Im Titel

Wenn wir an Gold in der Kunstgeschichte denken, erweist es sich als ziemlich einfach, wenn man es nicht als selbstverständlich ansieht, sich auf eine bestimmte künstlerische Technik zu konzentrieren und zu verweilen, die ich für den Moment beiseite legen und suchen möchte um eine weitere, eher beispiellose Erzählung zu ergänzen, die darauf abzielt, den Gegenstand unserer Untersuchung zu erläutern, indem sie sich ausschließlich auf einige Titel von Bildmeisterwerken bezieht, die das Wort Gold enthalten und sich auf die Eigenschaften und den intrinsischen symbolischen Wert des oben genannten Metalls beziehen, ohne dies tatsächlich zu tun davon Gebrauch machen. Der fraglichen Annahme folgend, beginne ich mit dem Öl-auf-Tafel-Gemälde von ca. 1576-1581 von Jacopo Zucchi angefertigt und trägt den genauen Titel „Das Zeitalter des Goldes“, ein Meisterwerk, dessen Kleinformat eine Fülle von Charakteren und Details aus dem mythologischen Thema enthält und sich auf die in Ovids Metamorphosen erzählte Version bezieht, deren Behandlung wird durch die Inschrift in italienischer Sprache deutlich, die oben offenbar von zwei nackten fliegenden Frauen getragen wird. Die Szene, die im oberen Teil in der Mitte einen Berg darstellt, aus dem verschiedene Flüsse fließen, dargestellt durch Flussgötter, während im unteren Teil des Bildträgers die Harmonie zwischen Menschen, Tieren und Pflanzen dargestellt ist, würde als Thema das Wort Gold verwenden unserer Untersuchung auf eher positive, wohlhabende und idyllische Weise, da es diesen Namen mit dem des Goldenen Zeitalters verbindet: einer mythischen Zeit schlechthin, in der die Menschen ohne die Notwendigkeit von Gesetzen lebten und auch nicht die Notwendigkeit dazu hatten Bewirtschaften Sie das Land, da jede Pflanze in der Lage war, spontan zu wachsen. Tatsächlich führt uns das Gemälde, ohne das betreffende Metall zu verwenden, sondern nur seine wohltuenden Eigenschaften im Titel zu erwähnen, in eine ferne und begehrte Zeit, frei von Hass zwischen Individuen und Kriegen, gekennzeichnet durch einen ewigen Frühling, in dem es keine gibt müssen Häuser als Unterschlupf bauen. Wenn für Zucchi Gold mit einer wundersamen Zeit verbunden ist, die nun endgültig zu Ende ist, was denkt Miró dann darüber? Dies können wir herausfinden, oder vielmehr ableiten, wenn wir uns das Werk des spanischen Surrealisten mit dem Titel „Das Gold des Azurblauen“ (1967) ansehen, ein Meisterwerk, bei dem die Helligkeit tatsächlich eher durch die Farbe Gelb als durch die Farbe Gelb entsteht Gold, eine Chromatik, die als Hintergrund für nicht identifizierte schwarze, blaue und rote Formen und Linien dient und deren Zweck es ist, sich keiner festen Interpretation zu unterwerfen. Auf diese Weise wird selbst der fast irrelevante Hinweis auf das jeweilige Metall zu einer authentischen Aussage der Poetik des Malers, der vor allem dafür bekannt ist, ein Vokabular konstanter Zeichen zu schaffen, die, weil sie keinem Wörterbuch zugeordnet werden konnten, nicht zu finden sind Konventionen, auf die man sich bezieht, bleiben zum Teil unerkennbar, obwohl der Maler offenlegte, wie sich jede von ihnen tatsächlich auf eine konkrete Form bezog.

UNTITLED191212 (2019)Gemälde von Tsunshan.

GOLDENE TREFFEN (2022)Gemälde von Alena Sobolevskaia.

In der Technik

Nachdem wir veranschaulicht haben, wie Gold in einigen Titeln berühmter Gemälde auftauchte, ohne uns natürlich ausführlich mit dem betreffenden Thema befasst zu haben, wollen wir nun mit der Analyse einiger Meisterwerke fortfahren, die in der Tat vergoldete Oberflächen in sich aufnehmen, die mit einem Mittel ausgeführt wurden spezifische Technik, die später kurz erläutert wird. Um das zu tun, was erläutert wurde, werde ich sowohl geografisch als auch chronologisch von den Niederlanden beginnen, mich über Italien fortsetzen und in Österreich enden, Ländern, in denen die Kunstgriffe der Werke zuerst beschrieben und später in ihrer Technik gemeinsam analysiert werden der Hinrichtung entstand. Wenn ich von den Niederlanden spreche, nenne ich als Beispiel Henri Bellechoses Dreifaltigkeit und Geschichten des Heiligen Dionysius (1416), Tempera und Gold auf Holz, das zwei Szenen aus den letzten Tagen des betreffenden Heiligen verewigt, die im Falle der Kommunion Gestalt annehmen sollen und Enthauptung, die im Zentrum der Darstellung der Dreifaltigkeit steht, wo Gott der Vater, der das Kreuz seines Sohnes hält, Zeuge des Erscheinens der Coloba des Heiligen Geistes ist. Mit Blick auf das Polyptychon der Barmherzigkeit des Italieners Piero della Francesca zeigt der Öl-, Tempera- und Goldgrund auf der Tafel in seinem überzeugendsten Mittelteil eine Jungfrau, die ihren Umhang öffnet und den Menschen, die sie verehren, im wahrsten Sinne des Wortes Schutz und Schutz bietet die Gläubigen werden hierarchisch kleiner dargestellt. Vom heiligen Gold, das als perfekter Hintergrund verstanden wird, um die Zeitlosigkeit, das Leuchtende und Abstrakte der göttlichen Dimension wiederzugeben, gehen wir weiter zu Klimts säkularem Kontext, der unter anderem in dem Meisterwerk von 1902 mit dem Titel Beethoven-Fries deutlich wird. in dem der Maler versuchte, der Neunten Symphonie Gestalt zu geben, indem er ein Werk komponierte, dessen drei bemalte Wände eine zusammenhängende Sequenz bilden, die vom Zusammenprall zwischen Glück und feindlichen Kräften zum Triumph der Ode an die Freude führte. Schließlich begleiten uns die Niederlande, Italien und Österreich bei der Enthüllung der betreffenden Goldmaltechnik: der Goldhintergrund, der durch das Auflegen einer sehr dünnen Goldplatte (Blattgold) auf den Hintergrund der Gemälde entstehen soll, Eine Praxis, deren bekanntester Ursprung in den Mosaiken liegt, die sich seit der frühchristlichen Ära verbreiteten, später zur Malerei wurden und im 14. Jahrhundert nach und nach aufgegeben wurden, als dank Giottos Innovationen realistischere Architektur- und Landschaftshintergründe zu entstehen begannen bevorzugt werden, was zu einer fortschreitenden Verringerung des Anteils der mit Gold verzierten Tafel führte. An diesem Punkt geht die kunsthistorische Erzählung andere Wege und entwickelt sich zur Analyse von drei Gemälden einiger Künstler von Artmajeur, darunter vergoldete Teile ...

DREAM (2019) Gemälde von Viktor Horiaiev.

Viktor Horiaiev: Traum

Es ist Sonntagmorgen und nach einer ereignisreichen und alkoholreichen Samstagnacht erwachen wir in einer Art mystischer Vision, in der unser goldenes Bett uns in sein eigenes Licht hüllt, um uns vielleicht zu offenbaren, was wir bisher gemacht haben Nacht, inmitten offensichtlicher Gedächtnislücken und vielleicht einer unverzeihlichen Reue. Trotz dieser kontroversen Gedanken wirkt die Protagonistin des betreffenden Werkes recht ruhig, als hätte sie die Gelassenheit erlangt, die nur ein göttlicher Glanz verleihen kann, und zwar so sehr, dass sie sichtlich in den Blick auf ihre goldenen Laken vertieft ist, und sei es auch nur, um sich das vorzustellen wie viel Geld sie verdienen könnte, wenn sie sie an den nächstgelegenen Goldkäufer verkaufen würde. Abgesehen vom Unsinn: Wissen Sie, wie Gold zum Thema Bett und damit zur Traumwelt passt? Gold, ein wertvolles und langlebiges Metall, das seit jeher mit den Konzepten von Unsterblichkeit, Ewigkeit und Königtum sowie mit den elitären ethischen Eigenschaften Reinheit, Loyalität, Mut, Gnade, Nächstenliebe, Gerechtigkeit und Standhaftigkeit in Verbindung gebracht wird, ist definitiv ein gutes Omen Wenn es uns im Traum erscheint, deutet es auf Erfolg, das Erreichen gesetzter Ziele und Wohlstand hin. Darüber hinaus weist die Farbe von Sonne und Apollo auf die Tugenden des Träumers hin, wie zum Beispiel moralisches Gespür und Liebe, und stellt sich auch als gutes Omen für die wünschenswerte Übernahme von Führungspositionen desselben dar Erlangung von Ruhm. Im negativen Sinne hingegen könnte ein goldener Traum mit einem Gefühl der Nostalgie nach längst vergangenen Jahren der Jugend verbunden sein oder mit einer Art Angst vor ersehnten, aber noch unerfüllten Wünschen.

LIEBE ORIGINALGEMÄLDE. GOLDENES DEKORATIVES KUNSTWERK GOLDBLATT (2023)Gemälde von Irina Bast.

Irina Bast: Ich liebe Originalgemälde

Überflüssigerweise hat Irina Basts Werk eine neue und beispiellose Interpretation von Klimts Kuss hervorgebracht, wobei jedoch die Tatsache, die der Titel des Meisterwerks von 1907–08 zum Ausdruck bringt, nicht vorkommt, da die Bildnisse in Love original sind Die Malerei bringt lediglich ihre Gesichter im Akt der Geburt zu einer zärtlichen Umarmung zusammen, wobei das Aufliegen der Lippen auf der Hautoberfläche der Geliebten offensichtlich nicht inbegriffen ist. Die Inspirationsquelle für den Einsatz der Blattgoldtechnik bleibt jedoch im Fall des Künstlers von Artmajeur unbekannt, während im Hinblick auf den österreichischen Meister bekannt ist, wie er es schaffte, ein Meisterwerk zum Leben zu erwecken der ein Symbol der Sezessionszeit darstellte, zog Beispiele aus den byzantinischen Mosaiken von Ravenna, deren Studium das oben erwähnte Gemälde hervorbrachte, in dem die Subjekte ihre Körper vor einem leuchtenden, abstrakten und damit zeitlosen Hintergrund näher zusammenbringen. In diesem Kontext, in dem der dreidimensionale Raum aufgehoben wird, erhalten die Bildnisse eine zweidimensionale Erscheinung, während sie zusammen mit dem Rasen und den Gewändern durch hyperdekorierte Felder strukturiert werden, deren Form durch Farb- und Helligkeitskontraste definiert wird . Was die Bedeutung des Meisterwerks betrifft, fängt es jedoch den Moment ein, in dem sich die männlichen und weiblichen Universen durchdringen, und konkretisiert den Triumph der vereinigenden Kraft des Eros, der darauf abzielt, zwei in erster Linie unterschiedliche Welten zusammenzubringen, die in einem leuchtenden Goldbehälter zusammengeführt werden darin, die Kraft der Liebe konkret und göttlich zu machen.

LUMINOUS SILENCE (2017)Gemälde von Adriana Plucha.

Adriana Plucha: Leuchtende Stille

Bezugnehmend auf die Worte des Künstlers in Artmajeur gewähren die Werke, die Teil der Serie „Die Gärten der Welt“ sind, sowohl Gemälde als auch Skulpturen, dem Betrachter, im Fall von „Leuchtende Stille“ durch die Verwendung von Gold, die Errungenschaft der Gelassenheit. Dieser von vielen begehrte Geisteszustand wird durch eine Kunst erreicht, die die Ausübung stiller Kontemplation fördert und in der Lage ist, eine fruchtbare innere Meditation hervorzurufen, die durch diese besondere Kombination aus Minimalismus, Farbe und Zartheit gefördert wird und bereit ist, die Spontaneität der untersuchten Natur und Landschaften hervorzuheben . Die Hauptinspirationsquellen für die Umsetzung dieser Art von Motiven waren sicherlich die asiatische Kultur, insbesondere japanische Drucke und Gemälde, die für ihre monochromatischen Farben und ihre große Liebe zum Detail bekannt sind. Diese Einflüsse nehmen durch die Verwendung einer sehr persönlichen natürlichen Temperatechnik, die auf einem Bindemittel auf Eibasis basiert, eine neue Form an und sieht den geschickten Einsatz von Goldflocken sowie gelegentlich den Einsatz von Blattsilber und Platin vor. Wenn wir „Leuchtende Stille“ schließlich der eher westlichen Erzählung der Kunstgeschichte gegenüberstellen würden, würde der goldene Hintergrund sicherlich an zeitlose spirituelle Ikonographie erinnern, während das florale Thema an sich vielleicht auf den perspektivischen Schnitt zurückgreifen könnte, nach dem Etwa 127 Jahre zuvor porträtierte Van Gogh seinen blühenden Mandelbaumzweig (1890).