Erklärung der nordeuropäischen Kunst durch einen Vergleich mit der Kunst des Südens
Die nordeuropäische Kunst, die Norwegen, Schweden, Dänemark, Finnland und Island umfasst, ist eng mit Natur, Mythologie und Geschichte verbunden. Diese künstlerische Tradition entwickelte eine einzigartige Ästhetik, die oft minimalistisch und introspektiv ist und in der Emotionen und Landschaft eine grundlegende Rolle spielen. Die Wikingerkunst mit ihren komplexen Tiermotiven und Verzierungen, die von der skandinavischen Folklore inspiriert sind, ist ein frühes Beispiel dieser Verbindung und betont natürliche und mythologische Themen, die seit Jahrhunderten bestehen.
Die nordeuropäische Kunst entwickelte sich jedoch nicht isoliert. Sie integrierte und adaptierte die Einflüsse großer europäischer Kunstbewegungen wie Impressionismus, Symbolismus und Expressionismus, die aus Frankreich und Deutschland stammten. Künstler wie Edvard Munch in Norwegen und Anders Zorn in Schweden übernahmen diese internationalen Stile und vermischten sie mit ihren lokalen Traditionen. Diese Fusion bereicherte die europäische Ästhetik mit einem neuen Fokus auf Landschaften und emotionaler Tiefe.
Im Gegensatz dazu entwickelten südeuropäische Länder wie Italien, Spanien und Griechenland künstlerische Traditionen, die tief im griechisch-römischen Erbe und der Renaissance verwurzelt waren. Hier blieben die Schönheit des menschlichen Körpers, Symmetrie und die Darstellung des Göttlichen jahrhundertelang von zentraler Bedeutung für die künstlerische Produktion.
In Nordeuropa führte die künstlerische Entwicklung zu einer zunehmenden Auseinandersetzung mit Landschaften und inneren Gefühlen. Die Romantik hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die nordische Malerei. Die Künstler beschäftigten sich mit der wilden Schönheit ihrer Gebiete und der Verbindung zwischen Mensch und Natur. Während sich der Süden auf religiöse Themen und die menschliche Figur konzentrierte, entwickelte der Norden eine abstraktere, an die Natur gebundene Bildsprache, in die er Elemente europäischer Bewegungen einfließen ließ.
Die zeitgenössische nordische Kunst drückt heute weiterhin ihre Verbundenheit mit der Natur und der Abstraktion aus, öffnet sich aber gleichzeitig globalen Einflüssen und neuen Medien. Ähnlich verhält es sich mit Südeuropa, wo moderne Trends zwar übernommen werden, aber dennoch oft eine starke Verbindung zu seinem klassischen Erbe beibehalten wird.
Nordeuropäische Kunst in 10 malerischen Meisterwerken
Betreten wir nun ein imaginäres Museum, in dem die berühmtesten Werke der nordischen Kunst versammelt sind, um die künstlerische Identität Norwegens, Schwedens, Dänemarks, Finnlands und Islands zu erzählen. Der Schrei von Edvard Munch eröffnet die Reise mit seinem intensiven Ausdruck der Angst, gefolgt von Der Tanz des Lebens, das die Stadien der Existenz erforscht. Das epische Midvinterblot von Carl Larsson erinnert an heidnische Mythen, während die kollektive Freude von Hip, Hip, Hurrah! von Peder Severin Krøyer durch die zarte Atmosphäre von Der verwundete Engel von Hugo Simberg ergänzt wird. Die finnischen Landschaften in Der Aino-Mythos von Akseli Gallen-Kallela beschwören die Schönheit der nordischen Natur herauf, und Island findet seinen Ausdruck in Aus Thingvellir von Jóhannes Sveinsson Kjarval. Die Theatralik von En agitator von Erik Henningsen und das eindrucksvolle Eine Sommernacht auf Tyresö von Prinz Eugen runden eine Reise durch Natur, Introspektion, Geschichte und alte Mythen ab.
Diese Reise fängt die Seele Nordeuropas ein, wo Natur und Emotionen in zeitlosen Meisterwerken verschmelzen. Sind Sie bereit, eine Eintrittskarte für dieses fantastische Museum zu kaufen und es mit mir zu besuchen?
Edvard Munch, Der Schrei, 1893. Öl, Tempera und Pastell auf Karton, 91 x 73 cm. Norwegische Nationalgalerie.
1. „Der Schrei“ – Edvard Munch (Norwegen)
Wir steigen gemeinsam die Stufen dieser imaginären Institution hinauf, mit der Eintrittskarte in der Hand. Als wir die Schwelle in der Mitte des Raumes überschreiten, weiten sich unsere Augen vor Erstaunen: „Der Schrei “ von Edvard Munch. Das Kunstwerk verwendet kräftige, kontrastierende Farben – Rot und Grün, Orange und Blau –, um einen ausdrucksstarken Effekt zu erzielen, der das Drama verstärkt. Die wirbelnden, fast geschmolzenen Linien des Hintergrunds kontrastieren mit der geometrischen Starrheit des Geländers und erzeugen eine visuelle Spannung. Die warmen Farbtöne des Himmels gleichen die dichten Elemente darunter aus und lenken die Aufmerksamkeit auf das Gesicht der schreienden Figur. „Der Schrei“ ist ein universelles Symbol existenzieller Angst. Es stellt nicht nur eine individuelle Erfahrung dar, sondern ein kollektives Gefühl von Terror und Einsamkeit. Munch spiegelt den Pessimismus der Jahrhundertwende wider, hebt die emotionale Distanz der anderen Figuren in der Szene hervor und schafft eine kraftvolle Darstellung der Entfremdung. Dieses Werk gilt als Ikone der modernen Kunst, da es menschliches Leid in einer dauerhaften visuellen Form festhält.
Edvard Munch, Der Tanz des Lebens, 1899-1900. Öl auf Leinwand. Nationalgalerie, Oslo.
2. „Der Tanz des Lebens“ – Edvard Munch ( Norwegen )
Auf der rechten Seite des Raumes hängt an der größten Wand ein weiteres Meisterwerk von Edvard Munch, ein Werk, das noch immer Bewunderung und tiefes Nachdenken hervorruft. Besucher, einige vertieft, andere mit aufmerksamen Blicken, nähern sich dem Gemälde, folgen den Erklärungen des Audioguides auf ihren Telefonen und tauchen dabei in die Ausdruckskraft des Meisterwerks und die einzigartige Atmosphäre ein, die Munch hervorruft. Wir stehen nun vor „Der Tanz des Lebens“ des Meisters, einem Werk, das eine Szene zeigt, die in der Johannisnacht spielt, die in Norwegen traditionell mit Feiern im Freien und Tanzen verbunden ist. Das Gemälde zeigt drei weibliche Figuren, die die Lebensabschnitte darstellen: eine junge Frau in Weiß, die Reinheit und Hoffnung symbolisiert; eine Frau in Rot, die leidenschaftliche Liebe darstellt; und eine Figur in Schwarz, ein Sinnbild für Trauer und Tod. In der Mitte tanzt ein Paar, emotional distanziert trotz der Intensität ihrer körperlichen Verbindung, während im Hintergrund andere Paare sich in einem wirbelnden Tanz im Mondlicht zu verlieren scheinen. Das Gemälde bringt Munchs pessimistische Sicht der Liebe zum Ausdruck. Sie ist keine Kraft, die sich dem Tod entgegenstellt, sondern eine zerstörerische Energie, die die menschliche Seele verzehrt. Was ein fröhlicher und festlicher Tanz sein sollte, wird zu einem melancholischen und entfremdenden Ritual, das die Zerbrechlichkeit der Existenz symbolisiert.
Carl Larsson, Midvinterblot, 1915, Ölgemälde. Schwedisches Nationalmuseum der Schönen Künste, Stockholm
3. „Midvinterblot“ – Carl Larsson (Schweden)
Während wir uns durch die riesigen Räume des Museums bewegen, stoßen wir auf viele weitere Meisterwerke. Die folgende Erzählung wird sie nicht in chronologischer Reihenfolge präsentieren, sondern in der Art und Weise, wie sie angeordnet, durch die Architektur hervorgehoben und durch Scheinwerfer geschickt beleuchtet wurden. „Midvinterblot “ (Mittwinteropfer) ist ein Gemälde, das Carl Larsson 1915 für die zentrale Treppe des Nationalmuseums in Stockholm schuf. Trotz anfänglicher Kontroversen und Ablehnungen wurde das Meisterwerk 1997 schließlich im Museum an dem Ort aufgestellt, für den es ursprünglich bestimmt war. Das Werk zeigt eine Legende aus der nordischen Mythologie, in der der schwedische König Domalde geopfert wird, um eine Hungersnot abzuwenden. „Midvinterblot “ beschäftigt sich mit dem Thema des königlichen Opfers und symbolisiert die Bereitschaft des Königs, sich für das Wohl seines Volkes hinzugeben. Die Erzählung wird in einem monumentalen Stil dargestellt, mit einer friesartigen Komposition, die an historische und mythologische Kunst erinnert. Larsson schöpfte aus historischen und mythologischen Quellen, darunter den Schriften von Adam von Bremen und Snorri Sturluson, und ließ sich von Artefakten aus der Eisenzeit inspirieren.
Peder Severin Krøyer, Hip, Hip, Hurrah!, 1888. Öl auf Leinwand. Göteborgs Kunstmuseum.
4. „Hip, Hip, Hurra!“ – Peder Severin Krøyer (Dänemark)
„ Hip, Hip, Hurrah!“ (1888) von Peder Severin Krøyer zeigt eine lebhafte Szene im Freien mit einer Gruppe von Künstlern der „Skagen Painters“, einer Gemeinschaft dänischer, norwegischer und schwedischer Künstler, die sich in Skagen, Dänemark, versammelt haben. In der Szene stoßen die Künstler im Sonnenlicht an, eingetaucht in eine Atmosphäre der Feierlichkeit und Festlichkeit. Zu den bemerkenswerten anwesenden Figuren gehören Anna Ancher, Michael Ancher, Viggo Johansen und Krøyer selbst. „Hip, Hip, Hurrah! “ feiert den Geist der Kameradschaft und Freundschaft unter den Skagen-Künstlern. Die Szene zeigt nicht nur einen Moment der Freude, sondern unterstreicht auch die Bedeutung der Künstlergemeinschaft und gegenseitigen Unterstützung. Der Toast symbolisiert Einheit, gemeinsame Erfahrungen und kreative Energie – ein Spiegelbild der kollektiven Identität der skandinavischen Meister der Zeit. Das Meisterwerk ist stark vom Impressionismus beeinflusst, insbesondere in seiner Darstellung von Licht und Atmosphäre. Krøyer war besonders vom Nordlicht fasziniert und hielt dessen Reflexionen auf Gesichtern und Objekten fest, wodurch ein lebendiger und realistischer Effekt entstand. Das Werk ist auch ein Beispiel für Naturalismus mit einem Fokus auf das alltägliche Leben und die soziale Interaktion.
Akseli Gallen-Kallela, Aino-Mythos, Triptychon, 1891. Ateneum, Helsinki
5. „Aino-Mythos, Triptychon“ – Akseli Gallen-Kallela (Finnland)
„Der Mythos von Aino“ von Akseli Gallen-Kallela zeigt eine Episode aus dem Kalevala, Finnlands Nationalepos. Der Mythos erzählt die Geschichte von Aino, einer jungen Frau, die gegen ihren Willen dem alten Weisen Väinämöinen zur Ehe versprochen wurde. Aino, die verzweifelt versucht, ihrem Schicksal zu entfliehen, lehnt die Heirat ab und stürzt sich ins Meer, wo sie sich in ein Wasserwesen verwandelt. Der Mythos symbolisiert den Kampf gegen das Schicksal und die transformative Kraft der Natur. „Der Mythos von Aino“ behandelt Themen wie Schicksal, unerwiderte Liebe und Verlust und spiegelt den tragischen Geist des Kalevala wider. Ainos Geschichte steht für persönliches Opfer und die transformative Kraft der Natur. Mit dieser Erzählung feiert Gallen-Kallela die finnische kulturelle Identität und unterstreicht die Verbindung zwischen Mythos, Natur und nationaler Identität. Das Werk gehört zum symbolistischen Stil des späten 19. Jahrhunderts, mit Einflüssen der Nationalromantik. Gallen-Kallela verwendet intensive Farben und eine dynamische Komposition, um die mythologischen Themen und die finnische Landschaft hervorzuheben. Die detaillierte Darstellung der Natur, der Charaktere und der Umgebung spiegelt die tiefe Verbundenheit zwischen der finnischen Kultur und der natürlichen Umwelt wider.
Hugo Simberg, Der verwundete Engel, 1903. Ateneum, Helsinki.
6. „Der verwundete Engel“ – Hugo Simberg (Finnland)
„Der verwundete Engel“ von Hugo Simberg zeigt einen verwundeten Engel, der von zwei Jungen durch eine melancholische und realistische Landschaft getragen wird. Der Weg führt durch Eläintarha, einen Park in Helsinki, mit der Bucht von Töölönlahti im Hintergrund. Dieses Gebiet wurde von der Arbeiterklasse besucht und beherbergte karitative Einrichtungen wie eine Blindenschule und ein Behindertenheim, was darauf hindeutet, dass die Jungen den Engel zu einem dieser Orte voller Mitgefühl und Hoffnung tragen. Das Meisterwerk vermischt Realismus und Symbolismus und verwendet gedämpfte Farben, die die melancholische Atmosphäre widerspiegeln, während die naturalistische Landschaft in Kombination mit der einfachen, aber emotional aufgeladenen Komposition eine greifbare Kulisse für ein zutiefst allegorisches Bild bietet.
7. „Eine Sommernacht auf Tyresö“ – Prinz Eugen (Schweden)
„ Eine Sommernacht auf Tyresö “ (1895) ist eine Abendlandschaft, die Prinz Eugen gemalt hat. Sie zeigt die friedliche schwedische Landschaft in der Nähe von Tyresö, einem Ort, an dem der Prinz viele Sommer verbrachte. Das Gemälde zeigt eine weite Fläche ruhigen Wassers, umgeben von dunklen Bäumen und einem hellen, heiteren Sommerhimmel. Das Licht des Sonnenuntergangs spiegelt sich im Wasser und schafft eine ruhige und meditative Atmosphäre. Das Gemälde gehört zur Bewegung der Nationalromantik, die sich durch eine starke Verbindung zur Natur auszeichnet. Prinz Eugen verwendet einen vom Impressionismus beeinflussten Stil, wobei er besonders auf Licht und Reflexionen achtet. Die zarten Farben und weichen Pinselstriche tragen dazu bei, ein Gefühl von Ruhe und Melancholie zu erzeugen. „Eine Sommernacht auf Tyresö“ symbolisiert die enge Beziehung zwischen Mensch und Natur, ein Thema, das Prinz Eugen sehr am Herzen lag. Das Werk vermittelt ein Gefühl von Einsamkeit und Introspektion und evoziert gleichzeitig die Idee einer ewigen und unveränderlichen Natur. Das Gemälde stellt nicht nur die Schönheit der schwedischen Landschaft dar, sondern spiegelt auch den Wunsch des Künstlers wider, durch die Betrachtung der natürlichen Welt Frieden und Harmonie zu finden.
Jóhannes Sveinsson Kjarval, Aus Thingvellir, 1957.
8. „From Thingvellir“ – Jóhannes Sveinsson Kjarval (Island)
„ From Thingvellir“ (1957) ist ein Gemälde von Jóhannes Sveinsson Kjarval, das die einzigartige Landschaft von Þingvellir zeigt, einer Region von großer historischer und natürlicher Bedeutung in Island. Das Kunstwerk fängt vulkanische Felsformationen, Lavafelder und die typische Vegetation der Gegend ein. Kjarval verwendet eine erdige Farbpalette und Töne, die die Nuancen der isländischen Landschaft widerspiegeln und ein Bild schaffen, das sowohl realistisch als auch atmosphärisch ist. Das Gemälde ist im impressionistischen Stil ausgeführt, gekennzeichnet durch schnelle, fließende Pinselstriche, die die Essenz des Augenblicks und die flüchtigen Eigenschaften des Lichts einfangen. Kjarval kombiniert Impressionismus mit Elementen des Realismus und Symbolismus und entwickelt einen persönlichen Stil, der sowohl das physische Erscheinungsbild als auch den Geist der Landschaft zum Ausdruck bringt. Seine Aufmerksamkeit für natürliche Details und die Texturen von Felsen und Vegetation unterstreicht seine tiefe Beobachtung der Natur. „ From Thingvellir “ geht über eine einfache Darstellung eines Ortes hinaus; es symbolisiert Islands kulturelle und historische Identität. Þingvellir ist der Ort, an dem im Jahr 930 n. Chr. eines der ersten Parlamente der Welt, das Alþingi, gegründet wurde. Es ist bis heute ein Symbol isländischer Souveränität und Tradition. Mit diesem Gemälde bringt Kjarval die untrennbare Verbindung zwischen dem isländischen Volk und seinem Land zum Ausdruck und betont, wie die Landschaft die Geschichte und Seele der Nation geprägt hat. Das Werk lädt den Betrachter ein, über die herbe Schönheit und innere Kraft der isländischen Natur nachzudenken.
Erik Henningsen, En agitator, 1899. Öl auf Leinwand. Metalskolen Jørlunde.
9. „ En agitator “ – Erik Henningsen (Dänemark)
„En agitator“ (Ein Agitator) von Erik Henningsen, gemalt im Jahr 1885, zeigt einen Mann, der auf einer Kiste steht und zu einer Gruppe von Arbeitern spricht, die sich auf einer Kopenhagener Straße versammelt haben. Die Szene fängt einen Moment intensiver sozialer Spannung ein, in dem der Sprecher versucht, die Menge zu überzeugen, während die unterschiedlichen Gesichtsausdrücke der Arbeiter eine Reihe von Reaktionen widerspiegeln, von Interesse bis Gleichgültigkeit. Die städtische Kulisse erinnert an die Atmosphäre der frühen sozialen Unruhen in Dänemark im späten 19. Jahrhundert. Das Meisterwerk ist in Henningsens charakteristischem realistischen Stil gemalt und konzentriert sich auf die Details des Alltagslebens und der sozialen Dynamik. Die Darstellung der Charaktere ist lebendig und präzise, wobei gedämpfte, natürliche Farben die Authentizität der Szene verstärken. Die Komposition ist ausgewogen, mit dem Sprecher in der Mitte und der ihn umgebenden Menge, wodurch ein starker visueller Kontrast zwischen der einsamen Figur und der Masse entsteht. „ En agitator “ spiegelt Henningsens großes Interesse an den sozialen und politischen Themen seiner Zeit wider, insbesondere an den frühen Arbeiterbewegungen und Arbeiterkämpfen. Das Gemälde untersucht die Spannung zwischen den Idealen der Veränderung und der Realität des gesellschaftlichen Widerstands und stellt den Redner als Symbol sowohl des Kampfes und der Hoffnung als auch der Spaltung in den Vordergrund.
Harald Sohlberg, Winternacht in den Bergen, 1914. Nasjonalgalleriet, Oslo.
10. „Winternacht in den Bergen“ – Harald Sohlberg (Norwegen)
„ Winternacht in den Bergen “ (1914) von Harald Sohlberg ist eines der berühmtesten Gemälde Norwegens und zeigt die schneebedeckte Berglandschaft von Rondane. Die Szene ist in ein kaltes, geheimnisvolles Licht getaucht, mit einem klaren, tiefblauen Himmel ohne Wolken. Kahle Bäume im Vordergrund rahmen die Landschaft ein und ein einzelner heller Stern leuchtet zwischen zwei Bergen. Die Leinwand vermittelt ein Gefühl stiller Isolation, ohne Anzeichen menschlichen oder tierischen Lebens, außer einem Kreuz, das im Schnee auf einem Berggipfel rechts sichtbar ist. Das Gemälde folgt den Prinzipien des nordischen Symbolismus und verwendet eine Ästhetik, die Emotionen und Stimmungen ausdrückt, anstatt nur die Realität darzustellen. Sohlberg verwendet kühle Farben und legt besonderen Wert auf Mondlicht, um eine traumhafte, übernatürliche Atmosphäre zu schaffen. Die Symbolik des Lichts, der Natur und der wilden Landschaft vermittelt eine spirituelle Vision der Beziehung zwischen Mensch und Natur, auch wenn die Menschheit nur implizit durch ihre Spuren vorhanden ist. Das Werk spielt auf die Kraft und Schönheit der nordischen Landschaft an, aber auch auf ihre Einsamkeit und ihr Mysterium. Der Berg und der Stern können die Majestät und Ewigkeit der Natur symbolisieren, während das Kreuz im Schnee eine Reflexion über Sterblichkeit und Spiritualität nahelegt.
Olimpia Gaia Martinelli
| ArtMajeur Magazin
