My artistic practice consciously moves in an area of undecidability, inhabiting that liminal space where photography, drawing, painting and writing converge in an uninterrupted dialogue. I do not consider this hybrid approach as a simple sum of techniques, but as the affirmation of a poetics that recognizes its generative core in the tension between different languages. Although my works present manual interventions, geometric signs and material stratifications, I consider them fundamentally post-photographs as they maintain a profound connection with the indexical nature of the photographic medium. This media ambiguity is not indecision, but an active semantic strategy.
I am particularly interested in what Jacques Rancière defines as a thoughtful image, an entity that does not simply illustrate a pre-existing thought, but constitutes a magnetic field charged with unresolved tensions, resistant to univocal meanings. The work thus becomes a space of perpetual oscillation between apparently opposite polarities: technological automatism and manual gesture, documentation and creation, material presence and conceptual abstraction.
My creative process reflects this threshold condition: photographic elements are deconstructed and recontextualized, but never completely denied; pictorial interventions assert their materiality without erasing the underlying photographic trace; geometric signs impose a visual order that dialogues with the organic complexity of the captured image; words insinuate themselves between the visual layers, not to explain them but to amplify their ambiguity.
This hybrid practice mirrors our contemporary reality, culturally and technologically fragmented, where images, texts and data constantly mix. I am not interested in resolving this ambiguity, but in consciously inhabiting it in a contemporary landscape, where distinctions between artistic disciplines become increasingly porous.
Art Gallery by GIOVANNI PRIMO GRECO
Nella galleria potete visionare le ultime opere della sua produzione. Ogni opera nasce da un'emozione, da una ricerca interiore che prende forma attraverso colori e materia.
Das Paisagens, aos Seres Vivos e às Coisas
É possível encontrar poesia nas cores das paisagens urbanas, da natureza, dos seres vivos, das coisas. Na diversidade por vezes pode-se encontrar a 'personalidade' dos seres vivos e das coisas.
Cor é sinónimo de alegria, de apelação, de movimento, de vida. E é uma pequena mistura dessa diversidade, que apresento na exposição virtual que aqui vos apresento.
Mas há muito mais... Convido-vos a visitar a minha página aqui na www.artmajeur.com/ines-dourado
Obrigada pela vossa visita
Inês Dourado
Guido Mannini è un pittore con una formazione e un percorso artistico molto interessanti e in continua evoluzione, nato a Borgomanero (NO) ma attivo a Moncalieri (Torino).
Percorso Artistico e Stile:
Dalle origini al figurativo: Inizialmente, Mannini si è dedicato alla copia di grandi maestri contemporanei come Dalì, Picasso, Kandinsky, Modigliani, acquisendo una solida padronanza tecnica e pittorica. Questa fase di studio e perfezionamento tecnico gli ha permesso di approdare al figurativo con opere di rilievo. I "Deserti" e l'esperienza in Algeria: Una parte significativa della sua produzione artistica è legata ai "deserti" e all'esperienza della sua infanzia trascorsa in Algeria. Le sue opere di questo periodo sono caratterizzate da figure misteriose d'Africa e suggestive distese desertiche, permeate di una poesia ambientale e di una capacità di evocare atmosfere soffuse. La svolta verso l'astratto: Negli ultimi anni, i suoi morbidi e pacati colori hanno lasciato il passo a forme astratte, dinamiche e originali. Questa è descritta come una "dirompente deflagrazione", un momento di evoluzione che lo porta a un "punto di svolta esplosivo, carico di freschezza e dinamismo". Il suo stile attuale è talvolta definito "astrattista spazialista, che contiene comunque matrice recondita figurativa con squillanti colori pop e street art". Le sue opere in questa fase "debordano per massa, cromie e soprattutto energia".
Immersion dans l'univers visuel de l'artiste photographe Anou, à travers une exposition de ses dernières œuvres, élaborées durant le premier semestre 2025.
Cette collection de peintures abstraites est une exploration sensible du bleu, dans toutes ses nuances émotionnelles et vibratoires. Inspirée par les paysages marins, le ciel changeant, mais aussi les états intérieurs de calme et de contemplation, chaque toile invite à un voyage — à la fois intime et universel.
À la croisée de l’abstraction lyrique et de la peinture émotionnelle, mon travail puise dans la fluidité de l’eau, la lumière fugace, les souvenirs silencieux. Influencée par des artistes comme Zao Wou-Ki, je cherche moins à représenter qu’à ressentir, en laissant la couleur, les textures et l’espace exprimer ce qui ne peut être dit.
Le bleu devient ici langage. Il évoque le souffle, l’espace, la mémoire, la paix intérieure. Certaines œuvres capturent un instant suspendu, d’autres une pulsation plus vive, mais toutes traduisent une recherche de beauté, de grâce et d’évasion.
Chaque toile est une invitation à ralentir, à ressentir, à se reconnecter — avec soi-même, avec la nature, avec le silence.
J’ai présenté dans cette galerie des oeuvres plus anciennes de 2019 , 2020 peintes en extérieur sur le grand thème de la nature sauvage et humaine que j’aime beaucoup ( arbres , naissance , liens …) , et une dernière série très récente de 2025 sur un travail qui s’inspire des tapisseries anciennes , des rideaux en filet , une recherche subtile de lumière et légèreté et chatoyante aussi pour habiller nos murs