Kunst in Streifen: eine Erklärung von Barnett Newman, Sean Scully und Agnes Martin

Mimi Eres, Stripes 22/27 , 2022. Acryl auf Leinwand, 98 x 113 cm.

In Anlehnung an die von Oxford Languages bereitgestellte Definition des Google-Wörterbuchs steht der Begriff Streifen für „die Region der Ebene zwischen zwei parallelen Linien“, dh jenes längliche Thema, das oft seine Hauptpräsenz vorwiegend in abstrakten oder minimalistischen Werken behauptet hat. Tatsächlich verbreitete sich die Popularität von Streifen, deren Vorhandensein bereits in der Architektur und den dekorativen Motiven der ältesten Zivilisationen zu finden ist, erst im 20 und Monochrome waren ebenfalls sehr erfolgreich. Diese Wiederkehr findet sich tatsächlich in der Arbeit einer Reihe von Meistern, Vertretern des Abstraktionismus und Minimalismus, die zwischen dem zwanzigsten Jahrhundert und der Gegenwart praktiziert haben oder noch praktizieren, wie Barnett Newman, Sean Scully und Agnes Martin , aus deren Analyse der Arbeit ihre persönliche Interpretation der Verwendung dieses linearen Elements hervorgehen wird. Apropos Barnett Newman, der 1905 geborene amerikanische Bildhauer und Maler war einer der Hauptvertreter der Farbfeldmalerei, einer der Strömungen des Abstrakten Expressionismus, in der er vor allem durch vertikale Linien getrennte bunte Farbflächen untersuchte, um Harmonie zu erzeugen Beziehungen von subtilem Gleichgewicht, die dazu neigen, den Raum zu erweitern. Das Obige wird durch das Meisterwerk aus dem Jahr 1967 gut veranschaulicht, nämlich das Acryl auf Leinwand Voice of Fire , ein abstraktes Werk, in dem der Amerikaner drei vertikale Streifen gleicher Größe anfertigte, bei denen die beiden äußeren blau und der mittlere rot bemalt waren. Diese Art der künstlerischen Untersuchung fällt direkt in den stilistischen Rahmen der berühmtesten Meister des Abstrakten Expressionismus, die, wie Jackson Pollock, Mark Rothko und viele andere, in Frage stellten, was Malerei eigentlich sei, und versuchten, Emotionen und Ideen zu wecken, ohne dies zu tun typische Dreidimensionalität des künstlerischen Mediums, um allein durch Farbe, Pinselstrich und Textur ausgelöste Reaktionen zu fördern. Sean Scully hingegen ist bekannt für seine abstrakten Gemälde, die oft durch eine rhythmische Struktur aus farbigen Rechtecken gekennzeichnet sind, in denen eine gemusterte Dekoration aus Streifen oder Karos überwiegt. Ein Beispiel für diese Herangehensweise an den Abstraktionismus ist das Ölgemälde Wall of Light Desert Night von 1999, das als Teil der Wall of Light -Serie von einer nächtlichen Reise inspiriert wurde, die in der Wüste von Nevada stattfand, einem von Scully ausgewählten Ziel um dem Chaos des nahe gelegenen Las Vegas, wo er sich aufhielt, zu entkommen. Es sind genau die Farben, die in diesem trockenen Ökosystem bewundert werden, das in der Abenddämmerung beobachtet wird, die der Chromatik zugrunde liegen, die für das oben erwähnte Gemälde gewählt wurde, wo blau, grau und schwarz gestreifte Rechtecke auf die fortschreitende Dunkelheit der Nacht auf der Sandoberfläche anspielen, fein dargestellt durch drei "Ziegel". von einem weichen hellrosa. In diesem Zusammenhang kann sich der Betrachter gut den allmählichen Sieg der Dunkelheit über das Licht vorstellen und zusammen mit dem Künstler das Pathos betrachten, das die Dunkelheit umhüllt, verstanden als die innersten Geheimnisse des Unerkennbaren, die darauf abzielen, den Menschen seit Jahrhunderten dazu zu bringen, sich selbst zu hinterfragen zu weit. Abschließend ist die dritte „Meisterin der Streifen“ Agnes Martin, eine amerikanische Malerin des Minimalismus, deren künstlerisches Experimentieren sich von 1974 bis zu ihrem Tod hauptsächlich auf die Erforschung des kreativen Potenzials einer einzelnen Form konzentrierte, wie zum Beispiel mit vertikalen und horizontale Linien fügte sie in eine quadratische Leinwand von immer gleicher Größe ein. Was soeben beschrieben wurde, ist in dem Gemälde Happy Holiday von 1999 zu sehen, einem abstrakten Werk, das sich durch ein quadratisches Bildfeld auszeichnet, das in vierzehn horizontale Streifen gleicher Breite unterteilt ist, in denen sich die Farbe Weiß mit Pfirsichrosa in einem Muster von begrenzten Bändern abwechselt Wellenlinien aus Graphitstift. Dieses Gemälde wurde, wie die anderen aus der gleichen Zeit, mit einer Grundierung der gesamten Leinwandoberfläche mit einer Schicht aus weißem Acryl-Gesso begonnen, das, nie vollständig mit aufeinander folgenden Farbzuständen bedeckt, dem Werk eine breite visuelle Räumlichkeit und Einzigartigkeit verleiht , lebendige Leuchtkraft. Darüber hinaus scheint gerade die Kombination der Verwendung von Farbe mit einer ungenauen Abgrenzung von Bleistiftlinien den Betrachter und den Künstler selbst daran zu erinnern, dass es in Wirklichkeit keine geometrische Perfektion in der Natur geben kann, was eine lange Reflexion über die Ehe eröffnet von Kunst und Bewusstsein für unsere Umgebung.

Nataliia Sydorova, Zwei rote Streifen , 2019. Öl auf Leinwand, 100 x 80 cm.

Thomas Kausel, Geometrische Abstraktion Blau und Blau , 2022. Öl/Acryl auf Holz, 40 x 40 cm.

Der Streifen: die Linie in Abstraktionismus und Minimalismus

Unter Bezugnahme auf die oben erwähnte Definition des Streifens ist es möglich zu sehen, dass er das Wort gerade enthält, ein Begriff, der eine bestimmte Linie bezeichnen soll, die sich durch die Besonderheit auszeichnet, dass sie sich nie in der Richtung ändert. So lässt sich die Geschichte des Streifens in der Kunst auch explizit an der Linie, ihrem konstituierenden Element schlechthin, nachvollziehen, das seit dem 20 des lyrischen Abstraktionismus, des geometrischen Abstraktionismus und des Minimalismus zeigen. In Bezug auf den ersten Satz identifiziert diese abstrakte Sprache, die vom russischen Maler und Musiker Vasily Kandinsky und anderen Künstlern, darunter dem Schweizer Paul Klee, entwickelt wurde, die Linie als eines der wesentlichen Elemente der Form sowie als einzige Einheit, die eine Oberfläche erzeugen kann eine Funktion seiner Verdickung. Ein Werk, das dies demonstriert, ist Wassily Kandinskys Transverse Line , bei dem gerade die Ausrichtung der Linien den Titel des Meisterwerks bestimmt, bei dem die Anordnung von Formen und Farben Optimismus und Glücksgefühle hervorruft. Beim Beispiel des geometrischen Abstraktionismus hingegen kommt man nicht umhin, auf das Werk von Piet Mondrian zu verweisen, dessen stilistische Merkmale die Verwendung weniger einfacher Elemente der Bildsprache wie orthogonal ineinandergreifende vertikale und horizontale Linien beinhalten , die vor einem weißen Hintergrund angeordnet sind, der durch die Verwendung der Grundfarben Gelb, Rot und Blau gekennzeichnet ist. Schließlich wird die Linie im Hinblick auf den Minimalismus erneut zum Protagonisten einer Sprache, die darauf abzielt, eine radikale Veränderung des künstlerischen Klimas darzustellen, die durch einen Prozess der Vereinfachung der Realität gekennzeichnet ist, basierend auf ihrer Reduktion auf die elementarsten geometrischen Strukturen. Zu solchen reinen Interpretationsweisen der Linie des 20. Jahrhunderts, der „Mutter“ der Streifen, gesellen sich die durchwachsenen Sichtweisen von Artmajeur-Künstlern, wie zum Beispiel die von Carla Sá Fernandes, Robert Van Den Herik und Natalie Levkovska.

Tehos, Tehos - Herbstlaub , 2021. Collage auf Leinwand, 100 x 100 cm.

Ronald Hunter, Gelbe Tafeln , 2022. Acryl auf Leinwand, 60 x 150 cm.

Carla Sá Fernandes, The emotional creation #364 , 2022. Acryl auf Leinwand, 90 x 180 cm.

Carla Sá Fernandes: Die emotionale Schöpfung #364

Die farbigen Streifen aus Acryl auf Leinwand von Carla Sá Fernandes verfolgen, wie der Titel schon sagt, die Absicht, auf die emotionale Sphäre anzuspielen und all jene intuitiven, viszeralen, spontanen, intensiven und explosiven Empfindungen ans Licht zu bringen, die wir oft verbergen müssen hinter einem praktischeren und vernünftigeren Pflichtgefühl. Darüber hinaus könnte eine solche Interpretation des Werks durch das sorgfältige Studium der Kunstgeschichte bereichert werden, was die Assoziation von The emotional creation #364 mit Achæan , dem Meisterwerk von Bridget Louise Riley aus dem Jahr 1981, ermöglicht. Es ist genau das Werk der letzteren Britin Maler, einer der führenden Vertreter der Op-Art, der wie das Acryl des Künstlers von Artmajeur eine Komposition aus Streifen darstellt, die die Struktur des Gemäldes definieren helfen. Im Fall von 1981 entwickelte Riley jedoch ihre eigene Farbpalette, ganz inspiriert von den Farben altägyptischer Grabmalereien, die sie auf einer Reise aus dem Jahr 1979 besuchte. Schließlich demonstrierte sie erneut die Relevanz von Streifen im Werk der britischen Künstlerin , ist es wichtig, die Ausstellung von 2014 mit dem Titel Bridget Riley: The Stripe Paintings zu erwähnen, eine Veranstaltung, die in der Galerie David Zwirner (London) genau mit der Absicht konzipiert wurde, Rileys Engagement für die Wechselwirkung zwischen Form und Farbe hervorzuheben , gerade durch die Verwendung von elementaren Linien.

Robert Van Den Herik, On the way home , 2022. Öl auf Holz, 80 x 80 cm.

Robert Van Den Herik: Auf dem Heimweg

Unterschiedlich hohe, mit schwarz-weißen Streifen verzierte Säulen, die zu rein dekorativen Zwecken in der Wüstenlandschaft eines mysteriösen Planeten im Sonnensystem angeordnet sind, repräsentieren neben der Abwesenheit menschlicher Lebensformen das Symbol einer erst kolonisierten und dann besiedelten Welt verlassen vom Menschen, der Stilmerkmale ins Universum gebracht hat, die eindeutig auf die Arbeit von Daniel Buren zurückzuführen sind, einem französischen Konzeptkünstler, Maler und Bildhauer, der 1938 geboren wurde. Ich beziehe mich insbesondere auf dessen Arbeit The Two Plateaus , die häufiger bekannt als Columns of Buren , ist eine Kunstinstallation von 1985-1986, die im Innenhof des Palais Royal in Paris, Frankreich, angeordnet wurde. Diese „Ergänzung“ des letztgenannten Gebäudes, das 1624 auf Geheiß von Kardinal Richelieu erbaut wurde, war dem Wunsch des ehemaligen französischen Kulturministers Jack Lang zu verdanken, der beschloss, den Hof des Palastes zu verschönern, der zuvor als Palast genutzt worden war Parkplatz, mit einer Auftragsarbeit von Buren. Gerade die Erkenntnis des Letzteren löste eine hitzige Debatte über die Integration antiker und moderner Kunst aus, eine Reflexion, die sich im Fall von Robert Van Den Heriks Werk sogar auf die „Fusion“ von antiker Kunst und Moderne erstrecken könnte Kunst und Landschaft und laden den Betrachter ein, sich die Beziehung zwischen kreativem Flair und neuen Welten vorzustellen, die "kolonialisiert" werden sollen.

Natalie Levkovska, Lass uns tanzen! , 2022. Zeichnung / Gouache / Bleistift auf Papier, 72 x 52 cm.

Natalie Levkovska: Lasst uns tanzen!

Levkovskas Arbeit umfasst, in der Sprache der figurativen Künste, ein Must-Have der Modewelt, wie das gestreifte Kleid! Gerade diese Art von Kleidung kann eine reiche Geschichte voller Kontraste erzählen, in der Streifen sowohl eine positive als auch eine negative Rolle spielen. Tatsächlich wurden sie im Mittelalter ausschließlich mit den Merkmalen der Häftlingsuniformen in Verbindung gebracht, wodurch sie von der öffentlichen Meinung als offensichtliche Zeichen der Übertretung wahrgenommen wurden. Später, insbesondere während der Französischen Revolution, wurden gestreifte Kleider, die von den Sanculots getragen wurden, zum reinsten Symbol des politischen Umbruchs. In „ähnlicher“ Weise wiederholte sich 1777 die Assoziation von Streifen mit einer politischen Botschaft, als die Streifen der neu geschaffenen amerikanischen Flagge für den Freiheitsgedanken standen. Ab etwa 1858 erfreuten sich Streifen aber auch großer Beliebtheit in der Marine, da sie im selben Jahr zum Muster der offiziellen Uniform französischer Matrosen gewählt wurden. Erst im 20. Jahrhundert wurden die Streifen jedoch rein dekorativer und weniger "symbolisch", dank der Arbeit von Coco Chanel, Adidas, Sonia Rykiel, Tommy Hilfiger, Jean Paul Gaultier und vielen anderen, die sie drehten zu einem Kleidungsklassiker, der sich jedem Anlass anpasst.