Kurze Einleitung

Mein Impuls zum Schreiben wird ausschließlich von dem Wunsch diktiert, Ihnen zwei parallele Realitäten der Kunst zu zeigen, durch die sich jetzt zwei Visionen der Mutterschaft par excellence überlagert haben, jeweils deutlich gemacht durch das ikonische Bild einer Mutter, die in der Gesellschaft ihres Zärtlichen gefangen ist Kind. Während Darstellungen dieser letzteren intimen Bindung lange Zeit eine Mischung aus alltäglichen Szenen darstellten, die im Einklang von einer strengeren religiösen Ikonographie begleitet wurden, ist es wichtig, hervorzuheben, wie in der nun fernen Vergangenheit und insbesondere während des Mittelalters und der Renaissance , nahm die westliche figurative Erzählung über Mutterschaft ausschließlich die Gestalt der heiligen Madonna mit Kind an, eine eindeutige und eindeutige Illustration der Konzepte der Schöpfung, Reinheit und Liebe zum Kind, aber auch der Verbundenheit mit dem Göttlichen als Jungfrau akzeptierte bedingungslos ihr von oben auferlegtes Mutterschicksal. Die Koexistenz des Sakralen und des Profanen in Bezug auf das oben erwähnte Thema trat nur allmählich in den Vordergrund, zweifellos aufgrund des Anstoßes von Leuten wie Caravaggio, die im 17 irdisches Ereignis. Trotz dieses „Debüts“ stellte sich der Erfolg der „Profanen Madonnen“ erst zwischen dem späten 19. und dem 20. Jahrhundert ein, einer Zeit, als die Darstellung gewöhnlicher Sterblicher mit einer neuen Vision von Mutterschaft in Verbindung gebracht wurde, die manchmal auch geeignet war, Aspekte von Schmerz und Schmerzen hervorzuheben Leiden, gut zusammengefasst durch die expressionistische Erzählung und die Darstellung des Unbewussten von Autoren wie Egon Schiele.

MATERNITY 9 (2023) Gemälde von Madeline Berger (MadB).

Heilig und profan: der Vergleich

Wir sind zu dem Versuch gekommen, einige der bekanntesten Madonnen mit Kind in der Kunstgeschichte mit späteren weltlichen Meisterwerken in Verbindung zu bringen, um beispiellose Ähnlichkeiten zu enthüllen, zu denen uns durch die einfache Zuordnung von Orten, Farben und Gesten führen Wiederkehrende Aspekte der Mutterschaft zu erkennen, ein Band, das als wahre Verlängerung des Lebens einer Frau zu verstehen ist, fortgesetzt in dem eines neuen Wesens, das mit angemessener Sorgfalt und Aufmerksamkeit weise geschmiedet werden muss, was uns dazu veranlasst, unseren Erzeugern mit der folgenden Befreiung zu danken Statement: Es lebe die Mutter! Dementsprechend denke ich daran, diese Geschichte meiner eigenen zu widmen und sie so aufgeregt zu machen wie bei der Premiere eines Tutu-Rezitals für Kleinkinder. Ich beginne mit Giotto, dem ikonischen Schöpfer der Geburt Jesu (1303-05), einem Fresko, in dem trotz mehrerer Die Madonna bleibt, während sie ihren Sohn betrachtet, völlig in sich versunken, eine Aktion, die ihren Schauplatz in einer felsigen Landschaft findet, wo die Anwesenheit eines Holzstalls auferlegt wird, in dessen Nähe ein Diener, der Ochse und der Esel, sowie der schlafende Joseph stehen , Hirten und ihre Herde und fünf Engel erscheinen ebenfalls: vier sind darauf bedacht, Gebetsgesten an das neugeborene Kind zu richten, während der fünfte es unternimmt, die erwähnten Hirten über das wundersame Ereignis zu unterrichten. Giottos Hütte bringt uns zu dem ähnlichen Ort, an dem Giovanni Segantini das Gemälde Die zwei Mütter (1889) inszenierte, ein Werk, in dem es nicht nur um eine profane Mutterschaft geht, sondern auch um ein tierisches Beispiel für das Genre. Tatsächlich erscheint uns in einem von einer Öllampe beleuchteten Stall eine doppelte Vision der oben erwähnten Affektivität: Eine junge Mutter, die auf einem Melkschemel sitzt und einfach gekleidet ist, wird im Schlaf ertappt, während sie ihr Baby liebevoll in ihren Armen bewacht , auf der linken Seite der Stütze, eine Kuh, die im Moment des Fressens von einem Futtertrog gefangen wurde, legt ihren Körper nahe an den ihres jungen, gefangenen Kalbes, das friedlich, fast getarnt im Stroh ruht. Von den Ortsverwandtschaften gehen wir nun zu den chromatischen über, beginnend mit Cimabues Gold und endend mit Vincent van Goghs „fast“ Gelb, d.h. durch die Analyse der Madonna von Santa Trinita (1260-80) und Madame Roulin und ihr Baby (1888 ).

Giotto, Geburt Jesu , c. 1303-1305. Fresko, 200 × 185 cm. Padua: Scrovegni-Kapelle.

Vincent Van Gogh, Madame Roulin und ihr Baby , 1888. Öl auf Leinwand, 63,5 cm × 20,3 cm. New York: Metropolitanmuseum der Kunst.

Apropos erstes helles Meisterwerk: Die Tempera auf Tafel des Florentiner Meisters verewigt eine Jungfrau, die in der Mitte des Altarbildes platziert ist, eine Figur, die auf einem imposanten architektonischen Thron sitzt, von dem aus gezeigt wird, wie sie fest entschlossen ist, Jesus, das Kind, das ist, zu tragen zusammen mit seiner Mutter von vier Engeln rechts und vier Engeln links umgeben, während unten die Figuren der vier Propheten in Halbfiguren Gestalt annehmen. Die Bedeutung dieses Meisterwerks liegt in der Tatsache, dass es ein klares Beispiel für die reife Malerei des toskanischen Meisters darstellt, die durch Stilmittel verwirklicht wurde, die in der Lage sind, die frühere byzantinische Tradition zu erneuern und der menschlichen Figur ein natürlicheres und weniger stereotypes Aussehen zu verleihen. Van Gogh hingegen stellt mit seinem brillanten Werk eine „eigenständige“ figurative Untersuchung dar, indem sein Weltbild und damit auch das Menschenbild in Bezug auf die Tradition lose strukturiert war, weil der gequälte niederländische Künstler folgte ausschließlich die Bewegungen seiner Seele, die in diesem Fall zur Schaffung des kraftvollen Porträts von Augustinus und seiner kleinen Tochter Marcelle führten, eines der vielen Werke, die der Meister der Familie Roulin widmete und etwa sechs Monate später schuf der Künstler zog von Paris nach Arles. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Verbindung zwischen Gegenwart und Vergangenheit in den Gesten wiederkehrt, insbesondere in denen des Stillens, die sowohl von Ambrogio Lorenzettis Milchmadonna (1324-25) als auch von Auguste Renoirs profaner Mutterschaft (1885) eingefangen wurden. Das erste Meisterwerk gilt als Höhepunkt eines Trends des 14. Jahrhunderts, die Ikonographie der Milchmadonna weniger stilisiert und realistischer darzustellen, was in diesem speziellen Fall durch den Verlust der für byzantinische Ikonen typischen Frontalität erfolgt um die Jungfrau liebevoll dem Jesuskind zuzuwenden. Die gleiche sanfte Absicht verfolgte wahrscheinlich der erwähnte französische Meister, der in dem Gemälde von 1885 die Gelegenheit nutzt, um ein Sujet zu verewigen, das als Protagonist einer Reihe von Werken darauf abzielt, seine zukünftige Braut Aline darzustellen beim Stillen des kleinen Pierre. Schließlich ist das Thema Mutterschaft nach wie vor in der zeitgenössischen Kunst sehr en vogue, was durch die Analyse einiger Werke von Artmajeur-Künstlern belegt werden kann, wie zum Beispiel Woman Carrying Life von Corbello, Mother by Jayr Peny und Frau und Vogel von Anne Christine Fernand Laurent.

FRAU, DIE LEBEN BRINGT (2021)Skulptur von Corbello.

Corbello: Frau, die Leben bringt

Der Titel von Corbellos dunkler Skulptur bringt mit äußerster Klarheit und damit ohne jeden Zweifel beim Betrachter die Aufgabe des schwangeren Körpers der Protagonistin zum Ausdruck, einer Wiege, die enthalten, schützen und nähren sowie später gebären soll, ein neues Leben. Auf ähnliche Weise geschah jedoch die "Geburt" des Bildhauers von Artmajeur, der, nachdem er das oben genannte Werk ideal konzipiert und mit seinen Gedanken gepflegt hatte, die Werkzeuge in die Hand nahm, um ihm Leben und konkrete Form in der realen Welt zu geben. Eine ähnliche Aktion vollzog Pablo Picasso, ebenfalls Autor eines Lebensbildes par excellence, das, verwirklicht durch das ewig schöpferische Medium der Kunst, in der Skulptur mit dem Titel Pregnant Woman (1950), einer Gipsarbeit, konkrete Gestalt annahm , Holz und Keramik, die im MoMA (New York) aufbewahrt werden, in denen die Gefäße, aus denen die Brüste und der erweiterte Uterus des Bildnisses bestehen, gut sichtbar sind, wahrscheinlich hergestellt, um eine Art Erfüllung des Wunsches des Künstlers nach einem dritten Kind auszudrücken. Tatsächlich weigerte sich offenbar Picassos Partnerin Françoise Gilot, mit der er zwischen 1946 und 1953 zusammenlebte, ein weiteres Kind mit ihm zu haben, so sehr, dass der berühmte Künstler versuchte, sie zu überzeugen, indem er die oben erwähnte Skulptur selbst anfertigte faktisch zu einer Art Fruchtbarkeitstotem zu werden, verfehlte leider seine Überzeugungskraft. Schließlich ist in Bezug auf die zeitgenössische Kunst die Skulptur Pregnant Woman (2002) von Ron Mueck erwähnenswert, ein hyperrealistisches Werk aus Glasfaser, Silikon und menschlichem Haar, das aus dem sorgfältigen Studium eines Modells, von Büchern, Fotografien und Themen Gestalt annahm Zeichnungen, "neu zusammengesetzt", um die perfekteste Ausführungsweise zu erreichen.

"MUTTER" (2022) Gemälde von Jayr Peny.

Jayr Peny : Mutter

Nach Beispielen aus der klassischeren figurativen Tradition könnte sich die Mutter von Peny von Meisterwerken ähnlicher Komposition inspirieren lassen, wie zum Beispiel der Madonna mit Kind (um 1320) von Maestro di San Torpè, der Madonna mit Kind (um 1320). . 1485) von Lorenzo Di Credi, die Madonna mit Kind (ca. 1445-50) von Beato Angelico usw. Aber was, wenn wir die Säulen der westlichen Kunst aufgeben und nach Mutters Vorbildern in der kreativen Produktion des Ostens suchen? Sicherlich würden wir auf das Werk von Kitagawa Utamaro stoßen, einem japanischen Maler und Zeichner, der als einer der größten Künstler des Ukiyo-e gilt, oder jenem typischen Holzschnitt, durch den er Midnight: Mother and Sleepy Child (1790) zum Leben erweckte. , ein Meisterwerk, das die harmonische Liebe einer Mutter zu ihrem Sohn darstellt und Teil der bekannten Serie mit dem Titel „Fuzoku Bijin Tokei“ ist, wörtlich: Alltagsgewohnheiten von Frauen. Genau in diesem kreativen Kontext wollte Midnight: Mother and Sleepy Child, konzipiert zur Illustration der Mitternachtsstunde, eine Mutter darstellen, die schläfrig aus dem Moskitonetz tritt, um sich um ihren Sohn zu kümmern, der sich äußerst verschlafen die Augen reibt. Die persönliche, alltägliche Natur eines solchen Themas gibt uns ein Maß für das neue Interesse, das während der Edo-Zeit für das Individuum entstand, einer Zeit, als Utamaro sein ganzes Engagement für Frauenstudien, aber auch für die zarteren Bilder von Müttern und Kindern zeigte im Alltag gefangen.

FRAU MIT EINEM VOGEL (2021)Gemälde von Anne Christine Fernand Laurent.

Anne Christine Fernand Laurent: Frau mit einem Vogel

Warum Laurents Gemälde in das Thema aufnehmen, das auf die Einbeziehung von Müttern abzielt? Die Antwort finden wir in den modernsten Behauptungen des Feminismus, wonach nicht alle Frauen zwangsläufig mit Mutterschaft in Verbindung gebracht werden müssen, und wenn das der Fall ist, haben sich die Formen der Mutterschaft inzwischen so weit ausgebreitet, dass man es manchmal als legitim findet, sie anzuerkennen bei Haustieren eine Art Fortsetzung des Seins. Ohne irgendwelche Urteile über persönliche Entscheidungen zu treffen, sondern mich einfach darin einig zu finden, die Vielfalt der Formen menschlichen Glücks zu feiern, widme ich diesen letzten Teil meiner Erzählung allen Frauen, die sich aus welchen Gründen auch immer entschieden haben, keine Mutter zu sein, sondern um in ihren weichen Armen die unterschiedlichsten Ausdrucksformen der Liebe zu konstellieren, die ich in diesem Fall mit der Form des tierischen Lebens assoziieren wollte, die dem Werk des Künstlers von Artmajeur entlehnt ist, eine scheinbare Hommage an die Meisterwerke von Leonardo da Vincis „Die Dame mit dem Hermelin“ (1488–1490) und Raffaels „Die Dame mit dem Einhorn“ (1505–1506). Bei letzterem Gemälde ist die Dame mit dem Einhorn in der Mitte des Gemäldes dargestellt, Teil der Stütze, in der sie eine Dreiviertelposition einnimmt, die nach links orientiert ihren Blick nach rechts lenkt. Zusätzlich zu ihrem jugendlichen und regelmäßigen Gesicht fällt ihr langes blondes Haar, das zu einer Frisur zusammengerafft ist, hinter ihren Rücken und ruht auf einem Kleid mit weitem Ausschnitt, an dem eine kostbare Halskette, verziert mit einem großen quadratischen Rubin und einem weiße Perle, ist sichtbar. Auf diesem sehr eleganten Kleidungsstück hockt ein kleines Einhorn, das wie ein pelziges Kind von der Frau beschützt, gewiegt und bewacht wird, deren Augen auszurufen scheinen, dass sie zu allem bereit ist, um es zu verteidigen.