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Konzeptkunst, oft auch als Konzeptualismus bekannt, ist Kunst, bei der die zugrunde liegende Idee oder das zugrunde liegende Konzept relevanter ist als das Endprodukt. Konzeptkünstler schufen zwischen Mitte der 1960er und Mitte der 1970er Jahre Werke und Schriften, die herkömmliche Kunstvorstellungen grundsätzlich ablehnten.

Um ihre Ideen zu vermitteln, wählten Konzeptkünstler die Medien und Formate, die für sie am besten funktionierten. Dies führte zu einer Vielzahl von Kunstwerken, die allem ähneln können, von Performances über Schrift bis hin zu Alltagsgegenständen. Die Künstler nutzten unsichtbare Systeme, Strukturen und Prozesse sowie sprachliche, mathematische und prozessorientierte Elemente des Geistes, um die Möglichkeiten von Kunst als Konzept und Kunst als Wissen zu untersuchen. Einige konzeptuelle Kunstwerke, auch als Installationen bekannt, können von jedem einfach nach einer Reihe von schriftlichen Anweisungen erstellt werden.

Die Frage nach der künstlerischen Befähigung ist ein wesentlicher Unterschied zwischen Konzeptkunst und „konventionelleren“ Formen des Kunstschaffens. Auch wenn in der Konzeptkunst häufig die Expertise im Umgang mit traditionellen Medien eine kleine Rolle spielt, lässt sich schwerlich behaupten, dass es konzeptuellen Arbeiten immer an Talent mangele oder dass zu ihrer Erstellung kein Können notwendig sei.

Die Ursprünge der Konzeptkunst

Es ist allgemein bekannt, dass Marcel Duchamp die Konzeptkunst begründet hat. Obwohl der Begriff „Konzeptkunst“ erst in den 1960er Jahren geprägt wurde, finden sich die Wurzeln der Bewegung im Jahr 1917, als Marcel Duchamp bekanntermaßen ein Urinal in einem Sanitärgeschäft kaufte und es als Skulptur in einer offenen Skulpturenausstellung in New York präsentierte. Die Jury disqualifizierte das Stück, weil sie es für unmoralisch hielt und es nicht als Kunst akzeptieren würde. Duchamp schuf den Weg für die Konzeptkunst, indem er die Grenzen der Kunst und die Kritik der Kunstwelt erforschte. Später erkannte der amerikanische Künstler Joseph Kosuth Duchamps Relevanz und theoretische Bedeutung für aufstrebende „Konzeptualisten“ in seinem Aufsatz Art after Philosophy von 1969 an, in dem er feststellte: „Alle Kunst (nach Duchamp) ist konzeptuell (in der Natur), weil Kunst nur konzeptuell existiert. "

Angehörige der Fluxus-Bewegung verwendeten bereits Anfang der 1960er Jahre den Begriff „Konzeptkunst“. Das Hauptziel der Bewegung war es, sich von der Exklusivität der Moderne zu lösen und eine offene Haltung gegenüber der Kunst zu fördern. Künstler der Fluxus-Bewegung waren daran interessiert, die Bezugspunkte der Ästhetik auf alles zu erweitern, von einem Objekt über einen Klang bis hin zu einer Aktion. Fluxus ist zweifellos einer der Einflüsse der Konzeptkunst, auch wenn sie nicht immer als Teil der Bewegung angesehen wird. Es war ein bedeutender Trend auf Augenhöhe mit dem Konzeptualismus, und seine Praktizierenden werden häufig als Konzeptkünstler bezeichnet.

Teilweise als Antwort auf den Formalismus, wie er damals vom berühmten New Yorker Kunstkritiker Clement Greenberg beschrieben wurde, entstand in den 1960er Jahren die Konzeptkunst als Bewegung. Moderne Kunst, so Greenberg, verfolgte das Ziel, durch einen Prozess der kontinuierlichen Reduktion und Verfeinerung die grundlegende, formale Natur jedes Mediums zu etablieren. Die Komponenten, die dieser Natur entgegenstehen, mussten minimiert werden. Zum Beispiel bestand die Aufgabe des Malens darin, richtig zu beschreiben, was für ein Objekt ein Gemälde ist, und nichts anderes: was es zu einem Gemälde macht und zu nichts anderem.

Andere, darunter viele der Künstler selbst, sahen in der Konzeptkunst einen grundlegenden Bruch mit Greenbergs Art des formalistischen Modernismus. Einige haben vorgeschlagen, dass die Konzeptkunst diese "Entmaterialisierung" der Kunst erweitert, indem sie die Notwendigkeit von Dingen vollständig beseitigt. Spätere Künstler hatten die gleiche Abneigung gegen Illusionen und eine Vorliebe für selbstkritische Kunst.

Ende der 1960er Jahre war offensichtlich, dass Greenbergs Regeln, Kunst innerhalb der Parameter jedes Mediums zu halten und fremde Themen auszuschließen, nicht mehr gültig waren. In dem Bestreben, die Galerie oder das Museum als Schauplatz und Schiedsrichter der Kunst sowie den Kunstmarkt als Eigentümer und Verkäufer von Kunst zu unterminieren, reagierte die Konzeptkunst auch gegen die Kommerzialisierung von Kunst.

Sprachbasierte Kunst

Das Hauptanliegen der ersten Generation von Konzeptkünstlern in den 1960er und frühen 1970er Jahren war die Sprache. Obwohl die Verwendung von Text in der Kunst nichts Neues war, begannen Künstler wie Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry und Art & Language erst in den 1960er Jahren, Kunst ausschließlich durch Sprache zu machen. Die Konzeptkünstler verwendeten Sprache anstelle von Pinsel und Leinwand und gaben ihr die Freiheit, für sich allein zu stehen, im Gegensatz zu der Vergangenheit, in der Sprache als eine Art von visuellem Element unter anderen dargestellt und einer Gesamtkomposition untergeordnet wurde (wie Synthetischer Kubismus). ).

Die Hinwendung zu linguistischen Bedeutungstheorien sowohl in der angloamerikanischen analytischen Philosophie als auch in der strukturalistischen und poststrukturalistischen Kontinentalphilosophie Mitte des 20. Jahrhunderts war laut dem britischen Philosophen und Konzeptkunsttheoretiker Peter Osborne einer der vielen Faktoren, die die Gravitation beeinflussten hin zu sprachbasierter Kunst. Dieser sprachliche Wandel „unterstützte und legitimierte“ die Wegwahl der Konzeptkünstler. Die frühen Konzeptualisten waren laut Osborne die erste Generation von Künstlern, die eine graduierte akademische Ausbildung in Kunst absolvierten. In einem späteren öffentlichen Vortrag erklärte Osborne, zeitgenössische Kunst sei postkonzeptionell. Es ist eine Behauptung in Bezug auf die Ontologie der künstlerischen Produktion (und nicht etwa auf der beschreibenden Ebene von Stil oder Bewegung).

Berühmte Konzeptkünstler

Josef Beuys

Der deutsche Künstler Joseph Beuys (1921-1986), der von den 1950er bis in die frühen 1980er Jahre in Europa und den USA tätig war, wurde durch seine Arbeit in der internationalen Konzeptkunst- und Fluxus-Bewegung jener Zeit bekannt. Das umfangreiche Werk von Beuys umfasst sowohl traditionelle Medien wie Zeichnung, Malerei und Skulptur als auch prozessorientierte oder zeitbasierte „Aktions“-Kunst, deren Aufführung nahelegt, wie Kunst heilend wirken kann, wenn sie sich mit psychischen, sozialen Themen auseinandersetzt , oder politische Themen (sowohl für den Künstler als auch für das Publikum).

Josef Kosuth

Joseph Kosuth (geb. 1945) ist ein amerikanischer Konzeptkünstler und Theoretiker. Joseph Kosuth war Mitte der 1960er Jahre einer der Begründer der Konzeptkunst, die sich zu einer bedeutenden Bewegung entwickelte, die bis in die 1970er Jahre florierte und bis heute nachwirkt. Er untersuchte die Beziehung zwischen Ideen und den Bildern und Wörtern, die zu ihrer Übermittlung verwendet wurden, und war ein Pionier bei der Verwendung von Wörtern anstelle von visuellen Bildern jeglicher Art. Seit den 1970er Jahren hat er verschiedene ortsspezifische Installationen geschaffen, die weiterhin untersuchen, wie Menschen Wörter erfahren, verstehen und darauf reagieren.

Sol LeWitt

Sol LeWitt (1928 - 2007) war ein amerikanischer Konzeptkünstler und Maler. Aufgrund seiner führenden Rolle in der Conceptual-Bewegung hat er sich einen Platz in den Annalen der Kunstgeschichte verdient. Sein Glaube an den Schaffensprozess des Künstlers spielte eine entscheidende Rolle beim Übergang von der Moderne zur Postmoderne. LeWitts Definition von Konzeptkunst als einem intellektuellen, pragmatischen Akt verleiht der Arbeit des Künstlers eine neue Facette, die sich deutlich von der Romantik des Abstrakten Expressionismus unterscheidet. LeWitts Kunstwerk umfasste Skulptur, Malerei und Zeichnung zusätzlich zu praktisch vollständig konzeptionellen Kreationen, die lediglich Konzepte oder Bestandteile des kreativen Prozesses waren.

Robert Smithson

Mehr junge Künstler wurden von Robert Smithson (1938–1973) beeinflusst als vielleicht irgendein anderes Mitglied der Gruppe, die sich in den 1960er Jahren entwickelte. Er war ein talentierter Künstler und Schriftsteller, dessen Interessen Science-Fiction, Mineralogie und Katholizismus umfassten. Frühe Arbeiten von ihm umfassten Collagen und Gemälde, aber als Reaktion auf den Minimalismus und Konzeptualismus der frühen 1960er Jahre wandte er sich bald der Skulptur zu. Er begann auch, seine Kunst außerhalb von Galerien und in die Landschaft zu tragen.

Damien Hirst

Damien Hirst (geb. 1965) ist ein englischer Künstler, die Kunstikone der 1990er Jahre und einer der größten Provokateure des späten 20. Jahrhunderts sowie eine umstrittene Figur in der zeitgenössischen Kunstgeschichte. Charles Saatchi, ein Werbemagnat, der das Potenzial in Hirsts verwesenden Tierkadavern erkannte und ihm fast unbegrenztes Geld gab, um weiterzumachen, half dem jungen und weitgehend unbekannten Künstler, weit und schnell aufzusteigen.

Das Thema Tod dominiert viele von Hirsts Stücken. Er wurde berühmt für eine Reihe von Arbeiten, die konservierte, gelegentlich sezierte, tote Tiere in Formaldehyd zeigten, darunter einen Hai, ein Schaf und eine Kuh. Der bekannteste von ihnen war ein 4,3 m langer, in Formaldehyd getauchter Tigerhai in einer Glasvitrine mit dem Titel „The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living“.

Für einen lebenden Künstler schrieb Hirst im September 2008 Geschichte, als er seine langjährigen Galerien umging und seine gesamte Ausstellung Beautiful Inside My Head Forever bei Sotheby's versteigerte. Die Auktion brach den Rekord für eine Einzelkünstlerauktion, indem sie 111 Millionen Pfund (198 Millionen US-Dollar) einbrachte.

Walter von Maria

Walter de Maria (1935 - 2013) war ein US-amerikanischer Bildhauer und Konzeptkünstler. Walter de Maria schuf interaktive Skulpturinstallationen und bot konzeptionelle Unterstützung für größere skulpturale Arbeiten, wobei er mehrere künstlerische Praxisgruppen überbrückte, die in den 1960er Jahren immer beliebter wurden. In späteren Arbeiten schuf er auch Verbindungen zwischen Betrachtern und der natürlichen Welt, indem er entweder visuelle Aspekte in die Umgebung selbst einbezog oder natürliche Elemente in Galerieeinstellungen integrierte. Seine ehrgeizigsten Werke waren nicht nur in Bezug auf die physische Größe, sondern auch in Bezug auf die Ausstellungsdauer sehr großformatig, wobei einige sowohl im Innen- als auch im Außenbereich Jahrzehnte überdauerten.

Jenny Holzer

Jenny Holzer (geb. 1950) ist eine amerikanische Neo-Konzeptkünstlerin. Ihre Arbeit konzentriert sich hauptsächlich auf die Kommunikation von Ideen und Worten in öffentlichen Umgebungen und umfasst großflächige Installationen, Werbetafeln, Projektionen auf Gebäude und andere Strukturen sowie beleuchtete elektronische Displays. Jenny Holzers textbasierte Kunstwerke sind an unerwarteten Orten zu finden: auf T-Shirts, Werbetafeln, Parkuhren und LED-Schildern (Holzers Markenzeichen).

Der Künstler und politische Aktivist Holzer will Menschen davon abhalten, Informationen aus ungünstigen Quellen passiv zu konsumieren. Der Ehrgeiz und das Ausmaß ihrer Kunst, die an öffentlichen Orten auf der ganzen Welt ausgestellt wurde, haben sich zusammen mit ihrem Ruf erweitert. Holzer reiht sich in ihrem ausgeprägten Machtzynismus in die Reihe der Antiautoritären in der Kunst vom Beginn der Moderne (die im Wesentlichen ein Kampf gegen die Tradition ist) bis ins 21. Jahrhundert ein.

Lawrence Weiner

Lawrence Weiner (1942 - 2001) war ein amerikanischer Konzeptkünstler und einer der Pioniere von Text-als-Kunst während der Ära des Konzeptualismus. Seine Verwendung von Wörtern ist bemerkenswert für ihre Poesie, ihren neugierigen Kontakt mit der realen Welt und ihre unverwechselbaren, oft lebendigen und oft humorvollen visuellen Formen. Der Künstler der Arbeiterklasse Weiner betrachtete seine Bilder als Einladung an die Betrachter, ihre Beziehungen zur Welt um sie herum, insbesondere zu anderen Menschen und Machtsystemen, neu zu bewerten.

Zitate von Konzeptkünstlern

Sol LeWitt

„In der Konzeptkunst ist die Idee oder das Konzept der wichtigste Aspekt der Arbeit. Wenn ein Künstler eine konzeptuelle Kunstform verwendet, bedeutet dies, dass alle Planungen und Entscheidungen im Voraus getroffen werden und die Ausführung eine oberflächliche Angelegenheit ist. Die Idee wird zu einer Maschine, die die Kunst macht.“

„Neue Materialien sind eine der großen Plagen der zeitgenössischen Kunst. Manche Künstler verwechseln neue Materialien mit neuen Ideen.“

„Künstler lehren Kritiker, was sie denken sollen. Kritiker wiederholen, was die Künstler ihnen beibringen.“

„In der Konzeptkunst ist die Idee oder das Konzept der wichtigste Aspekt der Arbeit“

Josef Kosuth

„Alles kann Kunst sein. Kunst ist die Beziehung zwischen Beziehungen, nicht die Beziehung zwischen Objekten.“

„Alle Kunst (nach Duchamp) ist konzeptionell (in der Natur), weil Kunst nur konzeptionell existiert.“

Damien Hirst

„Du brauchst ein großes Ego, um ein Künstler zu sein.“

„Museen sind für tote Künstler da. Ich würde meine Arbeiten nie in der Tate ausstellen. An diesem Ort würdest du mich nie erwischen.“

Walter von Maria

„Ich denke, um ein echter Minimalist zu sein, sollte man selbst fast unsichtbar sein.“

"Jedes gute Werk sollte mindestens zehn Bedeutungen haben."

Jenny Holzer

„Mangelndes Charisma kann fatal sein.“

„Glücklich zu sein ist wichtiger als alles andere.“

„Alle Dinge sind fein miteinander verbunden.“

„Du bist ein Opfer der Regeln, nach denen du lebst.“

Lawrence Weiner

„Die einzige Kunst, die mich interessiert, ist die Kunst, die ich nicht sofort verstehe. Wenn Sie es sofort verstehen, hat es wirklich keinen Nutzen, außer als Nostalgie.“

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Unsere Online-Kunstgalerie bietet die grösste Sammlung von Original Kunstwerken online, einschliesslich einer exklusiven Auswahl an illustration-Kunstwerken von aufstrebenden und berühmten Künstlern aus der ganzen Welt. Artmajeur bietet in der Tat Millionen von Kunstwerken wie Gemälde, Skulpturen und Fotos der grössten zeitgenössischen Künstler von heute!

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Suchen Sie illustration-Kunstwerke zum Verkauf? Sie können Gemälde über illustration sowie Skulpturen, Fotografien oder Zeichnungen sicher kaufen. Alle Ihre Einkäufe unterliegen unserem 14-tägigen Rückgaberecht, keine Fragen! Kunstwerke, die auf der Galerie präsentiert werden, werden zu einem garantierten Preis mit kostenlosem Versand verkauft.

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Mit der geografischen Suchmaschine von Artmajeur können Sie auch Kunstwerke in Ihrer Nähe finden. Auf diese Weise können Sie bequem Original Kunst in Ihrer Stadt, Region oder einem beliebigen Ort finden. Einige Verkäufer können Pakete auch selbst ausliefern, wenn sich ihr Studio in der Nähe Ihres Standorts befindet.

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Um Gemälde für Ihre Sammlung auszuwählen, die Ihrem Geschmack und Stil entsprechen, können Sie die seitlichen Menüoptionen verwenden. Durch einfaches Auswählen von Optionen wie Farbe, Thema, Preis oder Thema wird Ihre Auswahl automatisch aktualisiert. Sie können auch beliebige Kunstwerke als Favoriten speichern. So können Sie Ihre persönlichen Favoriten für die zukünftige Verwendung aufbewahren. Wenn Sie Ihre Kunstwerke mit anderen teilen möchten, können Sie Ihre Sammlungen auch öffentlich machen. Dies ist eine kreative Möglichkeit, Ihre bevorzugte Kunst mit anderen Kunstliebhabern, Freunden oder sogar Kunden zu teilen.

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Es kann eine grosse Anzahl von Kunstwerken mit Bezug zu illustration geben. Ob Sie zum ersten Mal online kaufen oder bereits ein häufiger Käufer sind, es kann sowohl einschüchternd als auch zeitaufwändig sein, das richtige Kunstwerk online zu finden:

• Wie trifft man die richtige Wahl und kauft das richtige Kunstwerk?
• Wie zahlt man den besten Preis für ein Original Kunstwerk?
• Wie navigieren Sie durch die grosse Anzahl verfügbarer Sammlungen?

Unser Team von Kunstberatern ist für Sie da! Artmajeur möchte den Online-Kunstkauf einfach und sicher machen. Alle unsere Kunstwerke werden mit einer 100% Geld-zurück-Garantie geliefert, damit Sie sich bei Ihrem Online-Ankauf bei uns absolut sicher fühlen.

Wir haben eine Plattform geschaffen, auf der Künstler ihre Kunstwerke direkt auf unsere Website hochladen können, um Ihnen bei der Suche nach dem perfekten Stück zu helfen. Stöbern Sie durch Tausende von Drucken, Skulpturen und Gemälden der besten Künstler von heute. Die Preise reichen von sehr erschwinglichen Kunstwerken bis hin zu sehr wertvollen Stücken, in die Sie investieren können, je nach Art und Grösse des gesuchten Kunstwerks und Ihrem Platzbedarf. Es ist erstaunlich, die Vielfalt an Original Kunstwerken zu sehen, die online verfügbar sind. Artmajeur hat alles, egal ob Sie ein schönes und teures Ölgemälde oder ein Möbelstück für Ihr Zuhause suchen.

Konzeptkunst, oft auch als Konzeptualismus bekannt, ist Kunst, bei der die zugrunde liegende Idee oder das zugrunde liegende Konzept relevanter ist als das Endprodukt. Konzeptkünstler schufen zwischen Mitte der 1960er und Mitte der 1970er Jahre Werke und Schriften, die herkömmliche Kunstvorstellungen grundsätzlich ablehnten.

Um ihre Ideen zu vermitteln, wählten Konzeptkünstler die Medien und Formate, die für sie am besten funktionierten. Dies führte zu einer Vielzahl von Kunstwerken, die allem ähneln können, von Performances über Schrift bis hin zu Alltagsgegenständen. Die Künstler nutzten unsichtbare Systeme, Strukturen und Prozesse sowie sprachliche, mathematische und prozessorientierte Elemente des Geistes, um die Möglichkeiten von Kunst als Konzept und Kunst als Wissen zu untersuchen. Einige konzeptuelle Kunstwerke, auch als Installationen bekannt, können von jedem einfach nach einer Reihe von schriftlichen Anweisungen erstellt werden.

Die Frage nach der künstlerischen Befähigung ist ein wesentlicher Unterschied zwischen Konzeptkunst und „konventionelleren“ Formen des Kunstschaffens. Auch wenn in der Konzeptkunst häufig die Expertise im Umgang mit traditionellen Medien eine kleine Rolle spielt, lässt sich schwerlich behaupten, dass es konzeptuellen Arbeiten immer an Talent mangele oder dass zu ihrer Erstellung kein Können notwendig sei.

Die Ursprünge der Konzeptkunst

Es ist allgemein bekannt, dass Marcel Duchamp die Konzeptkunst begründet hat. Obwohl der Begriff „Konzeptkunst“ erst in den 1960er Jahren geprägt wurde, finden sich die Wurzeln der Bewegung im Jahr 1917, als Marcel Duchamp bekanntermaßen ein Urinal in einem Sanitärgeschäft kaufte und es als Skulptur in einer offenen Skulpturenausstellung in New York präsentierte. Die Jury disqualifizierte das Stück, weil sie es für unmoralisch hielt und es nicht als Kunst akzeptieren würde. Duchamp schuf den Weg für die Konzeptkunst, indem er die Grenzen der Kunst und die Kritik der Kunstwelt erforschte. Später erkannte der amerikanische Künstler Joseph Kosuth Duchamps Relevanz und theoretische Bedeutung für aufstrebende „Konzeptualisten“ in seinem Aufsatz Art after Philosophy von 1969 an, in dem er feststellte: „Alle Kunst (nach Duchamp) ist konzeptuell (in der Natur), weil Kunst nur konzeptuell existiert. "

Angehörige der Fluxus-Bewegung verwendeten bereits Anfang der 1960er Jahre den Begriff „Konzeptkunst“. Das Hauptziel der Bewegung war es, sich von der Exklusivität der Moderne zu lösen und eine offene Haltung gegenüber der Kunst zu fördern. Künstler der Fluxus-Bewegung waren daran interessiert, die Bezugspunkte der Ästhetik auf alles zu erweitern, von einem Objekt über einen Klang bis hin zu einer Aktion. Fluxus ist zweifellos einer der Einflüsse der Konzeptkunst, auch wenn sie nicht immer als Teil der Bewegung angesehen wird. Es war ein bedeutender Trend auf Augenhöhe mit dem Konzeptualismus, und seine Praktizierenden werden häufig als Konzeptkünstler bezeichnet.

Teilweise als Antwort auf den Formalismus, wie er damals vom berühmten New Yorker Kunstkritiker Clement Greenberg beschrieben wurde, entstand in den 1960er Jahren die Konzeptkunst als Bewegung. Moderne Kunst, so Greenberg, verfolgte das Ziel, durch einen Prozess der kontinuierlichen Reduktion und Verfeinerung die grundlegende, formale Natur jedes Mediums zu etablieren. Die Komponenten, die dieser Natur entgegenstehen, mussten minimiert werden. Zum Beispiel bestand die Aufgabe des Malens darin, richtig zu beschreiben, was für ein Objekt ein Gemälde ist, und nichts anderes: was es zu einem Gemälde macht und zu nichts anderem.

Andere, darunter viele der Künstler selbst, sahen in der Konzeptkunst einen grundlegenden Bruch mit Greenbergs Art des formalistischen Modernismus. Einige haben vorgeschlagen, dass die Konzeptkunst diese "Entmaterialisierung" der Kunst erweitert, indem sie die Notwendigkeit von Dingen vollständig beseitigt. Spätere Künstler hatten die gleiche Abneigung gegen Illusionen und eine Vorliebe für selbstkritische Kunst.

Ende der 1960er Jahre war offensichtlich, dass Greenbergs Regeln, Kunst innerhalb der Parameter jedes Mediums zu halten und fremde Themen auszuschließen, nicht mehr gültig waren. In dem Bestreben, die Galerie oder das Museum als Schauplatz und Schiedsrichter der Kunst sowie den Kunstmarkt als Eigentümer und Verkäufer von Kunst zu unterminieren, reagierte die Konzeptkunst auch gegen die Kommerzialisierung von Kunst.

Sprachbasierte Kunst

Das Hauptanliegen der ersten Generation von Konzeptkünstlern in den 1960er und frühen 1970er Jahren war die Sprache. Obwohl die Verwendung von Text in der Kunst nichts Neues war, begannen Künstler wie Lawrence Weiner, Edward Ruscha, Joseph Kosuth, Robert Barry und Art & Language erst in den 1960er Jahren, Kunst ausschließlich durch Sprache zu machen. Die Konzeptkünstler verwendeten Sprache anstelle von Pinsel und Leinwand und gaben ihr die Freiheit, für sich allein zu stehen, im Gegensatz zu der Vergangenheit, in der Sprache als eine Art von visuellem Element unter anderen dargestellt und einer Gesamtkomposition untergeordnet wurde (wie Synthetischer Kubismus). ).

Die Hinwendung zu linguistischen Bedeutungstheorien sowohl in der angloamerikanischen analytischen Philosophie als auch in der strukturalistischen und poststrukturalistischen Kontinentalphilosophie Mitte des 20. Jahrhunderts war laut dem britischen Philosophen und Konzeptkunsttheoretiker Peter Osborne einer der vielen Faktoren, die die Gravitation beeinflussten hin zu sprachbasierter Kunst. Dieser sprachliche Wandel „unterstützte und legitimierte“ die Wegwahl der Konzeptkünstler. Die frühen Konzeptualisten waren laut Osborne die erste Generation von Künstlern, die eine graduierte akademische Ausbildung in Kunst absolvierten. In einem späteren öffentlichen Vortrag erklärte Osborne, zeitgenössische Kunst sei postkonzeptionell. Es ist eine Behauptung in Bezug auf die Ontologie der künstlerischen Produktion (und nicht etwa auf der beschreibenden Ebene von Stil oder Bewegung).

Berühmte Konzeptkünstler

Josef Beuys

Der deutsche Künstler Joseph Beuys (1921-1986), der von den 1950er bis in die frühen 1980er Jahre in Europa und den USA tätig war, wurde durch seine Arbeit in der internationalen Konzeptkunst- und Fluxus-Bewegung jener Zeit bekannt. Das umfangreiche Werk von Beuys umfasst sowohl traditionelle Medien wie Zeichnung, Malerei und Skulptur als auch prozessorientierte oder zeitbasierte „Aktions“-Kunst, deren Aufführung nahelegt, wie Kunst heilend wirken kann, wenn sie sich mit psychischen, sozialen Themen auseinandersetzt , oder politische Themen (sowohl für den Künstler als auch für das Publikum).

Josef Kosuth

Joseph Kosuth (geb. 1945) ist ein amerikanischer Konzeptkünstler und Theoretiker. Joseph Kosuth war Mitte der 1960er Jahre einer der Begründer der Konzeptkunst, die sich zu einer bedeutenden Bewegung entwickelte, die bis in die 1970er Jahre florierte und bis heute nachwirkt. Er untersuchte die Beziehung zwischen Ideen und den Bildern und Wörtern, die zu ihrer Übermittlung verwendet wurden, und war ein Pionier bei der Verwendung von Wörtern anstelle von visuellen Bildern jeglicher Art. Seit den 1970er Jahren hat er verschiedene ortsspezifische Installationen geschaffen, die weiterhin untersuchen, wie Menschen Wörter erfahren, verstehen und darauf reagieren.

Sol LeWitt

Sol LeWitt (1928 - 2007) war ein amerikanischer Konzeptkünstler und Maler. Aufgrund seiner führenden Rolle in der Conceptual-Bewegung hat er sich einen Platz in den Annalen der Kunstgeschichte verdient. Sein Glaube an den Schaffensprozess des Künstlers spielte eine entscheidende Rolle beim Übergang von der Moderne zur Postmoderne. LeWitts Definition von Konzeptkunst als einem intellektuellen, pragmatischen Akt verleiht der Arbeit des Künstlers eine neue Facette, die sich deutlich von der Romantik des Abstrakten Expressionismus unterscheidet. LeWitts Kunstwerk umfasste Skulptur, Malerei und Zeichnung zusätzlich zu praktisch vollständig konzeptionellen Kreationen, die lediglich Konzepte oder Bestandteile des kreativen Prozesses waren.

Robert Smithson

Mehr junge Künstler wurden von Robert Smithson (1938–1973) beeinflusst als vielleicht irgendein anderes Mitglied der Gruppe, die sich in den 1960er Jahren entwickelte. Er war ein talentierter Künstler und Schriftsteller, dessen Interessen Science-Fiction, Mineralogie und Katholizismus umfassten. Frühe Arbeiten von ihm umfassten Collagen und Gemälde, aber als Reaktion auf den Minimalismus und Konzeptualismus der frühen 1960er Jahre wandte er sich bald der Skulptur zu. Er begann auch, seine Kunst außerhalb von Galerien und in die Landschaft zu tragen.

Damien Hirst

Damien Hirst (geb. 1965) ist ein englischer Künstler, die Kunstikone der 1990er Jahre und einer der größten Provokateure des späten 20. Jahrhunderts sowie eine umstrittene Figur in der zeitgenössischen Kunstgeschichte. Charles Saatchi, ein Werbemagnat, der das Potenzial in Hirsts verwesenden Tierkadavern erkannte und ihm fast unbegrenztes Geld gab, um weiterzumachen, half dem jungen und weitgehend unbekannten Künstler, weit und schnell aufzusteigen.

Das Thema Tod dominiert viele von Hirsts Stücken. Er wurde berühmt für eine Reihe von Arbeiten, die konservierte, gelegentlich sezierte, tote Tiere in Formaldehyd zeigten, darunter einen Hai, ein Schaf und eine Kuh. Der bekannteste von ihnen war ein 4,3 m langer, in Formaldehyd getauchter Tigerhai in einer Glasvitrine mit dem Titel „The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living“.

Für einen lebenden Künstler schrieb Hirst im September 2008 Geschichte, als er seine langjährigen Galerien umging und seine gesamte Ausstellung Beautiful Inside My Head Forever bei Sotheby's versteigerte. Die Auktion brach den Rekord für eine Einzelkünstlerauktion, indem sie 111 Millionen Pfund (198 Millionen US-Dollar) einbrachte.

Walter von Maria

Walter de Maria (1935 - 2013) war ein US-amerikanischer Bildhauer und Konzeptkünstler. Walter de Maria schuf interaktive Skulpturinstallationen und bot konzeptionelle Unterstützung für größere skulpturale Arbeiten, wobei er mehrere künstlerische Praxisgruppen überbrückte, die in den 1960er Jahren immer beliebter wurden. In späteren Arbeiten schuf er auch Verbindungen zwischen Betrachtern und der natürlichen Welt, indem er entweder visuelle Aspekte in die Umgebung selbst einbezog oder natürliche Elemente in Galerieeinstellungen integrierte. Seine ehrgeizigsten Werke waren nicht nur in Bezug auf die physische Größe, sondern auch in Bezug auf die Ausstellungsdauer sehr großformatig, wobei einige sowohl im Innen- als auch im Außenbereich Jahrzehnte überdauerten.

Jenny Holzer

Jenny Holzer (geb. 1950) ist eine amerikanische Neo-Konzeptkünstlerin. Ihre Arbeit konzentriert sich hauptsächlich auf die Kommunikation von Ideen und Worten in öffentlichen Umgebungen und umfasst großflächige Installationen, Werbetafeln, Projektionen auf Gebäude und andere Strukturen sowie beleuchtete elektronische Displays. Jenny Holzers textbasierte Kunstwerke sind an unerwarteten Orten zu finden: auf T-Shirts, Werbetafeln, Parkuhren und LED-Schildern (Holzers Markenzeichen).

Der Künstler und politische Aktivist Holzer will Menschen davon abhalten, Informationen aus ungünstigen Quellen passiv zu konsumieren. Der Ehrgeiz und das Ausmaß ihrer Kunst, die an öffentlichen Orten auf der ganzen Welt ausgestellt wurde, haben sich zusammen mit ihrem Ruf erweitert. Holzer reiht sich in ihrem ausgeprägten Machtzynismus in die Reihe der Antiautoritären in der Kunst vom Beginn der Moderne (die im Wesentlichen ein Kampf gegen die Tradition ist) bis ins 21. Jahrhundert ein.

Lawrence Weiner

Lawrence Weiner (1942 - 2001) war ein amerikanischer Konzeptkünstler und einer der Pioniere von Text-als-Kunst während der Ära des Konzeptualismus. Seine Verwendung von Wörtern ist bemerkenswert für ihre Poesie, ihren neugierigen Kontakt mit der realen Welt und ihre unverwechselbaren, oft lebendigen und oft humorvollen visuellen Formen. Der Künstler der Arbeiterklasse Weiner betrachtete seine Bilder als Einladung an die Betrachter, ihre Beziehungen zur Welt um sie herum, insbesondere zu anderen Menschen und Machtsystemen, neu zu bewerten.

Zitate von Konzeptkünstlern

Sol LeWitt

„In der Konzeptkunst ist die Idee oder das Konzept der wichtigste Aspekt der Arbeit. Wenn ein Künstler eine konzeptuelle Kunstform verwendet, bedeutet dies, dass alle Planungen und Entscheidungen im Voraus getroffen werden und die Ausführung eine oberflächliche Angelegenheit ist. Die Idee wird zu einer Maschine, die die Kunst macht.“

„Neue Materialien sind eine der großen Plagen der zeitgenössischen Kunst. Manche Künstler verwechseln neue Materialien mit neuen Ideen.“

„Künstler lehren Kritiker, was sie denken sollen. Kritiker wiederholen, was die Künstler ihnen beibringen.“

„In der Konzeptkunst ist die Idee oder das Konzept der wichtigste Aspekt der Arbeit“

Josef Kosuth

„Alles kann Kunst sein. Kunst ist die Beziehung zwischen Beziehungen, nicht die Beziehung zwischen Objekten.“

„Alle Kunst (nach Duchamp) ist konzeptionell (in der Natur), weil Kunst nur konzeptionell existiert.“

Damien Hirst

„Du brauchst ein großes Ego, um ein Künstler zu sein.“

„Museen sind für tote Künstler da. Ich würde meine Arbeiten nie in der Tate ausstellen. An diesem Ort würdest du mich nie erwischen.“

Walter von Maria

„Ich denke, um ein echter Minimalist zu sein, sollte man selbst fast unsichtbar sein.“

"Jedes gute Werk sollte mindestens zehn Bedeutungen haben."

Jenny Holzer

„Mangelndes Charisma kann fatal sein.“

„Glücklich zu sein ist wichtiger als alles andere.“

„Alle Dinge sind fein miteinander verbunden.“

„Du bist ein Opfer der Regeln, nach denen du lebst.“

Lawrence Weiner

„Die einzige Kunst, die mich interessiert, ist die Kunst, die ich nicht sofort verstehe. Wenn Sie es sofort verstehen, hat es wirklich keinen Nutzen, außer als Nostalgie.“

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