Graveure und Maler: Konflikte und Zusammenarbeit

Jeder kennt diese Geschichte

Zu den frühesten dokumentierten Beispielen der Gravur, einer künstlerischen Technik im Tiefdruck oder Relief, gehören solche aus dem 7. Jahrhundert v. Chr., die in Ägypten und China und später auch in Griechenland gefunden wurden. Die Holzschnittmethode kam im 14. Jahrhundert nach Europa und verbreitete sich zunächst im Bereich der Spielkarten und später bei der Herstellung religiöser Bilder und Bücher. Der Meister der Gattung Holzschnitt schlechthin ist Albrecht Dürer. Die Tradition der Gravur hingegen entstand später und verbreitete sich nach dem Vorbild ihres berühmtesten Erfinders: Maso Finiguerra. Diese Methode der Gravur auf einer Ätzplatte war zwischen dem 16. und 17. Jahrhundert äußerst erfolgreich, obwohl in dieser letzten Zeit die Radierung, eine indirekte Technik, ähnlich beliebt war und dank des Beitrags von Rembrandt ein hohes Maß an Ausführung und künstlerischer Verfeinerung erreichte . Im 19. Jahrhundert entstand die Lithographie, deren höhere Geschwindigkeit bei der Ausführung von Motiven sowie ihr technisches und ausdrucksstarkes Potenzial sie zum neuen Gravursystem schlechthin machten, mit dem große Meister wie Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso und Paul experimentierten Klee. Abschließend ist es zwingend erforderlich, weitere Begriffe zu bisher übersehenen Techniken hinzuzufügen, nämlich: Kaltnadelradierung, Mezzotinta, Weichgrundradierung und Aquatinta.

Kaltnadelradierung: Ursprünglich diente sie der Verfeinerung der verschiedenen Stufen der Gravur mit dem Stichel, erst später, ab dem 15. Jahrhundert, wurde sie eigenständig eingesetzt.

Mezzotinto: Ursprünglich aus dem Deutschland des 17. Jahrhunderts stammend, ist es die einzige Technik, die Hell-Dunkel-Durchgänge zulässt, da die Oberfläche der Platte in Schwarz vorbereitet ist, das beim Schaben alle Zwischenwerte liefern kann.

Weichgrundätzung: Es handelt sich um ein dem Ätzen ähnliches Verfahren, bei dem jedoch verschwommenere und unregelmäßigere Markierungen entstehen, die an die mit Kohle- oder Bleistiftzeichnungen erzielten Markierungen erinnern.

Aquatinta: Sie stammt aus dem 18. Jahrhundert und wurde aufgrund ihrer Vielseitigkeit wie die Mezzotinta hauptsächlich als Mittel zur Nachahmung von Hell-Dunkel-Werten verwendet.

Die Reproduktionsgravur

Was gerade gesagt wurde, findet sich in unterschiedlicher Form in zahlreichen Quellen wieder, die oft eine parallele Erzählung übersehen, die vielleicht weniger bekannt, aber durchaus faszinierend ist, da sie das Leben einiger der berühmtesten Graveure mit dem Leben äußerst beliebter Maler verbindet. Wie so? In der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts gab es hochgelobte Künstler, aber da es schwierig war, ihre Werke persönlich zu bewundern, wurden sie durch reproduzierbare Stiche „ersetzt“. Mit diesem Begriff meinen wir Drucke, die darauf abzielen, Kunstwerke auf Papier zu reproduzieren, von denen Kopien von anderen Künstlern zum Studium erworben wurden, sowie aus einem reineren und sparsameren Wunsch nach Besitz. Wer hatte die geniale Idee, dieses Unternehmen zu gründen? Marcantonio Raimondi! Er war in der Tat ein um 1470 geborener italienischer Kupferstecher, der als Schlüsselfigur für den Aufstieg des Reproduktionsdrucks bekannt war, einem Genre, dem er den größten Teil seiner Karriere widmete. Während dieser Zeit hatte Marcantonio aus verschiedenen Gründen, die wir später erläutern werden, direkten Kontakt zu Albrecht Dürer, Raffael und Giulio Romano! Beginnen wir mit dem Meister aus Nürnberg...

Marcantonio Raimondi und Albrecht Dürer

Bevor ich die Geschichte erzähle, die die beiden betreffenden Persönlichkeiten zusammenführt, muss ich einige grundlegende Prämissen anstellen: Dürers Druckgrafiken sind Originalwerke, die von derselben Person konzipiert und ausgeführt wurden, während Marcantonios Tätigkeit darin besteht, ein grafisches oder bildhaftes Modell eines anderen Künstlers zu reproduzieren . Diesen Unterschied betonte der deutsche Künstler durch die Anbringung seines Monogramms auf seinen Holzschnitten, gerade um seine Urheberschaft klar und deutlich zum Ausdruck zu bringen. Genau auf diesen letzten Punkt konzentriert sich Vasaris Bericht und möchte erzählen, wie Marcantonio, als er in Venedig ankam und die feine Hand des deutschen Künstlers entdeckte, mit der Absicht, seine hervorragenden Stile auch in Italien zu verbreiten, einige der Tafeln von kopierte des Nürnberger Meisters, auf dem er auch das oben erwähnte Monogramm „AD“ anbrachte. Der Italiener begann daher, die Drucke zu verkaufen und gab sie als Originale aus, eine Tatsache, die Dürer zu Ohren kam, der von Flandern nach Venedig reiste, wo er in der Signoria Marcantonio verklagte und auch die Beschlagnahme der Matrizen und den Ausschluss aus der Kunst beantragte Handel mit den betreffenden Drucken. Dennoch erreichte der Deutsche nichts weiter, als dass Marcantonio zustimmte, den Namen des oben genannten Albert nicht mehr zu erwähnen oder zu unterschreiben. Kommen wir nun zu Raphael und Giulio Romano!

Marcantonio Raimondi, Raphael und Giulio Romano

Auch Raphael wollte mit Raimondi in Kontakt treten, allerdings mit anderen Absichten, geleitet von einem reiferen Bewusstsein. Obwohl er sich nie der Gravur widmete, schätzte das Urbinat sie sehr und hegte die starke Vorstellung, dass sie ein Instrument zur Förderung seiner Kunst werden könnte, die sich leichter in ganz Europa verbreiten könnte. Also beschloss er, diese Absichten zu konkretisieren, indem er Kontakt zu Marcantonio aufnahm, dessen Werk er durch die oben erwähnten Kopien von Dürer kennengelernt hatte. Bei dieser Gelegenheit bat der Maler den Kupferstecher, eine große Anzahl seiner Gemälde und Zeichnungen, darunter auch die Vorbereitungen für seine prächtigen Wandteppiche, in großen Auflagen zu reproduzieren. Folglich war Raimondi der erste Kupferstecher von Raffaels Werken, dessen Werk ein greifbarer Beweis dafür ist, dass es durch die Verbreitung von Drucken möglich ist, die Verbreitung einer Idee zu vervielfachen und sie einem viel breiteren Publikum als dem bloßer Gelehrter zugänglich zu machen. Wie hat Marcantonio diese Arbeit organisiert? Er gründete eine Werkstatt für die Gravurproduktion und den Verlagsmarkt mit dem Ziel, Gravuren nach Raffaels Entwürfen anzufertigen, die speziell für diesen Zweck gedacht waren. Nach Raffaels Tod arbeitete Raimondi weiterhin in der Werkstatt und arbeitete mit Giulio Romano zusammen, dem Autor der 16 Stiche des Erotikbuchs „I Modi“. Dieses Renaissance-Werk, das den ersten italienischen Fall expliziter Sexszenen für den Handel darstellt, wurde in seiner Originalfassung von Marcantonio geschaffen, der sich sinnliche Gemälde zum Vorbild nahm, die Giulio für Federico II. Gonzaga angefertigt hatte. Die 1524 in Rom veröffentlichten Drucke wurden jedoch von Papst Clemens VII. verbrannt, während Raimondi inhaftiert war. Die zweite Ausgabe im Jahr 1527 führte zu ähnlichen Ereignissen und Zensur. Es ist an der Zeit, ein Beispiel von Raimondis Werk zu zeigen, das durch den Stich „Das Urteil des Paris“ nach Raffael zusammengefasst wird.

Analyse des Werkes: Raimondis „Urteil des Paris“ nach Raffael

Das ursprünglich vom italienischen Maler Raffael geschaffene Kunstwerk „Das Urteil des Paris“ existiert heute nur noch durch Stiche von Marcantonio Raimondi, da die Originalzeichnung verloren gegangen ist. Dieses Thema zählt zu den am häufigsten dargestellten in der Kunstgeschichte und erstreckt sich über verschiedene Epochen, darunter die Renaissance, den Barock und sogar bis ins 20. Jahrhundert. Die teilweise von einem römischen Sarkophag desselben Themas inspirierte Komposition zeigt zahlreiche Figurengruppen inmitten einer malerischen Landschaft voller Vegetation, wobei die mittlere Gruppe Paris und die drei Göttinnen hervorsticht. Dargestellt ist Paris, wie er Venus, die von einer geflügelten Victory gekrönt wird, den Apfel der Zwietracht anbietet, während Juno, erkennbar an dem Pfau zu ihren Füßen, den trojanischen Prinzen zu bedrohen scheint. Auf der anderen Seite ist Minerva zu sehen, wie sie das abgelegte Gewand enger zieht, nachdem sie auch ihren Helm und Schild mit dem Kopf der Medusa abgelegt hat. Rechts vom Träger ist eine Gruppe von Flussgottheiten abgebildet, von denen eine direkt mit dem Betrachter interagiert, während eine andere nach oben blickt und zwischen den Wolken einen Blick auf Jupiter erhascht, der auf seinem Thron sitzt. Raimondis Stiche haben die Kenntnis sowie die Verbreitung und Neuinterpretation der betreffenden Komposition ermöglicht, einem Werk, dessen Einfluss auf die Kunstgeschichte nach wie vor tiefgreifend ist. In den Flussgottheiten können wir einige der Charaktere erkennen, die den französischen Maler Édouard Manet zu seinem „Mittagessen im Gras“ inspirierten. Schließlich ist es möglich, andere berühmte Kooperationen hervorzuheben, die innerhalb der historisch-künstlerischen Erzählung zwischen Graveuren und Künstlern entstanden sind.

Andere berühmte Kooperationen

Andrea Mantegna, nicht nur Maler, sondern auch italienischer Miniaturist und Kupferstecher, ist bekannt für seine Drucke voller szenischer Impulse, die mit äußerst präziser Perspektive und Plastizität wiedergegeben werden, wie in „Bacchanal with a Wine Bottich“. Der betreffende Stichel und die Kaltnadel stellen eine Reihe von Figuren dar, etwa Satyrn, Engelchen und Männer, die im Schatten einer Weinrebe an einem Bacchanal teilnehmen. In dieser frenetischen Szene schilderte Mantegna Momente glückseliger Hingabe an das Laster und stellte so wirkungsvoll eine Welt dar, die von den niedrigsten Instinkten beherrscht wird. Dabei formulierte der Künstler das klassische Modell neu und aktualisierte es entsprechend seiner Sensibilität und seinem Stil, bereit, sich von einem dunklen Hintergrund abzuheben, der die hellen Figuren wie skulpturale Reliefs hervorheben sollte. Obwohl das Werk zu den bekanntesten der etwa zehn Mantegna zugeschriebenen Stiche gehört, ist seine Datierung schwierig, da es von einem verlorenen Gemälde oder Fresko abgeleitet sein könnte. Darüber hinaus wissen wir nicht, warum Mantegna diese Drucke schuf, aber wir sind sicher, dass Zoan Andrea, ein italienischer Kupferstecher, der zwischen dem 15. und 16. Jahrhundert lebte, ein geschickter Reproduzierer der letzteren war. Was den Maler Giorgione betrifft, so ließ sich sein Nachfolger und Kupferstecher Giulio Campagnola besonders von seinem Werk inspirieren, wie die ähnliche Behandlung astrologischer Themen zeigt, die sowohl im „Fries der freien und mechanischen Künste“ (Giorgione) als auch im „Astrologen“ ( Campagnola). Wir schließen diesen nicht erschöpfenden Abschnitt künstlerischer „Sodalitäten“ mit der Diskussion von Agostino Carracci, Veronese und Tintoretto ab. Tatsächlich kam der erste, ein italienischer Maler und Kupferstecher, zwischen 1587 und 1589 nach Venedig, wo er gewissermaßen zum offiziellen Kupferstecher von Veronese sowie zum gefeierten grafischen Interpreten eines der berühmtesten Werke Tintorettos wurde: „The Kreuzigung“ (1565). Die Erzählung endet also dort, wo sie begann: in Venedig!