Die Reflexion des Wassers in der Kunst: von der Mythologie über den Impressionismus bis zum Surrealismus

Ralph Hackeland, Narcissus , 2022. Acryl auf Leinwand, 100 x 80 cm.

„[...] Hier legte sich der Junge, erschöpft von den Strapazen der Jagd und der Hitze, nieder, angezogen von der Schönheit des Ortes und der Quelle, aber als er versuchte, seinen Durst zu stillen, stieg ein anderer Durst auf : entzückt posiert er, um aus dem Spiegelbild zu trinken, verliebt er sich in eine Chimäre: Körper glaubt, was nur Schatten ist, erstaunt starrt er sich an und ohne die Augen losreißen zu können, bleibt er wie eine eingemeißelte Statue versteinert Paro-Marmor."

Mit höchster Weisheit erwähnte Ovid (ca. 43 v. Chr.-17 n. Chr.), ein römischer Dichter unter den führenden Vertretern der lateinischen Literatur, oben in seinen berühmten Metamorphosen, einem episch-mythologischen Gedicht, das darauf abzielt, der Nachwelt zahlreiche mythologische Geschichten und Erzählungen aus dem Griechischen zu übermitteln und römischer Klassizismus, erzählt die "Liebes"-Begegnung von Narziss. Tatsächlich verliebt sich der 16-jährige junge Mann, der es gewohnt ist, jeden einzelnen Verehrer stolz von sich zu weisen, in den Versen 413 bis 467 des Stücks hoffnungslos in einen gutaussehenden Jungen, der seinen Blick auf „emulative“ Weise leidenschaftlich erwidert . Leider merkte Narziss bald, dass er sich zu seinem eigenen Bild, das sich in einer Pfütze spiegelte, hingezogen fühlte, zum ersten Mal begegnete und für immer verloren war, denn: Es ist unmöglich, obwohl viele es gerne würden, unsere Person zu vervielfachen, um das zu finden süße Hälfte. Gerade wegen dieses Dramas, das mit einem zerschmetterten Narziss endet, der darauf abzielt, sich vor Schmerzen sterben zu lassen, beginnt sich die Spiegelung des menschlichen Körpers auf flüssigen Oberflächen häufig in kunsthistorische Sujets einzuschleichen und in verschiedenen Versionen neu zu präsentieren, diese herzzerreißende Geschichte von verpasster Liebe. Um die Popularität von Narcissus in der Kunstgeschichte wiederzugeben, mag es genügen, auf eines der größten Meisterwerke der figurativen Kunst hinzuweisen, das von dem gequälten Caravaggio geschaffen wurde, dessen „Lebenskrankheit“ wahrscheinlich auf sein eigenes Temperament zurückzuführen war , und nicht auf narzisstisch abgeleitete Motive. Das fragliche Werk ist die Narzisse, ein Öl auf Leinwand, das der Mailänder Maler zwischen 1597 und 1599 anfertigte und in der Nationalgalerie für antike Kunst in Rom aufbewahrt, in der die Gegenüberstellung zwischen dem Bild des jungen Mannes, der von seiner eigenen Schönheit verzückt ist, und die schändlichen Ereignisse kurz darauf, die gerade durch diese zu große Selbstliebe verursacht werden, konkretisieren sich auf einer unbewussten Ebene. Tatsächlich hat der italienische Meister den Moment gewählt, in dem der junge Mann, gekleidet in Kleidung aus dem 17. Jahrhundert, sein Spiegelbild an einem schattigen Ort entdeckt, an dem seine Haltung und sein Gesichtsausdruck all seinen Wunsch verraten, sich auf das Spiegelbild zu projizieren im Wasser. Diese figurative Erzählung, abgesehen von der Kleidung des jungen Mannes, gibt getreu Ovids Bericht wieder, den Caravaggio zu Rate ziehen musste, und bezieht sich wahrscheinlich auf Vulgarisierungen der Renaissance. Der naturalistische Ansatz des italienischen Künstlers, der sich insbesondere in der spontanen und natürlichen Haltung des Bildnisses sowie in seinem versunkenen Ausdruck offenbart, weicht drastisch von früheren Interpretationen, wie der des Freskos im Haus des Mark und Lucretius Frontone (1. Jh. n. Chr.) ab Pompeji oder die von den illuminierten Kodizes überlieferte Sichtweise, die sich als "ähnlicher" an die künstlerische Untersuchung von Benvenuto Cellini, Dirck van Baburen und Francesco Curradi entpuppt, bis zu dem Punkt, an dem sie sich energisch von den moderneren, karikierten ablöst , viktorianische und innovative Sichtweisen von Honoré Daumier, John William Waterhouse und Salvator Dali. Zum Abschluss der Narzissen-Klammer ist es gut hervorzuheben, dass neben diesem alten und kultigen Sujet, in dem das Kunst-Brechungs-Duo realisiert wurde, spiegelnde Wasserflächen auch Gegenstand des Interesses der Landschaftsgattung waren, insbesondere des Impressionismus Genre, bekannt für seine Aufmerksamkeit für die optische Wirkung von Licht, das auf verschiedenen naturalistischen Trägern ausstrahlt, konnte der Flüchtigkeit, aber auch der Einzigartigkeit des gegenwärtigen Moments Ausdruck verleihen.

Caravaggio, Narziss , 1597-1599. Öl auf Leinwand, 112 x 92 cm. Roma: Galleria Nazionale d'Arte Antica - Palazzo Barberini

Claude Monet, La Grenouillère , 1869. Öl auf Leinwand, 74 x 99,7 cm. New York: Das Metropolitan Museum of Art.

Das Beispiel dieser Absichten bietet uns die künstlerische Untersuchung des berühmtesten impressionistischen Meisters, Claude Monet, eines Malers, der so sehr vom Lichtspiel des Wassers fasziniert ist, dass dieses in seiner Malerei allgegenwärtige Element zu bei einigen Gelegenheiten, wie denen der zwanzig Leinwände auf Seerosen, dem eigentlichen Protagonisten der Arbeit. Denn, wie er selbst verriet, „ist das Grundelement der Spiegel des Wassers, dessen Aussehen sich jeden Moment verändert, indem sich die Fetzen des Himmels darin spiegeln und ihm Leben und Bewegung verleihen. Um den flüchtigen Moment einzufangen, oder zumindest das Gefühl, das es hinterlässt, ist schwierig genug, wenn das Spiel von Licht und Farbe auf einen festen Punkt konzentriert ist, aber Wasser, ein so bewegliches und sich ständig veränderndes Thema, ist ein echtes Problem ... dem sich ein Mann widmen kann sein ganzes Leben für eine solche Arbeit." Um konkretere Denkanstöße zu geben, kann auf La Grenouillère verwiesen werden, ein Öl auf Leinwand von Monet aus dem Jahr 1869, das darauf abzielt, in seiner „Mitte“ eine kleine Insel mit einem Baum und einigen Badegästen darzustellen, eine Vision das gibt uns eine zufriedenstellende Vorstellung davon, wie die Pariser der damaligen Zeit ihre warmen Sonntagnachmittage beim Schwimmen oder Verweilen am Flussufer verbrachten. In Wirklichkeit liegt der Fokus der Arbeit jedoch ganz auf der dynamischeren Seine, einem Fluss, der das Badehaus umgeben soll und es durch die Wechselwirkung seiner Wasseroberfläche mit den Sonnenstrahlen, den Reflexionen der umgebenden Realität attraktiv macht. und die schwebenden Blätter. Während eine solche Art der Darstellung der Lichtbrechung im Impressionismus sehr erfolgreich war, "verschärfte" der Postimpressionismus diese Tendenz, indem er starke, übertriebene und äußerst unwirkliche Reflexionen hervorbrachte, die darauf abzielten, sich in "fluoreszierende" Lichtstrahlen zu verwandeln, die mit der Sonne übereinstimmen, Mond und Sterne erhellen die Landschaft, wie es Van Goghs Meisterwerk aus dem Jahr 1888 mit dem Titel „Sternennacht über der Rhône“ zeigt. Abschließend verfolge ich die Absicht zu „verblüffen“, d. h. ein noch originelleres Bild des oben genannten Phänomens zu liefern, und appelliere an das exzentrische Genie von Dali und insbesondere an das Meisterwerk von 1937, Swans Reflecting Elephants, ein Werk in diese Reflexionen werden zu einer Gelegenheit, zusätzliche Lebensformen zu denen der allgemein wahrgenommenen Realität zu erzeugen, gerade so, als ob Narcissus in der Lage wäre, sein eigenes reflektiertes Bild mit all jener Inbrunst zu küssen, die ihm tragischerweise verweigert wurde. Apropos zeitgenössische Kunst, andererseits werden uns einige der aktuellsten und innovativsten Ansichten zur Wasserreflexion durch die künstlerische Untersuchung der Künstler von Artmajeur geliefert, darunter die Interpretationen von: Alexandra Djokic, Eva Volf und Dmitry Oleyn .

Alina Sunny, Wasserspiegel , 2021. Öl auf Leinwand, 70 x 50 cm.

Dita Lūse, Nebensaison , 2022. Öl auf Leinwand, 70 x 80 cm.

Alexandra Djokic, Wasserreflexion Nr . 2, 2022. Acryl auf Papier, 100 x 70 cm.

Alexandra Djokic: Wasserreflexion Nr. 2

Ich dachte daran, den Betrachter sich Djokics Acrylgemälde nähern zu lassen und mir vorzustellen, dass ich ihn oder sie in das Atelier des Künstlers begleite und ihn oder sie über den Titel und das dargestellte Thema im Dunkeln lasse. In einem zweiten Moment fragte ich meinen „Sozialexperimentator“, den ich mir als durchschnittlich akademisch vorbilde, was er in dieser bunten Komposition wiedererkenne. Auf diese Frage beschrieb er mir, zunächst etwas zögerlich, einfach, was er sah: ein harmonisches und gewundenes „Ineinandergreifen“ von mäandrierenden Linien, deren Farbtöne von Dunkelblau bis zum hellsten Himmlischen variieren und manchmal in Gelb und Grün eintauchen und Braun. Nach dieser rein formalen Beschreibung faßte meine „Assistentin“ Mut und offenbarte mit äußerster Überzeugung, dass solche Stilmerkmale nur, wenn auch „synthetisch“, und höchstpersönlich, die Reflexe der Sonne usw. eingefangen darstellen könnten eine unbestimmte Wasseroberfläche. All diese Überlegungen führen zu einem Meister der Kunstgeschichte, dessen künstlerische Auseinandersetzung darauf abzielt, aufzuzeigen, wie bereits zur Zeit der Romantik der Realismus im Hinblick auf ein unmittelbares Verständnis der Realität übertroffen wurde, da sein eindeutiges Werk sogar die früheste Form davon darstellt „Abstraktionismus“. Der Maler, auf den ich mich beziehe, ist William Turner, dessen erzählerische Synthese, festgehalten in Werken wie Storm at Sea (1831-32) und Cliff from the Sea (1825), zeigte, wie die Idee des Meeres sogar auf wenige zurückgeführt werden kann Effektive und strategische Pinselstriche. Auf halbem Weg zwischen dem „Post-Impressionismus“ von Artmajeurs Künstler und Turners Pseudo-Abstraktionismus hingegen liegt die realistischere Vision von Väinö Hämäläinen, einem bekannten finnischen Maler, der dasselbe Thema 1911 verewigte und eine „mehr realistischer" Ansatz mit deutlich impressionistischer Ableitung.

Eva Volf, Sonnenfänger , 2022. Öl auf Leinwand, 91,4 x 91,4 cm.

Eva Volf: Sonnenfänger

Volfs Ölgemälde bewegt sich weg von persönlichsten Interpretationen der Realität und bleibt durch eine rein realistische Darstellung treu zu der bildlichen Wiedergabe des Lichtspiels, das die Wasseroberfläche beherbergt, wenn sich die Sonne wie eine eitle Narzisse spiegelt im Meer. Dieser letzte gutmütige Stern, der sich im Gegensatz zu der gerade erwähnten Figur als sehr hilfreich für andere erweist, küsst mit seinen großzügigen Strahlen die gesamte Erdoberfläche und wird zum unfehlbaren Bestandteil der leuchtenden Macchiaioli-Meereslandschaften. An dieser Stelle stellt sich die Frage: Wurden die Spiegelungen des Meeres oder der wogenden Gischt auch durch weniger leuchtende Gemälde verstärkt? Die sicherlich bejahende Antwort bietet uns Caspar David Friedrichs Meisterwerk München am Meer (1808-10), ein Gemälde, auf dem innerhalb eines dunklen, menschenleeren Strandes nur die Gestalt eines Mönchs davor steht der Weite des Meeres, kaum beleuchtet von einem rettenden Schein, der von einem geizigen Himmel voller dunkler Wolken kommt. Wenn diese Vision dem Künstler aus einer rein romantischen Perspektive vorgeschlagen wurde, die darauf abzielt, den Protagonisten in all seiner Kleinheit vor die Majestät der Natur zu stellen, gibt es auch eine zweite, weit weniger "philosophische" Interpretation dieser bekannten Landschaft mit Zahl. Aus rein wissenschaftlicher Sicht könnten die hellen Reflexionen des Meeres trotz des dunklen Himmels tatsächlich durch das "fluoreszierende" Vorhandensein von Platon, tierischen und pflanzlichen Mikroorganismen gerechtfertigt werden, die besonders nachts Licht aussenden, wenn durch Boote oder andere Tiere stimuliert. Folglich können wir Friedrichs Mönch einen reichen Fang wünschen!

Dmitry Oleyn, Regenbogenmeer , 2022. Öl auf Leinwand, 50 x 40 cm.

Dmitry Oleyn: Regenbogenmeer

Oleyns impressionistische Malerei ist in Bezug auf Thema, Stil und Umgang mit Lichtquellen von der Sichtweise zweier ikonischer Meister der Kunstgeschichte wie Maximilien Luce und Claude Monet beeinflusst. Bevor man jedoch enthüllt, wie die beiden letztgenannten Einblicke für den Künstler von Artmajeur lieferten, ist es gut, die Besonderheiten von Rainbow Sea bekannt zu machen, dessen Titel dem Betrachter die Anwesenheit eines Regenbogens vorwegnimmt, dessen reduzierte und zarte farbige Lichter sind in einer weiten Meereslandschaft offenbart, in der ein einzelnes, winziges Boot in der Ferne schwimmt. Abgesehen von diesem letzten kleinen weißen Detail ist es die linke Seite des Öls, die sich als Zentrum des Interesses der figurativen Erzählung durchsetzt, da sie, wie von einem intensiven Blitz beleuchtet, in den Himmel und das Meer leuchtet, um zu unterbrechen sein Schein hinter der Majestät eines schweren und robusten Felsens. Diese fast von himmlischen Lebensformen belebte Vision kulminiert im oberen Teil des Gemäldes, wo sich das Wunder der oben erwähnten Regenbogen-"Skizze" materialisiert. Um nun auf die beiden oben erwähnten Meister zurückzukommen, ist der perspektivische Grundriss von Maximilien Luces Meeresküste in der Normandie (1893) ähnlich wie der des Künstlers von Artmajeur entworfen, um die Ausbreitung des Sonnenlichts über die Weite von zu maximieren Himmel und Wasser. Apropos Monet, Oleyn hingegen erbt von dem französischen Meister den leicht „texturierten“ Pinselstrich und den Geschmack, die Felsen mit Blick auf das Meer einzufangen, wie zahlreiche Meisterwerke des bekanntesten Impressionisten belegen, wie zum Beispiel Aufgewühltes Meer bei Etretat (1883) und Klippen bei Belle-Île (1886).