Das überrascht niemanden: Die Kunstgeschichte ist von einer starken Männermehrheit geprägt. Die Integration der Schöpferinnen in den künstlerischen Mikrokosmos war das Ergebnis eines langen, langwierigen und vor allem ungerechtfertigten Prozesses: Viele Frauen wagten sich schon sehr früh in den Bereich der künstlerischen Exaltation, ohne dass Männer dazu eingeladen wurden. Da sie nur die Qualität ihrer Leistungen fördern mussten, mussten diese Frauen oft hartnäckig bleiben, um die Anerkennung zu erlangen, auf die sie einen legitimen Anspruch hatten.
4. Elisabeth Vigée Le Brun (1755-1842): Unerschrockene Royalistin
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Elisabeth Vigée Le Brun, Selbstbildnis mit Strohhut , nach 1782 .
Im 18. Jahrhundert mussten Frauen ihre Anstrengungen verdoppeln, um in akademischen und musealen Einrichtungen aufgenommen zu werden. Trotz dieser fast unüberwindlichen Schwierigkeiten wird Elisabeth Vigée Le Brun noch vor den meisten männlichen Kollegen als eine der größten Porträtmalerinnen ihrer Zeit gelten. Dieses Kunststück wird ihm dank einer unvergleichlichen Technik und eines unvergleichlichen Stils möglich sein , gepaart mit einem erlernten Gespür für menschliche Beziehungen .
Schon sehr jung zeigt sie ein ausgeprägtes Talent zum Zeichnen . Ihr Vater, ein wenig bekannter Pastellkünstler , unterstützte die kreativen Ambitionen ihrer Tochter und prophezeite sehr schnell, dass sie eine unverzichtbare Künstlerin werden würde. Leider starb er, als Elisabeth erst 12 Jahre alt war: Er starb an Sepsis, nachdem er versehentlich eine Fischgräte verschluckt hatte ( Willkommen in den Freuden der Medizin im 18. Jahrhundert ).
Im Anschluss an diese Ereignisse absolviert der Wunderkünstler eine Ausbildung bei verschiedenen Zeichenlehrern, bis er in das Atelier von Gabriel Briard im Palais du Louvre wechselt . Obwohl die Legitimität von Frauen in der akademischen Kunst zu diesem Zeitpunkt noch nicht einhellig war, fand sich Elisabeth überraschend gut umgeben und traf auf den Gängen der königlichen Institution der Hauptstadt auf viele inspirierende und motivierende männliche Persönlichkeiten .
Gral unter allen Grals wünscht sie sich um jeden Preis, die sehr konservative Royal Academy of Painting zu integrieren, die Frauen mechanisch ablehnt. Dank einer erstaunlichen Kombination von Umständen wurde sie schließlich dort aufgenommen, insbesondere dank der Unterstützung mächtiger Persönlichkeiten des königlichen Hofes , darunter Marie Antoinette , die Königin, die Elisabeth zu ihrer offiziellen Porträtmalerin machte.
Elisabeth Vigée Le Brun, Der Frieden bringt Fülle, 1780 .
Obwohl sie von einer inoffiziellen Garantie ihrer Aufnahme in die Akademie profitiert, entschließt sie sich dennoch, ein Empfangsgemälde zu machen , eine Art Aufnahmeprüfung, die normalerweise für den Eintritt in die Institution erforderlich ist. Sie weiß es: Nur sehr konservative Männerblicke , Traditionalisten , die ihre Zulassung bisher verweigert hatten, werden ihre Arbeit kommentieren.
Logic möchte daher, dass sie sich für eine standardisierte Komposition entscheidet, ein hübsches Porträt, gepaart mit ihrer tadellosen Technik, die damit alle Chancen hat, eine widerspenstige Jury zu überzeugen. Trotz gesundem Menschenverstand und mit einer gewissen Verspieltheit beschließt sie, eine Geschichte zu malen ( La Paix bringt die Fülle zurück) und lässt sich eine unbedeckte Brust einbeziehen , während die akademischen Akte ausdrücklich Männern vorbehalten waren . Eine Möglichkeit für sie, Konventionen mit großen Schlägen unerbittlicher Technik und Beziehungen auf hohem Niveau zu stören.
Ihr ganzes Leben lang hat sie viel gemalt, hauptsächlich Porträts und ein paar Selbstporträts. Sie wird 1786 erneut Kunstgeschichte schreiben , als sie mit ihrer Tochter Julie ein exotisches Selbstporträt anfertigte. In dieser Arbeit sehen wir das erste echte Lächeln ( mit sichtbaren Zähnen ) der westlichen Kunst . Elisabeth Vigée Le Brun wird auf diese Weise ihre Zähne zeigen und wird viele kritische Wutausbrüche auf sich ziehen , die sie dann der unverschämten Verführung bezichtigen: Es brauchte nicht viel, um die Reaktionäre der Zeit zu beleidigen.
Elisabeth Vigée Le Brun, Selbstbildnis mit ihrer Tochter Julie , 1786 .
Trotz ihrer Erfolge und Kontroversen wird eine leicht konfliktreiche Zeit den Glanz ihrer Karriere untergraben: Es ist die Revolution in Frankreich , und Elisabeth, ihre bürgerlichen Gewohnheiten und Gefährten werden von den Aufständischen nicht wirklich geschätzt. Sie muss deshalb ins Exil gehen : zuerst nach Italien, dann nach Österreich und schließlich nach Russland. Auf jeder ihrer Reisen knüpft sie Verbindungen zu den bürgerlichen Kaiserfamilien, ihr Ruf und ihr Talent dienen ihr als europäischer Pass.
Sie wird ihr Leben damit verbringen, das zu tun, was ihr gefällt: zu malen, die Exzesse der Weltlichkeit zu genießen und die verstaubten Konventionen der Zeit und des männlichen Egos zu brechen. Dies ist ein besonders inspirierender Lebensweg, nicht wahr?
3. Niki de Saint Phalle (1930-2002): Die Ablehnung des traditionellen Musters
Niki de Saint Phalle in ihrem Atelier, 1961.
Er ist der zeitgenössischste Künstler in diesem Ranking. Sie ist vor allem für ihre monumentalen Nanas bekannt : überzogene, üppige und tanzende weibliche Skulpturen. Es wäre jedoch ein Fehler, seinen künstlerischen Beitrag allein auf diese Skulpturen zu reduzieren. Sie hat in der Tat ein proteanisches und subversives Universum hinterlassen , bestehend aus feministischen Arbeiten, Performance-Paintings und psychoanalytischen Filmen.
Sie wurde 1930 in Neuilly-sur-Seine während der Weltwirtschaftskrise geboren. Seine Eltern, die stark unter dem Börsencrash von 1929 litten, segeln zwischen Frankreich und den USA. Bis zu ihrem vierten Lebensjahr lebte sie bei ihren Großeltern auf dem französischen Land und ging dann zu ihren Eltern nach New York.
Als sie gerade 11 Jahre alt war, wurde sie von ihrem Vater vergewaltigt. Tief traumatisiert von diesem Ereignis gab sie es erst 1994 im Alter von 64 Jahren in einem autobiografischen Buch mit dem Titel „ Mein Geheimnis “ zu. Sie wird dann erklären, dass dieser inzestuöse Vorfall ihren Willen zur Künstlerin geschmiedet hat und Kunst als eine Art rekonstruktive Therapie betrachtet: „Die Malerei beruhigte das Chaos, das meine Seele erregte, und gab meinem Leben eine organische Struktur […]. ".
Niki de Saint Phalle, Schwarze stehende Nana , 1995.
1953, nach einer tiefen Depression, gefolgt von einer künstlerischen Genesung , beschloss sie, sich ganz der Malerei zu widmen, um ihre Dämonen auszutreiben .
3 Jahre später lernt sie Jean Tinguely kennen , einen auf Automaten und bewegliche Skulpturen spezialisierten bildenden Künstler, der ihrerseits ihr Freund , ihr Geliebter , ihr Ehemann , ihr Mentor , ihr Kollege und ihre Muse wird . Durch sie trifft und integriert sie die Neuen Realisten , eine in den 1960er Jahren gegründete künstlerische Bewegung, die sich aus heute noch sehr berühmten Künstlern wie Yves Klein und Arman zusammensetzt .
Der Erfolg war damals noch nicht wirklich da . 1961, als sie ihre erste Serie von Shoots produzierte , wurde sie dank der Skandale, die mit dieser neuen Art der Kreation verbunden waren, sehr zeitgenössisch , für manche sogar zu zeitgenössisch, international anerkannt. Diese Serie besteht aus „ Malerei-Performances “ : Sie fertigt zunächst große plastische Gipsplatten an, die mit Objekten aller Art ( Puppen, Kruzifixe, antike Büsten, Karnevalsmasken, Kleinmöbel usw.) verziert sind, dann fügt sie mit Farbe gefüllte Spraydosen und Luftballons hinzu . Schließlich, als diese Installation fertig ist, schießt sie mit einem Gewehr auf die Paneele, wodurch die Farbballons und Spraydosen zur Explosion gebracht werden, die so die Farbe willkürlich über die gesamte zunächst makellose Oberfläche verteilen .
Mehr als eine einfache ursprüngliche Technik, inszeniert sie ihre Schüsse verschiedene Geräte, insbesondere von ihren berühmten Freunden Beteiligung (einschließlich Jasper Johns, Robert Rauschenberg oder Jean Tinguely), und welche wird, vor Fernsehkameras ihre Shootings durch Ausführen popularisieren diese Leistungen, indem sie Kontroversen schüren .
Für Niki ist dies keine einfache künstlerische Erfahrung , sondern immer wieder eine Möglichkeit, ihre Dämonen auszutreiben. Sie behauptet dann, " auf die Gesellschaft und ihre Ungerechtigkeiten " zu schießen, geht sogar so weit, die Verantwortlichen für ihren heftigen Ressentiment zu beschwören, bevor sie abdrückt: " Papa, all die Männer, die Kleinen, die Großen, mein Bruder, die Gesellschaft, die Kirche, das Kloster, die Schule, meine Familie, meine Mutter, ich (…). " .
Indem sie ihre Kunst als Katalysator für ihre tiefen Gefühle nutzt, gelingt es ihr dann, sich selbst zu transzendieren. Sie engagierte sich in der Politik und wurde schnell zu einer Ikone der weiblichen Unabhängigkeit, der Abschaffung des Schönheitsdiktats und der Unterwerfung unter das patriarchale Vorbild . Sie starb 2002 im Alter von 71 Jahren, nachdem sie das Kunststück vollbracht hatte, ehrlich und ihren Idealen treu geblieben zu sein und gleichzeitig eine ganze Generation von Frauen im Kampf um ihre Emanzipation zu inspirieren.
Sie wird ihren Kampf wie folgt zusammenfassen: „ Wir haben Black Power, also warum nicht Nana Power? Kommunismus und Kapitalismus sind gescheitert. Ich denke, die Zeit ist gekommen für eine neue matriarchale Gesellschaft. ”
2. Frida Kahlo (1907-1954): Nicht klassifizierbar und teilnahmslos
Frida Kahlo, Die zwei Frida , 1939.
Sie ahnen es: Es ist unmöglich, eine Rangliste der mutigsten Künstler zu erstellen, ohne die berühmte Frida Kahlo zu erwähnen. Wir werden hier nicht auf seinen tragischen Lebensweg zurückkommen, aber wenn das Thema Sie interessiert, empfehlen wir Ihnen, unseren Artikel über die verfluchten Künstler zu lesen.
Nach einer schmerzhaften Krankheit , einem schweren Unfall , einer schweren Depression und einer ebenso toxischen wie inspirierenden Beziehung mit dem Künstler Diego Rivera war das Leben von Frida Kahlo kein langer ruhiger Fluss . Der mexikanischen Künstlerin gelang es jedoch, diese Anhäufung von Pech zu überwinden und zur Ikone weiblicher Freiheit und Emanzipation zu werden , die wir heute kennen.
Um sein scharfes Temperament und losgelöst von gesellschaftlichen und künstlerischen Konventionen zu veranschaulichen, wollten wir hier auf seine besondere Beziehung zu den französischen und europäischen Surrealisten im Allgemeinen zurückkommen. Dieser Abschnitt seines Lebens ist einer der am wenigsten bekannten, aber dennoch sehr interessant.
Im Laufe der 1930er Jahre interessierten sich die Surrealisten und insbesondere der Begründer der Bewegung, André Breton , für das Werk Fridas, den sie fälschlicherweise als Parteigänger der Bewegung betrachteten. 1938 ging André Breton nach Mexiko, um eine Reihe von Konferenzen zur europäischen Malerei zu leiten. Er und seine Frau werden vom Ehepaar Kahlo-Rivera begrüßt. Sehr schnell kühlte Frida die enthusiastische Begeisterung der Bretonin ab und erkannte sich nicht in der surrealistischen Strömung, wie sie ihr präsentiert wird: „ Ich wurde für eine Surrealistin gehalten. Es ist nicht gerecht. Ich habe nie Träume gemalt. Was ich repräsentierte, war meine Realität. " .
Dieser Unterschied in der künstlerischen Konzeption wird der Grundstein für ein Gebäude des Hasses sein, das der mexikanische Künstler im Hinblick auf die Egozentrik der europäischen Surrealisten nach und nach errichtet.
1939 reiste Frida für eine Ausstellung über mexikanische Kunst nach Paris. Sie blieb bei André Breton und lernte viele einflussreiche Künstler wie Picasso oder Kandinsky kennen .
Diese Reise wird ihr gar nicht gefallen: Sie findet die Hauptstadt grau, seelenlos und sehr schmutzig . Vor allem lernt sie nach und nach, ihre surrealistischen Zeitgenossen zu hassen , und findet, dass die Ausstellung, für die sie den Atlantik überquerte, „ von diesem Haufen skurriler Hurensöhne, die die Surrealisten sind “, überfallen wird . Pariser Prominente sind offensichtlich nicht sein Ding.
Im Briefwechsel mit einem ihrer Liebhaber ging sie sogar so weit, diese Worte zu sagen: " Ich würde lieber auf dem Markt von Toluca auf dem Boden sitzen, um Tortillas zu verkaufen, als etwas zu sehen zu haben." mit diesen künstlerischen Arschlöchern aus Paris ... Ich habe weder Diego noch Sie gesehen, die ihre Zeit mit diesem dummen Geschwätz und intellektuellen Diskussionen verschwenden. Deshalb seid ihr echte Männer und keine beschissenen Künstler - Verdammt! Es hat sich gelohnt, hierher zu kommen, nur um zu verstehen, warum Europa verrottet, warum all diese Inkompetenten die Ursache aller Hitlers und Mussolinis sind . ".
Ein ätzendes Temperament für eine Frau, die offensichtlich nichts mit Oberflächlichkeit und sehr europäischen intellektuellen Konventionen zu tun hatte. Ein starker Charakter, der es wert ist, hervorgehoben zu werden.
1. Artemisia Gentileschi (1593-1652): Rache im Pinsel
Artemisia Gentileschi, Selbstbildnis in Allegorie der Malerei, 1638-1639.
Wenn es in diesem Ranking eine Künstlerin gibt, die unter einem Gefolge aus vielen giftigen Männlichkeiten besonders gelitten hat, dann ist es Artemisia Gentileschi .
Für diese junge Italienerin fing die Geschichte gut an. Schon in jungen Jahren strebte sie an, Künstlerin zu werden, und wurde von ihrem Vater Orazio Gentileschi, selbst Maler und Trinkkumpel des sehr berühmten und nicht weniger umstrittenen Caravaggio , ermutigt. Trotz eines sehr konservativen und angsteinflößenden akademischen Klimas für weibliches künstlerisches Schaffen tat Orazio alles in seiner Macht Stehende, damit seine Tochter, die bereits große kompositorische Fähigkeiten bewies , praktizieren und Zugang zu Einrichtungen erhalten konnte, die bisher Männern vorbehalten waren.
Trotz des gesunden Menschenverstands rekrutierte er einen zweifelhaften, aber damals bekannten Landschaftsmaler , Agostino Tassi , um sein technisches Wissen mit seiner Tochter zu teilen. Er wird jedoch des Diebstahls , Inzests und sogar des Mordes verdächtigt. Dieser ebenso charismatische wie giftige Charakter, ein narzisstischer Perverser der Renaissance , wird das junge Wunderkind nach und nach verzehren, indem er ihr eine Heirat verspricht ( damals konnte sich nur eine verheiratete Frau als Künstlerin etablieren ), dann von ihr . Diese Maskerade endete 1612, als Artemisias Vater beschloss, den Fall vor Gericht zu bringen. Ihr Henker wird verurteilt , aber der Ruf des jungen Malers wird durch dessen Vorwürfe für immer getrübt: Mehrere Jahrhunderte lang wird von einer lüsternen Frau mit „ verdorbener Moral “ gesprochen. Simone de Beauvoir bringt es gekonnt auf den Punkt: „ Niemand ist gegenüber Frauen arroganter, aggressiver und verächtlicher als ein Mann, der sich um seine Männlichkeit sorgt. "
Von dieser schädlichen Persönlichkeit befreit, nutzt Artemisia die Gelegenheit, ihren Hass durch die Pinsel zu veräußern . 1615 produzierte sie zwei Allegorien von Judith, die Holofernes enthaupteten . Diese biblische Szene war bereits Gegenstand mehrerer skandalöser Darstellungen, darunter einer von seinem spirituellen Meister Caravaggio . Hier finden wir neben einer makellosen technischen Umsetzung und einer atemberaubenden Beherrschung des Hell-Dunkels eine geheime Botschaft , eine illustrierte Bitterkeit: Unter den Zügen des kopflosen Gesichtes des Holofernes erkennen wir seinen ehemaligen Henker Agostino Tassi. Die leuchtende Artemisia beschließt daher, sich an dem Mann zu rächen, der ihr so viel Böses zugefügt hat, und markiert damit für immer in der Kunstgeschichte das abstoßende Gesicht dieses unedlen Verbrechers . Abgesehen von diesem zur Schau gestellten Ressentiment bezeichnet die Arbeit die Menschen und lässt sie erschaudern: Sie zeigt eine verführerische, gefährliche und bewaffnete Frau . Damals war die Kirche noch sehr streng: Das Tragen einer Waffe war ein Privileg, das Männern, Adligen, heroischen Rittern vorbehalten war. Hier wird eine entschlossene , giftige und mächtige Frau ausgestellt , die die Gabe hatte, Männer , Kuratoren aller Art und insbesondere Maler und Zeitgenossen der Artemisia zu erschrecken. Sie wird schnell mit Judith verglichen : Sowohl die Malerin als auch die biblische Heldin werden dann an den Rand gedrängt , weil sie das weibliche Stereotyp in einer eminent patriarchalischen Gesellschaft erschüttert haben.
Artemisia Gentileschi, Judith Enthauptung Holofernes , 1612-1614.
Nach dem Prozess findet die verletzte Künstlerin einen richtigen Ehemann, der es ihr ermöglicht, weiterhin das zu tun, was sie liebt: Malen . Diese Ehe ist nicht wirklich glücklich, aber sie rettet die Ehre seines Vaters. Sie wird schwanger und zieht ihre Tochter einige Jahre allein auf, ihr Mann befindet sich im Exil und wird von der Polizei gesucht.
Sein damals noch innovativer Caravaggio-Stil sicherte ihm ein bescheidenes Einkommen und Erfolg, aber ausreichend, um anständig zu leben. Danach trat sie als erste Frau der Florence Drawing Academy bei . Der Rest ihres Lebens ist ziemlich schlecht dokumentiert, es fehlen schriftliche Quellen, aber es scheint, dass sie ein viel friedlicheres Leben führt als zu Beginn. Es wird für fast 300 Jahre in Vergessenheit geraten, bis es im 20. Jahrhundert wiederentdeckt wird . Sie gilt heute zu Recht als Pionierin des Feminismus und ihr gesamtes Werk wird weltweit anerkannt.
Offensichtlich ist diese Klassifizierung bei weitem nicht erschöpfend . Wir hätten auch von der Impressionistin Mary Cassatt sprechen können, die ihr ganzes Leben ihrer Kunst gewidmet hat, ohne sich jemals von einem einzigen Mann verführen zu lassen , ihre Unabhängigkeit unter allen Umständen zu bewahren, da sie für die Aufrechterhaltung der Qualität ihres Prozesses unerlässlich ist . Wir hätten auch an Catharina van Hemessen denken können , die 1548 nicht ohne Schwierigkeiten das erste weibliche Selbstbildnis der Kunstgeschichte schuf. Oder auch die zeitgenössische Künstlerin Louise Bourgeois , die durch monumentale, ebenso düstere wie atemberaubende Skulpturen die hellen Sitten ihres Vaters exorzierte, der ihre Kindheit beeinflusste. Jedenfalls erinnern uns all diese bemerkenswert motivierten Frauen daran, dass Selbstbewusstsein König ist im Land der gesellschaftlichen Konventionen und traditionalistischen Schicksalsschläge .
Heute verschwinden diese Hemmnisse für die künstlerische Entwicklung von Frauen glücklicherweise immer schneller, trotz anhaltender Unterrepräsentanz innerhalb der Museumsinstitutionen . In der zeitgenössischen Schöpfung gibt es zum Beispiel fast so viele Männer wie Frauen.
Wir bei Artmajeur sind stolz darauf, die Arbeit von 55% der Frauen von 180.000 auf der Website vertretenen Künstlern zu repräsentieren. In diesem Zusammenhang empfehlen wir Ihnen, unsere Sammlung zu entdecken, die die talentierten Schöpfer unserer Plattform hervorhebt .
Es gibt keine Prädestination, die stark genug ist, um nicht vernichtet zu werden : Sei du selbst, tue, was du willst, und höre niemals auf diejenigen, die an deinen Fähigkeiten zweifeln, wenn deine Intuition dich auf Pfade fernab des Konformismus deiner Zeit führt. Linien sollen verschoben, Grenzen überschritten werden.
Bastien Alleaume
Content Manager - Artmajeur Online Art Gallery
Bastien Alleaume