С открытием Салона рисунка 2025 года , который соберет коллекционеров, экспертов и любителей со всего мира во Дворце Броньяр в Париже , настал идеальный момент, чтобы отпраздновать основополагающую роль рисунка в истории искусства.
От самых тонких исследований до самых смелых выражений, рисунок всегда был в центре художественного творчества, предлагая привилегированный взгляд в умы величайших мастеров. В честь этого престижного события мы представляем 10 основных рисунков , вечных работ, которые рассказывают об эволюции техники, видения и креативности.
Андреа Мантенья, «Лежащий человек на каменной плите», 1470-80. Рисунок пером и тушью. Попечитель Британского музея.
Андреа Мантенья – Лежащий мужчина на каменной плите (1470-80)
Работа «Лежащий человек на каменной плите» , созданная между 1470 и 1480 годами с помощью пера и чернил , воплощает необыкновенную способность Андреа Мантеньи сочетать анатомическую точность, выразительную драматичность и беспрецедентную иллюзионистскую перспективу . Изображенный человек с его полулежащим телом и выражением боли и покинутости источает скульптурное напряжение , которое делает его живым и осязаемым , почти трехмерным в своем реализме. Произведение искусства в настоящее время находится в Британском музее .
Этот рисунок находится в прямом диалоге со знаменитым «Мертвым Христом» Мантеньи, хранящимся в Пинакотеке Брера . Обе работы разделяют одно и то же перспективное исследование и желание экспериментировать с анатомическим ракурсом , определяющим элементом искусства Мантеньи. Рисунок не предшествует «Мертвому Христу» , но является его современником , демонстрируя, как художник был вовлечен в глубокое исследование трехмерного представления человеческой фигуры . Положение тела, крайний ракурс и выразительная интенсивность предполагают сильную связь между двумя работами, объединенными одним и тем же пластическим напряжением и увлечением пространственным иллюзионизмом .
Леонардо да Винчи, Витрувианский человек, 1490 год. Рисунок пером и тушью на бумаге. Галерея Академии, Венеция.
Леонардо да Винчи – Витрувианский человек (1490 г.)
Нарисованный Леонардо да Винчи около 1490 года , Витрувианский человек является одним из самых знаковых изображений в истории искусства. Работа изображает человека, вписанного в круг и квадрат , демонстрируя идеальные пропорции человеческого тела согласно теориям римского архитектора Витрувия .
Круг , символизирующий космос и божественное совершенство , и квадрат , представляющий земное измерение , пересекаются в человеческой фигуре, которая становится связующим звеном между микрокосмом и макрокосмом . Эта концепция, вытекающая из платонической и неоплатонической философии , отражает ренессансный идеал человека как меры всех вещей .
Стиль Леонардо отличается необычайной анатомической точностью , результатом тщательного изучения человеческого тела. В отличие от предыдущих витрувианских представлений, его рисунок основан на прямом наблюдении , а не простом копировании классического текста.
Леонардо да Винчи, Автопортрет, 1517–1518 гг. Рисунок красным мелом на бумаге. Реальная библиотека, Турин.
Леонардо да Винчи – Автопортрет (1517-18)
Автопортрет Леонардо да Винчи, созданный около 1517 года , определил коллективное воображение гения эпохи Возрождения . Этот рисунок красным мелом на бумаге , характеризующийся уверенным и текучим мазком , мастерски сочетает в себе техническую точность и глубокий психологический самоанализ . Объект, пожилой мужчина с изможденным лицом , смотрит на зрителя проницательным и выразительным взглядом .
Тонкая светотень , достигнутая благодаря мастерскому управлению Леонардо красным мелом , придает портрету сильное ощущение объема и трехмерности , придавая ему почти скульптурное качество. Его существенный, но глубокий мазок , обогащенный деликатной штриховкой, подчеркивает мягкость черт лица и усиливает ощущение глубины.
Хотя изначально «Автопортрет» Леонардо да Винчи задумывался как самостоятельный рисунок, он оказал большое влияние на мир гравюры , воспроизводясь и широко распространяясь через печатные издания с 19 века . Одна из самых ранних репродукций была сделана в 1810 году , когда Джузеппе Босси создал гравюру портрета для своего трактата «Тайна Леонардо да Винчи» , еще больше укрепив его известность. Работа вновь появилась в 1839 году , когда она стала частью коллекции Савойской династии , прежде чем была постоянно размещена в Королевской библиотеке Турина .
Хотя это общепризнанное подлинное изображение Леонардо , некоторые ученые со временем подвергли сомнению эту идентификацию, предположив, что объектом мог быть сер Пьеро да Винчи (его отец), его дядя Франческо или даже философ из античности . Однако сравнение с известным профилем Леонардо в Виндзоре , приписываемым его ученику Франческо Мельци , укрепило идею о том, что это действительно портрет Мастера в последние годы его жизни . Эта интерпретация совпадает с описанием 1517 года секретаря Луиджи д'Арагона , который изобразил Леонардо как человека старше семидесяти лет .
Альбрехт Дюрер, «Руки молящегося», ок. 1508 г. Рисунок. Альбертина, Вена.
Альбрехт Дюрер – Руки молящегося (ок. 1508)
Рисунок Альбрехта Дюрера — это произведение, выходящее за рамки времени, признанное во всем западном мире как универсальный символ веры и преданности . Созданный пером и чернилами на синей тонированной бумаге , этот шедевр изображает две мужские руки, соединенные в молитве , с тонкими пальцами и запястьями, частично прикрытыми закатанными рукавами .
Необычайное внимание Дюрера к деталям , от изысканной светотени до трехмерной визуализации , демонстрирует его замечательное графическое мастерство , способное придать даже простому анатомическому этюду глубокую выразительность.
Традиционно рисунок считался подготовительным наброском для рук апостола , которые должны были появиться на центральной панели алтаря Геллера , заказанного для доминиканской церкви во Франкфурте и трагически уничтоженного пожаром в 1729 году . Однако недавние исследования показывают, что рисунок был не просто предварительным наброском , а скорее весьма утонченной и виртуозной переработкой рук, изображенных на алтаре, — изображение, которое Дюрер, возможно, привез в Германию после своего знаменитого путешествия в Италию .
Микеланджело Буонарроти, Распятие для Виттории Колонна, 1545 год. Бумага, уголь. Британский музей, Лондон.
Микеланджело Буонарроти – Распятие для Виттории Колонна (1545 г.)
Созданное около 1545 года , Распятие для Виттории Колонны — это рисунок углем на бумаге, приписываемый Микеланджело Буонарроти , ныне находящийся в Британском музее в Лондоне . Эта работа — один из самых интимных примеров его графического творчества , тесно связанный с его дружбой с Витторией Колонной , дворянкой и поэтессой, тесно связанной с кругами Реформации .
В отличие от традиционных изображений Распятия , Христос Микеланджело не выглядит статичным на кресте , а скорее как будто левитирует, поднимаясь во вращательном движении . Его тело, смоделированное с необычайной анатомической пластичностью , скручивается таким образом, что передает как боль, так и духовное вознесение , как будто уже спроецированное на воскресение . По обе стороны от него два скорбящих ангела , изображенные с помощью основных линий , участвуют в сцене с интенсивным эмоциональным зарядом.
Динамическая интерпретация тела Христа может отражать влияние католической Реформации , которая подчеркивала Его смерть как единственный путь к индивидуальному спасению , подчеркивая жертву как высший акт искупления .
Рафаэль Санти, Этюд голов и рук двух апостолов , 1519-20. Рисунок. Музей Эшмола, Оксфорд.
Рафаэль Санти – Этюд голов и рук двух апостолов (1519-20)
Этот подготовительный этюд к «Преображению» , грандиозному алтарному образу, написанному между 1518 и 1520 годами и ныне находящемуся в Пинакотеке Ватикана , представляет собой выдающееся произведение, дающее представление о творческом процессе одного из величайших мастеров в истории искусств .
Рисунок представляет две контрастные фигуры : молодой человек с идеализированным лицом и пожилой человек с развевающейся бородой , оба погружены в интенсивное эмоциональное участие в сцене исцеления одержимого мальчика , изображенной в нижней части картины. Мастерство Рафаэля заключается в его способности характеризовать лица с чрезвычайной чувствительностью , делая пафос сцены почти осязаемым .
Черный меловой мазок , обработанный с исключительным тональным диапазоном , позволяет деликатно модулировать свет и тень , предвосхищая живописную светотень окончательной картины. Это исследование не просто анатомическое упражнение , но глубокое исследование человеческой природы и ее противоречивых эмоций .
На листе также видны следы наброса — техники, используемой для переноса контуров голов и рук с более крупного подготовительного картона в натуральную величину . Это демонстрирует, как художник постепенно совершенствовал композицию, сосредотачиваясь на наиболее выразительных деталях, чтобы достичь совершенства в живописном исполнении .
Рембрандт ван Рейн, Автопортрет, 1637 год. Красный мел. Национальная галерея искусств, Вашингтон.
Рембрандт ван Рейн – Автопортрет (ок. 1637)
Среди обширной коллекции автопортретов Рембрандта, включающей более 40 картин, 31 офорт и несколько рисунков , портрет красным мелом, созданный около 1637 года и ныне хранящийся в Национальной галерее искусств в Вашингтоне , выделяется своей непосредственностью и выразительной жизненной силой .
В этой работе Рембрандт изображает себя в широкополой шляпе и богато плиссированной одежде , однако истинным центром композиции является его лицо , нарисованное мягкими, текучими и почти эскизными линиями , что придает фигуре спонтанный и созерцательный вид . Его прямой и слегка ироничный взгляд в сочетании с быстрым и ярким мазком раскрывает не только его техническое мастерство, но и его желание постоянно исследовать собственный образ новыми способами .
Этот рисунок является частью самоанализа Рембрандта, который длился всю его жизнь и который проходит через всю его карьеру: от ранних автопортретов , где он предстает амбициозным, начинающим художником , до мощных и меланхоличных портретов старости , отмеченных глубокими тенями и самоанализом .
Эдгар Дега, «Танцовщица Дебют», ок. 1877. Национальный музей изящных искусств, Буэнос-Айрес.
Эдгар Дега – Дебют танцовщицы (ок. 1877)
Среди художников, которые запечатлели мир танца с необычайной чувствительностью , Эдгар Дега занимает почетное место. Его работа Danseuse Debout (ок. 1877 г. ), созданная пастелью на бумаге , является прекрасным примером его способности изображать движение, грацию и усилия балерин Парижской оперы .
Рисунок изображает молодую танцовщицу в момент подготовки : ее туловище слегка наклонено, одна рука вытянута, а нога поднята , что предполагает либо разминочное упражнение, либо момент равновесия . Дега не ищет идеальной театральной позы, а скорее мимолетного момента, спонтанности движения . Балерина кажется полностью поглощенной своим собственным миром, без самосознания или представления , как будто не замечая взгляда художника.
Выбор пастели с ее мягкими мазками и тонкими цветовыми нюансами позволяет Дега подчеркнуть яркость пачки, шелковый блеск трико и балетных туфель . Его быстрые и яркие линии , кажется, лепят фигуру с энергией, в то время как неопределенный фон привлекает внимание к действию танцовщицы, подчеркивая ее движение и присутствие.
Винсент Ван Гог, «Печаль», 1882. Рисунок, Новая художественная галерея Уолсолла, Англия.
Винсент Ван Гог – Печаль (1882)
Созданная в 1882 году , «Скорбь» является одним из самых ранних графических шедевров Винсента Ван Гога , интенсивной и драматичной работой, которая раскрывает глубокое чувство сочувствия художника к маргинализированным . Этот рисунок карандашом и тушью изображает Класину Марию Хорник , известную как Син , беременную, брошенную женщину , чье тело несет на себе следы суровой жизни .
Женская фигура сидит, ее туловище наклонено вперед, руки скрещены на ногах , в позе, которая выражает истощение, отчаяние и смирение . Ее тело обнажено , но лишено идеализации — это грубое и реалистичное изображение человеческих страданий .
Работа сопровождается надписью:
«Comment se fait-il qu'il y ait sur la terre une femme seule, délaissée?» ( Как может быть на земле женщина одинокая, заброшенная? ), цитата историка Жюля Мишле . Эта фраза дает ключевой интерпретирующий элемент , показывая, что рисунок — это не просто портрет , но и социальное осуждение тяжелого положения маргинализированных женщин в XIX веке .
Син Хорник была не просто моделью для Ван Гога, но и женщиной, с которой он разделил часть своей жизни. Он встретил ее на улицах Гааги в январе 1882 года — она была беременна, нища и вынуждена была заниматься проституцией, чтобы выжить . Ван Гог взял ее к себе и поддерживал около года, сформировав связь, которая для него представляла собой акт благотворительности и солидарности .
Пабло Пикассо, Фавн, раскрывающий спящую женщину (Юпитер и Антиопа, по Рембрандту), 1936. Tate, Лондон.
Произведение вдохновлено эпизодом из классической мифологии, ранее изображённым
Рембрандтом в 1659 году: история Юпитера и Антиопы, где бог, переодетый в сатира, подкрадывается к спящей принцессе. Однако интерпретация Пикассо выходит далеко за рамки исторической ссылки, превращая сюжет в изображение сильного эротического напряжения и повествовательной двусмысленности.
Фавн, мифологический персонаж, связанный с первобытными инстинктами и сексуальностью, наклоняется над спящей женщиной, приподнимая вуаль, которая её покрывает. Мягкое и пышное женское тело контрастирует с более агрессивной и звериной внешностью мужской фигуры, подчеркивая двойственность между пассивностью и доминированием, сном и реальностью.
Пикассо использует сочетание офорта и сухой иглы, техники, которые позволяют ему достичь богатства линий и текстур, сравнимых с рисунком. Его плавные, быстрые линии кажутся почти набросанными, а интенсивные тени и царапины на поверхности создают драматический контраст, усиливая напряжение сцены.
Сходство между этим офортом и графическим стилем Пикассо очевидно: беспокойные, фрагментированные линии напоминают его карандашные и угольные эскизы, а эффекты светотени усиливают объём и трёхмерность фигур, создавая ощущение, будто они были сначала вылеплены на бумаге, а затем выгравированы на пластине.
Olimpia Gaia Martinelli
| Журнал ArtMajeur
