Вечные оттенки: влияние нейтральных цветов в искусстве и дизайне

Яйцо №1 из скульптурной серии "Яйца" (2019) Скульптура Тани Клят

Представление четырех нейтральных цветов

Нейтральные цвета, такие как белый, серый, коричневый и черный, имеют долгую историю в искусстве, как в живописи, так и в скульптуре. Белый, ассоциирующийся с чистотой, светом и совершенством, был центральным оттенком со времен античности, особенно в скульптуре. Работы, созданные из белого мрамора, например, не только повлияли на эстетическую концепцию красоты, но и неизгладимо сформировали ход западного искусства, от классических цивилизаций до эпохи Возрождения и далее.

Самым ярким примером этого является «Давид» Микеланджело, высеченный из каррарского мрамора, высший символ эстетического совершенства и героизма. Тосканский художник умело использовал качество материала, чтобы подчеркнуть анатомические формы тела, создавая поразительный контраст между твердостью камня и кажущейся мягкостью плоти. Эта двойственность воплощает в жизнь видение, подвешенное между божественным и человеческим совершенством.

Однако в современной живописи белый цвет часто используется для подчеркивания простора или создания контрастов, как это видно, например, в минималистском искусстве. Что касается дизайна интерьера, включение белых произведений искусства в наши пространства, несомненно, может помочь сделать среду более яркой и упорядоченной, характеристики, которые идеально подходят как для современных, так и для более классических или минималистских обстановок.

«Серый январь» (2024) Картина Владислава Здора

«Абстракция, белое и коричневое» (2018) Картина Алессио Мариотто

Что касается серого, этот довольно сложный нейтральный цвет известен тем, что играет ключевую роль в некоторых шедеврах Герхарда Рихтера: картинах без сюжета, которые представляют собой окончательное исследование живописи как средства. Действительно, эти работы, на первый взгляд лишенные определенного мотива, сосредоточены на экспериментировании с выразительным средством, чтобы поставить под сомнение связь между живописью и фотографией. Цель состоит в том, чтобы понять, как первая может продолжать существовать, не полагаясь на традиционные цвета или явное образное содержание.

Коричневый, оттенок, вызывающий ассоциации с землей и природой, также играл центральную роль в искусстве на протяжении столетий. Взяв в качестве примера эпоху Возрождения и сразу вспомнив Рембрандта, можно увидеть, как этот оттенок мастерски использовался для выражения глубины и эмоциональной интенсивности, создавая драматические контрасты света и тени. Кроме того, этот цвет был основополагающим в изображениях повседневной жизни и пейзажей, как это продемонстрировано в работах Жана-Франсуа Милле, где коричневый цвет выражает глубокую связь с природой и сельской жизнью. Таким образом, становится очевидным, что включение произведений искусства в этих тонах в домашнюю обстановку может улучшить ее, добавив тепла и ощущения гостеприимства, одновременно создавая интимную атмосферу, способствующую ощущению укорененности и благополучия.

Farbaufrag Nr.10 (2024) Картина Кристофа Оберенцера

Наконец, черный, цвет тайны и глубины, часто используется для добавления драматизма и контраста в картинах, скульптурах и т. д. Это очевидно в работах знаковых фигур в истории искусства, таких как Караваджо, который умело использовал этот цвет для создания сильного контраста между светом и тенью, оживляя эмоциональную и трехмерную светотень. В период романтизма Франсиско Гойя также использовал черный цвет с тревожной силой, придавая своим работам трагическое и символическое значение, которого никогда не было раньше. Помните «Сатурн, пожирающий своего сына»? Наконец, в контексте дизайна интерьера хорошо известно, как использование картин и скульптур в этих тонах может преобразить пространство: черный не только привлекает внимание, но и способствует созданию ощущения глубины и изысканности, которого трудно достичь с помощью других цветов.

Чтобы проиллюстрировать использование этих цветов в современном искусстве на Artmajeur, можно привести в качестве примеров работы Андреа Джорджи и Натальи Сидоровой для белого цвета, Оламилекана Окунаде и Роджера Кенеля для серого цвета, Александра Ильичева и Ликетт-Горбаха для коричневого цвета и, наконец, Александра Жоффруа и Роберто Барбути для черного цвета.

Omnia vincit amor (белый) (2019) Скульптура Андреа Джорджи

Белый Серый (2023) Картина Натальи Сидоровой

Белый: Сравнение живописи и скульптуры

Андреа Джорджи и Наталия Сидорова, два современных художника из Artmajeur, исследуют силу белого цвета в своих работах, однако делают они это совершенно по-разному, обогащая этот нейтральный цвет уникальностью своего художественного языка.

Итальянский скульптор использует белый цвет в своей пластической работе "Omnia vincit amor " , которая, как следует из названия, была задумана, чтобы подчеркнуть концепцию вечной любви. Мужская фигура, характеризующаяся трещинами и отсутствующими частями, которые вызывают следы износа времени, намекает на уязвимость и стойкость любви. Белый, таким образом, это не просто цвет, а метафора чистоты и хрупкости человеческого сердца, где маленькая женская фигурка вылеплена внутри груди главного героя. Эта деталь предполагает, что любовь - это то, что молча наполняет и формирует душу, но остается вечным.

С другой стороны, украинская художница Сидорова исследует белый цвет через абстрактный подход, вероятно, «унаследованный» от многослойного языка Герхарда Рихтера. Более того, произведение искусства с его богатой текстурой серых и белых оттенков было призвано создать почти монохромный эффект, усиливая и увеличивая глубину и движение видения. Эти самые характеристики были разработаны, чтобы способствовать ощущению спокойствия и интроспекции у зрителя, где белый подчеркивает поверхность холста, создавая открытое и созерцательное визуальное пространство.

Очевидно, что в то время как Георгий использует этот цвет для передачи образных эмоций и представления человеческих связей, Сидорова использует его в абстрактной манере для усиления пространственного восприятия и динамизма поверхности. В обоих случаях художники отводят белому центральную и символическую роль, хотя и с совершенно разными стилистическими результатами.

Цветение (2024) Картина Оламилекана Окунаде

«Надутый ветром» (2023) Картина Роджера Квеснела

Символизм серого цвета

Художники Оламилекан Окунейд и Роджер Кеснел интерпретируют серый цвет через разные стили и темы, хотя оба используют его для выражения глубоких и сложных размышлений. Нигерийский художник использует эту хроматику в своей работе "The Bloom", которая задумана как намек на процесс культурного слияния, особенно проявляющийся в институте брака. Использование серого здесь представляет собой союз между традицией и современностью, а также между навязанными западными ценностями и сохранением африканских культурных корней.

Типичное западное свадебное платье, как и букет, призвано символизировать повсеместное навязывание западных обычаев и идеалов в африканских культурных контекстах. Невеста, одетая таким образом, становится символом конфликта и слияния двух миров, намекая на то, что, хотя в браке сохраняются традиционные элементы, он глубоко подвержен влиянию глобализации. В целом, серый цвет можно рассматривать как цветовой мост между африканскими традициями и символами брака в белой западной культуре, выражающий не только адаптацию, но и культурную устойчивость.

Канадский художник, с другой стороны, использует серый цвет более "классическим" образом, используя его оттенки для создания более реалистичного, драматичного и рефлексивного атмосферного эффекта. В работе "Windblown", вдохновленной дождевыми облаками, уносимыми ветром, этот цвет становится средством для выражения меланхоличных и медитативных настроений. Также стоит отметить, что полотно является частью монохромной серии, где серый цвет играет центральную роль в создании эмоциональной связи между сценой и зрителем.

Таким образом, если в работе Оламилекана Окунейда "The Bloom" серый становится символом культурного перехода, подразумевающим компромисс в результате навязывания внешних норм, то в произведении Роджера Кеснела акцент делается на свободе. Эти ощущения передаются в том же движении облаков, уносимых ветром, представляющих автономную и изменчивую природу эмоций и воспоминаний.

КОРИЧНЕВЫЙ ПОРТРЕТ (2022) Картина Александра Ильичева

Путешествие (2015) Скульптура Ликетт-Горбах

Браун: Между психологией и естественным равновесием

Александр Ильичев и художественный дуэт Ликетт-Горбах интерпретировали коричневый цвет в образной манере в рамках своих дисциплин. Коричневый цвет, традиционно ассоциируемый с землей, стабильностью и связью с природой, приобретает уникальные значения в их работах. Художник Ильичев, известный тем, что использует акрил на холсте для исследования внутренней жизни и психологии человека, создал «Коричневый портрет», почти «дивизионистскую» картину, которая передает суть и эмоции объекта через слои линий, цветов и текстур.

В этом контексте цвет используется в ярком и динамичном ключе: лицо девушки, покрытое слоями коричневых и золотистых мазков, предполагает сложную внутреннюю жизнь и глубокую эмоциональность, подчеркнутую пронзительным взглядом, призванным разрушить барьеры между субъектом и зрителем. В то время как Ильичев использует текстуру и оттенки коричневого, чтобы придать портрету драматизм и интроспекцию, выявляя уязвимость и силу субъекта, художественный дуэт Ликетт-Горбах вместо этого создал минималистскую скульптуру, которая вызывает легкость и душевное спокойствие. Их работа « Voyage », выполненная из экзотического дерева, отражает их увлечение простотой и естественной экспрессией материалов. Кроме того, использование дерева, наряду с коричневым оттенком, обеспечивает дополнительную связь с землей: прожилки и полированная поверхность материала порождают скульптурную форму, которая кажется почти органической.

Тогда становится ясно, что в отличие от подхода Ильичева, где коричневый служит средством эмоционального выражения, Ликетт-Горбах использует этот цвет, чтобы подчеркнуть простоту и безмятежность, создавая объект, который приглашает к созерцанию и равновесию. Действительно, скульптура с ее округлой и естественной формой передает чувство спокойствия, а коричневый выступает в качестве символа стабильности и непрерывности.

Черное разбитое зеркало (2024) Картина Александра Жоффруа

Носорог (2015) Скульптура Роберто Барбути

Черный между абстракцией и образностью

Александр Жоффруа и Роберто Барбути — два современных художника, которые исследуют использование черного цвета в своих работах совершенно по-разному: французский художник фокусируется на свете и глубине, используя глянцевый черный цвет и рельефные материалы в своих абстрактных работах, в то время как Роберто Барбути использует тот же цвет в расписной терракоте, чтобы передать силу и жизненную силу животных, вдохновленных наскальными рисунками эпохи палеолита.

В частности, в «Черном разбитом зеркале» Александр Жоффруа использует черный цвет для исследования света и теней в монохромной серии под названием «Пигменты». Эта работа основана на инновационной технике, которая сочетает распыление и штукатурку на холсте, создавая рельефную поверхность, состоящую из тысяч маленьких квадратов. Эти квадраты отражают свет и создают динамический эффект теней и отражений, придавая глубину и движение черному цвету, который в зависимости от угла и освещения может казаться как матовым, так и светящимся. Становится ясно, что для Жоффруа этот оттенок является средством для исследования темноты и блеска вместе, фиксируя взаимодействие между материалом и светом.

Напротив, «Носорог» Роберто Барбути интерпретирует черный цвет как символ первобытной силы и животной жизненной силы. Итальянский художник, вдохновленный наскальными рисунками, лепит из терракоты, используя технику «коломбино», создавая фигуры, которые сохраняют духовную сущность представляемого ими вида. Несмотря на использование стилизованных и нереалистичных форм, важно отметить, что его скульптуры животных остаются совершенно узнаваемыми, источая силу и физическое присутствие. Черный цвет, нанесенный после обжига масляными красками, подчеркивает мускулатуру и могучую структуру объекта, придавая ему ауру величия.

Очевидно, что в «Черном разбитом зеркале» Жоффруа использует черный цвет абстрактно, играя со светом и тенью, чтобы создать глубину и трехмерность, с визуальным взаимодействием, которое трансформирует цвет в динамичный и изменчивый опыт. Напротив, в «Носороге» Барбути использует тот же оттенок, чтобы подчеркнуть физическую и первобытную силу животного, делая цвет символом ощутимой и конкретной силы. В обоих случаях черный становится необходимым для передачи интенсивности и глубины, но с противоположными стилистическими подходами: один абстрактный и визуально изменчивый, другой основанный на физичности и силе.