Die Büste: Geschichten vergleichen

Mahé, Zu den Stunden, in denen Körper von Licht durchdrungen werden, 2022. Öl auf Leinwand, 40 x 40 cm.

Büsten: Römische Kunst und Modigliani im Vergleich

Um die Besonderheiten der Büste, einer repräsentativen Gattung, die überwiegend skulptural, aber auch malerisch und fotografisch ist, zu verstehen, ist eine direkte Annäherung an das Thema, die darauf abzielt, den Leser in die Analyse eines konkreten Beispiels der oben genannten Porträttypologie einzubeziehen extrem effektiv, sowie anregender und fesselnder. Daher bringe ich als Beispiel ein bekanntes Meisterwerk, das in den Kapitolinischen Museen der „Ewigen Stadt“ aufbewahrt wird, nämlich den Kapitolinischen Brutus, eine Bronzebüste mit Elfenbeinaugen und Glaspaste, die bereits im 16. Jahrhundert in Rom entdeckt wurde damals identifiziert als die Darstellung von Lucius Junius Brutus, dem mythischen Gründer der Römischen Republik, sowie dem Vorfahren von Marcus Junius Brutus, also dem Mörder von Julius Cäsar. Nach den zuverlässigsten Quellen wurde diese Skulptur der Hauptstadt Italiens von Rodolfo Pio da Carpi vermacht, einem italienischen Gelehrten und Sammler, der im 16. Jahrhundert eine reiche Sammlung antiker Artefakte aufgebaut hatte. Später verließ der kapitolinische Brutus Rom in Richtung Ville Lumière, eine Stadt, die er während des napoleonischen Feldzugs des späten 18. Jahrhunderts erreichte, einer Zeit, in der General Bonaparte die kulturelle und politische Bedeutung der antiken römischen Kunst nutzte, um sein Image als europäischer Führer zu stärken . Tatsächlich war genau die erwähnte Skulptur Teil der Triumphparade in Paris, einer von Napoleon nach seiner Invasion in Norditalien organisierten Veranstaltung, bei der die Kunstbeute zur Melodie eines Liedes ausgestellt wurde, das entschieden imperialistische Konzepte zum Ausdruck brachte, wie z "Rom ist nicht mehr Rom. Jetzt ist es in Paris." Glücklicherweise wurde das Werk um 1814 nach Rom zurückgebracht, das heißt nach der Niederlage Napoleons und der erstaunlichen Intervention von Antonio Canova, einem der berühmtesten italienischen Künstler der damaligen Zeit, der von Papst Pius VII. mit der Aufgabe der Wiederherstellung beauftragt wurde die geraubten Meisterwerke in den Kulturzentren des Kirchenstaates.

Bruto capitolino (Büste mit Ergänzungen), c. 300-275 v. Chr. Bronze. Rom: Kapitolinische Museen.

Amedeo Modigliani, Büste einer jungen Frau , 1911. Öl auf Leinwand, 55 x 38 cm.

Zurück zur Büste: Die realistische Darstellung des Charakters zeigt neben der genauen physiognomischen Verfeinerung den starken Wunsch, die psychologischen Konnotationen des Bildnisses wie Gravitas und die typische Anspannung des römischen Patriziers auszudrücken. Darüber hinaus ist es genau dieses Interesse an der sorgfältigsten Wiedergabe des realen Datums, begleitet von einer starken Liebe zum Detail, das das Meisterwerk entscheidend mit der hellenistischen Porträtmalerei des frühen dritten Jahrhunderts v. Chr. In Verbindung bringt. Daher könnte der kapitolinische Brutus aus der letzten Zeit stammen, einer Zeit großer kultureller und politischer Expansion in der römischen Geschichte. Das Genre der Büste endete jedoch nicht mit der antiken Kunst, so sehr, dass es möglich ist, den römischen realistischen Stil und die kompositorische Ausgewogenheit, wenn auch etwas gewagt, mit einer äußerst persönlichen, langgestreckten und stilisierten Sichtweise zu vergleichen, nämlich dieser von Amedeo Modigliani, einem blumigen Interpreten der oben genannten Art von Porträts, die er in Meisterwerken wie Red Bust (1913), Büste einer Frau (ca. 1906-19), Büste einer nackten Frau (1907) und Büste von analysierte eine junge Frau (1911). In Bezug auf letzteres Gemälde zeigt das Werk höchstwahrscheinlich ein intensives Porträt der russischen Dichterin Anna Achmatova, Ehefrau des Literaten Nikolai Stepanovič Gumilëv und eine gute Freundin des Livorno-Malers, der sie bei mehreren Gelegenheiten porträtierte. Was den Stil der Büste anbelangt, wird die dargestellte Figur im Gegensatz zu Brutus durch eine interessante geometrische Verzahnung wiedergegeben, die durch die Überlagerung des zylindrischen Halses auf dem ovalen Kopf dargestellt wird, der von einer stark an die Antike erinnernden Frisur gekrönt wird. Darüber hinaus deutet die Art der Ausführung der Augen, die durch die Erweiterung eines dunklen Farbtons verdeckt wird, auf eine Besonderheit von Modiglianis anatomischer Untersuchung hin, die auf seine Weigerung anspielen sollte, die Pupillen von Personen zu malen, deren Seelen der Künstler nicht kannte. Folglich trennt das Thema „Blindheit“ die antike Welt von der modernen, in der der Mensch sich angesichts seiner eigenen Komplexität auch weigern kann, eine realistische Darstellung als erschöpfende Explikation seines Wesens zu begreifen.

Tetiana Bogdanova, Blaubeerpfannkuchen , 2020. Öl auf Leinwand, 60 x 40 cm.

Bogdan Dide, Luna , 2022. Acryl / Öl auf Leinwand, 92 x 73 cm.

Das Genre der Büste: einige Begriffe

Um schließlich zu den klassischsten Definitionen zu kommen, ist die Büste eine skulpturale, bildliche oder fotografische Darstellung des oberen Teils der menschlichen Figur, die darauf abzielt, den Kopf und den Hals, aber auch die Brust, die Schultern und in selteneren Fällen die Hände und zu reproduzieren Waffen. Insbesondere wenn auch der obere Teil der Brust in das Werk einbezogen wird, spricht man ausdrücklich von Halbbüste, während wenn die Skulptur nur den Kopf umfasst, von Kopf gesprochen wird. Obwohl die Büste aus dem hellenistischen Griechenland stammt und ihre größte Popularität in der antiken römischen Welt erreichte, hat sie im Laufe der Jahrhunderte Interpretationsvariationen erfahren und sich sogar in der heutigen Zeit wieder präsentiert, einer Zeit, in der sie dank modernster Technologien dies getan hat auch in einer 3-D-Version Gestalt angenommen. Der moderne Büstenkult findet sich auch in Artmajeurs reichhaltiger Sammlung skulpturaler Werke wieder, beispielhaft dargestellt durch die künstlerische Auseinandersetzung mit Katerina Pilnikova, Priscilla Vettese und Cécile Duchêne Malissin.

Katerina Pilnikova, Überglückliche Keramik , 2018. Keramikskulptur, 26 x 21 x 10 / 2,50 kg.

Katerina Pilnikova: Überglückliche Keramik

In Bezug auf Pilnikovas Worte zeigt Overjoyed ceramic einen jungen Mann in einem Zustand der Euphorie, ein Satz, der uns zwangsläufig auf das Prinzip eines umstrittenen zeitgenössischen Künstlers verweist, nämlich Jeff Koons, der entschieden argumentiert, dass der wahre Wert der Kunst "emotional" ist. eher als monetär, das heißt, inhärent in dieser Fähigkeit, gesunden Optimismus zu vermitteln. Die fröhliche Arbeit des Artmajeur-Künstlers erfüllt sicherlich diese Anforderung, die unauslöschlich mit der positiven Botschaft verbunden ist, die die Haltung des Protagonisten ausstrahlt, und auf dieselbe Stimmung zurückzuführen ist, die darauf abzielt, Bourgeois Bust , eine Neo-Pop-Skulptur der oben genannten Koons, zu beleben. Tatsächlich wurde die letztere Büste von 1991, die denselben Künstler in Begleitung seiner Ex-Frau Ilona Staller zeigt, vom Meister für die Ausstellung Made in Heaven geschaffen, eine Veranstaltung, die das Konzept der Liebe erforschte, ein Gefühl, das oft dafür verantwortlich ist höchste Euphorie. Daher ist es möglich, sich das Bildnis von Overjoyed Ceramic als Veteran einer amourösen Begegnung im Stil von Bourgeois Bust vorzustellen, das heißt, mit einer solchen erotischen Spannung aufgeladen, dass es im Nachhinein Spuren hinterlässt, die es einem ermöglichen, diese Freude und Befriedigung zu erfahren, die der Menschheit oft nur das Verlieben beschert.

Priscilla Vettese, Sculpture of Diana Pop , 2022. Skulptur, Sprühfarbe / Acryl / Marker / Schablone / Harz auf anderem Träger, 30 x 16 x 11 cm / 3000,00 g.

Priscilla Vettese : Skulptur von Diana Pop

Priscilla Vetteses Pop-Arbeit stellt eine beispiellose und originelle Neuinterpretation im „Format“ einer Büste der ikonischen Louvre-Skulptur mit dem Titel Diana von Versailles dar, einer römischen Marmorkopie aus dem 1 Leocare zugeschrieben (ca. 325 v. Chr.). Dieses Meisterwerk aus Marmor, das wahrscheinlich in Tivoli, Italien, entdeckt wurde, befindet sich heute im Pariser Museum, da es 1556 von Papst Paul IV. an König Heinrich II. von Frankreich gespendet wurde. Letzterer stellte das Werk zunächst im Schloss von Fontainebleau und später im Schloss von Fontainebleau aus Louvre, ein Museum, in das der Marmor nach einem kurzen Zwischenspiel im Schloss von Versailles zurückkehrte, einem Ort, von dem er wahrscheinlich einen Teil seines Namens geerbt hat. In Bezug auf die Beschreibung der Skulptur stellt die Diana von Versailles die Göttin der Jagd dar, wie sie grimmig nach rechts schaut und sich darauf konzentriert, den aus ihrem Köcher gezogenen Pfeil zu beobachten, während ihre linke Hand einen jetzt unvollständigen Bogen hält, der über einem Reh liegt, das in der Tat verewigt wurde des Laufens. Im Vergleich zu diesem stark narrativen Bild erweist sich die Arbeit des Artmajeur-Künstlers als prägnanter und unmittelbarer, da sie das Ziel verfolgt, das Meisterwerk in eine Art Medienberühmtheit zu verwandeln, die als figurative Konformation ein Format hat, das leichter reproduziert und multipliziert werden kann und folglich marktfähig und "ehrwürdig" von der Masse.

Cécile Duchêne Malissin, Fragile Souvenir XI , 2022. Acryl auf Leinwand, 65 x 54 cm.

Cécile Duchêne Malissin: Zerbrechliches Souvenir XI

Fragile Souvenir XI ist ein Porträt, das einen Grenzfall des Torso-Genres synthetisieren will, weil es neben der Darstellung von Händen und Armen auch Teile der Hüfte erahnen lässt, die jedoch von der üppigen Vegetation geschickt kaschiert bleiben. Die enge Beziehung zwischen dem Protagonisten des Werks und der Natur, dargestellt als eine Art Verschmelzung der beiden Essenzen, erinnert an ein Meisterwerk, in dem sich dieselbe Symbiose verwirklicht, nämlich Giuseppe Arcimboldos Vertumno (1590). Apropos italienische Malerei: Arcimboldo schuf das Werk, als er in seine Heimatstadt Mailand zurückkehrte, also nach gut 25 Jahren am habsburgischen Hof. Trotz dieses Schritts blieb der Künstler im Dienst von Rudolf II., Den er genau in der Gestalt von Vertumno darstellte, einem Gott der Jahreszeiten, der darauf abzielte, das Obst und Gemüse aller Jahreszeiten zusammenzubringen, das zuvor in den Werken von gesammelt wurde Die vier Jahreszeiten . Ganz im Stil der Letzteren: Die Nase Rudolfs II. ist zu einer Birne geformt, die Wangen zu zwei riesigen Pfirsichen und das Haar zu einer Mischung aus Früchten und Goldohren. Schließlich verfolgt ein solches Werk, genau wie Summer, Autumn, Winter und Spring , die Absicht, die Macht des Hauses Habsburg zu feiern, das seine Dominanz nicht nur über rivalisierende Familien, sondern über die gesamte Schöpfung, einschließlich Obst und Gemüse, darstellt. So könnte die Arbeit des Artmajer-Künstlers auch auf die Souveränität des Menschen über die Natur anspielen, dargestellt am unteren Ende des Bildniskörpers.