliche Dinge wie Blätter, die leicht auf einem Ast zittern, die wellenförmigen Bewegungen von Unterwassergras in einem Fluss, am Himmel fliegende Vögel ... Für mich sind diese Rhythmen sehr beruhigend, aber auch sehr kraftvoll.

Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?

Ich versuche, den Betrachter mit Flüstern und Anmut zu fesseln, mit der Idee, sich vor dem Gemälde wohl zu fühlen. Dies weckt oft alte Erinnerungen, Lächeln und das Gefühl, dass wir alle diese Ruhe in unser eigenes Leben bringen können. Gemälde können trotz der Komplexität unseres täglichen Lebens stille Erinnerungen an dieses Gefühl sein.

In welchem Prozess entstehen Ihre Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (technisch, Inspiration durch Kunstklassiker oder anderes)?

Ich beginne mit einer ziemlich intuitiven Herangehensweise an die Leinwand und viel Action. Dann verzichte ich vollständig auf die Kontrolle und lasse Wasser, Farbe und Sand interagieren. Dann wird der Prozess zunehmend kontrollierter und sehr langsam (ich glaube, es macht keinen Spaß, ihm dabei zuzusehen, da scheinbar schon lange nichts mehr passiert :).

Nutzen Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie es erklären?

Ich beginne mit viel Kraft, wenn ich die strukturierte „sandige“ Oberfläche auf der Leinwand erstelle. Die Hauptkonfiguration ergibt sich dann aus dem Zusammenspiel von Sand und stark verdünnter Acrylfarbe. Dann forme ich die Wellen und die chromatischen Übergänge mit verdünnter Farbe, dann dickere Schichten, Schleier und Waschungen, während nur der letzte Schliff mit sehr dicker Farbe bis zum trockenen Pinsel gemacht wird.

Gibt es in Ihrer Arbeit innovative Aspekte? Können Sie uns sagen, welche?

Definiertere und explizitere „Wellen“ sind typisch für meine jüngsten Arbeiten, die meiner Meinung nach eher die Idee langsamer Bewegungen vermitteln. Früher habe ich eher „unscharfe und unbestimmte“ Atmosphären geschaffen.

Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?

Ich liebe es, Acryl und Sand zu mischen, weil es mir die Möglichkeit gibt, auf einer unebenen, sehr fühlbaren Oberfläche zu arbeiten, ohne zu stark und wirkungsvoll zu sein. Obwohl dies mein Leben auch komplizierter macht, da es sehr schwierig ist, Wellen auf Sand zu formen :)

Wo produzieren Sie Ihre Werke? Zu Hause, in der Gemeinschaftswerkstatt oder in der eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?

Ich habe das Studio zu Hause, in einem speziellen (sehr unordentlichen) Raum. Normalerweise arbeite ich an mehr als einem Gemälde gleichzeitig, da ich dadurch nicht „automatisiert“ werde.

Führt Sie Ihre Arbeit dazu, zu reisen, um neue Sammler kennenzulernen, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bringt es Ihnen?

Seit 2019 hatte ich die Gelegenheit, viele Sammler auf direkten Kunstmessen zu treffen (wo der Künstler seinen/ihren eigenen Stand aufbaut und betreut): Ich war mehrere Male in London (Großbritannien) und kürzlich in New York (USA). ). Die nächste Station wird im September Lost Angeles sein.

Ich liebe es, weil ich die Möglichkeit habe, mit Kunstliebhabern zu sprechen, zu sehen, was ihnen gefällt und was nicht, und wie das Gemälde ihnen bestimmte Emotionen vermittelt.

Das Malen kann sehr einsam sein, da ich stundenlang alleine im Studio bleibe (mit ständig laufender Musik). Aber ich glaube, dass das Schaffen eines Gemäldes wie ein seltsamer Dialog ist, bei dem ich ein Gespräch beginne, das nur damit endet, dass neue Augen das Gemälde betrachten und ihre eigenen Gefühle und Gedanken daraus entwickeln. Es ist, als wäre man Teil einer Kommunikation, die unsichtbare und oft unerwartete Konsequenzen hat, die manchmal zu Freundschaften führen.

Und wenn ich ein Foto mache und sehe, wo das Gemälde aufgehängt wurde, dass es geliebt wird … das ist ein wunderbares Gefühl der Vollendung.

Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler vor?

Ich habe mehrere Ideen zu neuen ästhetischen Entwicklungen.

Außerdem plane ich, meine Präsenz in den USA im Jahr 2024 mit einigen neuen Kunstmessen zu festigen.

Aus einem anderen Grund würde ich gerne einige Kooperationen mit Gruppen erkunden, die sich für Umweltthemen engagieren.

Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?

Das Hauptthema besteht darin, imaginäre Orte zu schaffen, die gleichzeitig Berge und Wellen, Wasser und Vögel, Gras und Wind sein können. Ich glaube, das wären Orte, an denen wir uns absorbiert fühlen, uns als Teil der Natur und hoffentlich in Frieden fühlen können.

Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?

Letztes Jahr wurde eines meiner Gemälde („Breathe me“) von der Royal Academy of Arts in London, Großbritannien, für die Sommerausstellung 2022 ausgewählt. Es wurde zwei Monate lang in einem Museum ausgestellt – wo Turner (einer meiner Lieblingskünstler überhaupt) hatte seine „Debatte“ mit Constable. Es war erstaunlich, das Gemälde zusammen mit so vielen anderen aufstrebenden und etablierten Künstlern in einem Raum zu sehen, der Umweltthemen gewidmet war und an einer Wand hing, die buchstäblich voller Wolken war.

Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte hätten schaffen können, welches würden Sie wählen? Und warum ?

Es gibt ein Gemälde von Turner (Sonnenaufgang, Norham Castle, zu sehen in der Tate Britain), bei dem er seine Technik in unglaublichem Maße ausbaute. Aber darüber hinaus hat es ein so faszinierendes Licht, Schönheit und Intensität. Es bringt mich an einen unheimlichen Geisteszustand, den ich nicht vergessen kann.

Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie würden Sie ihm vorschlagen, den Abend zu verbringen?

Ich würde Rothko gerne einladen und ihn fragen, wie er sich seine repräsentativsten abstrakten Gemälde zum ersten Mal vorgestellt hat, ihr Gefühl der Unbestimmtheit und Ausdehnung in der Zeit. Ich würde ihn auch gerne über Angst und Mut befragen, was seine Lieblingsdichter waren, wie er seine Farben mischte …