Frohe Feiertage!

Wir sind Anfang August und die Städte leeren sich endlich, die Menschen verabschieden sich und verschieben ihr Gespräch auf September, wenn der Stadtbeton nicht mehr wie Asphalt sprudelt und alles weitergehen kann, was durch die Ankunft von unterbrochen wurde die bevorstehenden, dringend benötigten und ersehnten Ferien. Während unserer Auslandsaufenthalte oder in einem mehr oder weniger nahegelegenen Urlaubsort werden wir, während wir uns ein wenig entspannen, darüber nachdenken, was wir für einen Moment an unserem Heimatort zurückgelassen haben, insbesondere wenn die Ankunft des Urlaubs die Entwicklung unterbrochen hat eine Situation, die uns besonders am Herzen lag und uns in einer hypothetischen, wohlhabenden und hoffnungsvollen Zukunft einfrieren ließ. ..Erblicken! Dies ist die Art und Weise, wie Reisen im Allgemeinen von uns armen Normalsterblichen wahrgenommen wird, weshalb ich mich an dieser Stelle frage, wie es andererseits von den größten „Göttern“ in der Kunstgeschichte erlebt wurde, eine Frage, die Ich kann mit drei möglichen Varianten antworten, die ich durch die Konstruktion einer figurativen Erzählung veranschaulichen werde. Tatsächlich konnten die Künstler, die früher umherzogen, um Malerei zu studieren und dabei mit anderen Meistern, Strömungen oder Strömungen, kulturellen Realitäten und Landschaften in Kontakt kamen, einer ganz bestimmten Route folgen, wie etwa der auferlegten „Grand Tour“, oder sich bewegen frei und konzentrierte sich darauf, sowohl andere Reisende als auch die Orte, die Gegenstand ihrer Transfers waren, einzufangen.

COMPARTIMENT VOYAGEURS (2020) Druckgrafik von Nathalied.

„VOYAGE“ (2020)Fotografie von Emmanuel Passeleu.

Das Konzept der Grant Tour wird durch Emil Bracks Meisterwerk mit dem Titel „Planning the Grand Tour“ bildlich erläutert, in dem zwei Figuren der Tradition entsprechend ihr Bestes tun, um eine Karte von Italien zu studieren, um ihre kulturelle Reise dorthin zu planen Die beliebtesten Reiseziele sind Rom, Venedig, Neapel und Florenz. Gerade die letztgenannten Reiseziele waren die beliebtesten für diese ab dem 18. Jahrhundert weit verbreitete Reiseart, die auf die Vervollkommnung von Wissen und künstlerischen Fähigkeiten abzielte und den Blick auf die großen Zentren der klassischen, Renaissance- und Barockarchitektur lenkte , Bildhauerei und Malerei, um auch einige der wenigen Institutionen auf der Grand Tour zu besuchen, wie die 1765 eingeweihte Uffiziengalerie und die Vatikanischen Museen aus den Jahren 1769-1774. Es ist möglich, diese eher traditionelle und historische Art des Reisens mit Reisen zu vergleichen, die sowohl von praktischen Notwendigkeiten als auch von rein persönlichen Interessen bestimmt werden, ebenso wie die künstlerische Untersuchung von Augustus Leopold Egg, einem britischen Künstler aus der viktorianischen Zeit, der Auf der Suche nach Linderung von Asthma besuchte er häufig den Süden Englands und Frankreichs und fing das ikonische Bild eines seiner bekanntesten Meisterwerke ein, nämlich „Die reisenden Gefährten“ (1862), ein Gemälde, das zwei elegante Frauen darstellen soll, die einander gegenübersitzen Andere in einem First-Class-Wagen wirken wie eine Spiegelvision. Die Symmetrie der Bildnisse spiegelt sich in den Merkmalen der Kutsche wider, obwohl diese Ähnlichkeiten durch die sorgfältige Beobachtung bestimmter Details nicht mehr bestehen, wie zum Beispiel die Tatsache, dass eine Frau mit dem Lesen beschäftigt ist, während die andere darin versunken ist schlafen. Auch wenn es um das Reisen mit dem Zug geht, kommt man nicht umhin, an Honoré Daumiers „Der Wagen der dritten Klasse“ zu denken, in dem das Thema Reisen für eine andere Art von Erzählung funktional wird, die sich ausschließlich mit sozialen Themen beschäftigt und das Leben von Menschen schildert Arbeitnehmer in den aufstrebenden Industriemetropolen. Gerade dieser Kontext, der nicht in seinen technologischen Innovationen gefeiert, sondern in der Not der weniger wohlhabenden Reisenden gepriesen wird, bringt einen Standpunkt zum Ausdruck, der in scharfem Widerspruch zu den vorherrschenden Bildern der Zeit steht und im Allgemeinen auf die Förderung des Entstehens und Modernen abzielt Transportmittel als Symbol für wohltuenden Fortschritt. An dieser Stelle ist es gut hervorzuheben, wie Künstler nicht nur andere Reisende festhielten, sondern uns auch von ihren Zielorten erzählten und es uns ermöglichten, uns ohne Ticket fortzubewegen, und zwar durch eine figurative Erzählung, die aus einer Abfolge von Pinselstrichen besteht , die im Fall von Vincent van Goghs „Blick auf Arles, blühende Obstgärten“ (1889) übereinstimmend den Blick auf die gleichnamige französische Stadt beschreiben, die an einem Kanal liegt und deren Ufer voller Pappeln das Stadtzentrum überblickt. Davon können wir einen Blick auf die Türme von St. Trophime, das College of St. Charles und die Calvin Barracks werfen. Um Toledo zu besuchen, können wir uns jedoch auf das Werk von El Greco mit dem Titel „Blick auf Toledo“ (1596-1600) beziehen, das eine Landschaft mit eher dunklen und leuchtenden Blau-, Schwarz-, Weiß- und Grüntönen zeigt, in denen der deutlichste Kontrast zum Ausdruck kommt zwischen den hellen Blitzen des Himmels und der Ernsthaftigkeit der Erde, mit dem Ziel, die Stimmungen der Stadt, in der der Maler die meiste Zeit seines Lebens lebte und arbeitete, wiederzugeben und sie eher symbolisch als dokumentarisch zu beschreiben. Abschließend überlassen wir die Aufgabe Monets englischen Reisen, eine der berühmtesten Sehenswürdigkeiten der Stadt London zu beschreiben, nämlich das Parlament, das in der gleichnamigen Werkserie, die zwischen dem Herbst 1899 und den ersten Monaten des Jahres 1900 entstanden ist, meisterhaft erfasst wurde 1901, in dem der Palace of Westminster, aus der Sicht von Monets Fenster oder von einer Terrasse des St. Thomas' Hospital aufgenommen, oft im Nebel mit einem Profil festgehalten wird, das kaum zu erahnen ist. Nach diesen großen Meistern der Kunstgeschichte wird die Geschichte des „Malens für unterwegs“ mit der Analyse einiger Werke der Künstler von Artmajeur fortgesetzt, nämlich denen von Pavel Korzukhin, Svetlana Lebedeva und Natalia Shchipakina.

Reiseamulett von Pavel Korzukhin

Wenn die Gemälde der meisten künstlerischen Bewegungen und Strömungen uns dazu veranlasst haben, mit den gängigsten Transportmitteln zu reisen, um reale oder zumindest leicht zugängliche Ziele zu erreichen, ist es die Aufgabe des Surrealismus, diese Herangehensweise an Abfahrten aufzugeben. um uns, wie im Fall des Reiseamuletts, auf einem unkonventionellen Mongolenboot in Form einer Muschel in die wenig erforschten oberen Schichten der Atmosphäre zu entführen. Die letztgenannte Schutzhülle, die normalerweise im Sand des Meeres gefangen ist, konnte endlich ihr Gewicht und ihren terrestrischen Lebensraum ablegen, indem sie sich von allen damit verbundenen Formen der Standardisierung distanzierte und an der bildlichen Erzählung teilnahm ein traumhafter Charakter, in dem ein Boot nutzlos eines seiner Ruder behält. Tatsächlich wird letztere nun nicht mehr von Meeresströmungen, sondern von einer leichten und unmerklichen Brise angetrieben, die es der Muschel ermöglicht, von oben nach unten eine Mondsichel zu beobachten, die darauf abzielt, die Form eines Lächelns anzunehmen, vielleicht angeregt durch jenes Gefühl der Freiheit, das der Welt der Träume und der Fantasie zugeschrieben werden kann und das im Surrealismus gut zum Ausdruck kommt. Indem es sich stattdessen auf die Worte von Pavel Korzukhin bezieht, manifestiert sich in dem Werk eine lyrische Komposition, deren Ziel es ist, dem Thema der Meereswanderungen eine Form zu geben, die, wie für die Kunst des Malers üblich, darauf abzielt, die Paradoxien des modernen Lebens zu veräußerlichen und zu erklären durch die ästhetischen und technischen Formen eines Gemäldes, in dem der totale stilistische Eklektizismus und die sich gegenseitig ausschließende Bildmischung durch die harmonische Vision des Autors korrigiert werden.

REISE (2020)Gemälde von Svetlana Lebedeva.

Reisen von Svetlana Lebedeva

Was macht Lebedevas Malerei innovativ? Die Art und Weise, wie ein Flugzeug eingefangen wird, ein Motiv, das die Künstlerin wahrscheinlich in dem Moment beobachtet hat, als sie vielleicht selbst darin saß und vom Fenster aus den Flügel betrachten konnte, der in der Luft gefangen war Moment des Starts, in dem das Flugzeug anläuft, um vertikal am Himmel zu schweben, bevor es eine horizontale Position einnimmt. Es ist jedoch auch nicht auszuschließen, dass das betreffende Flugzeug kurz vor der Landung steht und uns einen Blick auf die Erdoberfläche ermöglicht, die bald wieder von unseren Füßen betreten wird. Bemerkenswert innerhalb der Erzählung der Kunstgeschichte ist jedoch die Existenz einer Bildbewegung, die die Flugfähigkeit des Flugzeugs zu ihrer größten Inspirationsquelle machte: Ich spreche von „Aeropittura“ (Aereo-Malerei), einer Abwandlung des Futurismus, die in… geboren wurde in den 1910er Jahren und etablierte sich nach dem Ersten Weltkrieg, einer Zeit, in der man sich vom Mythos der Maschine und der Moderne inspirieren ließ und in der Dynamik, dem Flug und der Geschwindigkeit des Flugzeugs seinen Höhepunkt fand. Was gerade gesagt wurde, lässt sich mit dem Werk „Dynamism of Train Ship Airplane“ (1930) von Giulio D'Anna zusammenfassen, einem 1908 geborenen italienischen Maler und Verleger, der „Aeropittura“ wählte, um sein persönliches Bedürfnis nach Flucht und Sehnsucht zu befriedigen Diese Reisen gelang ihm leider nur in seiner Fantasie, da er nie die so viel geträumte direkte Erfahrung des Fluges verwirklichte, die erstmals in dem Gemälde aus dem Jahr 1928 mit dem Titel „Visual Exhilaration“ erwähnt wird.

BARCELONA. FRÜHLING (2023)Gemälde von Natalia Shchipakina.

Barcelona-Frühling von Natalia Shchipakina

Die oben analysierten Meisterwerke der Kunstgeschichte haben uns durch die Handlung des Reisens dazu geführt, mehr über die Reiseziele zu erfahren, die einige der bekanntesten Meister aller Zeiten besucht haben, ohne uns jedoch glauben zu lassen, dass es der Wunsch des Künstlers war, uns dorthin zu bringen Kontakt mit einer Realität, die sich von unserer eigenen unterscheidet. Tatsächlich bestand in den erwähnten Werken, wie denen von Van Gogh, Monet und El Greco, der Hauptzweck darin, uns an einer Botschaft, einer Vision oder neuen Ausdruckstechniken teilhaben zu lassen, und nicht darin, uns treu zur Entdeckung eines zu führen Ort, der eine realistische Sprache entlehnt und darauf abzielt, einen sterilen Reiseführermodus zu aktivieren. Was gerade beschrieben wurde, nämlich die Äußerlichkeit einer persönlichen und freien Vision, ohne lediglich emulative Zwecke, wiederholt sich in Shchpakinas postimpressionistischer Darstellung von Barcelona, die darauf abzielt, einen ganzen Teil der Stadt zu beschreiben, indem sie nur ihr Symbol darstellt Den Rest machen sie durch das Erscheinen einiger geometrischer Figuren, die hier und da auftauchen, mit der Aufgabe, einer undeutlichen Häusermasse Leben einzuhauchen. Eine solche Herangehensweise ist von der Malerin nicht nur der katalanischen Hauptstadt vorbehalten, denn sie hat mit verwandten Stilmerkmalen viele der bekanntesten Reiseziele eingefangen und dabei den Wunsch, Orte fernab von uns kennenzulernen, mit der Hingabe, sie als solche zu betrachten, vereint Sie erscheinen ausschließlich vor den Augen des Künstlers, der zugibt, sich am Beispiel von Claude Monet, Vincent van Gogh, Isaac Levitan und Auguste Renoir zu orientieren, also an Meistern, die weit über die einfache Reproduktion des realen Datums hinausgegangen waren, den Vorzug zu geben Darstellung von Atmosphäre, Licht, Innerlichkeit und Emotionen.