Was hat Sie dazu inspiriert, Kunstwerke zu schaffen und Künstler zu werden? (Ereignisse, Gefühle, Erfahrungen...)
Ich hatte schon immer das Bedürfnis, meine innere Welt auszudrücken. Als Teenager dachte ich, ich würde mal zeichnen und später schreiben lernen.
Fotografie ist für mich eine sehr intime Sache.
Mein Vater war Amateurfotograf. Als ich klein war, fotografierte er Pilze im Wald, Blumen, Katzen und meine Porträts. Nichts Besonderes, aber die Dunkelkammer, in der er seine Fotos entwickelte, hatte etwas Magisches. Als Kind war ich von dieser Magie fasziniert. All die Momente, die ich mit meinem Vater beim Betrachten seiner Fotos verbrachte, hatten einen tiefgreifenden Eindruck auf mich, und heute habe ich das Gefühl, dass er es nie gewagt hat, seine Leidenschaft wirklich zu entwickeln.
Mein erstes Interesse an der Fotografie geht auf diese Zeit zurück; vor allem habe ich die unauslöschliche Spur einer Entschlossenheit bewahrt, nämlich den eigenen Träumen zu folgen. Als ich Zeuge des vernünftigen Weges war, den meine Eltern gewählt hatten – den eines Ingenieurs –, um in einer Sowjetunion, in der Tagträume kaum Platz hatten, „das tägliche Leben zu sichern“, verstand ich schon sehr früh, wie das Leben uns manchmal von unseren Wegen ablenkte. Ich erinnere mich, dass Jacques Brel sagte, dass wir die Forschung, das Abenteuer, das Leben, die Liebe niemals aufgeben dürfen ... denn Glück ist unsere wahre Bestimmung.
Eine Suche wie die Suche nach Schönheit in dieser turbulenten Zeit und Enttäuschungen nach Hoffnung in der Zeit, als die Perestroika einen vielversprechenden Wind des Wandels über sein Land wehte. Nachdem ich fünfzehn Jahre lang als Soziologe gearbeitet hatte, konzentrierte ich mich auf meine Forschungen zu dieser Harmonie, die mir so sehr fehlte. Woran ich mich gerne erinnere, ist das, was von der Schönheit der Bewegungen, ihrer Poesie übrig geblieben ist. Ich beobachte gerne das Geheimnis der Bewegung, ihre Entstehung. Er erscheint und im nächsten Moment ist er weg. Woher kommt diese Schönheit?
Was ist Ihr künstlerischer Hintergrund, mit welchen Techniken und Themen haben Sie bisher experimentiert?
Polina Jourdain-Kobycheva kam zur Fotografie, nachdem sie fünfzehn Jahre lang Soziologie, ihren ursprünglichen Beruf, praktiziert hatte. Sein Engagement in der Gesellschaft, sowohl in der Forschung als auch in der Analyse von Individuen, hat es ihm ermöglicht, seinen Blick auf Männer und ihre Werke zu schärfen.
Ihre ersten Arbeiten waren Architekturfotos, in denen sie den Details aufspürte und das Material hinterfragte, aus dem sie eine durch ihre künstlerische Vision geordnete neue Ordnung zeichnete.
Dann führte sein Interesse am Tanz zu einem großen Projekt mit den Tänzern des „Malandain Ballet Biarritz“, das 2016 mit einer Ausstellung in der Crypte Sainte-Eugénie in Biarritz gekrönt wurde, die „Le Temps d’Aimer“ illustrierte. Der Körper wird in Nahaufnahmen behandelt, um die unwahrscheinliche Synthese aus anatomischer Ästhetik und der Verträumtheit der Kurven zu erreichen.
Die Veröffentlichung zweier Kunstbücher, eines über den Tanz „Danse l'Absolu Délicat“, das andere über den Akt „Malerei des Lichts auf schwarzem Hintergrund“, kündigt und bestätigt einen neuen Stil, der stets von einer einzigartigen Sensibilität für Schönheit dominiert wird.
Seit 2018 hat ein weiteres persönliches Tanzprojekt „ En Corps “, das ehemaligen Tänzern gewidmet ist, das Licht der Welt erblickt und wächst weiter. Durch die Darstellung des Körpers erfindet Polina Jourdain-Kobycheva einen neuen Ästhetizismus, eine neue Sprache, die sich die Entwicklung der „Körpergeschichte“ aneignet.
Polina Jourdain-Kobycheva bietet eine Poetik des Körpers und seiner Bewegungen, um seine Darstellung nicht nur zu einem Objekt, sondern zu einem Werkzeug zum Nachdenken über die Welt zu machen.
Anschließend setzt er seine Arbeit rund um die baskische Pelota und den Tanz fort. Diese in der baskischen Tradition verankerte Sportdisziplin wird in ihrer künstlerischen Arbeit unter dem Prisma des bewegten Körpers, aber auch des Materials präsentiert und stellt ihr Thema in einen kulturellen Kontext und seine lokalen Übertragungen.
2021 veröffentlicht sie bei Editions Arteaz ein neues Werk, „Pilota Arimak“, über die traditionelle Kunst des baskischen Pelota. Es erzählt die Früchte einer Geschichte zwischen einem Mann, dem Material und der lokalen Kultur.
Im Oktober 2022 veröffentlichte sie mit Unterstützung von ALCA Nouvelle Aquitaine ein weiteres Werk „Dantza, Pilotari!“, eine Verbindung zwischen Cesta Punta und Tanz.
Derzeit widmet sie sich wieder ihrer Arbeit rund um die Schönheit des Körpers, insbesondere von ehemaligen Tänzern, die durch die Gesundheitskrise ausgebremst wurde.
Sie entwickelt auch eine Tätigkeit zur therapeutischen Unterstützung durch Fotografie.
Welche drei Aspekte unterscheiden Sie von anderen Künstlern und machen Ihre Arbeit einzigartig?
Ich denke, was mich besonders macht, ist die Aufmerksamkeit, die ich den Menschen schenke, mit denen ich arbeite. Ich versuche immer, eine intime Atmosphäre zu schaffen, die es der Person ermöglicht, vor der Kamera sie selbst zu bleiben. Beispielsweise ist die Arbeit an einem Akt sehr heikel und erfordert absolutes Vertrauen. Es ist wichtig.
Ich denke, diese drei Aspekte unterscheiden mich von anderen:
Delikatesse
Humanismus
Wahrnehmung von Schönheit
Woher kommt Ihre Inspiration?
Meine Inspiration kommt aus der Ruhe, aus Momenten, in denen ich mich ruhig fühle. Weißt du, dieser Moment, in dem es sich anfühlt, als ob nichts passiert. Dann ist der Geist frei, damit Ideen ihren Platz finden können.
Was ist Ihr künstlerischer Ansatz? Welche Visionen, Empfindungen oder Gefühle möchten Sie beim Betrachter hervorrufen?
Ich möchte in den Menschen das Gefühl von Schönheit, natürlicher Schönheit, wahrer Schönheit wecken.
Wenn ich zum Beispiel meine Aktfotos mache, ist es egal, ob die Person jung oder alt ist, für mich sind sie wunderschön, ihr Körper offenbart die tiefe Schönheit des Seins.
Wenn ich zum Beispiel Bewegungen fotografiere, suche ich nicht nach der perfekten Bewegung des Tanzes, sondern nach dem Offenbarer dieser Bewegung. Wenn wir auf der Suche nach dem perfekten Schachzug sind, dann schauen wir uns die Show an. Ich suche nicht nach Perfektion, sondern nach dem, was dahinter steckt, was sie suggeriert.
Ich fotografiere auch gerne Gesichter, Blicke und Körperhaltungen gleichzeitig, amüsant und ironisch, ernst und verspielt, als wollte ich mich einer Herausforderung stellen angesichts der Welle der Anonymität, die den Einzelnen erdrückt und standardisiert. In meinen Porträts möchte ich auch die Gefahren des Zeitablaufs zeigen, der Körper und Geist zermürbt, aber gleichzeitig auch eine tiefe Freude, eine Gewissheit und das Vergnügen, sich immer wieder lebendig zu fühlen, hervorruft.
In welchem Prozess entstehen Ihre Werke? Spontan oder mit einem langen Vorbereitungsprozess (Technik, Inspiration aus Kunstklassikern o.ä.)?
Es könnte beides sein:
Spontane Kreationen, wenn es um das Projekt Tanz mit Bewegung geht.
Eine Totalaufnahme, die in einem Studio mit sehr präziser Beleuchtung erstellt wurde.
Wichtig ist, dass die ursprüngliche Idee zu Beginn klar im Kopf ist.
Nutzen Sie eine bestimmte Arbeitstechnik? Wenn ja, können Sie es erklären?
Mein Ansatz bleibt recht klassisch. Aber ich verwende gerne kontrastreiches Licht.
Wenn ich in meinem Studio arbeite, arbeite ich mit hoher Beleuchtung oder umgekehrt mit niedriger Beleuchtung.
Ich mag diesen Gegensatz wirklich. Für mich repräsentiert es in gewisser Weise die Dualität der Welt.
Gibt es in Ihrer Arbeit innovative Aspekte? Können Sie uns sagen, welche?
Der Fokus meiner Arbeit liegt seit jeher auf der Schönheit des menschlichen Körpers, der Bewegung, der Vielfalt, der Freiheit, man selbst zu sein und der Entwicklung der Wahrnehmung des Körperbildes.
Ich habe die Jahre damit verbracht, mich tiefer mit diesem Thema zu beschäftigen, das mich in all diesen Erscheinungsformen interessierte: in den Bewegungen von Tanz und Sport, in der Nacktheit, in jedem Alter, in sehr nahen Aufnahmen, in den Porträts und in den Emotionen zwischen Menschen.
Haben Sie ein Format oder Medium, mit dem Sie sich am wohlsten fühlen? Wenn ja, warum?
Mir gefällt der Aluminiumträger zum Drucken meiner Fotos. Ich finde, dass meine Fotos keinen Rahmen brauchen.
Ich mag auch Drucke auf Papier mit Matte, weil es eher unserer klassischen Vision des Schwarz-Weiß-Fotodrucks entspricht.
Wo produzieren Sie Ihre Werke? Zu Hause, in der Gemeinschaftswerkstatt oder in der eigenen Werkstatt? Und wie organisieren Sie in diesem Bereich Ihre kreative Arbeit?
Ich arbeite gerne in meinem eigenen Raum. Ich habe ein kleines Studio, das ich so gut wie möglich organisieren kann, damit sich die Person, die zu mir zum Fotoshooting kommt, wohl und sicher fühlt.
Ich schaffe vor der Sitzung gerne eine freundliche Atmosphäre, indem ich Kaffee anbiete und mir Bücher ansehe.
Dadurch können die Abwehrkräfte gelockert werden, was für die Erstellung eines Porträts und insbesondere von Aktaufnahmen sehr wichtig ist.
Je nach Projekt arbeite ich auch außerhalb des Studios, zum Beispiel in Tanzstudios. Mein neuestes Projekt über die Verbindung zwischen Cesta Punta und Tanz wurde in einem diesem Sport gewidmeten Raum durchgeführt: dem berühmten Jai Alai in Biarritz. Für mich war es außergewöhnlich, in diesem untypischen Raum mit Tänzern zu arbeiten.
Führt Sie Ihre Arbeit dazu, zu reisen, um neue Sammler kennenzulernen, zu Messen oder Ausstellungen? Wenn ja, was bedeutet es für Sie?
Ich glaube, dass wir durch unsere Werke immer reisen.
Je kreativer ich arbeite, desto mehr Menschen treffe ich und desto mehr Möglichkeiten habe ich, meine künstlerische Arbeit zu präsentieren. Mit meinen Werken werde ich regelmäßig zu Buchmessen eingeladen.
Bisher habe ich nur in Frankreich und Russland ausgestellt, aber es war jedes Mal eine sehr bereichernde Erfahrung. Es ermöglicht mir auch, meine Arbeit aus einer neuen Perspektive zu betrachten.
Letztes Jahr habe ich an dem Projekt „Dantza, Pilotari!“ gearbeitet. » mit Unterstützung der Region Nouvelle Aquitaine und des öffentlichen Amtes für baskische Sprache. Der Zoom-Artikel zu meiner künstlerischen Arbeit erschien im November 2022 im ALCA-Magazin. Dadurch konnte ich Menschen treffen und sie auf zukünftige Projekte aufmerksam machen.
Ich hoffe sehr, dass meine Arbeit mich dazu bringt, zu reisen, um das Projekt zu verwirklichen, das mir wirklich am Herzen liegt – über antike Tänzer.
Wie stellen Sie sich die zukünftige Entwicklung Ihrer Arbeit und Ihrer Karriere als Künstler vor?
Ich träume davon, zum Tanzprojekt „ En Corps“ zurückzukehren. Was bleibt, wenn der Körper des Tänzers seine Leistung nicht mehr erbringt? », gewidmet ehemaligen Tänzern . Es wurde erstmals im Rahmen des Festivals Temps amour la danse 2018 in Biarritz präsentiert.
Ich habe dieses Projekt mit der Fotografie der ehemaligen Tänzer Jacques Alberca, geboren 1942, und Gilles Schamber, geboren 1960, begonnen. Was passiert mit dem Körper des Tänzers im Laufe der Jahre? Die Fotos offenbaren eine große Innerlichkeit der Bewegung, zeugen von einem Tänzer, der sich für das Wesentliche entscheidet, befreit von der Leistung und paradoxerweise weniger Zwängen unterworfen. Der Lauf der Zeit ist eine Gelegenheit, Dinge anders zu machen. „Der Standpunkt des westlichen Tanzes“, sagt Jacques Alberca, „durchläuft immer noch das Prisma der technischen Leistung.“ Was mich heute fragt, ist die Veränderung der Sichtweise, nämlich die Entwicklung hin zu Zuständen sprechender Körper, unabhängig vom Alter. »
Für mich macht der Körper Sinn, ohne die Form vorwegzunehmen, ich konzentriere mich auf das, was der Körper produziert und nicht auf das, was er zu reproduzieren riskiert. Durch die Darstellung des Körpers spreche ich von der Entwicklung der „Körpergeschichte“. In meiner Arbeit schlage ich eine Poetik des Körpers und seiner Bewegungen vor, um seine Darstellung nicht nur zu einem Objekt, sondern zu einem Werkzeug zum Nachdenken über die Welt zu machen.
Diese zunächst rein künstlerische Arbeit ermöglichte mir zu verstehen, auf welch vielfältige Art und Weise Menschen mit ihrem Körper umgehen und welche wichtigen Auswirkungen dies auf die Beziehungen zu sich selbst und zu ihrem gesamten Leben hat.
Die Arbeit mit Aktfotos und die Interaktion mit den Models sowie die Beobachtung ihrer Reaktionen darauf, wie sie sich fühlen und wie sich ihr Leben nach unserer gemeinsamen Arbeit verändert, brachten mich der Idee näher, dass Fotografie dem Selbstbewusstsein und der Entspannung eines Menschen einen Impuls zur Weiterentwicklung verleihen kann von verborgenen Emotionen.
Natürlich bin ich weit davon entfernt, echte therapeutische Arbeit zu leisten. Ich mache einfach Fotos, die den Menschen helfen, sich im Leben sicherer zu fühlen, ihr Selbstwertgefühl zu stärken und einen Energieschub zu spüren.
Ich möchte meine Arbeit in dieser Richtung fortsetzen.
Entwickeln Sie Werte der neuen Ethik und der neuen Aufrichtigkeit, die mit der Ära des Metamodernismus zu uns kamen. Ich möchte die Menschen nicht auf meine intimen Gedanken über Alter, Liebe, Schönheit und Altern beschränken. Aber ich möchte, dass die Menschen die Freiheit haben, die Emotionen zu spüren, die meine Fotos in ihnen wecken.
Was ist das Thema, der Stil oder die Technik Ihrer neuesten künstlerischen Produktion?
Die Schönheit der Linien, der Geometrie und der Lichtkontraste gehörten schon immer zu meinen wichtigsten Ausdrucksstilen.
Ich mag es, so nah wie möglich an die Oberfläche heranzukommen, sei es ein Gegenstand, die Wand eines Gebäudes oder die Haut des menschlichen Körpers.
Für mich ist das Material in seiner Ausdruckskraft vereint.
Können Sie uns von Ihrem wichtigsten Messeerlebnis erzählen?
Die größte Ausstellung, die ich hatte, wurde 2016 im Rahmen des Festivals „Le Temps d’Aimer la Danse“ in Biarrirz in der Crypte Sainte Eugénie präsentiert. Ich habe 104 Werke ausgestellt, die über zwei Jahre hinweg im Rahmen einer Zusammenarbeit mit Ballet Malandain Biarrirz entstanden sind .
Wenn Sie ein berühmtes Werk der Kunstgeschichte schaffen könnten, welches würden Sie wählen? Und warum ?
Ich denke, das wird immer die Arbeit am menschlichen Körper und an diesen Ausdrücken sein. Ich bewundere die alten Tänzer.
Hier liegt eine Quelle der Inspiration und Kreativität, die noch nicht ausreichend erforscht ist.
Mir gefällt die Idee, den Körper in Bewegung mit einer Skulptur zu vergleichen. Ich denke, ich werde ein paar solcher Dinge tun.
Wenn Sie einen berühmten Künstler (tot oder lebendig) zum Abendessen einladen könnten, wer wäre das? Wie
Würden Sie ihn bitten, den Abend zu verbringen?
Es könnten mehrere Künstler sein. Bei all dieser Fülle an Talenten ist es sehr schwierig, einer Person den Vorzug zu geben. Ich denke, Jeanloup Sieff wird die Künstlerpersönlichkeit sein, die mich am meisten fasziniert.
Olimpia Gaia Martinelli
