Sylvie Cesari

Pour faire le lien avec mon précédent article, Kandinsky pense que le point est l'élément originel de l'aventure humaine picturale.

Le point peut devenir ligne, courbe, carré, triangle, cercle, surface ....tout part de lui.

A l'aquarelle ce point de départ peut-être vraiment invisible, car parfois on dépose une goutte d'eau, comme premier coup de pinceau,  point originel du tableau à venir.

Avant de déposer cette première goutte d'eau ou de pigment, j'aime bien essayer un sujet avec le fusain, dont j'apprécie le jeu poudré qu'il est possible d'initier. Je trouve que le fusain possède une poésie proche de l'aquarelle. J'aime l'utiliser car pour moi c'est comme réfléchir à voix haute sur le sujet. Cela me permet de voir mes premières erreurs de compréhension ou bien de trouver des idées, voire de me libérer d'une photo pour trouver ce qui me semble important.

J'ai pu remarquer que de nombreux artistes peintres commencent par du figuratif, exploitent leur talent de dessinateur pour nombre d'entre eux. Et puis à moment leur parcours semble lâcher du lest. Ils recherchent la simplicité, le dépouillement, surtout  ils semblent aller droit au message, ou droit à l'émotion. Le dessin, les détails, semblent derrière ou en tout cas autrement....Il n'y a qu'à voir le parcours de Turner aux aquarelles de plus en plus atmosphériques....

Souvent les regards extérieurs voient quelque chose d'enfantin dans ce qui ressemble à une épure, une mise à plat

Est-ce enfantin ou bien est-ce que  le peintre retrouve un regard qui pressent les choses, comme l'enfant ressent  parfois ce qui le dépasse, sans comprendre. 

Est-ce la capacité à se défaire de ce que les années d'expériences ont  construit dans le fait de regarder ? Essayer de laisser ce qui a été appris, expérimenté, pour être capable de recréer un regard autre, nouveau? 

Kandinsky dans son livre point et ligne sur plan explique vouloir dépasser le sujet-objet pour aborder les formes. Influencé par la religion, il pense que l'art pour approcher l'invisible doit se détacher du figuratif et que l'abstrait est le moyen de donner à l'art sa dimension créatrice car la forme offre plus de liberté et de champs des possibles surtout associée au langage des couleurs contrairement à l'objet pris dans ses seuls contours. 

D'une certaine façon le seul contour, l'extériorité, ne permet pas le mouvement intérieur, l'emergence des "richesses intérieures"

Quel peut être l'intérêt de ce mouvement ? 

Un mouvement qui fait voir le monde autrement et  qui permet de donner à voir à l'autre cette perception ; regard personnel posé sur ce qui entoure et qui peut alors  donner à celui qui regarde une part d'universel où lui-même va se retrouver ?

Il me semble que  Kandinsky semble vouloir dépasser les dualités. 

Par exemple deux couleurs complémentaires peuvent se rencontrer  bien qu'opposées sur la roue des couleurs mais souvent l'une étouffe l'autre, la lumière se perd.  Leur dualité  arrive à faire émerger une couleur, mais il peut lui manquer quelque chose de vibrant. 

C'est peut-être un peu cela la recherche de Kandinsky, faire que son œuvre soit un lieu où l'espace et le temps existent , vibrent. Pour cela il recherche les résonances et dissonances de couleurs ou de formes pas seulement pour leur complémentarité mais pour les tensions qu'elles génèrent et qui mises en musique par la main de l'homme deviennent création. 

référence: Wassily Kandinsky Point et ligne sur plan folio essai

La vigne est parfois présentée comme le symbole de la connaissance des mystères, mystères de la vie et de la mort, mais aussi de la vie après la mort. J'ai donc choisi des couleurs de terre pour être en lien avec ce champ de connaissance et j'ai choisi des grains  assez blancs pour certains, pour illustrer naissance et renaissance, thématique collatérale à ces mystères.
The vine is sometimes presented as the symbol of knowledge of mysteries, mysteries of life and death, but also of life after death. I therefore chose earth colors to be linked to this field of knowledge and I chose grains that were quite white for some to illustrate birth and rebirth thematic collateral to these mysteries.

Cette oeuvre est à la vente dans la catégorie Nature et Paysage

https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/19151320/la-vigne-des-mysteres

J'ai essayé de vous rendre plus attractive la consultation de mes aquarelles en facilitant votre recherche.

J'ai ainsi créé plusieurs galeries thématiques s'agissant de mon portfolio:

- En attendant la danse

- Dedans dehors

- Paysage et nature

- Vie quotidienne

Cela me permet de resituer l'aquarelle dans son contexte d'intention.

Très bonne visite à vous

J'ai réalisé une nouvelle aquarelle sur le thème de la danse

Et vous pouvez la consulter ici:

                https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/19134256/en-attendant-la-danse-2            

Les pinceaux ont un coût non négligeable pour un aquarelliste, surtout s'il travaille avec des poils naturels ou dont la qualité est supérieure. Par ailleurs l'intensité de la pratique, le fait d'utiliser des godets...sont des facteurs d'usure.

Il est indispensable de prendre soin de ses pinceaux....car, sans même penser à ce qui précède, on a vite ses habitudes et ses préférés et que, en changer, c'est comme quitter ses chaussons....on a peur de perdre en confort. 

Le séchage est important car le bois du manche, la virole peuvent être impactés par une stagnation de l'eau. Le fait de mal positionner son pinceau au moment du séchage peut également abîmer la texture et la tenue des poils. 

J'ai essayé plusieurs solutions, au final ce qui me convient le mieux c'est d'incliner mon plan de travail d'étendre une serviette et de déposer mes pinceaux. 

Si vous voulez voir ma dernière aquarelle, c'est ici

Et voilà une photo de mon coin de table lorsque l'aquarelle était en cours

Je souhaitais retranscrire l'atmosphère du matin lorsque la solitude dans un lieu donne à penser que le champ des possibles reste ouvert. J'avais envie d'une grande simplicité parce que le matin est souvent dans cette simplicité tendre d'un jour qui s'est levé.

L'aquarelle est une technique qui oblige à de nombreuses astuces pour donner l'illusion de la profondeur, de la texture, du relief.....c'est le lot de tout dessinateur ou peintre avec les supports huile ou  acrylique....rien de vraiment  exceptionnel donc....Toutefois l'aquarelle de par sa consistance nécessite peut-être encore plus que les autres médiums cette capacité à utiliser différentes techniques pour jouer avec l'espace et le sujet. 

Peindre en négatif est par exemple très utilisé. D'une part parce que la composition se réfléchit en masses et formes au delà du sujet principal, d'autre part parce que, à l'aquarelle particulièrement, cette technique est source de créativité.  Il s'agit de peindre ce qui entoure plus que le sujet en lui même,  et cela produit de très beaux effets en mouillé sur mouillé.

Pour fêter l'été et la chaleur, une petite aquarelle rafraîchissante pour vous montrer la différence entre peindre en positif et en négatif, amusant non ? 

une nouvelle oeuvre à la vente et tous les détails sont ici: https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari/fr/oeuvres-d-art/19075498/un-ete-blanc-de-chaleur

Je vous propose une nouvelle aquarelle j'espère qu'elle vous plaira elle est à la vente dans ma galerie

Tout ce petit monde est bien sage. Le carnet de croquis a chauffé afin d'exploiter quelques idées et de les tourner avant de se lancer. Je lis aussi la ligne et le point de Kandinsky, un livre offert par une de mes amies proche et que je reprends car aujourd'hui je suis en capacité de mieux le comprendre encore. J'espère qu'il m'inspirera un petit article pour vous donner en partage  ce qui m'a marqué dans cette lecture. A bientôt pour une nouvelle aquarelle.

Cette aquarelle capture un objet nautique rouillé qui semble avoir été exposé aux éléments pendant longtemps. Les nuances de rouille, de bleu et de brun suggèrent une histoire de contact prolongé avec l'eau de mer. La texture et les couleurs sont rendues avec soin, donnant une impression de patine et d'usure. L'arrière-plan, flou et abstrait, met en valeur l'objet principal, attirant l'œil vers ses détails complexes. Les ombres et reflets ajoutent une dimension de profondeur et de réalisme à la composition. Le sujet évoque des thèmes de passage du temps et de nature transitoire des objets. L'utilisation de l'aquarelle permet une fluidité qui correspond bien au thème maritime.

L'œuvre présente un élément métallique rouillé, symbolisant peut-être le passage du temps et la dégradation. L'oxydation suggère une histoire de l'abandon ou d'un usage intensif, ajoutant une dimension narrative à l'objet. 

Style réaliste avec une attention particulière aux détails et aux textures. L'œuvre peut être influencée par le réalisme industriel et l'art contemporain qui explore les matériaux bruts et leur transformation. 

Aquarelle utilisée avec une technique de superposition pour créer des textures réalistes. Les dégradés de couleurs et les effets d'ombre sont obtenus par des lavis et des détails précis pour simuler la rouille et l'usure.

Palette de couleurs terreuses avec des nuances de brun, orange et bleu. Le contraste entre les zones lumineuses et ombragées accentue la texture et le relief de l'objet métallique. 

Focus sur l'objet central avec une composition asymétrique. L'œil est attiré vers le centre grâce aux lignes et aux ombres qui créent une profondeur et une dynamique dans l'image. 

Lignes définies et formes organiques. L'utilisation de lignes courbes et de contours flous accentue le caractère naturel de l'oxydation et des textures. 

Textures réalistes et détaillées, simulant la rugosité et l'usure du métal. L'aquarelle permet de capturer les variations de surface et les effets de vieillissement. 

Jeu de lumière et d'ombre accentuant le volume et la texture de l'objet. Les ombres profondes et les reflets lumineux créent un effet tridimensionnel. 

Alors n'hésitez plus !!!

C'est ici

Une ancre pour symboliser les bords du monde et l'importance du lien:  même dans tout ce qui est imprévisible elle est celle qui maintient la chaîne  qui garde et protège, unit. 

Aujourd'hui je teste la galerie virtuelle d'Art Majeur By Your Art. 

En ce moment je travaille sur une série avec un thème, ce sera plus facile pour vous faire partager mon univers artistique sous la forme d'une exposition, au moins virtuelle.

Dans l'immédiat, j'ai testé le service et c'est consultable ici:

https://www.artmajeur.com/sylvie-cesari#virtual-gallery

Painting with David Poxon's lesson

Mes carnets ont hébergé mes toutes premières aquarelles, je ne me sentais pas capable alors de "remplir" une feuille d'aquarelle. Peu à peu j'ai compris que travailler sur du papier coton allait m'aider à progresser  dans la maîtrise de l'aquarelle j'ai donc délaissé le carnet. 

En effet le carnet n'a pas toujours la même appétence à l'eau qu'une feuille de papier aquarelle même si l'essor du carnet de voyage et du "sketchbooking" pour les arpenteurs artistes de ville a été accompagné d'un développement qualitatif de ces carnets. 

J'en ai profité pour revenir aux carnets 100% coton qui me servent pour faire des tests de couleurs ou d'idées. Mais au final j'utilise de plus en plus le simple carnet A4 basique destiné au dessin qui fait dans les 100g. J'y griffonne à main levée mes idées au feutre fin....c'est d'ailleurs avec le feutre que je dessine le mieux comme si ne pas pouvoir gommer au final donne de meilleurs résultats, avec des traits plus libres, spontanés et personnels...

Toutefois de plus en plus je comprends l'importance du carnet ne serait-ce que pour éviter la tonne de feuilles volantes ....cela permet de vite faire un croquis où mettre ses idées, ses notes....

J'ai d'ailleurs investi dans le Perfect Sketchbook d'Etchr qui me semble-t-il est le plus proche du rendu papier aquarelle avec un 100% coton de 300g. Je voudrais y faire mes repérages plein air avec une sensation proche de la qualité atelier pour tester mon ambiance aquarellée même sous forme de croquis.  Cela complètera un croquis dessin et les quelques photos histoire de bien appréhender le sujet avec une meilleure sensation.

Et cela me fera un souvenir, mes aquarelles, elles, vont partir en voyage chez vous...

Aujourd'hui  je vous propose de prendre le temps de prendre connaissance de plusieurs ressources dédiées à Stéphane Caillebotte, présenté comme le peintre impressionniste oublié et que le musée d'Orsay a mis à l'honneur lors d'une exposition qui s'est terminée en janvier dernier.

https://youtu.be/OMJfziuyHOE?si=rLfcvXfWoKqjbyzV : il s'agit d'une vidéo d'une cinquantaine de minutes qui propose une visite de l'exposition

https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/repliques/peindre-les-hommes-4184286 : un podcast de France Culture consacré à l'exposition d'une durée de 54 mn

https://www.radiofrance.fr/franceculture/gustave-caillebotte-impressionniste-oublie-7356936 : un article complémentaire sous la vidéo d'un peu plus de 4 minutes

https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/une-vie-une-oeuvre/gustave-caillebotte-1848-1894-un-heros-tres-discret-9350771 : un podcast de 59mn de France Culture

Le temps est relatif dans l'art, la reconnaissance vient parfois très tard du fait qu'un artiste apporte un nouveau regard notamment par une utilisation inédite de la perspective....

France Culture et le groupe Radio France ont consacré plusieurs émissions sur toutes les femmes peintres pionnières qui ont su marquer leur époque malgré leur condition de femme Sans le soutien de Victor Hugo, de Georges Clémenceau, ou de leur entourage....(ou malgré leur entourage)....elles n'auraient pas été reconnues  dans une galerie ou un salon....et malgré ces soutiens le chemin fut très long et périlleux. La plupart ont su donner ses lettres de noblesse à l'aquarelle en apportant leur propre vision et leur propre style par leur appropriation des techniques et des matériaux malgré leur incapacité à franchir la porte d'une école de Beaux Arts ( école encore interdite aux femmes, femmes qui par ailleurs dépendaient encore de leur mari pour toute existence sociale ). On peut ajouter aux noms de Morisot, Cassat et Bracquemond, les noms de Blanche Odin, Maria Sybilla Merian. 

N'hésitez pas à suivre ce lien pour lire et écouter des émissions qui relatent leurs démarches artistiques et leurs combats

Pour en savoir plus: