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Wie definiert man Naive Kunst Stil ?

Was ist Naive Kunst?

Was ist naive Kunst und wie definieren Sie naive Kunst? Kirchenschiffmalerei ist ein Kunststil, der von Künstlern wie Henri Rousseau ins Leben gerufen wurde, die nicht viel über Kunst wussten. Meistens wird Nave Art als visuelle Kunst definiert, die von jemandem geschaffen wurde, der nicht die Ausbildung und Ausbildung eines professionellen Künstlers hatte. Wenn ein professioneller Künstler versucht, diesen Stil zu kopieren, wird er oft als „Primitivismus“ bezeichnet.

Was ist die Definition von Naiver Kunst?

Nave Art wird normalerweise als visuelle Kunst definiert, die von jemandem geschaffen wurde, der nicht über die formale Ausbildung und Ausbildung verfügt, die ein professioneller Künstler hat (in Anatomie, Kunstgeschichte, Technik, Perspektive, Sichtweisen). Wenn ein ausgebildeter Künstler versucht, diesen Stil zu kopieren, wird er manchmal als Primitivismus, Pseudo-Nave-Kunst oder falsche Kirchenschiff-Kunst bezeichnet.

Im Gegensatz zur Volkskunst muss die Kirchenschiffkunst nicht aus einem bestimmten populären kulturellen Kontext oder einer bestimmten Tradition stammen. Tatsächlich ist es zumindest in fortgeschrittenen Volkswirtschaften und seit der Druckrevolution unmöglich, die lokale Kunsttradition nicht zu kennen, die sich durch populäre Drucke und andere Medien verbreitet hat. Naive Künstler kennen Konventionen der "schönen Kunst" wie grafische Perspektive und Kompositionskonventionen, aber sie können oder nutzen sie nicht in vollem Umfang. Outsider Art (auch „Art brut“ genannt) hingegen bezeichnet Werke, die zwar einen ähnlichen Hintergrund haben, aber wenig mit der Mainstream-Kunstwelt zu tun haben.

Nave Art ist dafür bekannt, einfach und ehrlich wie ein Kind zu sein, und wird deshalb oft kopiert. Diese Art der Malerei hat normalerweise einen flachen Zeichenstil und eine einfache Art, Tiefe zu zeigen. Henri Rousseau, ein französischer Postimpressionist, der von 1844 bis 1910 lebte und von Pablo Picasso entdeckt wurde, war einer der bedeutendsten Maler der „naiven Kunst“.

Es gab einige Meinungsverschiedenheiten darüber, was der Begriff bedeutet und wo er mit anderen Begriffen wie Volkskunst und Außenseiterkunst "endet". Nave Art wird normalerweise verwendet, um Werke der bildenden Kunst zu beschreiben, die von Autodidakten wie Gemälden und Skulpturen hergestellt wurden. Volkskunst hingegen bezieht sich auf Dinge, die im Alltag verwendet werden können. Aber über diesen Unterschied wurde gestritten. „Provinziell“ ist ein anderes Wort, das besonders für Gemälde und Gebäude verwendet werden kann. Es wird hauptsächlich verwendet, um die Arbeit von Künstlern zu beschreiben, die eine traditionelle Ausbildung hatten, deren Arbeit jedoch versehentlich hinter den Standards der Metropolen oder des Gerichts zurückbleibt.

Was sind die Merkmale der Naiven Kunst?

Die Leute denken oft, dass Kirchenschiffkunst ein Werk eines Außenstehenden ist, der keine (oder nicht viel) Ausbildung oder einen Abschluss hatte. Vor dem 20. Jahrhundert war das so, aber jetzt gibt es Schulen für naive Kunst. Naive Kunst ist heute eine voll anerkannte Kunstform, die in Galerien auf der ganzen Welt zu sehen ist.

Die Merkmale der Kirchenschiffkunst passen nicht gut zu den formalen Aspekten der Malerei, insbesondere wenn die drei Regeln der Perspektive nicht befolgt werden (wie von den progressiven Malern der Renaissance beschrieben):

• Die Größe der Dinge wird kleiner, je weiter sie entfernt sind,
• Farben ändern sich mit zunehmender Entfernung, -Details werden mit zunehmender Entfernung weniger deutlich,

Hier sind die Ergebnisse:

• Die Effekte der Perspektive sind geometrisch falsch (sie sehen aus wie Kinderzeichnungen oder Gemälde aus dem Mittelalter, aber damit endet der Vergleich).
• Starke Verwendung von Mustern, unraffinierte Farbe auf allen Plänen der Komposition, ohne Schwächung im Hintergrund. - Gleiche Aufmerksamkeit für Details, einschließlich derer im Hintergrund, die abgeschattet werden sollten.

Die Leute sagen, dass naive Kunst leicht zu erkennen ist, weil sie nicht kompliziert ist. Es ist jedoch so populär und bekannt geworden, dass viele Beispiele als "pseudonaiv" bezeichnet werden könnten.

"Pseudo-Nave"- oder "Faux-Nave"-Kunst ist das Werk eines Künstlers, der eher nachahmend oder selbstbewusst ist und dessen Werk eher kopiert als original aussieht. „Nave“-Kunst ist das Werk eines Künstlers, der weder eine Kunstschule noch eine Akademie besucht hat, wie Henri Rousseau oder Alfred Wallis.

Da Autodidaktismus als Lernmethode in der Moderne immer beliebter geworden ist, ist strenge Naivität bei modernen Künstlern wahrscheinlich nicht anzutreffen. Lebende Künstler mögen nicht immer naive Kategorisierungen, aber das wird sich wahrscheinlich ändern, wenn würdigere Signale bekannt werden. Museen für naive Kunst gibt es jetzt in Kecskemét, Ungarn; Kovaica, Serbien; Riga, Lettland; Jaén, Spanien; Rio de Janeiro, Brasilien; Vicq, Frankreich; und Paris. Gary Bunt, Lyle Carbajal, Gabe Langholtz, Gigi Mills, Barbara Olsen, Paine Proffitt und Alain Thomas sind allesamt englischsprachige lebende Künstler, die zugeben, einen naiven Stil zu haben.

"Primitive Kunst" ist ein anderer Begriff, den Menschen, die keine Kunst studiert haben, oft verwenden, um sie zu beschreiben. Historisch gesehen wurde es jedoch eher verwendet, um Kunst aus Kulturen zu beschreiben, die die westliche Wissenschaft als „primitiv“ sozial oder technologisch angesehen hat, wie die Kunst der amerikanischen Ureinwohner, Afrikas südlich der Sahara und der pazifischen Inseln (siehe Stammeskunst). Dies unterscheidet sich von der „primitiv“ inspirierten, selbstbewussten Bewegung namens „Primitivismus“. Volkskunst ist ein anderer Begriff, der der Kirchenschiffkunst ähnelt, aber nicht dasselbe ist.

Es gibt auch die Begriffe „Navismus“ und „Primitivismus“, die normalerweise verwendet werden, um professionelle Maler zu beschreiben, die Kirchenschiffkunst als ihren Stil verwenden (wie Paul Gauguin, Mikhail Larionov, Paul Klee).

Was sind die Merkmale naiver Malerei?

Nave Art wird manchmal verwendet, um Kunst zu beschreiben, die von Menschen ohne Berufsausbildung oder Abschluss gemacht wurde. Vor dem 20. Jahrhundert war das so, aber jetzt gibt es Akademien für Kirchenschiffmalerei. Naive Kunst ist heute eine bekannte Kunstform, die in Galerien auf der ganzen Welt zu sehen ist. Die formalen Teile der Malerei sind den Dingen, die die Schiffskunst ausmachen, seltsam ähnlich, besonders wenn es darum geht, die drei Regeln der Perspektive nicht zu beachten.

-Wenn die Dinge weiter weg sind, werden ihre Größen kleiner.

-Wenn Sie sich von einer Farbe entfernen, wird sie weniger lebhaft.

-Wenn Sie sich entfernen, werden Details weniger klar.

Eines der Ergebnisse ist, dass die Effekte der Perspektive aus geometrischer Sicht falsch sind. In keinem der Kompositionspläne gibt es eine Abschwächung des Hintergrunds, und es gibt viele Muster. Allen Details wurde die gleiche Sorgfalt geschenkt, auch denen im Hintergrund, die dunkler sein sollten.

Die Leute sagen, dass Kirchenschiffkunst leicht zu erkennen ist, weil sie nicht viele Details hat. Aber weil es ein so bekannter Stil geworden ist, können viele Stücke in die Kategorien Pseudo-Navigation oder Primitivismus eingeordnet werden. Autodidaktismus wird als Lernmethode immer beliebter, daher ist strenge Naivität heute bei Künstlern nicht mehr oft anzutreffen.

Lebende Künstler akzeptieren möglicherweise nicht immer einfache Kategorisierungen, aber dies wird sich wahrscheinlich ändern, wenn würdigere Signale verfügbar werden.

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Zeitgenössische Kunst ist ein vibrierendes Netzwerk von künstlerischen Ausdrucksformen. Dieses kreative Universum umfasst eine breite Palette von Medien, von Gemälden, Skulpturen und Fotografien bis hin zu Zeichnungen, Gravuren, Textilkunst und digitalen Kunstwerken, wobei jedes Medium einen eigenen strahlenden Glanzstern darstellt. Künstler verwenden verschiedene Träger und Materialien, um ihre Visionen zum Leben zu erwecken, wie Leinwand, Holz, Metall und sogar innovative digitale Leinwände zur Schaffung von virtuellen Meisterwerken.

Ein zeitgenössisches Gemälde kann zum Beispiel seine Geschichte durch geschickte Pinselstriche mit Acryl- oder Ölfarben weben, während eine zeitgenössische Skulptur ihr Lied in der Sprache von Stein, Bronze oder gefundenen Objekten singen kann. Fotokunst fängt das Licht ein und manipuliert es, um markante Bilder zu produzieren, während Druckgrafik Techniken wie Lithographie und Siebdruck verwendet, um Mehrfachdrucke eines einzigen beeindruckenden Bildes zu produzieren. Textilkunst spielt mit Stoffen und Fasern, während digitale Kunst mit innovativer Technologie die Grenzen der Kreativität sprengt.

Die Anziehungskraft der zeitgenössischen Kunst liegt in ihrer Natur, die Grenzen verschiebt, ihrer ständigen Suche nach Experimenten und ihrer ständigen Reflexion über die Entwicklung der menschlichen Erfahrung. Diese grenzenlose Kreativität, verbunden mit ihrem starken sozialen und persönlichen Kommentar, macht jedes zeitgenössische Kunstwerk zu einem einzigartigen Symbol seiner Zeit, einem Spiegel, der die Realitäten und Träume unserer komplexen Welt reflektiert. Es flüstert uns zu, bewegt uns, provoziert Reflexionen und entfacht eine tiefe emotionale Antwort, die die Seele jedes Zuhörers weckt. Es ist tatsächlich die Sprache der Emotionen und Ideen, gesprochen in der Dialektik unserer Ära.

Ursprünge und Geschichte der zeitgenössischen Kunst

Die Geschichte der zeitgenössischen Kunst spielt sich in der Mitte des 20. Jahrhunderts ab und ist geprägt von seismischen Veränderungen in der künstlerischen Ausdrucksform. Nach dem Zweiten Weltkrieg begannen Künstler in den 1950er und 1960er Jahren, über die traditionellen Grenzen hinaus zu experimentieren und die Normen dessen, was Kunst sein konnte, in Frage zu stellen. Diese revolutionäre Ära brachte eine Vielzahl neuer künstlerischer Bewegungen und Formen hervor, wie zum Beispiel den abstrakten Expressionismus, die Pop-Art und den Minimalismus. Gemälde, die früher auf Realismus beschränkt waren, umarmten die Abstraktion, wobei Künstler Farbe und Form einsetzten, um Emotionen und Ideen auszudrücken. Bemerkenswerte Phasen wie das Aufkommen der Pop-Art Ende der 1950er und Anfang der 1960er Jahre sahen Kunstwerke, die die Populärkultur und die Massenmedien nachahmten und den Fokuswechsel der Gesellschaft widerspiegelten.

Die bildhauerischen Künste haben ebenfalls eine Metamorphose erfahren. Die Bildhauer begannen, mit neuen Materialien und Formen zu experimentieren und oft Kunstwerke zu schaffen, die mit dem Betrachter und dem umgebenden Raum interagieren und ein Gefühl der Verbindung fördern. Die zeitlose Praxis des Zeichnens hat sich ebenfalls weiterentwickelt, wobei Künstler innovative Techniken und Konzepte integrierten, um ihre Rolle in der zeitgenössischen Kunst neu zu definieren.

Die Fotografie, ein relativ neues Medium, hat sich zu einem mächtigen Werkzeug in der Landschaft der zeitgenössischen Kunst entwickelt. Im 19. Jahrhundert geboren, hat sie in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts wirklich Fahrt aufgenommen und die Grenzen zwischen den schönen Künsten und der Dokumentation verwischt. Die Gravur, eine Praxis, die auf die Antike zurückgeht, hat ein erneuertes Interesse und eine verstärkte Experimentierfreude mit Techniken wie Lithographie, Gravur und Siebdruck erfahren.

Das Universum der Textilkunst hat sich erheblich erweitert, da Künstler begannen, die Vielseitigkeit und taktile Qualität von Stoffen und Fasern zu schätzen. Künstler begannen Textilien zu verwenden, um die Grenzen zwischen bildender Kunst, Handwerk und Design in Frage zu stellen.

Das Aufkommen digitaler Technologie gegen Ende des 20. Jahrhunderts läutete eine neue Ära für die zeitgenössische Kunst ein. Digitale Kunst entstand, als Künstler begannen, neue Technologien zu nutzen, um immersive und interaktive Erfahrungen zu schaffen, wobei oft die Grenze zwischen der virtuellen und der physischen Welt verwischt wurde.

Durch diese Zeiten des Wandels ist das Wesen der zeitgenössischen Kunst dasselbe geblieben: ein dynamisches und sich ständig weiterentwickelndes Spiegelbild der Zeit, in der wir leben, das ständig Grenzen sprengt und das Neue umarmt, immer in Frage stellt und immer erkundet.

Entwicklungen dieser zeitgenössischen Werke auf dem Kunstmarkt

Während wir uns durch das 21. Jahrhundert navigieren, entwickelt sich und erweitert sich die dynamische Landschaft der zeitgenössischen Kunst weiter und spiegelt unsere sich ständig verändernde Welt wider. Zeitgenössische Gemälde, einst hauptsächlich auf zwei dimensionale Leinwände beschränkt, umfassen nun eine Vielzahl von Formen und Techniken, von Multimedia-Installationen bis hin zu digitalen Kreationen, wobei jeder Teil ein reiches Geflecht aus Gedanken, Emotionen und Geschichten darstellt. Auch die Skulptur hat weitgehend die traditionellen Materialien wie Stein und Bronze überschritten, wobei Künstler Licht, Ton und sogar Bewegung einbeziehen und damit die Vergänglichkeit und den Fluss der modernen Welt verkörpern.

Die Fotografie hat in den Händen von zeitgenössischen Künstlern ihre Horizonte erweitert und sich nahtlos mit digitaler Technologie vermischt, um atemberaubende Bilder zu schaffen, die unsere Wahrnehmung der Realität in Frage stellen. Die Zeichnung hat ihrerseits die Grenzen des Papiers überschritten und multimediale Elemente und explorative Techniken integriert, um ihre Rolle im künstlerischen Diskurs neu zu definieren. Die Gravur blüht weiterhin, wobei Zeitgenössische Künstler traditionelle Methoden innovativ nutzen, um starke soziale und persönliche Kommentare zu liefern.

Textilkunst, früher als Handwerk betrachtet, spielt heute eine wichtige Rolle in der Welt der zeitgenössischen Kunst, da Künstler sie nutzen, um Fragen der Identität, Tradition und des kulturellen Erbes zu erforschen. In der Zwischenzeit hat die digitale Kunst, das neueste Mitglied der Familie der zeitgenössischen Kunst, die Art und Weise, wie wir Kunst schaffen und interagieren, revolutioniert und immersive Erfahrungen geboten, die die Grenze zwischen virtuell und physisch verwischen.

Diese verschiedenen Formen der zeitgenössischen Kunst haben einen bedeutenden Wert auf dem heutigen Kunstmarkt, nicht nur aufgrund ihrer ästhetischen Anziehungskraft, sondern auch aufgrund ihrer Fähigkeit, komplexe Ideen und Emotionen zu verkapseln und zu kommunizieren. Sammler, Kuratoren und Kunstliebhaber aus der ganzen Welt suchen nach diesen Werken, angezogen von ihrem intrinsischen Dynamismus, ihrer innovativen Verwendung von Materialien und ihren eloquenten Ausdrucksformen unserer geteilten menschlichen Erfahrung. Als Zeugnis unserer Zeit verkapseln diese zeitgenössischen Kunstwerke den Impuls unserer Gesellschaft und die Resonanz individueller Stimmen und gravieren unsere kollektive Erzählung für immer in die Annalen der Kunstgeschichte ein.

Berühmte zeitgenössische Künstler

Während wir in die vibrierende Welt der zeitgenössischen Kunst eintauchen, begegnen wir einer Vielzahl von Künstlern, die dieses dynamische Feld gestalten. Jeder von ihnen ist ein Meister in seinem Medium - Malerei, Skulptur, Fotografie, Zeichnung, Druckgrafik, Textil oder digitale Kunst - sie erweitern die künstlerischen Grenzen und spiegeln unsere Zeit wider und hinterfragen unsere Wahrnehmungen. Lassen Sie uns diese bemerkenswerten Beiträger und ihre revolutionären Werke erkunden.

1. Gerhard Richter - Bekannt für seinen facettenreichen Ansatz in der Malerei, fordert Richter die Grenzen des Mediums heraus und wechselt geschickt zwischen abstrakten und hyperrealistischen Stilen. Seine Werke, ob sie nun mit einem Spachtel gestreckte Pigmente oder unscharfe fotografische Bilder zeigen, führen einen faszinierenden Dialog mit der Wahrnehmung.

2. Jeff Koons - Ein wichtiger Vertreter der zeitgenössischen Skulptur, Koons schafft monumentale Werke, die Themen wie Konsum, Geschmack und Popkultur erforschen. Seine ikonischen Ballontiere, die aus spiegelglänzendem Edelstahl gefertigt sind, begeistern durch ihre sowohl spielerische als auch tiefgründige Aussage.

3. Cindy Sherman - Eine renommierte Fotografin, die ihr Objektiv nutzt, um Identität und soziale Rollen zu erforschen, insbesondere die von Frauen. Bekannt für ihre konzeptionellen Selbstporträts, übernimmt sie eine Vielzahl von Charakteren und erweitert die Grenzen der Fotografie als künstlerischen Ausdrucksform.

4. David Hockney - Hockney, mit einer umfangreichen Produktion über sechs Jahrzehnte hinweg, ist eine Schlüsselfigur der zeitgenössischen Zeichenkunst. Sein kühner Einsatz von Farbe und seine spielerische Erkundung der Perspektive vermitteln ein berauschendes Gefühl von Freude und eine uneingeschränkte Feier des Lebens.

5. Kiki Smith - Eine innovative Graveurin, Smiths Arbeit erforscht den menschlichen Zustand, insbesondere den weiblichen Körper und seine sozialen und kulturellen Konnotationen. Ihre Kupferstiche und Lithografien rufen universelle Erfahrungen des Lebens, des Todes und der Transformation hervor.

6. El Anatsui - Als Meister der Textilkunst schafft Anatsui wunderschöne Installationen, die aus weggeworfenen Flaschenverschlüssen und Aluminiumstücken wie Wandteppiche aussehen. Diese flexiblen und glitzernden Skulpturen vereinen traditionelle afrikanische Ästhetik und zeitgenössische künstlerische Sensibilität und behandeln Themen wie Konsum, Abfall und die Vernetztheit unserer Welt.

7. Rafael Lozano-Hemmer - Eine herausragende Persönlichkeit der digitalen Kunst, Lozano-Hemmer nutzt Technologie, um interaktive Installationen zu schaffen, die Architektur und Performance-Kunst kombinieren. Seine oft partizipativen Arbeiten erforschen Themen wie Überwachung, Privatsphäre und die Beziehung zwischen Menschen und ihrer Umwelt.

Bemerkenswerte zeitgenössische Kunstwerke

Das Panorama der zeitgenössischen Kunst ist ein dynamisches Patchwork aus verschiedenen Ausdrucksformen und innovativen Ideen, wobei jedes Werk einen einzigartigen Dialog mit seinem Publikum darstellt. Hier ist eine Auswahl renommierter zeitgenössischer Kunstwerke, die verschiedene Medien wie Malerei, Skulptur, Fotografie, Zeichnung, Druckgrafik, Textilkunst und digitale Kunst umfassen und diese lebhafte Bewegung tiefgreifend beeinflusst haben.

Diese Werke, in ihrer Vielfalt, illustrieren das reichhaltige Muster der zeitgenössischen Kunst, wobei jedes Stück ein einzigartiger Kommentar über unsere Welt und ein Zeugnis des unbegrenzten Potenzials kreativen Ausdrucks ist.