Frank Stella, ein Meister der abstrakten Kunst seiner Zeit, ist im Alter von 87 Jahren gestorben

Frank Stella, der anfangs eine strenge, monochrome Ästhetik bevorzugte, integrierte nach und nach metallische Töne und dann leuchtende Farben in seine Arbeiten und stellte sie in verschiedenen geometrischen Konfigurationen aus. Seine innovativen geformten Leinwände erschienen erstmals 1960 in der Aluminium-Serie bei seiner ersten Einzelausstellung bei Castelli. Während seiner frühen Jahre in New York wurden Stellas Kreationen in zahlreichen wichtigen Ausstellungen in den wichtigsten Kulturinstitutionen der Stadt gezeigt, darunter „Geometric Abstraction“ (1962) im Whitney Museum of American Art, „The Shaped Canvas“ (1964) und „Systemic Painting“ (1966) im Solomon R. Guggenheim Museum sowie „The Structure of Color“ im Whitney 1971.

Stella wurde 1936 in Malden, Massachusetts, einem Vorort nördlich von Boston, geboren und wuchs in der benachbarten Stadt Melrose auf. Nach seiner Ausbildung zog er direkt nach New York. Er verdiente seinen Lebensunterhalt als Innenarchitekt, während er Malerei bei Patrick Morgan an der Phillips Academy in Andover, Massachusetts, und später an der Princeton University bei dem Kunsthistoriker William Seitz und dem abstrakten Künstler Stephen Greene studierte, wo er 1958 seinen Abschluss machte. 1959 nahm Stella bereits an Gruppenausstellungen am Oberlin College, Ohio, und in New York in der Tibor de Nagy Gallery und bei Leo Castelli teil, was zu seiner bedeutenden Aufnahme in die „Sixteen Americans“ des MoMA führte.

MoMA Retrospektiven

1965 wurde Frank Stella neben Zeitgenossen wie Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Claes Oldenburg und Jim Dine ausgewählt, die Vereinigten Staaten auf der Biennale von Venedig zu vertreten. 1967 hatte Stella seine Protractor-Serie bei Leo Castelli vorgestellt. Diese Werke, die sich durch ihre leuchtenden Farben und großen halbrunden Formen auszeichnen, die nach dem Zeichenwerkzeug benannt sind, festigten seinen Einfluss auf die zeitgenössische abstrakte Kunst. 1970, mit gerade einmal 33 Jahren, wurde Stella als jüngster Künstler mit einer Retrospektive im Museum of Modern Art (MoMA) geehrt. Seine zweite umfassende Ausstellung im MoMA, „Frank Stella: Werke von 1970 bis 1987“ (1987-88), begann mit seiner Serie „Polish Village“. Diese Stücke, eine Hommage an die im Zweiten Weltkrieg in Polen zerstörten Synagogen, markierten seinen Übergang von Flachrelief-Collagen zu komplexeren Hochrelief-Konstruktionen aus Materialien wie Filz und Karton.

In einem Interview mit The Art Newspaper aus dem Jahr 1999 reflektierte Stella über diese Entwicklung in seiner Arbeit: „Die Reliefmalereien zwangen mich, mich aktiver mit der realen Welt auseinanderzusetzen. Ich musste Materialien wie Filz, Sperrholz und Aluminiumwaben besorgen. Dieser Prozess brachte neue Elemente in meine Kunst und führte mich von der kontrollierten Umgebung des Ateliers zu einem eher experimentellen Umgang mit Materialien. Auch Picasso wagte sich in seinem Umgang mit Materialien über traditionelle Grenzen hinaus, obwohl er nach heutigen Maßstäben die Grenzen eher in Bezug auf Materialinnovation als in Bezug auf physische Erkundung austestete.“

Als Frank Stella 1999 über seine frühe Karriere nachdachte, als er in einem Jahr eine Skulpturenausstellung bei Bernard Jacobson in London veranstaltete, bemerkte er die Veränderungen in seinem Berufskreis: „Ich bin den Händlern aus den 1960er Jahren entwachsen oder habe sie überlebt. Larry Rubin ist im Ruhestand; Leo Castelli ist verstorben [er starb im selben Jahr]. Ich bin eigentlich in einer anderen Generation aufgewachsen und sie sind jetzt alle weg. Meine Welt ist vorbei und untergegangen. Ich bin immer noch da draußen und versuche, weiterzumachen, aber ich passe nicht wirklich in die harte Welt von heute.“

Stella entwickelte seine Arbeit weiter und schuf nun auch großformatige Skulpturen und arbeitete mit Architekten wie Richard Meier zusammen, mit dem er seit 65 Jahren befreundet war. Gemeinsam arbeiteten sie an Projekten wie dem Bundesgericht in Phoenix (eröffnet im Jahr 2000), dem Museum für zeitgenössische Kunst in Barcelona (1995), dem Weishaupt Forum bei Ulm in Süddeutschland (1993) und der Jubiläumskirche in Rom (2003) sowie mit Santiago Calatrava. Ein bemerkenswertes Projekt ist The Michael Kohlhaas Curtain (2008), ein 30 Meter langes Bannergemälde von Stella, das über einen von Calatrava entworfenen ringförmigen Rahmen drapiert ist.

Stellas Erkundung der Geschichte der Malerei

In den akademischen Jahren 1983–1984 hielt Stella an der Harvard University die Charles Eliot Norton-Vorlesungen mit dem Titel „Working Space“ (die 1985 von Harvard veröffentlicht wurden). In diesen Vorlesungen lobte er den Barock und andere historische Stile für ihre poetische und konstruktive Nutzung von Raum und Volumen. Während der Ausstellung „Frank Stella: Experiment and Change“ 2017–2018 im NSU Art Museum in Fort Lauderdale, in der über 300 seiner Werke gezeigt wurden, diskutierten sowohl Stella als auch die Kuratorin Bonnie Clearwater seine tiefe Auseinandersetzung mit der Geschichte der Malerei. Stella berichtete von einer frühen Begegnung mit Rogier van der Weydens Kreuzigungsdiptychon (um 1460) im Philadelphia Museum of Art, die er als wegweisenden Einfluss auf sein Verständnis dessen beschrieb, was Kunst erreichen könnte. Im Ausstellungskatalog stellte Clearwater fest, dass für Stella die überzeugende visuelle Wirkung eines Gemäldes ein wichtigeres Ziel war als das Festhalten an den Doktrinen der Moderne.

Barbara Rose, Stellas erste Frau, wurde zu einer prominenten Kunstkritikerin und verfasste 1965 den einflussreichen Aufsatz „ABC Art“ für Art in America, der eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung des Verständnisses des Minimalismus spielte. In ihrem Aufsatz schlug Rose vor, dass die „selbstverleugnende Anonymität“, die in den Werken von New Yorker Künstlern wie Donald Judd, Robert Morris und ihrem damaligen Ehemann Stella (sie trennten sich 1969) zu beobachten sei, eine Gegenreaktion auf den ungezügelten persönlichen Ausdruck sei, der damals vorherrschte, sowie eine formale Antwort auf die vorherrschenden malerischen Exzesse.

Stellas offener Umgang mit der Kunst

Frank Stella war für seine unverblümte Art, seine Kunstwerke zu beschreiben, bekannt. Seine bekannte Aussage „Was Sie sehen, ist, was Sie sehen“ fiel während eines Gesprächs mit dem Kunsthistoriker Bruce Glaser. Als Glaser antwortete: „Da bleibt nicht viel übrig, oder?“, erwiderte Stella: „Ich weiß nicht, was es sonst noch gibt.“ Jahrzehnte später, als er in einem Interview mit The Art Newspaper darüber nachdachte, wiederholte Stella: „Ich habe es schon oft gesagt: Abstraktion kann vieles sein. Sie kann in gewissem Sinne eine Geschichte erzählen, auch wenn es am Ende eine bildliche Geschichte ist.“

In einem Interview mit Norbert Lynton für The Art Newspaper aus dem Jahr 1999 gab Frank Stella Einblicke in seine Wahrnehmung der Entwicklung seiner Arbeit in den ersten vier Jahrzehnten seiner Karriere. „Die Leute fragen oft: ‚Warum verändern Sie sich?‘ Meine Antwort ist, dass ich mich eigentlich nicht so sehr verändere. Die Veränderungen in meiner Arbeit resultieren aus zwei Hauptgefühlen: ein bisschen Unzufriedenheit und ein bisschen Hoffnung, immer auf der Suche nach etwas Neuem. Die Leute erwarten von Ihnen, dass Sie ‚sich selbst finden‘ und einen einheitlichen Stil etablieren, aber Künstler wollen im Allgemeinen immer weiter forschen“, erklärte er.

Nutzung modernster Technologie

Stella war auch für seine frühe Einführung und innovative Nutzung neuer Technologien bekannt. Ab den späten 1980er Jahren beschäftigte er sich mit computergestütztem Design (CAD) und begann Mitte der 2000er Jahre mit der Nutzung von 3D-Drucktechnologien. Wie The Art Newspaper berichtete, verwendete Stella 3D-Druck, um Metall- und Harzkomponenten für seine polychrome Skulpturenserie Scarlatti Kirkpatrick herzustellen. Diese Serie ließ sich sowohl von den Cembalo-Sonaten von Domenico Scarlatti, einem italienischen Komponisten des 18. Jahrhunderts, als auch von der wissenschaftlichen Arbeit von Ralph Kirkpatrick, einem amerikanischen Musikwissenschaftler des 20. Jahrhunderts, inspirieren.

In einem Interview mit The Art Newspaper aus dem Jahr 2013 sprach Ron Labaco, Kurator des Museum of Arts and Design in New York, darüber, wie Frank Stella mithilfe der 3D-Drucktechnologie Projektionen von der Wand erstellen konnte, die mit herkömmlichen Methoden, die zu umständlich und schwer gewesen wären, nicht möglich gewesen wären. Labaco nahm Stellas Arbeiten in eine Ausstellung mit dem Titel „Out of Hand: Materialising the Postdigital“ auf, die sich auf computergestützte Kunst konzentrierte und von 2013 bis 2014 lief.

Im Jahr 2022 brachte Frank Stella im Rahmen seines Projekts „Geometries“ seinen ersten NFT (Non-Fungible Token) auf den Markt, in Zusammenarbeit mit der Artists Rights Society (ARS), die 1987 gegründet wurde, um die Rechte von Künstlern durch Urheberrecht, Lizenzierung und Überwachung bildender Künstler in den Vereinigten Staaten zu schützen. Diese Partnerschaft unterstreicht Stellas langjähriges Engagement und seine Unterstützung für die ARS. Katarina Feder, die Direktorin für Geschäftsentwicklung bei ARS, berichtete gegenüber The Art Newspaper: „Wir haben alle 2.100 Token ausverkauft und, was entscheidend ist, Weiterverkaufsgebühren aus Zweitverkäufen erzielt, ein Anliegen, für das sich Frank schon lange einsetzt.“

Über ihre digitale Abteilung ARSNL hat die Artists Rights Society (ARS) NFT-Sammler angesprochen, indem sie ein Prozessvideo und eine kuratorische Erklärung des Kunstanalyse-Experten Jason Bailey veröffentlicht hat. „Digitale Sammler waren von Frank und seinen Kreationen begeistert“, bemerkte Katarina Feder, „und viele haben ihre eigenen abgeleiteten Werke geschaffen, die Frank erlaubte. Wir haben Frank einige dieser abgeleiteten Werke präsentiert und er war begeistert davon.“ Der Reiz des NFT-Drops für Stella, wie er dem NFT-Magazin Right Click Save erklärte, bestand darin, dass „NFTs im abstrakten Sinne einige der Herausforderungen angehen könnten, die sich durch die zunehmende Reproduzierbarkeit von Bildgebungs- und Fertigungstechnologien ergeben. Konkreter ausgedrückt bieten sie Künstlern einen Mechanismus, um die Weiterverkaufsrechte geltend zu machen, die wir meiner Meinung nach besitzen sollten.“

Stellas progressive Haltung zum NFT-Drop, die Sammler dazu ermutigt, sowohl Derivate zu erstellen als auch die Kunstwerke in 3D zu drucken, festigte seinen Ruf als Vorkämpfer für Künstlerrechte weiter. Gretchen Andrew hob in ihrer Kolumne Art Decoded für The Art Newspaper Stellas Engagement hervor: „Frank war schon immer ebenso sehr um die Materialität und die taktilen Qualitäten seiner Werke besorgt wie um die Rechte seiner Kollegen. Seit Jahren ist er eine aktive Stimme im Kampf für Wiederverkaufsrechte.“

Die Stars-Serie

Zu den berühmtesten Werken von Frank Stellas späterer Karriere gehört seine Serie „Stars“, die große, mehrzackige, freistehende Sterne zeigt. Eine bemerkenswerte Installation aus dieser Serie umfasste ein Paar sieben Meter hoher Sterne, die 2015 im Innenhof der Royal Academy in London ausgestellt wurden. Im Jahr 2021 enthüllte Stella Jaspers Split Star, eine Skulptur aus Edelstahl, auf dem Platz des neuen 7 World Trade Centers in New York City. Diese Skulptur diente als ergreifender symbolischer Ersatz für zwei von Stellas großen Gemälden – Laestrygonia I und Telepilus Laestrygonia II, jeweils 10 mal 10 Fuß groß – die zuvor in der Lobby des ursprünglichen 7 World Trade Centers untergebracht waren, bevor es bei den Anschlägen vom 11. September zerstört wurde.

Das bleibende Erbe von Frank Stella: Innovation und Einfluss in der abstrakten Kunst

Frank Stella, seit über sechzig Jahren eine unbezwingbare Kraft in der abstrakten Kunst, hinterlässt ein immenses Erbe, das von bahnbrechenden Beiträgen auf diesem Gebiet geprägt ist. Sein Tod im Alter von 87 Jahren markiert das Ende einer Ära, unterstreicht aber auch die anhaltende Wirkung seiner Arbeit, von den bahnbrechenden „Black Paintings“ bis hin zu seinen innovativen großformatigen Skulpturen und Kooperationen mit Architekten. Stellas Erkundungen umfassten die Bereiche Form, Farbe und Raumdynamik und gestalteten den Dialog über abstrakte Kunst und ihre Schnittstellen mit modernen Technologien und neuen Medien, einschließlich NFTs, neu. Sein Engagement für die Weiterentwicklung seines künstlerischen Ausdrucks und sein Eintreten für die Rechte der Künstler unterstrichen seine Rolle nicht nur als Schöpfer, sondern auch als visionärer Denker in der Kunstwelt. Stellas Weg von einem jungen Maler in New York zu einer verehrten Ikone, deren Werke die ästhetischen Grenzen seiner Zeit herausforderten und überschritten, hinterlässt einen bleibenden Eindruck auf der Leinwand der zeitgenössischen Kunst.