Pop-Art, die das Genre des Porträts erzählt

Eugen Dick, Portrait 75 , 2022. Acryl auf Leinwand, 120 x 120 cm.

Bazévian Delacapucinière, Portrait PS118 Into the night , 2021. Öl/Acryl/Spray/Tusche auf Leinwand, 100 x 81 cm.

Pop-Selbstporträts: Warhol, Hamilton und Yayoi Kusama

Um zu erzählen, wie die Pop-Art das Porträt interpretiert hat, ein Genre mit fernen Ursprüngen, das sogar bis ins alte Ägypten zurückreicht, kann auf die Arbeit von drei ikonischen Meistern der Bewegung verwiesen werden, nämlich Andy Warhol, Richard Hamilton und Yayoi Kusama . Insbesondere wagten sie sich auch an die Beschreibung der eigenen Person, experimentierten mit dem Selbstporträt, einem figurativen Phänomen, das zwar seit dem Mittelalter etabliert ist, aber erst in der Renaissance künstlerische Würde erlangte. Um einen Vergleich von Beispielen der letzteren Art der künstlerischen Untersuchung vorzuschlagen, scheint es unabdingbar, an erster Stelle den Pop-Meister schlechthin zu erwähnen, nämlich Andy Warhol, der es mehr als einmal versucht hat seine Hand bei der Durchführung von Selbstporträts. Letzterem künstlerischen Phänomen widmete sich der Amerikaner ab 1964, als er mit dem Werk Self Portrait das Genre in eine farbenfrohe Darstellung verwandelte, die voller tiefer Kontraste die Absicht verfolgte, sowohl die Schönheit als auch den Ruhm einzufangen des Künstlers, Eigenschaften, die notorisch den bekanntesten Prominenten zugeschrieben werden, die er schätzte. Gleichzeitig sah Warhol das Selbstporträt und das Porträt im Allgemeinen als ein farbenfrohes Medium, das oft mit Verblassungseffekten behandelt wurde, um auf noch ernstere Bedeutungen wie den Tod anzuspielen, da selbst Mythen nicht sein konnten von dessen Amtszeit verschont. Die Arbeit, die das Meisterwerk von 1964 beschreibt, wiederholt die Wiederholung von Bildern aus einer Fotoserie, die der Künstler im Jahr zuvor in der Bude eines Einkaufszentrums aufgenommen hatte, in dem er mit Sonnenbrille, Regenmantel und einer unverwechselbaren Haltung festgehalten wurde eines Sterns, der vor einem blauen Hintergrund Gestalt annehmen soll. Warhols gleiche figurative Serialität findet sich in Hamiltons Four Self-Portraits 05.3.81 , einer Arbeit aus dem Jahr 1990, die eine Aufnahme aus den 1980er Jahren wiederverwendet, in der sich der Künstler mit seiner Polaroidkamera verewigt hat. Dieses Bild in dem fraglichen Meisterwerk wurde durch das Auftragen von Acrylfarben verschönert und zu einem vergrößerten Druck, der die Schichten des kreativen Prozesses des Meisters sowie seine Herangehensweise an verschiedene künstlerische Medien darstellen soll. Ein ähnliches Verfahren gilt für ein anderes Selbstporträt von Hamilton, nämlich Self-portrait with Yellow (1998), das, zu einem einzigen Bild synthetisiert, die erwähnte Vereinigung von Bild- und Fotokunst reproduziert. Die letzte „Vergleichskünstlerin“ schließlich ist die sehr beliebte Yayoi Kusama und insbesondere ihr Selbstporträt aus dem Jahr 2010, das 2019 von Christie’s verkauft wurde und sich durch die Lebendigkeit seiner orangefarbenen Farbtöne auszeichnet, die sich effektiv in den Bildnissen konzentrieren dickes Haar. In Wirklichkeit aber ist bei genauerer Betrachtung des Sujets deutlich ein grüner Farbgrund zu erkennen, der, vor die fluoreszierenden Farbtöne gelegt, den Locken Volumen verleiht. "The Queen of Polka Dots" konnte jedoch das wesentliche Symbol ihrer Arbeit nicht vernachlässigen, so dass sie die Oberfläche ihrer Haut mit beigen, gelben und orangefarbenen Punkten bedeckt hat, Details, die zu einem expliziten Statement künstlerischer Identität werden. Andere Details sind auf den Oberflächen und im Hintergrund reich arrangiert und erzeugen eine äußerst lebendige, chromatisch reichhaltige sowie höchst unverwechselbare und ungewöhnliche Bildebene. Darüber hinaus hat der Künstler große Sorgfalt darauf verwendet, chromatische Reminiszenzen zu erzeugen, die sich in den Orangetönen der Haare, Lippen und Haut und gleichzeitig in den Purpurtönen der Augen, Augenbrauen und des Kleides verwirklichen. Schließlich ist es wichtig, bekannt zu machen, wie die Selbstporträts innerhalb der künstlerischen Auseinandersetzung der Japanerin einen Wendepunkt markieren, der in der Lage ist, die Verbindung zwischen der Identität der Künstlerin, ihrem Zustand und ihrer kreativen Sichtweise aufzuzeigen.

Lana Frey, Hope , 2021. Öl auf Leinwand, 130 x 110 cm.

Iryna Kastsova, Katy Perry , 2021. Acryl auf Leinwand, 100 x 100 cm.

Pop-Porträts: Die Geschichte geht weiter mit Artmajeur-Künstlern ...

Neben den oben genannten Selbstporträts erweisen sich auch Porträts des oben genannten Genres als sehr beliebt in der Kunstgeschichte sowie in der heutigen Welt, in der wir uns, inzwischen an die Sprache der Werbung gewöhnt, befinden gelinde gesagt, süchtig nach wirkungsstarken Farbbildern, angereichert mit Botschaften und Anspielungen ähnlich denen aus der Welt des Fernsehens, des Films, des Internets und der sozialen Medien. Um die Geschichte der Pop-Art kurz nachzuzeichnen, wurde sie tatsächlich Ende der 1940er Jahre geboren, einer Zeit, als sich die Konsummentalität ausbreitete, als "positivistische" Antwort auf die Dramen des Zweiten Weltkriegs, die "umgewandelt" wurden. in eine zwanghafte, oberflächliche und scheinbar freudige Lebenslust, erreichbar gerade durch Produktion, Konsum und Kommunikation. Der moderne Kontext mit seinen vielen Dramen passt perfekt in die obige Mentalität, die durch die neuen Strategien der Produktion, Verbreitung und des Konsums von Gütern noch bereichert und viel komplexer gemacht wurde. Die Pop-Portraits von Artmajeur-Künstlern, wie beispielsweise von Olivia Caballero González, Laurence Uzan oder Alexander S. Peuchot, finden ihren Platz in diesem hochaktuellen Kontext.

Olivia Caballero González, Bi-sensual , 2022. Öl auf Leinwand, 100 x 81 cm.

Olivia Caballero González: Bi-sinnlich

Die frontale Rahmung eines faszinierenden, hypnotischen und zugleich verschleiert ironischen Sujets führt uns zurück in die Sprache der Werbung, für die der Protagonist der Arbeit ein exzentrisches Zeugnis zu sein scheint. Dennoch liegen wir sehr falsch, wenn wir glauben, dass die „frivole“ Pop-Art noch nie eine „ernsthaftere“ Haltung eingenommen hat, denn in einigen besonderen Fällen ist dies geschehen. Tatsächlich könnte Caballeros „männliche“ Frau auch die Trägerin einer komplexeren feministischen Botschaft sein, die ihre volle Affinität zu einem ikonischen und gleichzeitig provokativen Meisterwerk wie Evelyne Axells Ice Cream (1964) offenbart. Gerade letzteres Gemälde brachte die Ideale der belgischen Künstlerin zum Ausdruck, die sich damals ausdrücklich für eine fortschreitende Liberalisierung der weiblichen Sexualität durch das Medium der Kunst einsetzte. Diese Botschaft wurde auf der Leinwand durch die Darstellung eines einfarbigen Frauengesichts verwirklicht, das in dem Moment gefangen ist, in dem sie beabsichtigt, sinnlich an einer bunten Eistüte zu lecken, die vor einem ebenso farbenreichen und lebendigen Hintergrund positioniert ist. Das gerade beschriebene Bild, das eindeutig sexuelle Konnotationen hat, verfolgt die Absicht, der Idee entgegenzutreten, dass Frauen für ihre Sexualität beschämt werden sollten, damit uns die Arbeit des Artmajeur-Künstlers in ähnlicher Weise daran erinnern könnte, dass es kein schwächeres Geschlecht gibt.

Laurence Uzan, Lippen , 1997. Acryl auf Leinwand, 30 x 30 cm.

Laurence Uzan: Lippen

Die Erzählung der Kunstgeschichte ist so reich, dass sie mit hoher Wahrscheinlichkeit in der Gegenwart auf die „Erinnerungen“ an das, was war, stößt. Das Gesagte muss jedoch positiv interpretiert werden, da zeitgenössische Werke eine Art kulturelle Schichtung darstellen, bei der sich unter den Wiederholungen auch explizite Evolutionen der Menschheit finden lassen. In diesem Zusammenhang scheint es offensichtlich und irgendwie offensichtlich, wie die Merkmale der Pop-Art, die sowohl dem Konsumismus des 20. Jahrhunderts als auch der Moderne sehr ähnlich sind, in der figurativen Untersuchung unserer Zeit wiederkehren, gut veranschaulicht durch Uzans Gemälde Lips . Gerade dieses letztere Werk weist eine starke ikonografische Verbindung zur Tradition der oben genannten Bewegung auf, da es einem der ikonischsten Themen der künstlerischen Auseinandersetzung mit Tom Wesselmann besonders ähnlich ist, wenn auch auf völlig einzigartige und originelle Weise , ein amerikanischer Maler, Bildhauer und Künstler. Im Detail bezieht sich diese "Ähnlichkeit" auf das oben erwähnte Gemälde des Künstlers von Artmajeur und die Lippenserie des amerikanischen Meisters, Protagonisten eines besonderen Kontextes kreativer Experimente. Tatsächlich fertigte Wesselmann in den frühen 1960er Jahren einige monumentale Gemälde an, die sich nach und nach zu einzelnen Details des weiblichen Körpers wie Mund, Brüste und Füße entwickelten, die Akte von Blondinen in trägen Atmosphären darstellten. Unter Berücksichtigung dieses historischen Präzedenzfalls könnten wir Uzans Arbeit daher als Porträt interpretieren, das, bewusst "auf das Minimum reduziert", die Ausdruckskraft eines weiblichen Gesichts durch die Darstellung einer intensiven Nahaufnahme ihrer provokativen Lippen zusammenfasst.

Alexander S. Peuchot, Janet , 2021. Acryl / Öl / Pigmente / Spray auf Leinwand, 121,9 x 91,4 cm.

Alexander S. Peuchot: Janet

In Anlehnung an Warhols ikonisches Pop-Beispiel wurden die Protagonisten des Showbusiness ab dem 20. Jahrhundert zum Gegenstand künstlerischer Untersuchungen; Tatsächlich verkörperte der amerikanische Meister selbst auch Stars der Musikwelt wie Elvis Presley, Dolly Parton, Mick Jagger und Debbie Harry. Solche Arbeiten waren das Ergebnis der Faszination, die Ruhm und Populärkultur auf den Künstler ausübten, dessen Konzept der Wiederholung der dargestellten Sujets genau auf den Identitätsverlust anspielte, der der Massenkonsumkultur selbst innewohnt. Die aus dieser Wirklichkeitsauffassung resultierenden Arbeiten entstanden aus Boulevardfotografien oder Werbeaufnahmen, die Warhol in farbige Siebdrucke umwandelte. Die gleiche Herangehensweise an die Kunst ist in der Arbeit Janet zu sehen, einem Gemälde, das darauf abzielt, das ikonische Cover der Rolling Stones umzufunktionieren, das die gleichnamige Sängerin aus dem Jahr 1993 verewigte, die nur weite Jeans trug und ihre Brüste von den Händen ihres Ex-Mannes Rene bedeckte Elizondo. Dieses Bild, das unauslöschlich Teil des Pop-Lexikons geworden ist, spielt auf die Konzepte an, die durch das Album des gleichen Jahres explizit gemacht wurden, nämlich Janet, das darauf abzielt, eine provokative Erforschung weiblicher Lust und Sexualität darzustellen, die von einer jetzt reiferen und unabhängigen Person erworben wurde Frau, die beim Sex größeres Selbstvertrauen erlangt hatte, auch als freudigen Teil des kreativen Prozesses verstanden.